BALANCE DEL CINE VISTO EL 2008

Se impone el balance de rigor. Si bien existió mayor variedad de títulos con respecto al año anterior, la estandarización de los blockbusters deja poco espacio para cintas con mayor interés que la taquilla. Sin embargo, se han estrenado películas interesantes. La relación que viene a continuación no tiene orden prioritario, sigue –más o menos- la secuencia de los estrenos en nuestra ciudad.
Con todo lo arbitrario que significa siempre una selección, nos quedamos con:

1. La lista negra
2. American ganster
3. Michael Clayton
4. Sin lugar para los débiles
5. Juno
6. Petróleo sangriento
7. Luz silenciosa
8. Promesas del este
9. Iron man
10. Batman, el caballero de la noche
11. Wall-E
12. 4 meses, 3 semanas y 2 días
13. 3:10 para Yuma
14. Dueños de la noche
15. Traición y lujuria
16. Buscando un amor
17. Relaciones peligrosas
18. Luces al atardecer
19. Paranoid park
20. Quémese después de leer

Y si reducimos a solo diez títulos, nos quedamos con:

1. La lista negra
2. Sin lugar para los débiles
3. Juno
4. Petróleo sangriento
5. Luz silenciosa
6. Promesas del este
7. 4 meses, 3 semanas y 2 días
8. Dueños de la noche
9. Relaciones peligrosas
10. Luces al atardecer


EL CINE NACIONAL

El 2008 fue un verdadero boom de estrenos nacionales, donde encontramos mayormente óperas primas de jóvenes realizadores, lo cual implica un “relevo generacional” con gustos, temas y obsesiones totalmente distintos a los de la generación que ahora frisa las cinco o seis décadas.
Lo bueno es que se hagan películas. Seamos claros: no importa tanto la calidad, no vamos a pedir que todas sean “obras maestras”, menos al tratarse de películas iniciales de jóvenes que tienen más ganas que dominio del oficio. Lo que importa es que se produzcan películas y que ese número vaya en aumento.

También existe un prejuicio de la –digamos- “crítica especializada” hacia el cine nacional, o mejor dicho, un complejo de inferioridad de cierto sector de la crítica que ve como malo todo o casi todo el cine que se produce por estas tierras y que muchas veces confunde sus gustos y preferencias con el de los jóvenes realizadores, pretendiendo convertirse en una suerte de “guías iluminados” del “buen cine” (para ellos) que proponen como “solución salvadora” al dilema del cine peruano la intervención estatal en sus distintas modalidades y niveles (exoneraciones tributarias, financiamiento obligatorio de películas, cuotas de pantalla “forzosas”, salas exclusivas para filmes nacionales, entre otras lindezas). Modestamente dudanos que por allí vaya la solución.

Igualmente existe el problema de público. A diferencia de hace treinta años atrás, el público actual “no se engancha” con las producciones nacionales, asistiendo muy poco a un estreno local, salvo contadas excepciones. No creo sea exclusiva culpa de las producciones peruanas por “no haber sintonizado” con “su” público, como usualmente se les achaca, sino de distintas tendencias que actúan en contra, como la globalización de los blockbusters, estrenados en simultáneo en todo el mundo y con un aparato publicitario y cuotas de pantalla impresionantes, que deja poco espacio para las producciones locales, fenómeno que se repite también en otros países. Pero, no solo es el problema de la competencia desigual sino también de cierta estética y un gusto estandarizado que van generando estas superproducciones, sobretodo en el público joven. Es como si a una persona se le acostumbra solo a comer hamburguesas o pollo frito con gasesosa. Después será muy difícil que su paladar sienta el placer por el caviar y el champagne. Algo de eso pasa también. Se ha formado una “estética de blockbusters” bastante chata, pobre y muy estandarizada.

Lo malo. El cine de provincias no se visiona todavía en la capital, restringiendo su exhibición a la región donde se produjo. Salvo algunas salas no comerciales, no existe espacio para los cineastas del país y se desconoce mayormente su producción. Repito, no importa tanto la calidad, sino que se continúe con el esfuerzo, a pesar que en provincias no existen los elementos técnicos necesarios ni tampoco una “escuela de cine”, sin embargo las ganas y voluntad no faltan.

Podemos distinguir dos tendencias dentro del cine peruano estrenado comercialmente este año: una que va dirigida al “gran público” con historias fáciles y livianas como sería Mañana te cuento 2 o Valentino y el clan del can. Otra, que apuesta a un estilo propio, más de “cine de autor”, no concesivo de la platea, como es el caso de Dioses, Un cuerpo desnudo o El acuarelista. Un rasgo distintivo -como ya expresamos líneas arriba- es que la mayoría de las películas son de realizadores menores a los cuarenta años, vale decir es la “nueva generación” de directores nacionales, lo cual es bueno, pero requiere continuidad en los proyectos, que no queden en la primera película. En estos momentos el único director peruano que hace cine regularmente es Francisco Lombardi, cuya última propuesta, Un cuerpo desnudo, fue muy criticada, aunque también incomprendida. Y, si hablamos de películas con justificación ideológica está Vidas paralelas, fallida “lavada de cara” de los militares en la época del terrorismo (a lo cual, como expresamos en el momento de su estreno, en una sociedad democrática están en su pleno derecho de hacerlo).
De los estrenos nacionales, a lo lejos destacó Dioses, y le sigue Un cuerpo desnudo y El acuarelista. Josué Méndez ratificó la rigurosidad y universo propio que mostró en su primer filme, Lombardi presentó una obra menor pero no carente de interés, y Daniel Ró demostró el tanteo de un camino personal que deberá definir y pulir en sus siguientes largos.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

QUÉMESE DESPUÉS DE LEER

Siguiente largo de los hermanos Coen luego del oscarizado éxito de Sin lugar para los débiles (No Country for Old Men, 2007), esta vez trata sobre la paranoia que se vive en Estados Unidos luego del 11-S y la invasión a Iraq. Precisamente la cinta es tributaria de un clásico de la ciencia ficción a quien rinde homenaje en un par de escenas: La invasión de los usurpadores de cuerpos (The invasión of the body snatchers, 1956) de Don Siegel. El ambiente fóbico, paranoico, de saberse perseguido y vigilado por fuerzas extrañas y malignas, solo que esta vez no se trata de alienígenas sino de las agencias de inteligencia norteamericanas. La película está estructurada como una bola de nieve que se va agrandando conforme pasan los acontecimientos: un agente de la CIA es despedido (John Malkovich) por lo que su situación familiar se torna precaria, decidiendo la esposa divorciarse del marido desempleado (Tilda Swinton), mientras tiene un romance con un guardaespaldas jubilado (George Clooney). El asunto se complica cuando una cuarentona asistente de gimnasio (Frances McDormand) quiere mejorar la silueta con cirugías plásticas, por lo que no encuentra mejor forma que chantajeando al ex agente con una fuerte suma de dinero por un cd con información perdido, ayudado por su compañero de trabajo (Brad Pitt).

Gracias a la anécdota nos va diseccionando las miserias de estas personas, con traiciones mutuas y valores por los suelos. Nadie es héroe, todos tienen “rabo de paja”, buscando el beneficio propio aprovechando situaciones inesperadas, sin darse cuenta que “el gran hermano”, el ojo de la CIA los vigila atentamente para saber si se salen de los carriles de lo previsto.

Buena película de los hermanos Coen, que si bien no está a la altura de su anterior largo, ratifica su sentido independiente a pesar de los merecidos premios recibidos.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

QUÉMESE DESPUÉS DE LEER [Burn After Reading]
Dirs y guión: Ethan y Joel Coen
c/ George Clooney (Harry Pfarrer), Frances McDormand (Linda Litzke), John Malkovich (Osbourne Cox), Tilda Swinton (Katie Cox), Brad Pitt (Chad Feldheimer)
EEUU,UK/2008/Thriller***/Estrenos

EL DÍA QUE LA TIERRA SE DETUVO

El día que paralizaron la tierra (The Day the Earth Stood Still, 1951) era una película de ciencia ficción con alegato pacifista. Rodada en plena guerra fría, la amenaza nuclear era un peligro inminente, por lo que un “embajador” de una civilización mucho más avanzada que la nuestra nos advierte que debemos detener esa locura guerrera bajo apercibimiento de ser destruídos, dado que ponemos en peligro a todo el universo. Ese alegato, por supuesto, se produce en la sede de las Naciones Unidas, donde llega, no sin cierta resistencia, el representante interplanetario Klaatu.
La diferencia con el “remake” se centra no solo en los efectos especiales, obviamente más sofisticados, sino sobretodo en la presencia más amenazante de Klaatu, es una “presencia” que impone por si sola temor por los poderes que despliega, y, en que la “advertencia” es una amenaza real de destrucción, por lo que el papel de la doctora Helen Benson es más protagónico, tratando de convencer al alienígena que nos de una segunda oportunidad, que los humanos, después de todo, no somos tan miserables y tenemos cosas buenas también. Por cierto, el filme nos describe como animales más “salvajes”, donde la razón casi desaparecida de nuestra conciencia, ayudado con un ritmo de acción más trepidante que el original. Pero, si se trata de quedarnos con la versión original o el “remake”, nos quedamos con la primera, pese a los rudimentarios efectos especiales, tiene esa ingenuidad propia de las historias de aquella irrepetible época.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

EL DÍA QUE LA TIERRA SE DETUVO [The Day the Earth Stood Still]
Director: Scott Derrickson
Guión: David Scarpa, basado en el guión de Edmund H. North
c/ Keanu Reeves (Klaatu), Jennifer Connelly (Helen Benson), Kathy Bates (Regina Jackson), Jaden Smith (Jacob Benson)
EEUU/2008/CF***/Estrenos

MADAGASCAR 2: ESCAPE DE ÁFRICA

La animación digital se sostiene no tanto por los adelantos técnicos en si, sino más bien por contar buenas historias, por cierto, las mismas que nuestros abuelos leyeron, solo que “actualizadas” para las nuevas generaciones. Madagascar (2005) trataba sobre “dejar el nido” cuando hemos madurado para conocer el mundo. El lugar seguro que representa el zoológico, suerte de “útero materno” donde no falta nada, es dejado con los riesgos que ello implica. La segunda parte trata de encontrarse con las raíces, es decir, con uno mismo. El hábitat rechazado inicialmente (la jungla) es aceptado como el hogar, con el que se identifican nuestros personajes.
También tiene un mensaje implícito a la diferenciación, a que los opuestos se complementan como Melman, la jirafa, y su amor por Gloria, la hipopótamo, o del Pingüino hacia su “muñeca”, con la cual se “casa”. Por cierto, a pesar que esta segundo entrega no desluce, se deja extrañar un mayor protagonismo de los pingüinos. “Tú no has visto nada”.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

