viernes, diciembre 30, 2011

BALANCE DE LA CARTELERA COMERCIAL 2011

La situación de la cartelera comercial limeña sigue igual o peor al año anterior: blockbusters y remakes de Hollywood sin mucho ingenio ni creatividad que copan las salas de exhibición comercial, casi nulo cine de otros países (no sabemos siquiera lo que hacen nuestros vecinos, menos en Europa o Asia, salvo contadísimas excepciones). En cuanto al cine nacional, muy por delante, el estreno de interés fue Las malas intenciones, filme de la debutante Rosario García-Montero.

Como sucede desde hace algunos años atrás, para el que le gusta el cine de calidad y es más o menos exigente, deberá recurrir a los circuitos alternativos o a los dvd y, gradualmente, conforme la oferta se incremente y abarate, a los blue ray.

Hablando de circuitos alternativos, ojalá se materialice y consolide la recientemente anunciada sala de cine del Ministerio de Cultura y sea un referente obligado en nuestro país del cine que no se ve comercialmente.

Curiosamente tuvimos a Woody Allen por partida doble, gracias al éxito en taquilla que le significó Medianoche en París (algo insólito para él), animándose los distribuidores locales a traer su anterior largo, Conocerás al hombre de tus sueños.

Algunos títulos que fueron interesantes en el año que termina fueron (se encuentran más o menos en el orden de su estreno en el país):

1. Más allá de la vida
2. El escritor oculto
3. En un rincón del corazón
4. Temple de acero
5. El cisne negro
6. El discurso del rey
7. Lazos de sangre
8. Rango
9. La señal del terror
10. Ágora
11. Carancho
12. Mi nombre es John Lennon
13. La mirada invisible
14. Splice: experimento mortal
15. Agentes del destino
16. Mundo surreal
17. Triste San Valentín
18. Un asesino dentro de mí
19. El planeta de los simios: Revolución
20. Malas enseñanzas
21. Medianoche en París
22. Paul
23. Damas en guerra
24. Las malas intenciones
25. Camino a la libertad
26. Un cuento chino
27. Millennium 2
28. Rito diabólico
29. Las aventuras de Tintín
30. Conocerás al hombre de tus sueños

Y si se trata de seleccionar solo doce, me quedaría con:

1. El escritor oculto
2. Temple de acero
3. El cisne negro
4. Lazos de sangre
5. Carancho
6. La mirada invisible
7. Agentes del destino
8. Triste San Valentín
9. Un asesino dentro de mí
10. Medianoche en París
11. Las malas intenciones
12. Conocerás al hombre de tus sueños

Y eso es todo.
Eduardo Jiménez J.
Ejjlaw@yahoo.es

martes, diciembre 27, 2011

LAS AVENTURAS DE TINTÍN: EL SECRETO DEL UNICORNIO


Proyecto largamente acariciado por Steven Spielberg, en asociación con Peter Jackson, nos entrega la primera de una trilogía sobre el popular adolescente periodista Tintín y su fiel perro Milou. Si bien en América Latina no es muy conocida la historieta, en Europa sí; de allí que haya sido estrenada primero allá que en el propio Estados Unidos.

Mediante la técnica de motion capture, para luego, digitalmente, darle el acabado, ha producido una semejanza asombrosa con el cómic. No solo respetando la época, sino las tonalidades de los colores, el vestuario y la propia historia. Pero, como sucede en las películas de Spielberg, la técnica se encuentra al servicio de la historia y los personajes, no al revés; por lo que vamos a estar “enganchados” a la acción consecutiva que sufre Tintín y el capitán Haddock en la hora cuarenta y cinco de duración.

Es cierto que existen muchas similitudes entre Tintín e Indiana Jones. El estilo trepidante que se le ha dado a las aventuras del joven periodista-detective es muy similar al del arqueólogo-aventurero, incluso podemos hasta “rastrear” parte de las locaciones (las persecuciones por lugares exóticos, la huída de un barco, el desierto), el humor entre las secuencias de acción, el estilo de serial y, obvio, la época.

De allí que podemos decir que se trata de un Indiana Jones digital, tributo al personaje que tantas satisfacciones le ha deparado a Spielberg (pero también tributo a uno de los inspiradores del héroe del sombrero y el látigo, como lo fue Tintín). Ese es el encanto de la cinta y su principal límite, aunque no por eso se deja de disfrutar.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


LAS AVENTURAS DE TINTÍN: EL SECRETO DEL UNICORNIO [The Adventures of Tintin]
Dir: Steven Spielberg
Guión: Steven Moffat, Edgar Wright, basado en las historietas de Hergé
c/ Jamie Bell (Tintin), Andy Serkis (Captain Haddock / Sir Francis Haddock), Daniel Craig (Rackham / Sakharine)
EEUU/2011/Aventuras***/Estrenos

lunes, diciembre 19, 2011

RITO DIABÓLICO


Aunque el título puesto acá (Rito diabólico) no le hace justicia ni remotamente; el otro que circula en español es más apropiado (Sed de sangre).

