miércoles, marzo 25, 2015

LEVIATAN

Por: Eduardo Jiménez J.
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Con razón esta película no gustó a las actuales autoridades rusas, que entre otros premios fue galordana con el Globo de Oro y el BAFTA 2015 (premio de la Academia Británica) a mejor película en lengua no inglesa, aparte de haber competido por el Oscar en el presente año, en la misma categoría.

A modo de fábula es bastante evidente: trata sobre la corrupción de las actuales autoridades rusas. No es un secreto que cuando implosionó la Unión Soviética, el vacío de poder es tomado por distintas mafias que se apropian de los bienes del estado, en colusión con antiguos dirigentes del partido comunista. Es así que se hacen las grandes fortunas en la Rusia actual, con la complicidad de la Iglesia Ortodoxa, bastante conservadora y apegada al status quo.

En un pueblito cerca al mar, vive Kolya, con su mujer y su pequeño hijo Roman. El alcalde del pueblo quiere apropiarse de su casa, aduciendo mejoras para toda la aldea. Como no puede en un primer momento, le atribuyen la muerte de su esposa para encarcelarlo y apropiarse del bien.

Grosso modo esa es la trama, pero lo importante es la atmósfera que se va creando y los personajes que desarrollan un tipo: Kolya es sencillo como el pueblo, Lilya bastante sensible y trasparente, Roman es el futuro esperanzador, el alcalde la ambición del poder, el sacerdote la religión que mantiene calmado al pueblo en contubernio con el poder, y así.

Los páramos desolados ayudan a ese ambiente, con una escenografía natural impresionante, ayudados por una muy buena fotografía.


Vale la pena ver esta película, que estoy seguro no llegará por estas tierras a la cartelera comercial, pero se encuentra disponible en dvd o blueray. Si gusta de un cine alternartivo, no saldrá defraudado.

LEVIATAN [Leviafan]
Dir: Andrey Zvyagintsev
Guión: Oleg Negin, Andrey Zvyagintsev
c/ Elena Lyadova (Lilya), Aleksey Serebryakov (Kolya), Sergey Pokhodaev (Roman)
Rusia/2014/Drama****/Dvd/Las que nunca se estrenaron


miércoles, marzo 18, 2015

ATACADA: EL CINE COMO PROPAGANDA

Por: Eduardo Jiménez J.
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La ópera prima de Aldo Miyashiro evidencia un interés didáctico y de denuncia sobre la violación impune de mujeres en nuestro país (los créditos finales dan cuenta de una acuciosa investigación previa), así como la ineficacia de la administración de justicia en resolver el conflicto social. Quizás ese afán didáctico y de denuncia es lo que “lastra” el filme que cuenta con una interesante primera parte.

Atacada se encuentra dentro del grupo de películas que se denomina cine de propaganda o proselitista, donde el realizador o los productores buscan resaltar una idea, una persona o un hecho determinado, sea apologéticamente o como denuncia. Casi siempre existe un interés ideológico, religioso o político en el tema. Fue el cine de, por ejemplo, la documentalista alemana Leni Riefenstahl, donde resaltaba las supuestas bondades de la raza aria en la época del nazismo; o, más recientemente, de películas como Cristiada, donde se hacía apología de la heroicidad de los católicos que murieron en la llamada guerra de los cristeros, en el México post revolucionario.

El gran peligro del cine de propaganda o proselitista es caer en los esquemas o clichés. Vale decir todo se encuentra en función de la idea o el concepto. Personajes y trama van en función a lo que se quiere denunciar o resaltar. Y ese es el principal problema de Atacada, subtitulada existencialmente como La teoría del dolor.

La película tiene cuatro partes claramente delimitadas: la etapa previa a la violación donde conocemos a Andrea y a su entorno. La violación propiamente. La tercera es el shock post traumático y el inútil juicio que sigue contra Rodrigo, el violador. La última es la venganza personal. Hay un epílogo donde vemos al personaje algunos años después tratando de rehacer su vida.