MADAGASCAR 2: ESCAPE DE ÁFRICA [Madagascar: Escape 2 Africa]
Dir: Eric Darnell y Tom McGrath
Guión: Etan Cohen y otros
Voces originales: Ben Stiller (Alex), Chris Rock (Marty / Additional Zebras), David Schwimmer (Melman), Jada Pinkett Smith (Gloria), Sacha Baron Cohen (Julien), Cedric the Entertainer (Maurice), Andy Richter (Mort)
EEUU/2008/Animación***/Estrenos

SUEÑOS Y DELITOS

Existe una vertiente en la obra de Woody Allen que tiene como temática la ambición (manifestada a través del poder o del dinero) y un crimen cometido por este móvil que generalmente queda impune. Sueños y delitos o El sueño de Casandra, como es su título original, trata sobre ese tema, solo que esta vez con una variante de remordimiento y expiación hacia el final.
Ian y Terry son dos jóvenes ambiciosos y soñadores con “hacerse millonarios” rápidamente y disfrutar de la vida. No desean trabajar “rompiéndose el lomo” como sus esforzados padres y su referencia es un tío que ha hecho fortuna con clínicas de belleza pero con un pasado oculto ilícito, origen de su actual posición social y económica. Si bien en un registro y tono distinto estamos ante una temática muy similar a la de Relaciones peligrosas (Before the Devil Knows you’re Dead) de Sidney Lumet, coincidentemente del mismo año (2007).
Son los sueños de ambición los que están sobre el tapete, encarnados en el bote que compran los hermanos más allá de sus posibilidades económicas (el mito de Casandra alude a las profecías que se ven pero no se creen). Es vivir al crédito, desaforadamente, obnubilados por un modo de vida sin valores éticos, y cuando la soga aprieta recurrir al crimen si es necesario. Solo que esta vez Allen no sale tan bien librado como en su anterior largo Match Point (2005). La trama es un poco reiterativa de las acciones de estos dos muchachos y cómo se van hundiendo más y más sin darse cuenta, y “la redención” de Terry no es tan convincente, en una mezcla de Crimen y castigo con los Hermanos Karamazov.
De todas maneras se deja ver y es mucho mejor que cualquier película promedio de las estrenadas últimamente.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

SUEÑOS Y DELITOS [Cassandra's Dream]
Dir. y guión:Woody Allen
c/ Ewan McGregor (Ian), Colin Farrell (Terry), Tom Wilkinson (Howard)
EEUU, UK/2007/Drama***/Estrenos

TOMANDO TÉ CON MUSSOLINI

Ubicada geográficamente en Florencia durante el período de auge y fin del fascismo, con un arco temporal de poco más de diez años, se centra en un grupo de inglesas (llamadas “las scorpioni”) amantes del arte del renacimiento y que se niegan a abandonar por la inminente guerra la tierra que consideran su segunda patria. Es la relación entre estas damas de educación refinada y un muchacho, hijo ilegítimo de un comerciante, donde se centra el filme, narrando los diferentes sucesos y cómo sobreviven en plena guerra, así como la inclinación artística del que sería en el futuro Franco Zeffirelli. Si bien es una película marcadamente autobiográfica, le faltó más emoción, dramatismo a las historias contadas, convirtiéndose más bien en una sucesión de anécdotas.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

TOMANDO TÉ CON MUSSOLINI [Tea with Mussolini]
Dir.: Franco Zeffirelli
Guión: John Mortimer, Franco Zeffirelli, basado en la autobiografía de Franco Zeffirelli
c/ Cher, Maggie Smith, Judi Dench, Joan Plowright, Lily Tomlin, Claudio Spadaro
Ita/1999/Comedia dramática***/Películas del ayer

RED DE MENTIRAS

Ridley Scott se mueve bien en las películas que combinan la acción con el suspenso manteniendo al espectador en atención constante de lo que acontece de principio a fin. Es un buen contador de historias, ubicando sus thirllers en un contexto político determinado como fue La caída del halcón negro, y lo vuelve a ratificar en Red de mentiras. Esta vez el contexto lo otorga un tema de palpitante actualidad: la guerra en Iraq entre el ejército norteamericano y la resistencia fundamentalista musulmana. El enfoque es a través de los dos personajes principales: Ferris como agente de la CIA en el Medio Oriente que debe buscar y develar a las células terroristas que operan y Ed Hoffman como su jefe de operaciones a miles de kilómetros de distancia, desde Estados Unidos. La contraposición entre estos dos personajes, uno cuestionador de los métodos que el gobierno norteamericano efectúa para conseguir información (el “todo vale” se impone) mientras el otro los avala sin hacerse problemas de conciencia, viéndolo hacer cómoda y tranquilamente su vida de padre de familia mientras da instrucciones por celular a su agente. Precisamente “un personaje” adicional es la sofisticada tecnología con la que se libra esta guerra: internet, celulares, satélites, computadoras de última generación. No solo es la infiltración clásica en los grupos subversivos sino el uso de tecnología de punta que paradójicamente muchas veces no sirve frente a un enemigo que usa los métodos convencionales del “boca a boca” o el papelito. La sensación que se tiene es que esta guerra es global, que Occidente no la está ganando y como dice uno de los personajes donde no hay nadie inocente. Cada bando lucha por sus intereses. Por supuesto hay un discurso implícito que subyace en el filme y es el de “choque de culturas”, que Ridley Scott lo desarrolló ampliamente en un anterior filme “histórico”: Cruzada (Kingdom of Heaven, 2005), solo que esta vez se privilegia más la acción en aras del discurso ideológico que se encuentra implícito. Si bien la historia de amor de Ferris con Aisha suena medio impostada (un acercamiento de buena voluntad hacia el bando contrario) y el discurso patriotero y desafiante del agente de la CIA ante el jefe de los subversivos demasiado chauvinista, ello no resta los méritos del filme bajo comentario en lo que tiene en su haber: una historia bien contada, que estemos de acuerdo o no con su mensaje implícito es otra cosa; pero, la película se deja ver y tiene mejor factura que muchos blockbusters que circulan por allí.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

RED DE MENTIRAS [Body of Lies]
Dir.: Ridley Scott
Guión: William Monahan, basado en la novela de David Ignatius
c/ Leonardo DiCaprio (Roger Ferris), Russell Crowe (Ed Hoffman), Mark Strong (Hani), Golshifteh Farahani (Aisha), Oscar Isaac (Bassam), Ali Suliman (Omar Sadiki)
EEUU/2008/Thriller***/Estrenos

EL ACUARELISTA

Ópera prima del realizador nacional Daniel Rodríguez abordando una metáfora sobre la incomprensión del arte y el artista.

El antecedente, el germen de la idea, se encuentra en su corto El colchón. Allí está la base de El Acuarelista; pero, el resultado de su primer largo es irregular aunque no carente de interés. Inscrito dentro de la vertiente de la comedia del absurdo con personajes esperpénticos como “El presidente” o “La presidenta” (se nota la mano de Álvaro Velarde en los trazos) entramos a una historia que linda en lo absurdo: la imposibilidad de un artista de pintar su anhelada acuarela por múltiples motivos que confabulan en su contra. De ribetes kafkianos (basta una letra inicial para designar al protagonista), nos sumerginos en un mundo intemporal, con escenas oníricas de sueños y pesadillas que marcan su deseo y frustración, viéndose inserto en hechos que no le conciernen y no sabe exactamente qué son (se designa como “la obra” una remodelación del edificio que perjudica sus ansias de ser artista), pero que lo afectará hasta hacerlo desaparecer en el anonimato o en la muerte (el final ambiguo no dice exactamente cómo acaba el pobre T). Lo más interesante son los personajes secundarios y sus historias personales, así como esa creación de atmósferas particulares en que se ve surmergido por sus metiches vecinos. Descontando al “Presidente” (un siempre logrado Enrique Victoria), la historia de Claudia que quiere salvar su matrrimonio a través del retrato que deberá pintar T, o de Elvira que manda a clases de pintura a su travieso niño para retozar con su amante (la historia secundaria más lograda), para no mencionar los abusos de confianza de la “Presidenta” a fin que el personaje pinte un mural a la entrada del edificio o “la voz en off” que va dando cuenta de la trama. Posiblemente se diga que son “unidimensinales” (está de moda la palabreja), pero esa es la intención al momento de describirlos. Por cierto se nota también una influencia de El inquilino (1976) de Roman Polanski. Incluso hay dos escenas que homenajean directamente a la ya clásica cinta del realizador polaco, dándole un giro inesperado de lo cómico-absurdo a lo terrorífico (el grupo de inquilinos como una amenaza), lo cual hace que pierda unidad la cinta y un poco el interés hacia el final.

Metáfora sobre la incomprensión del arte y el artista, El acuarelista es una primera cinta interesante, con algunos “baches” naturales en una ópera prima, pasando el realizador la prueba. Estaremos a la espera de su siguiente trabajo, Home office, anunciado el rodaje para el próximo año.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

EL ACUARELISTA
Dir.: Daniel Ró
Guión: Daniel Ró, Álvaro Velarde, Eduardo Mendoza
c/ Miguel Iza (T), Sol Alba (Leticia), Ana Cecilia Natteri (La presidenta), Enrique Victoria (El presidente), Patricia Pereyra (Claudia), Salvador del Solar (Ernesto), Sofía Rocha (Elvira)
Perú/2008/Comedia***/Estrenos

QUANTUM OF SOLACE

El agente 007 tuvo éxito en los años 60, en el contexto de la guerra fría, cuando la moda de los espías se impuso. Sean Connery de lejos sigue siendo el que mejor encarnó al encantador y sibarita agente. Roger Moore le dio un giro paródijo al personaje que revitalizó la saga, Pierce Brosnan cumplió cuando ya el muro de Berlín había sido derrumbado, la guerra fría sonaba a historia pasada y la franquicia parecía que llegaba a su fin (no cuento a dos actores que pasaron sin pena ni gloria por el 007), y ahora Daniel Craig toma la posta dándole un toque más violento que seductor al personaje. Viéndolo parece que estamos ante el Jack Bauer británico y que tiene apenas 24 horas para salvar al mundo. El “todo vale” se impone. No hay ética ni reglas, ayudado por la tecnología de punta al servicio de Mr. Bond. Nadie es inocente, ni siquiera los países de occidente luchan por la democracia sino por sus intereses. El cinismo se impone como forma de vida (salvando las distancias un filme de estreno simultáneo, Red de mentiras, tiene el mismo mensaje implícito, aunque mucho mejor elaborado).