El padre Sang-hyeon se presta como voluntario para experimentar en su cuerpo una droga que libraría del dolor y el sufrimiento a muchas personas. Como sucede en estos casos, el experimento sale mal y el padre se convierte en vampiro, necesitando alimentarse de sangre para sobrevivir.

Hasta allí coincide con otras películas del género que tratan el tema del experimento fallido y la conversión subsecuente en monstruo del personaje central. La novedad radica en el tratamiento del tema y la inspiración, bastante libre, en la novela de Zola, completando el hecho con un triángulo amoroso entre el padre Sang-hyeon, la joven Tae-ju y su esposo, a quien el padre, por medio de las oraciones, acaba de curar del cáncer, para, posteriormente, asesinarlo y quedarse con su esposa.

Es en ese triángulo amoroso donde la película va cobrando interés hasta el desenlace en el remordimiento que siente el padre Sang-hyeon por los pecados cometidos y su decisión de quitarse la vida, junto a su amante, exponiéndose al sol del amanecer.

Por otra parte, en el tratamiento de lo “vampiresco” se ha eliminado toda truculencia y alusión al terror que suscitan los vampiros, aunque se conserva la fuerza descomunal que poseen, así como su insaciabilidad sexual.

Si bien la película se mueve a un ritmo lento que nos va narrando la génesis del vampirismo del padre Sang-hyeon y sus luchas internas contra si mismo, con vericuetos en la narración que la tornan barroca, y un metraje que parece excesivo (sobrepasa las dos horas), no por ello deja de tener interés por el tratamiento novedoso de un tema que ha sido abordado en el cine infinidad de veces.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


RITO DIABÓLICO [Bakjwi]
Dir y Guión: Chan-wook Park, inspirado libremente en la novela "Thérèse Raquin" de Émile Zola
c/ Kang-ho Song (Priest Sang-hyeon), Ok-bin Kim (Tae-ju), Hae-sook Kim (Lady Ra)
Corea del Sur/2009/Thriller de terror***/Estrenos

sábado, diciembre 03, 2011

MILLENNIUM 2


Continuación de la saga iniciada con Los hombres que no amaban a las mujeres. Esta vez se centra en Lisbeth, cuyo pasado tormentoso la asalta, acusándola de crímenes que no ha cometido y desentrañándonos sus secretos en flash-backs que nos dan idea del comportamiento del personaje.

Ahora será Mikael quien debe ir en ayuda de Lisbeth; y, si bien no se trata de un argumento tan sórdido como el de la primera entrega donde coexistía la degeneración moral de una gran familia, el neonazismo y el incesto, no por ello deja de inquietarnos la historia de la hacker Lisbeth Salander.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


MILLENNIUM 2 [Flickan som lekte med elden]
Dir: Daniel Alfredson
Guión: Jonas Frykberg, basado en la novela de Stieg Larsson
c/ Michael Nyqvist (Mikael Blomkvist), Noomi Rapace (Lisbeth Salander)
Suecia/2009/Thriller***/Dvd/Estrenos

miércoles, noviembre 30, 2011

UN CUENTO CHINO


Centrado en lo que es la relación contradictoria de una “pareja dispareja”, Roberto (Ricardo Darín), un tipo misántropo, que trata de minimizar cualquier contacto humano, y Jun (Ignacio Huang) el oriental perdido en el gran Buenos Aires. Con idiomas, costumbres y forma de ver el mundo totalmente distintos, poco a poco, irán acercándose y cambiando su carácter y estilo de vida, como lo refleja la escena final, donde Roberto da “el gran salto” para visitar a Mari y, quien sabe, comenzar la aventura emocionante de una relación sentimental.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


UN CUENTO CHINO
Dir y guión: Sebastián Borensztein
c/ Ricardo Darín (Roberto), Muriel Santa Ana (Mari), Ignacio Huang (Jun)
Arg/2011/Comedia***/Estrenos

miércoles, noviembre 02, 2011

CAMINO A LA LIBERTAD


Peter Weir perteneció a “la nueva ola del cine australiano” que entre las décadas del 70 y 80 aportó algunos títulos interesantes a la filmografía. De Weir recordamos Picnic en Hanging Rock, La última ola, El fontanero o Gallipoli. Luego, como muchos de sus compatriotas, emigró a Hollywood, donde –también como muchos de sus connacionales- no pudo mantener la independencia de antaño frente a las grandes industrias fílmicas.