Las tres primeras partes (la etapa previa a la violación, la fiesta donde se produce, la inútil batalla legal de Andrea -muy al estilo anglosajón-) tienen ese afán de demostrar los efectos de la violación perpetrada y la ineficacia de la justicia en nuestro país cuando se trata de los poderosos, como lo evidencia la desaparición de los videos que registraron el hecho, y la “compra” de testigos y del propio médico legista. La esquematicidad de los personajes es evidente: los “buenos” son marcadamente buenos, y los “malos” marcadamente malos. Y en ese punto es donde se desequilibra la película: por demostrar una idea (la ineficacia del sistema de administración de justicia frente a un hecho tan clamoroso de violación) tenemos personajes que no llegan a desarrollar del todo y quedan como portavoces de una idea. Aparecen más como figuras, pero les falta densidad.

No obstante, pudo haber sido un mal menor, si el filme no se dilatase tanto con un giro rocambolesco donde se da cuenta de la venganza de los amigos de Andrea contra Rodrigo. La película pierde rumbo del todo, entramos truculentamente al cine gore, y se acentúa la parte melodramática con el internamiento de la protagonista en un penal por ser supuestamente “autora intelectual” del delito, amén del padre que fallece de tristeza y un pequeño que la espera a su salida de la cárcel (suponemos producto de la violación). Acá desbarranca del todo, cuando pudo tener un buen corte con el fin del juicio y un breve epílogo sobre la protagonista.


Es meritorio que Miyashiro haya tratado un tema que casi es de género y lo tratan por lo general mujeres. Vale el intento (y se debe ser muy hombre para hacerlo). Esperemos que en su siguiente largo pueda equilibrar mejor las cosas.


ATACADA  
Dir y Guión: Aldo Miyashiro
c/ Érika Villalobos (Andrea), Jason Day (Rodrigo), Eduardo Cesti (padre de Rodrigo), Carlos Gassols (padre de Andrea), Christian Rivero (Diego)
Perú/2015/Drama**/Estrenos


lunes, marzo 16, 2015

VICIO PROPIO

Por: Eduardo Jiménez J.
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Paul Thomas Anderson no requiere presentación entre los cinéfilos. Proveniente de los predios del cine indie, su oscarizada película Petróleo sangriento no lo apartó de su origen, ni se dejó tentar por las “concesiones” al sistema dominante de cine en Hollywood, como les sucedió a muchos directores con talento, lo que se ratifica en Vicio propio.

Estrucutrada a modo de las clásicas películas del cine negro, estamos en la California de 1970 (la cuna del movimiento hippie), cuando Larry "Doc" Sportello, convertido en detective privado, recibe la visita inesperada de una ex girl friend de su época de hippie y consumidor masivo de todo tipo de drogas. Shasta, la ex pareja, acude preocupada por la desaparición de su actual novio, un multimillonario de la construcción. En el camino tenemos a un policía maldito, el teniente "Bigfoot" Bjornsen, que ayudará en las investigaciones, con una relación bastante complicada con "Doc" Sportello.

Pero, si bien parece que estamos ante una película que descubrirá criminales o acciones poco trasparentes, nos encontramos con los rezagos de lo que fue la era del peace and love llevada al límite, y encarnada perfectamente en el personaje principal.

En el camino personajes esperpénticos, casi caricaturas, pistas que no conducen a nada y un mundo (el de los años sesenta) que se va apagando, tornando en reliquias del pasado a tipos como Sportello.

Hay que tomarse con humor la película, donde no existen conclusiones definitivas, sino un agridulce recuerdo de un  tiempo que ya fue, y que ratifica a Paul Thomas Anderson como uno de los cineastas más creativos de su generación.


VICIO PROPIO [Inherent Vice] 
Director: Paul Thomas Anderson
Guión: Paul Thomas Anderson, basado en la novela de Thomas Pynchon
c/ Joaquin Phoenix (Larry "Doc" Sportello), Katherine Waterston (Shasta Fay Hepworth),  Josh Brolin (Lt. Det. Christian F. "Bigfoot" Bjornsen), Eric Roberts          (Michael Z. Wolfmann), Benicio del Toro (Sauncho Smilax, Esq), Reese Witherspoon Deputy D.A. Penny Kimball
EEUU/2014/Comedia****/Estrenos


viernes, marzo 13, 2015

SELMA

Por: Eduardo Jiménez J.
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Tenía razón David Oyelowo en su queja por no encontrarse en la lista de nominados al Oscar como mejor intérprete en el presente año. Su actuación como Martin Luther King es sencillamente magistral. Lamentablemente parece que las copias de la película llegaron un poco tarde o faltó “hacer lobby” (del bueno) a los productores del filme entre los miembros de la Academia a fin que se interesen en la película, y eso frustró su inclusión en la lista de los nominados.