La estructura de las películas de James Bond es similar: comienza con una secuencia de acción en que se encuentra en apuros el agente secreto y con ingenio y habilidad logra safarse del peligro. Es el preludio que nos abre a la historia que se contará (esta vez, según los productores, sucede “una hora después” de terminada Casino Royale, la anterior película de la saga), donde por lo general hay un villano que quiere dominar el mundo. Como no podía ser de otro modo, ahora se trata de los recursos energéticos, el agua, y la historia se sitúa por primera vez en un país sudaméricano: Bolivia. Una Bolivia corrupta con gobiernos títeres al servicio de las trasnacionales. El contexto político actual es evidente. No vamos a entrar en que si la Bolivia que se describe es la real o no, que en todo caso tocará desentrañar a los hermanos del altiplano. El punto es que estamos ante una película de ficción donde no falta tampoco la acompañante ocasional de 007, esta vez una guapa rusa que hace de boliviana (?), cosas del casting internacional. El final, como no puede ser de otro modo, significa que el agente secreto salvará una vez más al mundo no sin antes matar al villano y destruir el escenario de la lucha final (otra característica común de la serie). Esta vez en cambio no se “pachamanquerá” con la ocasional compañera, hay un dolor implícito en el agente que le marca un duelo y que hace alusión al título original un poco difícil de traducir al español, pero que alude a ese dolor irreparable que lleva por dentro el 007. Total, como cualquier ser humano, también tiene su corazoncito. Para pasar el rato no está mal.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

QUANTUM OF SOLACE
Dir.: Marc Forster
Guión: Paul Haggis y otros
c/ Daniel Craig (James Bond), Olga Kurylenko (Camille), Mathieu Amalric (Dominic Greene), Judi Dench (M), Giancarlo Giannini (Mathis), Gemma Arterton (Strawberry Fields)
UK, EEUU/2008/Acción***/Estrenos

JUNO

¿Porqué Juno gustó tanto donde ha sido exhibida? Quizás se deba a la temática, al tratamiento y a la puesta en escena para realizar el abordaje de un tema delicado: la entrega –por distintas causas- de un recién nacido a una familia que está dispuesta a criarlo.

Sin caer en el melodrama, y más bien con un tono ligero y desenfado, nos va contando la historia de esta adolescente que decide tener relaciones sexuales con el chico que le gusta (quien toma la iniciativa es ella) y dar a luz al niño fruto de esas relaciones. Esas peripecias es lo que hacen la delicia del filme, a lo cual se acompaña la interacción con la familia que decide adoptar al futuro recién nacido. Vemos como la aparente solidez de ese matrimonio que parece feliz en la foto, no lo es tanto en la vida real; mientras Juno va “creciendo” emocionalmente y volviéndose más perspicaz (en cierta forma es una Mafalda teenager). Y comenzará a apreciar al amigo que usó solo para tener sexo, valorando sus cualidades. El final –la entrega o no del bebé- es más realista y sin caer en los “happy end” trillados.

Juno es el ejemplo que se puede hacer un cine inteligente y creativo, sin caer en las fórmulas consabidas o los refritos, y sin contar tampoco con un “cast” impresionante.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

JUNO
Dir: Jason Reitman
Guión: Diablo Cody
c/ Ellen Page (Juno), Michael Cera (Bleeker), Jennifer Garner (Vanessa Loring), Jason Bateman (Mark Loring), Allison Janney (Bren)
EEUU/2007/ Comedia dramática***/Estreno

UN CUERPO DESNUDO

Si la cuenta no nos falla, catorceavo largo de Pancho Lombardi, de lejos nuestro principal cineasta contemporáneo.
Desde su primer largometraje, Muerte al amanecer (1977), la narrativa de Lombardi se centra en la temática urbana y sobretodo en explotar las situaciones límite al interior de un grupo humano, casi siempre encerrado claustrofóbicamente, sometidos a un punto de quiebre en su resistencia. También un leit motiv recurrente es la muerte, “personaje” que de una u otra manera aparece en casi todos sus filmes. Un cuerpo desnudo no podía ser la excepción.

Concentrada la acción en pocas horas, gira en torno a un grupo de amigos que todos los meses juega al póker y bebe pisco en grandes cantidades, “comandados” por el “Capitán Burdeles” (encarnado por Gustavo Bueno, actor cómplice de Lombardi). La rutina usual se verá trastocada por un homicidio accidental, la amante de uno de los amigos, muerta en un hostal. Como sucede en este tipo de películas con un cadáver en el centro de la trama, las acciones y reacciones del grupo es lo que cuenta. Como reaccionan frente al cadáver, las ideas que se les viene a la cabeza, el estar sometidos a la situación límite de la muerte y “la solución” que les impone deshacerse del cuerpo, todo aderezado con toques de humor negro. (Un buen ejemplo de lo que acontece en torno a un cadáver es La soga -1948- de Alfred Hitchcock, verdadera “pequeña joya” de este tipo de filmes).

Es allí donde a veces la historia flaquea, con lugares comunes y socorridos, uso de una jerga y costumbres limeñas más setenteras que contemporáneas (basta ver “la guayabera” del “Capitán Burdeles” para darnos cuenta que estamos ante tipos que viven en cierta forma en un pasado, lo cual se ve reforzado por la casa antigua y las viejas muñecas), y como no podía ser de otro modo, salen a flote las historias amorosas, ora dramáticas, ora cómicas, de los protagonistas. (¿Quién no se ha “enchuchado” con una mujer?).

Película menor en la filmografía de Lombardi (incluso parece que ha sido concebida de esa manera), de bajo presupuesto, aunque no desdeñable. Como siempre, el manejo de actores se impone, bastante cuidadoso, donde aparte de Gustavo Bueno, destaca Gonzalo Torres, el popular “Gonzalete”, ex pataclaun, que debuta como actor dramático. Encaja en el personaje. Por lo demás, de Carla Vallenas podemos decir que “como muerta” hace un buen papel.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

UN CUERPO DESNUDO
Dir.: José F. Lombardi
Guión: Joanna Lombardi y José F. Lombardi
c/ Gustavo Bueno (Capitán Burdeles), Gonzalo Torres (Doctore), José Miguel Arbulú (Coraza), Haysen Percovich (El Negro), Carla Vallenas (La víctima)
Perú/2008/Drama***/Estrenos

LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES

George Romero pensó esta película como una de “serie B” con actores poco conocidos, presupuesto bajo y para circular en lo que vendría a ser “cines de barrio”. No tenía demasiadas pretensiones, ni pertenecía tampoco al “star system” que le permita acceder a presupuestos elevados y estrellas conocidas, así que sin pena ni gloria se estrenó. Lo de “filme de culto” vino después, gracias sobretodo a los cinéfilos que les pareció sugestiva esta historia de zombies. Por cierto, no era la primera vez que el cine trataba el tema de los “muertos vivientes”, pero digamos que con Romero se popularizó e inspiró a otros realizadores a tratar de una u otra manera el tema. Todas las historias de zombies de Romero se centran en la misma estructura: un grupo humano es asediado por los muertos vivientes debiendo sobrevivir a toda costa, ello no quita que dentro del grupo de sobrevivientes existan conflictos que deban ser resueltos en forma crucial. La caracterización de los personajes es esencial para ser creíble la historia, así como los momentos en que “salta” el horror. La película tiene atmósfera, se “siente” el horror y nos deja en vilo de lo que vendrá después.
La noche de los muertos vivientes ha cumplido cuarenta años y si bien es posible que sus zombies parezcan muy lentos a las nuevas generaciones (incluso el ritmo de la película es un poco lento), ello no obsta en que se haya convertido en un referente obligado del cine de terror y de visión obligada para cualquier cinéfilo.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES [Night of the Living Dead]
Dir.: George A. Romero
Guión: John A. Russo y George A. Romero
c/ Duane Jones (Ben), Judith O'Dea (Barbra), Keith Wayne (Tom), Judith Ridley (Judy), Karl Hardman (Harry Cooper)
EEUU/1968/Terror***/Películas del ayer

CRIMEN OCULTO

Continuación del ciclo del realizador sobre el mundo adolescente y la muerte, suerte de parábola sobre la Norteamérica actual, muy lejos del “american dream”, cuya obra más lograda es Elephant. Esta vez aborda el mundo de los jóvenes que practican el skateboard, suerte de cofradía con rasgos comunes: adolescentes varones que hacen amistades de complicidades mutuas, siendo el deporte que practican una forma de desfogue de los problemas familiares. Lo más notable es esa fotografía morosa, que se soloza en los cuerpos adolescentes deslizándose en el monopatín, suerte de útero materno donde no hay tiempo ni problemas, mundo en el cual los adultos no pintan, o en todo caso son presentados en forma distante.
La cámara se regodea con esos cuerpos flexibles, plásticos, en una visión hedonista, totalmente desprejuiciada y atrevida. La anécdota (la muerte de un vigilante nocturno) es el pretexto para mostrarnos esos cuerpos púberes y flexibles al son del skate. Recordemos que Van Sant es homosexual confeso, por lo que en sus películas exhibe mucho los cuerpos masculinos, relegando a la mujer a roles secundarios como satisfadora sexual del hombre (el caso de Jennifer) o de amiga confidente (el caso de Macy), mientras que los hombres practican una amistad, digamos, “griega”. Con una estructura concéntrica, volvemos del pasado al presente, explicando cosas que se mantenían ocultas. Solo apta para cinéfilos.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

CRIMEN OCULTO [Paranoid Park]
Dir. y guión:Gus Van Sant, basado en la novela de Blake Nelson
c/ Gabe Nevins (Alex), Daniel Liu (Detective Richard Lu), Taylor Momsen (Jennifer),
Jake Miller (Jared), Lauren McKinney (Macy)
EEUU/2007/Drama***/Estrenos