Sin embargo, Weir se las ha ingeniado para seleccionar los proyectos que le parecen atractivos como fueron La sociedad de los poetas muertos o The Truman show; aunque a condición de filmar cada cinco años como le ha sucedido en los últimos tiempos.

Camino a la libertad es quizás su proyecto menos importante; aunque tiene el nervio suficiente para contar una historia de supervivencia: 1941, Hitler ha invadido Polonia y la Unión Soviética mantiene un pacto de no agresión, que le permite ampliar su frontera y, de paso, liquidar a los enemigos del régimen. Un grupo variopinto se encuentra en “un campo de reeducación” en Siberia y frente a la disyuntiva de morir tarde o temprano, decide fugar en una aventura arriesgada, donde se juegan el todo por el todo.

Lo más interesante se encuentra en esa lucha de supervivencia frente a una naturaleza agreste (que pasa a ser un personaje más), en la diversidad de reacciones que se presentan al interior del grupo, en las necesarias bajas y deserciones, hasta quedar apenas tres sobrevivientes que llegarán a la India cruzando el Himalaya. Narrada con un estilo seco, lacónico, y final de sesenta años después, con caída del muro de Berlín incluida; ese final es lo más débil del filme, muy panfletario e innecesario. No obstante, vale la pena ver Camino a la libertad.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


CAMINO A LA LIBERTAD [The Way Back]
Dir.: Peter Weir
Guión: Keith R. Clarke, Peter Weir, basado en la novela "The Long Walk: The True Story of a Trek to Freedom" de Slavomir Rawicz
c/ Dragos Bucur (Zoran), Colin Farrell (Valka), Ed Harris (Mr. Smith), Saoirse Ronan (Irena), Jim Sturgess (Janusz)
EEUU/2010/Drama***/Estrenos

lunes, octubre 24, 2011

LAS MALAS INTENCIONES


En el cine nacional es inusual encontrar películas intimistas, que enfoquen el ángulo subjetivo del personaje, más tratándose de una niña. Casi todo nuestro cine se encamina por las vertientes realista o costumbrista. Las malas intenciones va por un camino poco explorado: la mirada subjetiva al mundo familiar y social de una niña de clase media alta en plena época del terrorismo (el filme trascurre entre 1982-83), el que va a servir de marco referente a la acción (notable la ambientación de época), mundo familiar y social que entra en crisis como la propia protagonista, enfrentada al nacimiento de un hermanito, así como al segundo matrimonio de su madre, volcándose a un mundo de fantasías teñido por los héroes de la patria (existe una interesante segunda lectura de la película referente a este tema y la promesa inconclusa de patria por parte de la clase a la que pertenece la protagonista).

Sólida ópera prima de Rosario García-Montero (aspecto insólito en primeros autores) que nos hace recordar filmes como Cría Cuervos de Carlos Saura.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


LAS MALAS INTENCIONES
Dir y Guión: Rosario Garcia-Montero
c/ Fatima Buntinx (Cayetana), Katerina D'Onofrio (Inés), Paul Vega, Pietro Sibille, Jean Paul Strauss
Perú/2011/Drama***+/Estrenos

viernes, octubre 14, 2011

DAMAS EN GUERRA


Las promociones la han catalogado como “la versión femenina” de Qué pasó ayer (The hangover); pero en realidad no es una comedia de humor grueso, ni tiende al chiste primario, sino que, respetando el género de la comedia, hurga en el mundo femenino como pocas películas lo han hecho.

La trama gira en torno a un grupo de damas de honor (el título original) que serán partícipes del matrimonio de una querida amiga, lo que da oportunidad al realizador para adentrarse en las rivalidades existentes dentro del grupo, encarnadas en Annie, la vieja amiga de la escuela, y Hellen, “la nueva amiga”, fruto de la actual posición social de la novia, rivalidades a veces soterradas y otras claramente desenfadadas (lograda la escena del avión, recreando hábilmente el clima de paranoia post 11-S).

Pero, también es la trayectoria vital de Annie, quien ha tocado fondo con una pareja que la usa solo como objeto sexual, un trabajo que detesta y del cual será despedida pronto, el desalojo del departamento que alquila y la irremediable pérdida de su mejor amiga. Hechos que la obligarán a reaccionar.

Merece destacarse en rol secundario a la desaparecida Jill Clayburgh, como la mamá de la protagonista, en uno de sus últimos roles y de grata recordación en películas como Una mujer descasada y La luna. Su “época de oro” en el cine fue en los años setenta.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


DAMAS EN GUERRA [Bridesmaids]
Dir: Paul Feig
Guión: Kristen Wiig, Annie Mumolo
c/ Kristen Wiig (Annie), Maya Rudolph (Lillian), Jessica St. Clair (Whitney), Jill Clayburgh (Annie's Mom)
EEUU/2011/Comedia/Estrenos

sábado, octubre 08, 2011

PAUL


Tomadura de pelo a las películas y series de ciencia ficción a través de dos nerds fanáticos de las aventuras de Sci-Fi que deciden “hacer la ruta” de sus héroes, encontrándose con un extraterrestre de verdad.