Estamos en 1965 y Martin Luther King representa la resistencia pacífica a lo Gandhi a fin de conseguir los derechos civiles para las minorías negras, en contraposición al movimiento violentista de los Panteras negras liderados inicialmente por Malcolm X (hay evidencias que antes de su asesinato se apartó del movimiento y cambió su forma de pensar). Luther King es muy respetado por la comunidad negra y es su “líder natural”, aparte que su prestigio le abre las puertas de la Casablanca y conversar de tú a tú con el presidente Lyndon B. Johnson.

La película se centra en los tiras y aflojas previos a la promulgación de la ley de igualdad racial y acceso libre al voto a las minorías negras, así como los preparativos de la histórica marcha del pueblo de Selma hacia Montgomery, Alabama, en pleno corazón del deep south. Es muy bien descrito ese ambiente eléctrico que se vivió, el apoyo de blancos de buen corazón a favor del voto a las minorías, así como los asesinatos raciales de ese entonces.

Es cierto, como narra el filme, el papel entre político y negociador que tuvo el presidente Johnson (quien en verdad fue el impulsor desde el poder de los derechos civiles a favor de los negros), de ver hasta dónde podía ir en las negociaciones (muy bien interpretado por Tom Wilkinson); así como el de su contraparte, Luther King, que a veces dudaba de los pasos que debía tomar, se equivocaba en el camino, pero era innegable el carisma y la gran oratoria que desplegó para unir voluntades en un proyecto común. I have a dream.


SELMA
Dir: Ava DuVernay
Guión: Paul Webb
c/ David Oyelowo (Martin Luther King Jr), .Carmen Ejogo (Coretta Scott King), Oprah Winfrey (Annie Lee Cooper), Tom Wilkinson (President Lyndon B. Johnson), Tim Roth  (Gov. George Wallace)
UK,EEUU/2014/Biopic***/Estrenos


lunes, marzo 09, 2015

SIEMPRE ALICE

Por: Eduardo Jiménez J.
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Los dramas personales nunca tienen pierde, y si están notablemente actuados, tanto mejor.

Julianne Moore tiene mejores actuaciones (aunque se debe reconocer que acá se encuentra soberbia); pero el papel de mujer que va perdiendo gradualmente la memoria y la identidad de quién es como la de su familia, no tiene pierde. Es así que la lucha, perdida de antemano, de la heroína ante la adversidad se reflejará en una serie de actos y circunstancias que marcan su progresivo deterioro mental, hasta la pérdida absoluta, graficado muy bien en el fundido en blanco final de la pantalla, “la mente en blanco”.

En el medio tenemos historias secundarias que alimentan a la principal, como el de la hija con matrimonio convencional; pero la quie resalta es la historia de Lydia, la hija rebelde y que lucha por convertirse con terquedad en actriz. No sabemos si alcanzará su sueño, pero vale su lucha.


Más allá de la historia y narración convencional, Siempre Alicia merece verse por las muy buenas actuaciones, tanto de su protagónica, como de los secundarios.

SIEMPRE ALICE [Still Alice] 
Dir: Richard Glatzer  
Guión: Richard Glatzer y Wash Westmoreland, basado en la novela de Lisa Genova
c/ Julianne Moore (Alice Howland), Alec Baldwin (John Howland), Kristen Stewart (Lydia Howland), Stephen Kunken (Dr. Benjamin)
EEUU,Fra/2014/Drama***/Estrenos

miércoles, marzo 04, 2015

WHIPLASH: MÚSICA Y OBSESIÓN

Por: Eduardo Jiménez J.
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Hecha con presupuesto franciscano, mayormente financiado por el Instituto Sundance, se convierte en película de culto al poco tiempo de su estreno, obteniendo réditos superiores al capital invertido.