BARRY LYNDON

Stanley Kubrick (1928-1999) fue uno de los pocos realizadores que impuso un sello especial a sus filmes y que navegó, con bastante fluidez, en distintos géneros: la ciencia ficción (“2001”), el erótico-pasional (“Lolita”, “Ojos bien cerrados”), el bélico (“La patrulla infernal”, “Nacido para matar”), el histórico (“Espartaco”), el terror (“El resplandor”), la violencia futurista (“La naranja mecánica”), la parodia bélica (“Dr. Insólito”), o el drama histórico (“Barry Lyndon”). A cada uno le puso ese toque especial que tenía: distanciamiento con lo que narra, antihéroes que no llegan a alcanzar lo que tanto anhelan, encontrando la muerte o la destrucción personal al querer alcanzar sus deseos, y, como buen ajedrecista, la disposición “geométrica” de los cuadros escénicos, haciendo también uso bastante frecuente con la cámara de “travellings” (fue uno de los pioneros con la “steadycam”); así como un cada vez más cuidadoso diseño de la producción (él mismo era el productor de sus filmes) que lo llevaba a demorar en sus últimos proyectos años antes de plasmarse en la pantalla; prácticamente era el “hombre orquesta” detrás de la cámara. Era muy minucioso, muy cuidadoso en sus filmes, repetía la toma de una escena decenas de veces, nunca quedaba satisfecho con el trabajo final y sus rodajes duraban muchos meses (“Barry Lyndon” duró, sólo el rodaje, nueve meses). Tampoco era un tipo al cual le gustase la publicidad, de allí que no era mucho de declarar ante los periodistas, como hacen otros directores, y vivía apartado en su mansión de Inglaterra, donde radicó desde los años 60 (Estados Unidos, su país de origen, no le gustaba mucho). Murió en pleno proceso de edición de su obra póstuma “Ojos bien cerrados” cuando no había llegado todavía a los 72 años.

“Barry Lyndon” (1975), es una obra hermosa, quizás la que tenga la más acabada fotografía de sus filmes (Stanley Kubrick venía del mundo de la fotografía, de allí que cuidase mucho ese aspecto), basada en la novela homónima de William Makepeace Thackeray (autor poco conocido en la actualidad, pero que –me parece- es mejor que Dickens, de quien fue coetáneo), narra el ascenso y caída de un oportunista en la Europa del siglo XVIII. Narrada a modo de la novela picaresca, vemos al personaje recorrer distintos escenarios, países, conocer diversidad de gentes de todos los estratos sociales, viendo a través de los ojos de Redmond Barry su irresistible ascenso, conforme le van sucediendo las aventuras. Veremos en esa Europa donde era un desafío el ascenso a otra clase social (la movilidad social prácticamente no existía) como éste individuo osado y con un olfato para coger “al vuelo” las oportunidades que la vida le presenta ascender hasta la nobleza británica y posteriormente caer en la desgracia, víctima de su ambición.
Es cierto que vista treinta años después, a “Barry Lyndon” se le nota un academicismo (de allí que haya sido la única película de Kubrick que la Academia de Hollywood premió generosamente, aunque nunca sin conseguir el Oscar a la mejor película o el mejor director) y un acartonamiento relativo en su escenificación, con un manierismo fotográfico excesivo que resiente el conjunto de la obra; pero no se puede negar que sigue maravillando esa hermosa fotografía que fue la delicia en su época (Kubrick quiso utilizar sólo luz de velas para las escenas de interiores, pero era imposible desde el punto de vista técnico, así que se le tuvo que agregar bujías a las velas a fin de conseguir esa iluminación cálida) y una reflexión filosófica subyacente, que se torna evidente en el cartel del epílogo: al final la muerte es la gran niveladora de las personas, ricos o pobres, feos o bonitos, mujeres u hombres, a todos nos iguala y lo que hagamos o dejemos de hacer (y lo que acumulemos en éste mundo) al final queda acá, nada nos llevamos. Ese escepticismo del realizador –que se puede apreciar en otras de sus películas- es más evidente en “Barry Lyndon”: al final nos afanamos por conseguir dinero, fama, fortuna o poder y la muerte nos lo arrebata de un zarpazo.
“Barry Lyndon” merece verse y rendirle ese tributo a un cineasta que fue un gran profesional en su oficio y que comprendió y supo usar como pocos ese lenguaje totalmente distinto al escrito como es el lenguaje cinematográfico.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

BARRY LYNDON
Adaptada para el cine y dirigida: Stanley Kubrick
c/ Ryan O’Neal (Barry Lyndon), Marisa Berenson (Lady Lyndon)
UK/1975/Drama histórico***/Dvd/Películas del ayer

DIOSES

Son pocas las realizaciones nacionales que se atreven a enfocar el mundo de los de arriba. Uno de los problemas es la falta de experiencias personales de los jóvenes realizadores al pertenecer más bien a los sectores medios. El destino no tiene favoritos fue una excepción, pero en tono de farsa. Dioses es la mirada desencantada y hedonista de ese mundo visto desde arriba.

La trama enfoca las relaciones entre Elisa, una joven arribista, y Agustín, un próspero empresario cincuentón que decide traerla a la casa familiar la que pudo ser solamente una amante. Pero, también está la relación incestuosa de Diego hacia su hermana Andrea, el embarazo no deseado de esta, y los personajes comparsa de ese mundillo de chismes, frivolidades y cosas con las que pasar el tiempo (dibujados bastante esquemáticamente y donde el tono farsesco se nota más). En contraposición, está el mundo de las empleadas domésticas, que brindan afecto a Diego y que son el sostén de la casa. Hasta allí todo bien. Todos son bellos, todos son “darlings” (lograda escena en la cual Elisa posa junto a la empleada mirando una casa a lo lejos, por los rasgos étnicos parecen madre e hija) y como dicen las empleadas en su lengua materna, refiriéndose a sus patrones, “solo chupan, bailan y duermen”, que son las escenas en que los vemos recurrentemente.

Sin embargo, eso que funciona muy bien por separado, se nota como algo muy aséptico, muy limpio, una trama que avanza sin que se note una naturalidad en el discurrir de lo narrado. Todo es como un mecanismo de relojería, perfecto, con un guión muy trabajado, pero impostado, artifical. A las perlas les faltó el collar que las una. La decadencia de ese mundo está allí, de eso no cabe duda, pero más allá de lo visto no suscita mayores emociones, le falta algo de “suciedad”, que solo se refleja cuando Diego camina por las calles de El Agustino, y que “lo sacudirá” para decidirse qué hacer con su vida (por lo visto será “un caviar”, con ONG propia terminados sus estudios de sociales); o cuando Elisa (el personaje mejor elaborado) visita a los suyos, orgullosa de haberse insertado en ese mundo, regresando triunfante a las raíces, ya convertida en una “diosa”, anunciando el inminente matrimonio con Agustín. En esas pocas escenas se nota “más vida” que en el mundo climatizado y limpio de los dioses (por cierto, la trayectoria de Elisa abre la película con la fiesta de “la presentación en sociedad” hasta su consolidación dentro de ese mundo en la escena del bautizo, convertida ya “en señora” de Agustín).

Dioses ha superado las fallas de su primer largo, pero a costa de un relato frío, sin vida y que a veces parece impostado. Por lo demás, Josué Méndez destaca como un buen realizador, con universo y estilo propio, buen manejo de actores y cuya continuidad merece seguirse.
En cuanto a actuaciones, excelentes las de Maricielo Effio y Edgar Saba, y en cuanto a los secundarios cabe destacar el breve rol de Pilar Brescia, ya “tía”, y actriz bastante desaprovechada últimamente en las producciones nacionales.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

DIOSES
Dir. y guión: Josue Mendez
c/ Maricielo Effio (Elisa), Anahí de Cárdenas (Andrea), Sergio Gjurinovic (Diego), Edgar Saba (Agustin), Pilar Brescia (Pilar)
Perú/2008/Drama***/Estrenos

LOS ÚLTIMOS DÍAS

Basada libremente en los últimos días de la vida del vocalista de “Nirvana”, Kurt Cobain, Gust Van Sant así como en “Elephant” propone un retrato de atmósferas más que de acción propiamente, de sentimientos muy arraigados internamente y a nivel sociológico un retrato de la juventud norteamericana sin horizonte y a la deriva (igual que en “Elephant” los protagonistas son marginales, “outsiders”, perdedores que el sistema ha desechado). Con “Last days”, Gus Van Sant filmó el tercer largo donde aborda la muerte y el mundo adolescente, y que comenzó con “Gerry” (2002), le siguió “Elephant” (2003), “Last days” (2005), y ha cerrado con “Paranoid Park” (2007), de reciente estreno entre nosotros.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

LOS ÚLTIMOS DÍAS [Last days]
Dir.: Gus Van Sant
c/ Michael Pitt (Blake)
EEUU/2005/Drama***/Las que nunca se estrenaron

EL SECRETO DE LOS INCAS

Una de las viejas películas en que se inspiró el personaje de Indiana Jones fue El secreto de los incas. Al igual que el célebre arqueólogo, el aventurero Harry Steele (interpretado por un joven Charlton Heston) busca los tesoros escondidos de los incas en un imaginario Cuzco. Arrogante, autosuficiente, hábil con los puños y las mujeres e inteligencia despierta, el personaje de Heston tiene la indumentaria que haría famoso al Dr. Jones: la casaca, el clásico sombrero, solo faltó el látigo.
La película es entretenida, está llena de aventuras, pero no es apta para quienes busquen la “fidelidad histórica” de nuestro país, aunque es divertida en esa ingenuidad con que nos dibuja.
A propósito, aparece en rol secundario una también joven Yma Sumac, luciendo con sus cánticos que la hicieron famosa en el hemisferio norte. Oportunidad para apreciarla en todo su esplendor.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

EL SECRETO DE LOS INCAS [Secret of the Incas]
Dir.: Jerry Hopper
Guión: Ranald MacDougall y Sydney Boehm
c/ Charlton Heston (Harry Steele), Robert Young (Stanley Moorehead), Nicole Maurey (Elena Antonescu), Thomas Mitchell (Ed Morgan), Michael Pate (Pachacutec), Yma Sumac (Kori-Tica)
EEUU/1954/Aventuras***/Dvd/Películas del ayer

UNA GUERRA DE PELÍCULA

Las parodias son un sub género dentro de la comedia norteamericana que tiene logros notables como “Doctor Stangelove” (1964) de Stanley Kubrick que parodiaba las provocaciones belicistas en plena guerra fría. Precisamente, Ben Stiller incursionó detrás de las cámaras con Zoolander, una comedia que parodiaba el mundo de la moda y a los modelos. El balance fue bueno, aunque en ocasiones había excesos. Esta vez arremete contra las estrellas de Hollywood y el mundillo del glamour y los mitos de las “super stars”, parodiando un género yanqui por excelencia: el bélico. Los “guiños” a filmes de guerra ya clásicos como Apocalipsis ahora o Pelotón son evidentes, amén de contar con “un duro” del género en el reparto como el ya veterano Nick Nolte. Asimismo, como en Zoolander, Stiller le impone un toque de humor negro a la comedia, aunque esta vez lo trata de “estirar” lo más que puede con la explosión por una mina que mata al director de la película. Humor negro y cruel.