Filmada a modo de una “road movie”, el contrapunto entre los nerds (bastante ingenuos) y “el achorado” alienígena causa la detonación de la hilaridad. Gags verbales sobretodo, tiene buenas secuencias. Sin lograr redondear una irreverencia total contra el género, Paul se deja ver. Los fanáticos de la ciencia-ficción notarán “guiños” a muchas de estas películas.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


PAUL
Dir: Greg Mottola
Guión: Nick Frost, Simon Pegg
c/ Simon Pegg (Graeme Willy), Nick Frost (Clive Gollings), Seth Rogen (Voz de Paul)
EEUU/2011/Comedia***/Estrenos

miércoles, septiembre 28, 2011

MEDIANOCHE EN PARÍS


En la “etapa europea” de Woody Allen, esta vez le tocó a París ser el escenario y, si es París, recordar los años 20 en que “era una fiesta”. Gil (Owen Wilson) vive una crisis existencial, debiendo escoger entre dos caminos: el continuar como un cotizado guionista con un próximo matrimonio convencional con Inez, o sumergirse de lleno en su verdadera vocación de novelista. Aparentemente las cartas las tiene en contra, hasta que “por arte de magia” se ve trasportado al París de los años 20 y conoce a los íconos de aquella época por los que tanta devoción profesa: Ernest Hemingway, Fitzgerald, Cole Porter, Picasso, Dalí, Buñuel, toda una pléyade de artistas que confirmarán su verdadera vocación. Y como no puede suceder de otro modo en “la ciudad del amor”, comenzará un nuevo romance, más auténtico que el anterior.

Estamos de nuevo ante la comedia del absurdo (los “saltos en el tiempo”), cosa que Woody ya había hecho antes (La rosa púrpura del Cairo, con la que guarda cierta relación), solo que más ambiciosa y elaborada, manteniéndose con un pie en la comedia romántica. Lo verosímil es la puesta en escena que permite que la película “no se caiga”, lo que Allen como viejo artesano trabaja con gran habilidad. También la actuación de Owen Wilson, muy en caja en el rol del escritor ante un dilema existencial, encarnando a una suerte de alter ego del director. Y, como sucede a cierta altura de la vida, el mensaje del filme es que “todo tiempo pasado fue mejor”.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


MEDIANOCHE EN PARÍS [Midnight in Paris]
Dir y guión: Woody Allen
c/ Owen Wilson (Gil), Rachel McAdams (Inez)
EEUU/2011/Comedia***/Estrenos

miércoles, septiembre 21, 2011

MALAS ENSEÑANZAS

Bad teacher toca una denuncia real que ocurre en las escuelas norteamericanas: los profesores dan las claves de los exámenes estatales a sus alumnos a fin de ganar un bono de obtener estos altas calificaciones.

Naturalmente que en clave de comedia como todas las situaciones que le van ocurriendo a la protagonista (como “los incentivos” que Elizabeth pide no tan disimuladamente a los padres de familia a fin de “esmerarse mejor” en la educación de sus retoños). Por lo demás la historia ya fue vista en el cine innumerables veces: la del personaje que no vive su profesión o la vive a desgano, hasta que “descubre su vocación” y el ser auténtico que tiene dentro de si, más allá de los convencionalismos o la sociedad de consumo. En el caso de Elizabeth solo busca “atrapar” un novio con fortuna, hasta que los sinsabores de la vida le descubren su verdadero yo, dejando de lado las apariencias (como la implantación de siliconas en los senos para verse más sensual).

Existe otro detalle que ha sido tratado muy bien en la película: las “puñaladas por la espalda” entre colegas y la hipocresía que se vive al interior de los centros laborales, donde todo es sonrisa de los labios afuera y por dentro anidan verdaderos monstruos.

Interesante, aunque irregular comedia. Tiene buenos momentos, pero no apostó por la irreverencia sino por lo “políticamente correcto”, con mensaje ejemplificador al final, tocando solo oblicuamente los males de la educación en Norteamérica (la verdad están peor que la educación del Sutep). Sobre Cameron Diaz, conforme pasan los años, como el vino, cada vez está mejor.

Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


MALAS ENSEÑANZAS [Bad Teacher]




Dir: Jake Kasdan

Guión: Gene Stupnitsky, Lee Eisenberg

c/ Cameron Diaz (Elizabeth Halsey), Lucy Punch (Amy Squirrel), Jason Segel (Russell Gettis), Justin Timberlake (Scott Delacorte)

EEUU/2011/Comedia***/Estrenos

sábado, septiembre 17, 2011

LA DOBLE VIDA DE WALTER


Lo asombroso de esta película, con la que Jodie Foster regresa a la dirección después de largos años, es que pese a “combinar” géneros y atmósferas, “no se cae”. Para el espectador resulta verosímil lo que ve. Porque a veces la situación es dramática, otras trágica, y gran parte del tiempo linda con la comedia del absurdo. Con la historia del hombre maduro (Mel Gibson en extraordinaria performance) sumido en una profunda depresión que lo aísla de los demás miembros de su familia y trabajadores de su empresa, que logra romper el cerco de incomunicación a través de una marioneta en forma de castor (de allí el título original), realizando una vida aparentemente normal mientras tiene a la marioneta en la mano y “habla por él”, volviéndose a tal punto adicto que ni siquiera puede tener relaciones sexuales sin ella en el brazo.

Es cierto que la historia de The beaver tiene un aire bastante parecido al primer largo como director de Robert Redford, Gente como uno (Ordinary people, 1980). La historia del miembro de la familia que intenta suicidarse, sumido también en una profunda depresión, la disfuncionalidad y tensión que produce el hecho en el seno del hogar y el “final feliz” del drama. Pero, más allá de esas cuestiones, lo cierto es que Jodie Foster quiso tratar en The beaver un problema bastante común en Estados Unidos: el de las personas que sufren profunda depresión, impidiéndoles ejercer una “vida normal” en la familia, los estudios, los negocios o el trabajo.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


LA DOBLE VIDA DE WALTER [The Beaver]
Dir: Jodie Foster
Guión: Kyle Killen
c/ Mel Gibson (Walter Black), Jodie Foster (Meredith Black), Anton Yelchin (Porter Black)
EEUU/2011/Drama***/Estrenos

sábado, septiembre 10, 2011

SUPER 8


Super 8 tiene el encanto de esas películas spielbergnianas de hace treinta años atrás. Es más, parece que Steven Spielberg la hubiese rodado. Los “guiños” a Encuentros cercanos…, Los goonies, ET o hasta Tiburón son más que evidentes.

Pero, J.J. Abrams creo es lo bastante inteligente como para “copiar” viejas películas exitosas. Más parece un homenaje al gran realizador que una vulgar copia. Homenaje a ese cine que ponía los efectos especiales al servicio de la historia y los personajes, y no al revés como es frecuente en estos tiempos de arte digital.

Como un “deja vu” Super 8 es atractiva. Como un recuerdo de épocas mejores del cine norteamericano.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


SUPER 8
Dir y guión.: J.J. Abrams
c/ Joel Courtney (Joe Lamb), Kyle Chandler (Jackson Lamb), Elle Fanning (Alice Dainard)
EEUU/2011/CF, misterio/Estrenos

sábado, septiembre 03, 2011

EL PLANETA DE LOS SIMIOS: (R)EVOLUCIÓN


En 1968 se estrenó “El planeta de los simios”, un filme dentro del género apocalíptico (o llamado también “distopía”) que, siendo fiel a la novela, planteaba una civilización simia, considerando a los hombres como animales carentes de derechos y de razón. Una suerte de “mundo al revés” que ironizaba sobre la tesis del hombre como centro del universo. La película tiene un final pesimista, inmortalizado en la famosa escena de Charlton Heston frente a una derrumbada estatua de la libertad, renegando de la especie humana, escena trágica de claro acento shakespiriano.

Pese a que el original de El planeta de los simios se hizo con recursos limitados y en una época en que los efectos especiales eran sobretodo mecánicos y de maquillaje, es la mejor de todas, incluyendo a las cuatro películas posteriores a que dio origen en la década del setenta, así como al remake que años después realizó Tim Burton.

Esta vez Rise of the Planet of the Apes nos remite a una reescritura de los comienzos, del inicio. En la saga setentera, muy acorde con la época, la desaparición del hombre se debió a una guerra nuclear, lo que posibilitó el surgimiento de la civilización simia. Esta vez se trata de una “enfermedad de laboratorio”, producto de la manipulación genética, en sintonía con los tiempos que vivimos, lo que producirá una pandemia en la especie humana, ayudando al ascenso de los simios (como expresa el título original). También ha cambiado el planteamiento de la evolución de la inteligencia simia. Ya no sería producto de la propia evolución (como fue en los homínidos millones de años atrás), sino fruto de un medicamento que permite multiplicar las neuronas. Subyace la tesis del hombre que paga las consecuencias de jugar a ser Dios.