Tomando como base un corto del mismo nombre, donde se encuentra en germen la trama, Damien Chazelle obtiene la financiación para convertirlo en largometraje, contando casi con los mismos actores originales, y principalmente de J.K. Simmons como el implacable y déspota profesor Fletcher.

Andrew es una joven promesa de la batería, ingresando a un prestigioso conservatorio musical. Allí se encuentra con el profesor Fletcher, quien lo recluta para su banda, exigiéndole el máximo de rigor en su performance, acompañado de vejaciones a la dignidad del discípulo por cada error cometido.

La puesta en escena se centra en la relación tensa y difícil entre el joven Andrew y el déspota profesor, marcando la pauta de un derrotero desde un sometimiento total del discípulo hasta la rebeldía y una culminación en un plano de igualdad de ambos. Notable la secuencia final que señala la evolución de esa extraña relación, donde Andrew le hace ver mediante su acto de no sumisión e independencia en la ejecución del solo de batería que él ya no se deja dominar, que ya “creció”, y el profesor parece entenderlo.

Se encuentran “guiños” a celebres películas, como Atrapados sin salida de Milos Forman (One Flew Over the Cuckoo's Nest, 1975), tanto a escenas (la célebre pelea en la competición final, donde se trenzan a golpes Andrew y el profesor Fletcher), como a personajes (Fletcher es casi un alter ego masculino de la déspota enfermera Ratched, interpretada, oh casualidad, por Louise Fletcher).

La película va a dar para críticas y comentarios de los límites de la exigencia que un maestro debe ejercer hacia su discípulo. ¿Se le debe exigir más allá de ciertos límites o no?, ¿la humillación que le hace ver sus errores al discípulo debe ser eliminada?; tomando en cuenta, sobretodo, si el discípulo cuenta con talento para el arte o profesión enseñada.

WHIPLASH: MÚSICA Y OBSESIÓN [Whiplash] 
Dir y Guión: Damien Chazelle
c/ Miles Teller (Andrew), J.K. Simmons (Fletcher), Paul Reiser (Jim Neimann), Melissa Benoist (Nicole)

EEUU/2014/Drama*****/Estrenos


lunes, marzo 02, 2015

LA TEORÍA DEL TODO

Por: Eduardo Jiménez J.
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Interpretar a Stephen Hawking, quizás el científico contemporáneo más querido, tenía casi asegurado el Oscar: son las historias que le gustan a la Academia, aquellas que describen el valor y empuje frente a la adversidad. Resultó extraño que no le concedieran el Oscar a mejor película y solo obtuviese el de mejor actor (contra Michael Keaton, que por leguas, se lo merecía).

La película abarca el horizonte temporal de la mayor productividad de Hawking, desde el compromiso con Jane, su primera esposa, hasta su consagración definitiva y respeto como uno de los científicos contemporáneos más prestigiados. En el medio tenemos el medroso adulterio de Jane (que, valgan verdades, es descrita como una verdadera heroína; lo cual no es casual, debido a que el guión se inspira en su libro), el ulterior divorcio (que casi es soslayado pudorosamente), la relación con su enfermera, que se convierte en su segunda esposa, y la consagración definitiva en el mundo científico y académico. Todo matizado con frases ingeniosas del personaje que obviamente revelan su inteligencia. Y a ganar el Oscar.

Hace poco pudimos disfrutar de una biopic, también dedicada a un científico, esta vez de   “el padre” de la informática y la inteligencia artificial, el matemático Alan Turing. Bueno, El código Enigma (The Imitation Game) es muy superior a La teoría del todo. Empezando por el registro del personaje, es más rico y con matices y, la puesta en escena, con aperturas de arcos temporales hacia el pasado, que explican mucho del personaje, la hace más interesante. Si se trataba de dar un Oscar a una película sobre un científico, con creces lo merecía Enigma y, sobretodo, su actor Benedict Cumberbatch, que el tratamiento unidimensional y de “santo laico” que aporta La teoría del todo (o de la nada).

LA TEORÍA DEL TODO [TheTheory of Everything]
Director: James Marsh
Guión: Anthony McCarten, basado en el libro de Jane Hawking
c/ Eddie Redmayne (Stephen Hawking), Felicity Jones (Jane Hawking), Charlie Cox (Jonathan), Maxine Peake (Elaine)
UK/2014/Biopic***/Estrenos