Un actor que se compenetra con su personaje a tal punto de obsesión que se aplica pigmentación bajo la piel a fin de parecer negro; otro que solo es “cara bonita” y cuya estrella va en descenso, un tercero que es drogadicto dependiente y no puede vivir sin la cocaína, y para remate un héroe falso en cuyas memorias se inspira el filme que se está rodando y que nunca luchó en Vietnam. Nos pinta un mundillo nada bonito, destrozando los mitos de las estrellas, así como quién manda realmente dentro de una película. No es el director como se supone, sino el productor, el que maneja los hilos, el quen tiene “la sartén por el mango”, amo de vidas y destinos, encarnado en un irreconocible Tom Cruise como el productor prepotente, arrogante y arbitrario, que se zurra en todo.

Si bien no es una gran película (a Stiller todavía lo domina el gag fácil, la vulgaridad y hasta lo chocante, amén de un narcisismo evidente al ser el protagónico), pero está mejor equilibrada que su primer largo, y se pasa un rato agradable.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

UNA GUERRA DE PELÍCULA [Tropic Thunder]
Dir.: Ben Stiller
Guión: Ben Stiller y Justin Theroux
c/ Ben Stiller (Tugg Speedman), Robert Downey Jr. (Kirk Lazarus), Jack Black (Jeff Portnoy), Nick Nolte (Four Leaf Tayback), Tom Cruise (Les Grossman), Matthew McConaughey (Rick Peck)
EEUU/2008/Comedia***/Estrenos

A MI MADRE LE GUSTAN LAS MUJERES

Refrescante comedia que sin inhibiciones toca el tema de las relaciones lésbicas entre una respetable ama de casa que hacia los cincuenta descubre el amor a través de una joven concertista de piano y las reacciones de su familia. Pero, la película toca también el tema de la afirmación en si misma de Elvira (excelente Leonor Watling), una de las hijas, que de nerviosa e insegura pasará, por obra de las circunstancias, a tener aplomo y seguridad para resolver los problemas; y, de sus hermanas Jimena (que vive un matrimonio tradicional y monótono con un “facho” –tipo ultraconservador en la jerga española-) y Sol, la menor de todas y la más desprejuiciada.

Usando los códigos de la comedia romántica clásica las realizadoras (que por la información que tenemos a la mano es su primer largo) tocan un tema difícil de tratar en el cine o en la literatura (las relaciones homosexuales), donde muchas veces se cae en el acartonamiento, en la solemnidad, en la truculencia, el humor grueso, las vanas explicaciones o el puritanismo excesivo; salvando los escollos y llevando la narración con solvencia, tratando las relaciones de pareja homosexual como algo natural y con la ligereza que impone la comedia, a lo cual ayuda el personaje de Sol, la única hermana que no ve mal la relación de la madre, y el contrapeso en los caracteres de las otras dos hermanas.

Quizás las realizadoras debieron tocar más las relaciones entre la madre y su joven pareja, que las reacciones de las hijas (eso y algunas escenas que no ayudan al desarrollo de la película, con algunos “alargamientos” hacia el final), pero en general el balance es bueno.

Película hecha por mujeres y actuada por mujeres, personalmente me quedo con dos escenas: la escena final donde todos los personajes danzan juntos, más allá de las barreras del idioma, los prejuicios o las creencias; en un verdadero canto de tolerancia y de aceptación del otro, incluyendo la aceptación de la opción sexual.

La otra escena es el concierto de rock, donde Sol –la hermana desprejuiciada- sin malicia y sin doble moral canta el tema que sirve de título a la película “A mi madre le gustan las mujeres”, en un verdadero éxtasis y regocijo, encarnación de la España pos franquista, completamente liberal y laica. Verla con la mamá al lado.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

A MI MADRE LE GUSTAN LAS MUJERES
Dir.: Inés París y Daniela Fejerman
España/2001/Comedia***/Las que nunca se estrenaron

LUCES AL ATARDECER

En las películas del finlandés Aki Kaurismaki sus personajes se comportan como autómatas en un mundo de prosperidad material como el de los países escandinavos, pero frío en calor humano. Individuos cosificados en su rutina, alienados en su quehacer diario, con una carga de soledad que se refleja en las calles desiertas. También existe un estoicismo implícito en soportar las pruebas que se les presentan que uno no sabe si linda con la estupidez, la locura o la heroicidad a prueba de balas.
Ese mundo frío se siente aún más en Luces al atardecer, donde los demás actúan como un coro condenatorio o segregacionista contra quien no se les parece a ellos (vislumbrado en las miradas condenatorias hacia Koistinen), contra el marginal, el “raro”. La sociedad actúa como una tribu con “espíritu de manada” contra quien es distinto a ellos.

En Luces… un vigilante nocturno solitario, de poco hablar como los personajes de Kaurismaki, se ve “asaltado” por una joven muy atractiva que busca sacarle información a fin de cometer un robo en una joyería del centro comercial donde labora. De allí en adelante Koistinen sufrirá una interminable serie de pruebas, cada una peor que la otra, aunque esta vez se percibe una ligera esperanza de solidaridad o hasta de amor en el estrechamiento de manos con su amiga fiel que lo acompaña en las buenas y en las malas, con fondo musical del tango “El día que me quieras” interpretado por el gran Carlitos. Merece verse y si bien su estreno fue fugaz en nuestra cartelera, el cinéfilo puede encontrarla en dvd. No se arrepentirá.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

LUCES AL ATARDECER [Laitakaupungin valot]
Dir. y guión:Aki Kaurismäki
c/ Janne Hyytiäinen (Koistinen), Maria Järvenhelmi (Mirja), Maria Heiskanen (Aila), Ilkka Koivula (Lindholm)
Finlandia/2006/Comedia dramática****/Estrenos

MAMMA MIA!

Si bien no es un musical extraordinario ni nada parecido, tiene la novedad de incorporar canciones del conocido grupo de los años setenta Abba, por lo que la puesta en escena tiene sabor a nostalgia, a tiempo ido, reforzado con las apariciones de los actores-cantantes con los atuendos de la época. Una hippie ya entrada en la madurez, practicante del amor libre y consecuente con su forma de ser y pensar, tiene una hija próxima a casarse que a su vez indaga quién es su padre (no en vano la chica se llama Sofía), para lo cual manda tres cartas a los hombres que en la fecha de su concepción tuvieron relaciones con su madre. El argumento daba para más, pero la realizadora se limitó a ponerlo en el écran, sin explotarlo debidamente; aunque hay un hecho evidente que resalta el filme y es cierto: se comienza a vivir y se goza mejor (incluyendo el sexo) a partir de los cuarenta. Como que vas tomando la vida más calmadamente y por tanto la saboreas mejor. Eso es indudable. Estamos más allá del bien y del mal, y nos importa un comino lo que digan o piensen de nosotros, y no nos importa hacer el ridículo como vestir cuando teníamos veinte años, como lucen los personajes en la escena final.
Por lo demás, Meryl Streep y Pierce Brosnan (ex James Bond) demuestran que como cantantes son buenos actores.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

MAMMA MIA!
Dir.: Phyllida Lloyd
Guión: Catherine Johnson, basado en el musical de Catherine Johnson
c/ Meryl Streep (Donna Sheridan), Amanda Seyfried (Sophie Sheridan), Stellan Skarsgård (Bill Anderson), Pierce Brosnan (Sam Carmichael), Colin Firth (Harry Bright), Julie Walters (Rosie), Christine Baranski (Tanya)
UK, EEUU/2008/Musical**/Estrenos

RELACIONES PELIGROSAS

Sidney Lumet es un viejo artesano de la izquierda liberal de Hollywood. Tiene títulos que denunciaron las fallas del sistema como Sérpico sobre la corrupción policial, Tarde de perros sobre dos “losers” que perpetran un robo, Network aerca del poder de los medios audiovisuales y en especial la tv, o El veredicto en torno a la corrupción en la justicia. No es casual que regrese con este logrado thriller de ambición en la época del capitalismo especulativo, donde las fortunas se hacen y deshacen a la velocidad de un clic.

Efectivamente, Andy y Hank son dos hermanos que andan en apuros económicos por el modo de vida que llevan y se les ocurre asaltar la joyería de sus propios padres a fin de agenciarse dinero fácil que les permita librarse de sus acreedores o del desfalco que Andy ha hecho en la empresa donde trabaja (coincidentemente una empresa de bienes raíces). El asunto se torna complejo cuando Hank (el brazo ejecutor del atraco) decide contratar un socio que lleve a cabo el asalto, muriendo este y la madre del protagonista. Si bien la trama es sencilla, la estructura es bastante compleja. Nos va contando la historia desde cada punto de vista de los protagonistas, jugando con los tiempos, llendo y volviendo del presente al pasado, con los enredos familiares, amorosos y económicos de los personajes.