Son actualizaciones, así como la rapidez con que “evoluciona” la inteligencia de César, signo de los tiempos instantáneos que vivimos y, por supuesto, los impresionantes efectos especiales, imposibles hace cuarenta años atrás. No plantea un pesimismo filosófico tan marcado como la película original, ni tampoco una aventura rocambolesca a lo Tim Burton, pero la idea central se mantiene, dejando en suspenso una más que probable continuación.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


EL PLANETA DE LOS SIMIOS: (R)EVOLUCIÓN [Rise of the Planet of the Apes]
Dir: Rupert Wyatt
Guión: Rick Jaffa, Amanda Silver, basado en los personajes de la novela "La planète des singes" de Pierre Boulle
c/ James Franco (Will Rodman), Freida Pinto (Caroline Aranha), John Lithgow (Charles Rodman), Andy Serkis (César)
EEUU/2011/CF***/Estrenos

martes, agosto 30, 2011

UN ASESINO DENTO DE MI


El “encanto” de la película se encuentra en el propio descubrimiento del personaje como asesino. Ambientada en un pueblito de Texas hacia los años 50, Lou es “el chico bueno”, incapaz de matar una mosca, asistente del sheriff, próximo a contraer matrimonio con una chica de la localidad (Amy), tiene un futuro definido como el próximo sheriff de un aparente pueblo tranquilo, hasta que conoce a Joyce, una prostituta que le abre a un mundo de oscuridad y placer que ni el mismo se lo imagina, desencadenando una serie de crímenes coronados con su propia destrucción.

Como dice la voz en off del personaje, en esos pueblos pequeños donde todos creen conocer a todos y donde se pueden esconder las historias más sórdidas, se revela un asesino que pasa como el más normal de los habitantes, hasta que se le presenta la oportunidad de revelar su otro yo, su lado más oscuro.

Casey Affleck se descubre como un actor sobrio, contenido y que “encaja” a la perfección en el papel. Brillante film que revive la saga de cine negro en todo su esplendor.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


UN ASESINO DENTO DE MI [The Killer Inside Me]
Dir: Michael Winterbottom
Guión: John Curran, basado en la novela de Jim Thompson
c/ Casey Affleck (Lou Ford), Kate Hudson (Amy Stanton), Jessica Alba (Joyce Lakeland), Ned Beatty (Chester Conway), Elias Koteas (Joe Rothman), Tom Bower (Sheriff Bob Maples)
EEUU/2010/Thriller***+/Estrenos

viernes, agosto 26, 2011

LAS LOCAS AVENTURAS DE CAPERUCITA ROJA PARTE 2


Si bien esta versión de Caperucita Roja nació bajo la sombra de Shrek, dándole una vuelta de tuerca a los clásicos cuentos de hadas, tuvo una aceptable primera versión, donde teníamos a una Caperuza bastante aventajada, una abuela que practica deportes extremos y un lobo medio torpe y cobardón, así como un Conejo villano. Le sucede lo mismo que a la saga del ogro verde: es un poco más de lo mismo. Esta vez toma como villanos a Hansel y Gretel en una disparatada aventura que esperemos sea la última de la saga.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


LAS LOCAS AVENTURAS DE CAPERUCITA ROJA PARTE 2 [Hoodwinked Too! Hood VS. Evil]
Dir: Mike Disa
Guión: Cory Edwards
Voces originales: Glenn Close (Granny Puckett), Hayden Panettiere (Red Riding Hood), Patrick Warburton (The Big Bad Wolf), Joan Cusack (Verushka the Witch)
EEUU/2011/Animación**/Estrenos

lunes, agosto 22, 2011

LINTERNA VERDE


La DC Comics no se podía quedar atrás en esta vertiginosa carrera por llevar al cine a los héroes de los comics más populares y, mientras prepara el relanzamiento de Superman, nos trae a Linterna Verde. A diferencia del hombre de acero, los superpoderes no vienen con él, sino son a causa de un anillo y una linterna. Existe, subyacente, cierta ritualidad mágica de donde emana su poder, lo cual atrae nuestra parte más primitiva. Naturalmente sin el anillo es un mortal vulnerable como cualquier otro.

Esta primera entrega nos cuenta los inicios, actualizando la historia al tiempo presente. Se deja ver, busca solo entretener, no existe un lado oscuro o sombrío como en las últimas entregas de Batman, sino que va más a las raíces del comic original, por lo que “respira” cierta ingenuidad propia de otras épocas. Quizás por eso no ha tenido tanta aceptación de público (aparte de la fuerte competencia de blockbusters en el presente verano del hemisferio norte), lo que haría peligrar la continuación de la franquicia, pese a que una de las últimas escenas anticipa una continuación. En fin, esperemos que Linterna verde tenga un mejor futuro.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