Si bien la película es del 2007, un año antes del estallido de “la burbuja hipotecaria”, vista a la luz de los acontecimientos recientes, tiene un sabor a fábula de lo que pasa en la sociedad norteamericana: de esa ambición desmesurada de dinero fácil a la vuelta de la esquina para llevar un tren de vida suntuoso, no teniendo escrúpulos ni para asaltar a sus propios padres. La película no tiene una carga moral explícita, se limita a contar los hechos, pero de una simple lectura se desprende esta trágica fábula, corroborado con la escena final en que el viejo Charles Hanson (encarnando al viejo capitalismo fruto del trabajo) estrangula a su propio hijo Andy en la cama (el capitalismo especulativo). Amarga escena final con que se cierra este extraordinario thriller de un realizador que pese a sus 84 años (o gracias a ellos) se mantiene activo y en mejor forma que muchos realizadores jóvenes.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


RELACIONES PELIGROSAS [Before the Devil Knows you’re Dead]
Dir.: Sidney Lumet
Guión: Kelly Masterson
c/ Philip Seymour Hoffman (Andy Hanson), Ethan Hawke (Hank Hanson), Albert Finney (Charles Hanson), Marisa Tomei (Gina Hanson), Amy Ryan (Martha Hanson)
EEUU, UK/2007/Thriller***/Estrenos

BERLIN EXPRESS

Viendo casualmente una película del pasado uno se encuentra con gratas sorpresas y también con la confirmación que no existe nada nuevo bajo el sol. Creo que muchas películas de espías están inspiradas directa o indirectamente por esta pequeña joya.

Es sabido que Jacques Tourneur fue un realizador que aprovechó los escasos recursos con que contaba en las llamadas “películas B” (de bajo presupuesto, con actores desconocidos y estrenadas en circuitos comerciales de menor importancia que los llamados “grandes estrenos”) para realizar obras mínimas pero que concentraban todo el vigor y energía en el escaso metraje, haciendo de la necesidad una fuente de creación.
Precisamente Berlin Express está filmada en locaciones externas. En las desvastadas ciudades de Berlin y Frankfurt a los pocos años de finalizada la segunda guerra mundial, todavía con los ejércitos de ocupación en suelo alemán, se produce un movimiento pacifista y unificador en una sola Alemania, que busca ser coartado por un grupo terrorista (aunque en el filme no está muy claro, parece ser el resabio de un grupo nazi de la guerra). Casi toda la acción se concentra en un tren que da título al filme, tratando de aniquilar al Dr. Bernhardt, líder de este movimiento pacifista. La duplicidad de los agentes de ambos bandos es un giro de sorpresa que nos mantiene en vilo en la poco menos de hora y media de proyección. Tanto del lado de los aliados como del lado alemán, los agentes secretos practican la duplicidad, el camuflaje, el engaño: no son lo que pretenden ser. Los “buenos” no son tan “buenos”, ni los malos tampoco (la idea también está implícita en una película de reciente visionado “La lista negra”).

Berlin Express es también un filme pacifista que teniendo como telón de fondo la Alemania en ruinas luego de la guerra, nos manda el mensaje que es mejor vivir en paz todas las naciones y que actuando por una causa justa es posible unir a personas de distinta índole e ideología. Al ser recientes los horrores del nazismo, la película se muestra un tanto “machacona” en enfatizar su mensaje con una voz en “off” que va narrando los hechos, así como la desgarradora imagen final, donde un inválido de la guerra transita sobre las ruinas de un edificio.

Pero más allá del énfasis en el mensaje, importa aprender que la escasez de recursos no es óbice para realizar una buena película, pretexto bastante común entre algunos realizadores cuando las cosas no les salen muy bien. La necesidad aguza el ingenio. Jacques Tourneur fue un ejemplo de ese precepto.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

BERLIN EXPRESS
Dir: Jacques Tourneur
Guión: Harold Medford sobre una historia de Curt Siodmak
c/ Robert Ryan (Robert Lindley), Charles Korvin (Perrot), Paul Lukas (Dr. Bernhardt), Robert Coote (Sterling)
EEUU/1948/Thriller***/Dvd/Películas del ayer

BUSCANDO UN AMOR

El gran tema de Wong Kar Wai es siempre el amor. Pero no a la manera edulcorada o melodramática, sino en un nivel expresionista y bastante subjetivo, que sin ser un calco de la vida cotidiana, se acerca más a la realidad. El amor difícil de dos hombres en Happy Together, el amor imposible o mejor dicho prohibido por la ética de los protagonistas en Deseando amar, o la memoria del amor en 2046, son variaciones de un mismo tema. Buscando un amor (esta vez acertaron con el título en español) trata sobre la búsqueda incesante de un amor que se muestra elusivo o dramático las más de las veces. Es una búsqueda que no encuentra respuestas definitivas ni “finales felices”, cada etapa que se llega es transitoria, no sabemos lo que pasará después (como sucede con el amor), así que mejor es vivirla bien y tener un buen recuerdo de ese momento. Es lo que nos dice el filme, donde el viaje de Elizabeth es un viaje de maduración, dando cuenta de lo vivido mediante sus cartas a Jeremy, quien representa la certeza de lo que existe y que está allí esperando. Dentro de esa gran historia de aprendizaje, existen sub-historias, siendo la mejor la del policía abandonado por su mujer. Puro amor destructivo cargado de un drama interno muy bien llevado por los actores Rachel Weisz como la “femme fatale” que abandona al esposo y David Strathairn como el policía desolado y que tras el abandono solo busca la muerte. De menor interés es la historia de Leslie, encarnado en una Natalie Portman como jugadora profesional que mantiene una relación de amor-odio con su padre (que es otra variante del amor), enfrentándose al drama ineludible de la muerte.

Buscando un amor es una buena película del maestro Wong Kar Wai, superior al nivel promedio que se estrena, pero que no está a la altura de sus mejores filmes, que por el momento son Happy together y Deseando amar. Vale la pena verla.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

BUSCANDO UN AMOR [My Blueberry Nights]
Dir.: Wong Kar Wai
Guión: Wong Kar Wai y Lawrence Block
c/ Jude Law (Jeremy), Norah Jones (Elizabeth), David Strathairn (Ofcr. Arnie Copeland), Rachel Weisz (Sue Lynne Copeland), Natalie Portman (Leslie)
Hong Kong, China, France/2007/Drama***/Estrenos

ZOOLANDER

Buena parodia del mundo de la moda y los modelos, con cierto tono surrealista y a veces cayendo en el exceso, pero se deja ver y se disfruta. Tiene su toque de humor negro cuando explota la gasolinera. Una de las primeras películas del cómico Ben Stiller como realizador.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

ZOOLANDER
Dir y guión: Ben Stiller
c/ Ben Stiller (Derek Zoolander), Owen Wilson (Hansel), Christine Taylor (Matilda Jeffries), Will Ferrell (Mugatu), Milla Jovovich (Katinka), Jerry Stiller (Maury Ballstein)
EEUU/2001/Comedia***/Tv/Películas del ayer

VIDAS PARALELAS

Las películas peruanas que tocan el tema del terrorismo son pocas todavía. Quizás el hecho traumático que significó la violencia terrorista y la relativa cercanía de los acontecimientos, amén que muchos actores del drama siguen vivos, no ha permitido procesar con serenidad lo ocurrido en esos terribles años y por ende ficcionalizarlos. Solitariamente, La boca del lobo (1988) y Días de Santiago (2004), cada una con enfoques y estilo totalmente distintos, siguen siendo las mejores representaciones en el cine de la temática terrorista.

Vidas paralelas es lo que podríamos llamar una película apologética y, por tanto, con un punto de vista y una carga ideológica declarada, no oculta. No creo que sea casual que la haya producido una universidad donde los militares todavía tienen presencia y que haya sido estrenada coincidiendo con el quinto aniversario del informe final de la Comisión de la Verdad – CVR. Podríamos decir que Vidas paralelas es el “anti-informe fílmico” a la CVR.

Pero, que una película tenga una carga ideológica y un mensaje declarados abiertamente no quita las bondades estilísticas que pueda tener. Dependerá del punto de vista del espectador o del crítico de cine valorar la propuesta de “reaccionaria” o no, de “encubridora de crímenes de guerra” o de “denuncia reveladora de hechos del pasado”, lo cual es ajeno a la calidad intrínseca de la película. Hay filmes que ideológicamente son “reaccionarios” (por ponerlo en esos términos), pero estilísticamente son muy buenos. Eso sucede cuando el realizador ha sabido “ocultar” su mensaje en la ficción, por lo que el mensaje subyacente no entorpece el discurso narrativo de esta; cuando pasa lo contrario (que el mensaje se sobrepone a la ficción), estamos solo ante el panfleto o la propaganda descarada.

Veamos que bondades y flaquezas se aprecian en Vidas paralelas.

La película tiene un buen comienzo, que cautiva al espectador. Con escenas rápidas y concisas, acompañado de buen pulso en las escenas de acción, nos adentra rápidamente en el tema. En un pueblito de Ayacucho incursionan los terroristas, matan a varios pobladores, secuestrando a otros, entre ellos un niño (Sixto) que con los años se convertirá en el brazo derecho del “camarada Teodoro” (un apenas camuflado Abimael Guzmán), mientras el otro niño (Felipe) será adoptado por el oficial del ejército encargado de la incursión militar, iniciándose así “las vidas paralelas” a que alude el título del filme, abarcando un arco temporal de veinte años aproximadamente.

El uso de la pantalla partida en que nos va narrando el discurrir de la vida de estos dos jóvenes (uno adoctrinado por Teodoro, el otro siguiendo los pasos de su padre adoptivo) gana en agilidad al relato, con una –baches más, baches menos- lograda primera parte. Sin embargo, en la segunda parte, flaquea, hasta desbarrancar en el epílogo conclusivo. Cuando se cambia la perspectiva de “las vidas paralelas”, con el protagonismo de la “camarada Bertha” (Jimena Lindo, como siempre muy buena) y su relación con Felipe, como que lo contado hasta ese momento ya no convence, como que la relación sentimental se nota forzada, impostada, fuera de lugar (incluso tenemos un “bache narrativo”: de la escena del encuentro casual de Felipe y Bertha, cuando se tropiezan en la calle, pasamos sin mayor resolución de continuidad al diálogo entre ambos posterior al primer combate amoroso de la pareja: una elipsis más rápida que un cuy eléctrico). Pero, donde ya desbarranca totalmente es en el juicio a Felipe, ubicado en la época actual (“post CVR”) y restaurada la democracia. Todo es demasiado esquemático, panfletario y burdo.

Incluso, y debido a este esquematismo, subliminalmente parece decirnos que en la época de la autocracia fujimorista todo estaba mejor o por lo menos se combatía más eficientemente al terrorismo, no como ahora que se le deja hacer de las suyas. Porque algo que no oculta la película es precisamente “la eficacia” con que se pudo actuar contra el terrorismo en los años noventa y que esta “guerra interna” no ha terminado, lo cual se grafica en la escena final donde apreciamos a Sixto dirigiendo un grupo terrorista dedicado al narcotráfico. Por tanto –es lo que dice implícitamente la película- se debe dejar actuar libremente a los militares a fin que terminen con el problema y no entrabar su accionar con juicios parcializados, mediáticos, engorrosos e injustos, que solo le hacen el juego al terror, suerte de “tontos útiles”.