LINTERNA VERDE [Green Lantern]
Dir.: Martin Campbell
Guión: Greg Berlanti y otros, basado en los caracteres de la historieta de DC Comics
c/ Ryan Reynolds (Hal Jordan/Green Lantern), Blake Lively (Carol Ferris), Peter Sarsgaard (Hector Hammond), Mark Strong (Sinestro), Tim Robbins (Hammond)
EEUU/2011/Fantasía***/Estrenos

jueves, agosto 18, 2011

TRISTE SAN VALENTÍN


Dean y Cindy son una joven pareja que contrae matrimonio por el embarazo de ella (aunque ella no está segura si es hijo de Dean o de otro novio con el cual tiene relaciones en paralelo). Ambos renuncian a sus sueños más preciados, ella ser médico (se “contenta” con ser enfermera) y él dedicarse a la música, para trabajar en algo que le permita ingresos. Más o menos son los datos que vamos conociendo de la pareja que sufre el inevitable fin del amor. Triste San Valentín o Blue Valentine narra la historia en dos tiempos: el presente, con el inevitable deterioro de la relación conyugal, hasta su triste final; y en montaje alterno, el pasado, aproximadamente seis años atrás, con la historia de “los inicios” de la relación, cómo se conocen, el enamoramiento y las razones que los llevan a contraer matrimonio.

La “lección” de esta sobria y magnífica película (se centra básicamente en las actuaciones) es que a contrapelo de las historias de amor que terminan con el clásico “y vivieron felices”; Blue Valentine nos dice que el amor se acaba, que no existen los amores eternos, que como dice la clásica canción “todo tiene su final”. La destreza del filme está en no cargar las tintas, ni irnos por el tobogán del melodrama, sino en mantenerse en ese equilibrio sobrio. Ni más ni menos.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yhoo.es


TRISTE SAN VALENTÍN [Blue Valentine]
Dir.: Derek Cianfrance
Guión: Derek Cianfrance, Cami Delavigne y Joey Curtis
c/ Ryan Gosling (Dean), Michelle Williams (Cindy), Faith Wladyka (Frankie)
EEUU/2010/Drama***+/Estrenos

lunes, agosto 08, 2011

CAPITÁN AMÉRICA: EL PRIMER VENGADOR


Este año la Marvel ha estrenado en el cine a sus mejores superhéroes, en una suerte de “bombardeo veraniego” (en el hemisferio norte) como preámbulo en el 2012 a Los vengadores, la reunión en una sola película de los superhéroes más mentados de la conocida casa editora de comics. El agasajo recién empieza. Esta vez le tocó el turno al Capitán América, el héroe por antonomasia de los valores de la cultura norteamericana. Su nombre lo dice todo.

Nacido ex profeso en el contexto de la II Guerra Mundial, en la lucha contra Adolfo Hitler y los nazis, la película ha captado muy bien el ambiente y la recreación de la época, quizás su mayor mérito. “Sentimos” ese ambiente de patrioterismo febril que se vivió en Norteamérica luego que los japoneses atacaron Pearl Harbor. El ánimo de enlistarse en el ejército que lleva al joven Steve Rogers a solicitar una y otra vez su admisión hasta que es aceptado. El poco caso que al inicio le hacen, las burlas que sufre al ser usado solo como vehículo de propaganda para recaudar fondos, hasta ganarse el respeto de los demás con la muestra de su valentía y coraje. Por cierto, las escenas de acción están muy bien logradas, sin tomarse muy en serio (y hasta con un “guiño” de burla), con un ritmo trepidante de serial, como lo concibieron Lucas y Spielberg para la saga de Indiana Jones.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


CAPITÁN AMÉRICA: EL PRIMER VENGADOR [Captain America: The First Avenger]
Dir: Joe Johnston
Guión: Christopher Markus, Stephen McFeely, basado en el comic de Joe Simon y Jack Kirby
c/ Chris Evans (Captain America / Steve Rogers), Hayley Atwell (Peggy Carter), Sebastian Stan (James Buchanan 'Bucky' Barnes), Tommy Lee Jones (Colonel Chester Phillips), Hugo Weaving (Johann Schmidt / Red Skull), Samuel L. Jackson (Nick Fury)
EEUU/2011/Aventuras***/Cine/Estrenos

miércoles, agosto 03, 2011

CARS 2


La secuela de las aventuras del Rayo McQueen, esta vez recorriendo las pistas de Europa y Japón. La película, como todas las de Pixar, seduce por su buen acabado, una historia convincente y personajes creíbles (en vez de “humanizar” a los animales, esta vez se humanizó a los automóviles), incluso se nota que el despliegue técnico es mayor que en la primigenia Cars; sin embargo, la historia no nos atrapa, a pesar que la trama ha sido urdida como las películas de espías de los años 60, pero los recorridos en distintas ciudades europeas, las persecuciones y las carreras no nos llama tanto la atención como en la primera parte. Será que casi siempre las continuaciones no están a la altura de la versión primera, y a pesar también que contiene una “lección ecológica”. En fin, no es culpa del Rayo McQueen ni de sus compañeros de aventuras.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