Como decíamos líneas arriba, cuando el mensaje se sobrepone a la ficción, esta pierde su sentido y pasa a ser un filme panfletario o propagandístico, consiguiendo un efecto opuesto al deseado: que el receptor del mensaje (el espectador) no se lo crea. Es lo que le sucedió a Vidas paralelas.
Es muy respetable que los militares quieran “lavar su imagen” de los hechos acaecidos en la época del terrorismo. Tienen todo el derecho de plantear su punto de vista y cómo se sienten; pero, si se quiere hacer apología a favor de un grupo determinado, existen medios más eficaces, aprovechando mejor los recursos disponibles (que suponemos provienen de los ingresos de dicha universidad, al ser la productora del filme).

Para terminar, hay una cosa en que sí acierta la propuesta narrativa de la película: que la violencia terrorista no se debió a las condiciones de pobreza de la zona como machacona y simplistamente se ha sostenido, sino a la fanatización ideológica de un grupo altamente politizado. Quienes hayan conocido un senderista de verdad, sabrán que citaban los textos de Mao o del “camarada Gonzalo” como si fuesen citas de la Biblia, similar a esos grupos religiosos que en siglos pasados mataban “en nombre de Dios”. Eso pasa cuando la ideología la elevamos a dogma de fe, y es lo que le pasó a SL, generando la ola de violencia que desangró al Perú por más de doce años. Lástima que no haya podido ser tratado de forma más inteligente, los resultados hubiesen sido distintos.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

VIDAS PARALELAS
Dir.: Rocío Lladó
Guión: Carlos Freyre
c/ Oscar López Arias (Felipe), Jimena Lindo (Bertha), Renzo Schuller (Sixto), Fernando Vásquez (Teodoro), Edgar Núñez (Alcalde), Rocío Lladó (La fiscal)
Perú/2008/Drama**/Estrenos

EL PADRINO CONSIDERADA COMO LA MEJOR PELÍCULA DE TODOS LOS TIEMPOS

En una encuesta realizada por la revista británica Empire entre lectores, internautas, críticos y directores para elegir las 500 películas mas grandes en la historia del cine, figura en primer lugar El padrino de Francis Ford Coppola, seguida de Los cazadores del arca perdida, El imperio contraataca, Tiburón, Buenos muchachos, Apocalipsis ahora (del propio FFC) y Tiempos violentos (Pulp fiction). Lo curioso es que las elegidas en los diez primeros lugares son mayormente películas de los últimos treinta y cinco años, y pertenecientes a la cultura popular. Incluso en la lista figura la película Sueños de fuga (Shawshank Redemption), un filme que fue recibido con frialdad en su estreno en 1994 y que poco a poco, y gracias a los cinéfilos, se está convirtiendo en filme de culto, coadyuvado por la historia de coraje, perseverancia y decisión que contiene, no exento de final feliz.

Quizás la elección dice mucho más de la edad de los encuestados y de sus gustos personales. Por ejemplo, llama la atención que no estén en el “top ten” filmes clásicos como El ciudadano Kane o El acorazado Potemkin, para muchos críticos, esta última, la mejor película de todos los tiempos. Solo se salva un musical de los cincuenta: Cantando bajo la lluvia.

La elección más refleja los cambios en el gusto de una época que otra cosa. Gustos que van cambiando, se van modificando con el influjo de los acontecimientos sociales y culturales que se vive en cada época. Para un “purista en el cine” (que no es mi caso) se le escarapelaría la piel de solo ver que se encuentra en la lista el primer filme de la saga de Indiana Jones; o El imperio contraataca, que si bien es la mejor de las seis películas de La guerra de las galaxias, no es para considerarla una película de todos los tiempos. Ya no mencionemos Tiburón, considerado el primer “blockbuster” en la historia del cine.

Pero también la lista sirve para reflexionar sobre la eterna pregunta ¿existe o no objetividad al momento de valorar una película? Los resultados se inclinan a lo segundo y aunque la “crítica especializada” (que en nuestro medio de especializada tiene muy poco) se diga objetiva, cuenta mucho las fobias y preferencias personales, recubiertas con un aparente lenguaje “objetivo” que no haga traslucir esa subjetividad implícita; porque, en la elección de preferencias en el cine sucede lo mismo que con la elección de pareja: más entran en juego nuestros deseos y pulsiones internas que una supuesta racionalidad.

Así que ha no tomarse muy en serio la relación de películas y los que no estén de acuerdo con la lista, hagan la suya. Total, no pierden nada.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

LAS DIEZ PRIMERAS DE LA LISTA DE EMPIRE
1- The Godfather (El padrino)
2- Raiders of the Lost Ark (Los cazadores del arca perdida)
3- The Empire Strikes Back (El imperio contraataca)
4- Shawshank Redemption (Sueños de fuga)
5- Jaws (Tiburón)
6- Goodfellas (Buenos muchachos)
7- Apocalypse Now (Apocalipsis ahora)
8- Singin´ in the Rain (Cantando bajo la lluvia)
9- Pulp Fiction (Tiempos violentos)
10- The Fight Club (El club de la pelea)

TRAICIÓN Y LUJURIA

Ubicado en el Hong Kong de la ocupación japonesa, un grupo de estudiantes deciden unirse a la resistencia, asesinando a los principales personajes del gobierno colaboracionista chino, por lo que deciden infiltrar a una chica que se haga pasar por amante del mismísimo jefe encargado de eliminar las celulas de resistencia.
Hasta allí todo parece ir bien, lo que no está previsto en los planes de los insurgentes es la compenetración entre Yee y Wong Chia Chi, a tal punto que los juegos eróticos abren una compuerta de intimidad y complicidades insospechadas, rompiendo cualquier barrera de convencionalismo que separe a la pareja.
Ese es el atractivo del thriller, sustentado en dos muy buenas actuaciones de los protagónicos. Tony Leung Chiu Wai, actor habitual del maestro Kar Wai Wong, como el frío funcionario que se ve rebalsado por una pasión incontrolable, y la joven actriz Wei Tang, como la muchacha idealista que se verá también arrebatada por una pasión que traicionará sus propios ideales, con tres escenas de erotismo que están en lo mejor del filme, todo narrado en un ritmo moroso (de allí el metraje), como de un tiempo que no pasa para los amantes.
Logrado thriller de época de Ang Lee, quien retorna a sus orígenes con esta notable pieza de suspenso y erotismo.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

TRAICIÓN Y LUJURIA [Se, jie]
Dir.: Ang Lee
Guión: James Schamus y Hui-Ling Wang, basado en un cuento de Eileen Chang
c/ Tony Leung Chiu Wai (Mr. Yee), Wei Tang (Wong Chia Chi / Mak Tai Tai), Joan Chen (Yee Tai Tai), Lee-Hom Wang (Kuang Yu Min)
EEUU,China,Taiwan,Hong Kong/2007/Thriller***/Estrenos

JACQUOU LE CROQUANT

Película representativa de la revolución y la contrarrevolución francesa, encarnado en personajes símbolo de una clase social, así Jacquou representa al “nuevo hombre del mañana” justiciero pero no vengativo, mientras el conde encarna a la clase retrógada anclada en el pasado. A veces cae en el esquematismo y la manipulación, pero es interesante y como aventura está bien contada, salvo cuando el realizador pretende elevarla a nivel de metáfora, donde tiene algunos reparos (hasta la fecha de la insurrección de los campesinos es evidente -14 de Julio-). Un detalle: la lluvia siempre precede a un acontecimiento importante, símbolo de la “limpieza” del viejo orden por uno nuevo. Difícil que llegue a estrenarse en nuestro medio, se encuentra disponible en dvd.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

JACQUOU LE CROQUANT
Dir: Laurent Boutonnat
c/ Gaspard Ulliel, Marie-Josée Croze, Albert Dupontel, Jocelyn Quivrin
Fra/2005/Drama histórico***/Dvd/Las que nunca se estrenaron

DUEÑOS DE LA NOCHE

Tomando los elementos del cine negro y el policial, James Gray se ha adentrado con una mirada personal en el mundo violento del Nueva York de los ochenta.
Las inspiraciones cinéfilas afloran. Como el mismo realizador lo confesó, El padrino de Francis Ford Coppola fue una de ellas. De la saga de El padrino toma el ambiente y los códigos familiares. La familia y los lazos consanguíneos son importantes para los protagonistas, razón por la cual el personaje de Bobby acepta convertirse primero en informante y luego en policía para lavar la sangre del padre muerto. La familia es importante también dentro de la Mafia rusa, donde eres parte de una familia mucho más extensa y cuyos brazos son inabarcables. El “padre malo” que representa a esa familia es Marat Buzhayev quien cuida de sus “retoños” como si se tratase de sus propios hijos (Bobby cuando trabaja para él es cuidado para que siga adelante en las promociones que Marat realiza entre su gente). Y la policía también se comporta como un clan familiar, con complicidades y ayudas mutuas. De allí que la elección de Bobby (personaje eje sobre el que se desarrolla la trama) entre una de las dos familias (la de la mafia o la de la policía) es desgarrador, implica que una sea aliada y la otra enemiga.
Gray también se ha inspirado en Contacto en Francia para las escenas de acción, en especial la persecución en carros en medio de la lluvia, aunque en un tono más seco y cortante.
Existe un cuidado estético en el filme. La lluvia, el humo o hasta la recreación de los ambientes de hace veinte años implica una meticulosidad que linda en lo obsesivo. No en vano el realizador es admirador del desaparecido Stanley Kubrick. Hermosas las tomas en esos tonos fríos, apagados, con cortes secos como la vida de los protagonistas que repentinamente pueden quedar segadas. No hay héroes, ni tampoco buscan gloria, solo cumplir con su deber y con su familia.
Notable la actuación de Phoenix, bien acompañado de Eva Mendes. Por supuesto que Robert Duvall no es gratuito en el reparto, recordemos que el estuvo en las dos primeras entregas de El padrino.
Filme peculiar, con toques de creatividad, algo raro en el actual cine norteamericano. Merece verse.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


DUEÑOS DE LA NOCHE [We Own the Night]
Dir. y guión:James Gray
c/ Joaquin Phoenix (Robert 'Bobby' Green), Eva Mendes (Amada Juarez), Mark Wahlberg (Capt. Joseph 'Joe' Grusinsky), Robert Duvall (Deputy Chief Albert 'Bert' Grusinsky), Alex Veadov (Vadim Nezhinski), Moni Moshonov (Marat Buzhayev)
EEUU/2007/Policial***/Estrenos

EL AGENTE SECRETO

Muy buena película de suspenso del maestro. Filme perteneciente a su época británica, ambientado durante la primera guerra mundial, el suspenso no se pierde ni por un momento. Ya existen elementos del estilo de Hitchcock, como la pista falsa (en la búsqueda del espía enemigo), la doble personalidad de los protagonistas centrales, no exento todo de cierto toque de humor y de ironía en los diálogos. Un personaje peculiar y por eso digno de recordación es “el general”. Magnífico Peter Lorre como el sátiro y esperpéntico hombre encargado del “trabajo sucio”, y de nombre y títulos tan largos como irrepetibles (General Pompil Moctezuma, Conde de la Villa de Albuquerque). También vemos a un joven John Gielgud (que mucho después recibiría el título de Sir) como “el agente secreto” y a un también joven Robert Young como el verdadero espía, que luego se haría famoso por la serie de tv “Papá lo sabe todo”.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

EL AGENTE SECRETO [Secret Agent]
Dir: Alfred Hitchcock
Guión: Charles Bennett, basado en la novela Ashenden de W. Somerset Maugham
c/John Gielgud (Edgar Brodie / Richard Ashenden), Peter Lorre (el general), Madeleine Carroll (Elsa Carrington), Robert Young (Robert Marvin), Charles Carson ('R')
UK/1936/Thriller***/Películas del ayer

CÓMO CASARSE Y MANTENERSE SOLTERO

Titulada también en español como “Se renta esposa”, es la comedia clásica sobre el engaño: Un maduro creador de perfumes debe fingir que tiene novia y estar próximo a casarse para que su familia lo deje en paz, verdadero matriarcado con la viuda Geneviève a la cabeza. Pero, todo sale mal cuando su familia gusta de la novia y le reprueban que esta lo haya abandonado en el altar (situación fingida para culminar con el engaño), debiendo optar por una estrategia distinta que complica aún más las cosas. Por supuesto, como sucede en este tipo de comedias, al final lo que es apariencia termina por convertirse en verdad y la pareja se enamora realmente.
Como se ve la película discurre dentro de los cánones tradicionales, salvándose apenas por las buenas actuaciones, tanto de Alain Chabat como el maduro solterón, así como de Bernadette Lafont como la matriarca familiar. Tiene algunas escenas graciosas como el llanto irreparable del amigo de Luis, Pierre-Yves, al saber que su ex mujer lo ha denunciado ante el fisco y debe ocultar todos los bienes que no ha declarado, o la del abandono “irreparable” ante el altar de Luis, con lo que quiere aparentar desconsuelo.
En fin, una comedia sin muchos aspavientos y que se deja ver sin ser demasiado exigente.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

CÓMO CASARSE Y MANTENERSE SOLTERO [Prête-moi ta main]
Dir.: Eric Lartigau
Guión: Philippe Mechelen
c/ Alain Chabat (Luis Costa), Charlotte Gainsbourg (Emma), Bernadette Lafont (Geneviève Costa), Wladimir Yordanoff (Francis Bertoff), Grégoire Oestermann (Pierre-Yves)
Fra/2006/Comedia***/Estrenos

EL HOMBRE DEL BRAZO DE ORO

Intenso drama sobre el mundo de las drogas, algo inusual de tratar en la cinematografía norteamericana de los años 50. Retrato de marginales, de naúfragos a la deriva, de “loosers”; la acción se encuentra circunscrita a un barrio de pobres blancos, donde entre el expendedor de droga y el apostador explotan las debilidades de los seres que por un trago o un poco de heroína sobreviven en la miseria humana; de cómo al que quiere salir del vicio lo vuelven a introducir. Excepcional la actuación de Frank Sinatra como el heroinómano que quiere dejar ese mundo y no lo dejan; pero sobretodo destacable la actuación de Eleanor Parker como la mujer que finge invalidez para que el esposo le tenga lástima y se quede con ella. La angustia, manipulación, inseguridad, y desequilibrio emocional se hacen carne en la magnífica actuación de la Parker.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

EL HOMBRE DEL BRAZO DE ORO [The Man with the Golden Arm]
Dir.: Otto Preminger
Guión: Walter Newman y Lewis Meltzer, basado en la novela de Nelson Algren
c/ Frank Sinatra (Frankie Machine), Eleanor Parker (Zosch), Kim Novak (Molly),
Arnold Stang (Sparrow), Darren McGavin (Louie), Robert Strauss (Schwiefka)
EEUU/1955/Drama***/Películas del ayer

HELLBOY II: EL EJÉRCITO DORADO

La primera entrega de Hellboy (2004) tenía el interés de la novedad y ser una lograda adaptación del cómic. Luego Benicio del Toro se dedicó a proyectos más personales como El laberinto del fauno (2006), siempre atraído por el mundo de lo fantástico, donde es uno de sus principales inspiradores actuales, por lo que se esperaba la continuación del “muchacho del infierno”.

Sin embargo, el planteamiento de la propuesta en HB2 dista mucho de satisfacer a un cinéfilo medianamente exigente. Benicio del Toro no define hacia donde quiere llevar la trama. A veces da la impresión de no tomarse muy en serio a sus personajes. Vemos a un Hellboy parodiándose a si mismo en un tono ligero; igual que su amigo y colega Abe enamorado perdidamente de la princesa Nuala (con numerito musical incluido), o la del propio “Rojo” con su pareja, Liz, con quien sufre la peor crisis de la relación en pleno embarazo de ella, para no mencionar la excesiva sobreexposición pública de los superhéroes, encontrándose sus imágenes hasta en youtube (no siendo ya tan secreto el servicio secreto para el que trabajan, causando las iras de su jefe, el hipertenso Tom Manning). Si se hubiera desarrollado esa línea argumentativa, en buena hora, siempre es buena la autoparodia si es bien llevada; pero, inesperadamente cambia el giro hacia el ambicioso príncipe Nuada y el ejército que da título al filme, que curiosamente es la línea dramática menos desarrollada y menos interesante de la historia. Y, para remate, una línea discursiva sobre los “freaks”, los raros, ¿no será que Hellboy y sus amigos pertenecen a ese mundo de seres fuera de lo común, que al de los mortales, para quienes trabajan? Esa era otra propuesta bastante interesante de explotar y que planteaba problemas de identidad, que lamentablemente se quedó a medio camino.

Da la impresión que del Toro no se ha querido tomar muy en serio el proyecto o este sufre un agotamiento creativo prematuro, insuflándole un toque de humor que a veces acierta y a veces no. Las mejores escenas creo que son dos: la inicial, donde vemos a un Hellboy todavía niño escuchando un cuento de su “padre adoptivo” sobre la génesis del ejército dorado y que sirve para introducirnos en el contexto del relato. Magistral en su economía de medios. Y la otra es cuando ingresan al mercado bajo el puente buscando pistas sobre el príncipe rebelde. Allí Hellboy y sus amigos ya no son “raros” ni marginales, están como en familia dentro de ese mundo y quizás es un error estar en el mundo de los mortales. Pura imaginería visual y también la línea dramática más interesante que merecía un mejor desarrollo.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

HELLBOY II: EL EJÉRCITO DORADO [Hellboy II: The Golden Army]
Dir. y guión: Guillermo del Toro, basado en el cómic de Mike Mignola
c/ Ron Perlman (Hellboy), Selma Blair (Liz Sherman), Doug Jones (Abe Sapien / The Chamberlain / The Angel of Death), James Dodd y John Alexander (Johann Krauss), Jeffrey Tambor (Tom Manning), Luke Goss (Prince Nuada), Anna Walton (Princess Nuala)
EEUU/2008/Fantástico***/Estrenos

BATMAN REGRESA

La continuación del díptico burtoniano sobre el hombre murciélago. Toda la fantasía, humor negro e ironía propios del estilo de Burton están concentrados en Batman regresa, una de sus mejores películas. Se nota un Tim Burton más libre y creativo que en la primera versión, dando rienda suelta a su vuelo creativo.
Si Batman era la génesis del héroe y de su archienemigo por antonomasia (el Joker), en la continuación tenemos a dos villanos de antología: el Pingüino y Gatúbela, villanos de opereta que quedan en la galería de los mejores de Tim Burton. Gatúbela es el complemento de Batman, su lado femenino, pero igual de oscuro, marginal y “freak”.
Batman regresa es superior a Batman y marcó un hito difícil de superar en el hombre murciélago, que solo por algunos momentos Christopher Nolan ha podido superar en The Dark Knight.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

BATMAN REGRESA [Batman Returns]
Dir.: Tim Burton
Guión: Daniel Waters, basado en los caracteres creados por Bob Kane
c/ Michael Keaton (Batman / Bruce Wayne), Danny DeVito (Penguin / Oswald Cobblepot), Michelle Pfeiffer (Catwoman / Selina Kyle), Christopher Walken (Max Shreck), Michael Gough (Alfred Pennyworth)
EEUU,UK/1992/Acción***/Películas del ayer

BATMAN

La película que cambió la visión que se tenía de los superhéroes y en especial de Batman. Nos presenta a un Batman sombrío, neurótico, con problemas personales irresueltos que impulsan su lucha contra el crimen. “Se bajó del pedestal” a los superhéroes. Fue la gran contribución de Tim Burton (inspirada en la novela gráfica de Frank Miller) en esta película oscura como la recóndita mente del hombre murciélago, y carnavalesca por el toque humorístico negro y malvado que impuso el Joker interpretado por Jack Nicholson que, por cierto, “le robó” la película a Michael Keaton.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

BATMAN
Dir.: Tim Burton
Guión: Sam Hamm y Warren Skaaren, basado en los caracteres creados por Bob Kane
c/ Michael Keaton (Batman / Bruce Wayne), Jack Nicholson (Joker / Jack Napier), Kim Basinger (Vicki Vale), Pat Hingle (Commissioner James Gordon), Michael Gough (Alfred Pennyworth), Jack Palance (Carl Grissom)
EEUU,UK/1989/Acción***/Películas del ayer