CARS 2
Dir: John Lasseter, Brad Lewis
Guión: Ben Queen
Voces originales: Owen Wilson (Lightning McQueen), Larry the Cable Guy (Mater), Michael Caine (Finn McMissile)
EEUU/2011/Animación***/Estrenos

martes, julio 26, 2011

HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE: PARTE 2


El final de una saga que si bien ha recaudado cientos de millones en la taquilla, cinematográficamente no es gran cosa (salvo la adaptación de Alfonso Cuarón, HP y el prisionero de Azkabán). Por lo general han sido versiones chatas, carentes de imaginación, que se han limitado a ser lo más fiel posible a los libros. Hay que reconocer que la de Yates es la más negra, no apta para un público infantil, aunque con final feliz como era previsible y un “epílogo” 19 años después en la estación del tren, cerrándose la historia en el mismo lugar donde todo comenzó. Fin de un ciclo y el comienzo de otro: el de los hijos que se dirigen por primera vez a la Escuela de Magos.

Ojalá que en algunos años más alguien se anime a una adaptación que contenga más vuelo creativo; a no dudarlo tendremos HP todavía para rato.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE: PARTE 2 [Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2]
Dir: David Yates
Guión: Steve Kloves, basado en la novela de J.K. Rowling
c/ Daniel Radcliffe (Harry Potter), Rupert Grint (Ron Weasley), Emma Watson (Hermione Granger), Ralph Fiennes (Lord Voldemort), Alan Rickman (Professor Severus Snape)
UK, EEUU/2011/Fantasía***/Estrenos

viernes, julio 15, 2011

EL VENGADOR


El encanto de Priest está en que, a diferencia de por ejemplo Transformers, no se toma en serio, sino modestamente como un entretenimiento que no busca “saturar” al espectador, sino que, respetando ciertas convenciones, “crea” lo que está visionando. Y, no menos importante, esa combinación de géneros que ha sabido llevar. No es solo horror, sino que, reactualizando el viejo tema de los vampiros, combina géneros: acción, pero sobretodo el género del oeste. La historia del secuestro de la hija de Priest por los vampiros bien puede ser la que sucedía con los indios que raptaban a la niña blanca en las clásicas películas de John Wayne. El tren donde van “los malos” es un elemento importante, como en las sagas del viejo oeste. El simple aspecto del convoy de fierros ya inspira temor. Ya no mencionemos la evidente similitud de facciones y vestimenta del “villano” con “el hombre sin nombre” que encarnó en los años sesenta Clint Eastwood. Y es tributaria de muchas películas, comenzando por Matrix (el uso del “bullet time” es más que evidente), pasando por Mad Max y toda la vertiente del cine apocalíptico (lo que tiende a conocerse como “distopías”).

Desde ese punto de vista, Priest es un producto “post moderno”, que asimila géneros distintos, para crear algo nuevo. El intento, sin caer en lo solemne ni pesado, es interesante y entretenido. Solo busca eso y nada más, pero es suficiente.
Entre tanto “blockbuster”, Priest pasó desapercibido en la cartelera limeña, pero está disponible en dvd. No se lo pierdan.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


EL VENGADOR [Priest]
Dir: Scott Charles Stewart
Guión: Cory Goodman, basado en la novela gráfica "Priest" de Min-Woo Hyung
c/ Paul Bettany (Priest), Karl Urban (Black Hat), Maggie Q (Priestess), Christopher Plummer (Monsignor Orelas)
EEUU/2011/Acción, horror, CF***/Estrenos

sábado, julio 02, 2011

TRANSFORMERS: EL LADO OSCURO DE LA LUNA


Tercera y –por el momento- final de la saga de los Autobots contra los Decepticons, esta vez centrada en la Luna. La película tiene una primera parte ágil, entretenida, como que no se toma ella misma muy en serio: el explicar “las razones” que llevaron al hombre a pisar por primera vez nuestro satélite, la –ironías de la vida- búsqueda de trabajo del héroe que salvó dos veces a la humanidad, las entrelíneas de su nueva relación sentimental con padres metiches de por medio y, de yapa, hasta jefe paranoico y compañeros de trabajo bastante estrafalarios. Es lo mejor. Pero, la segunda parte, la que se centra en “la guerra final” entre los Autobots y los Decepticons es tan pesada como un tanque o como Godzilla queriendo volar. Toda la parafernalia de efectos especiales, de “duelos a muerte” entre “buenos y malos”, ganando los malos, para en el último minuto “volterase el marcador” a favor de los buenos, es más de lo mismo. Se toma muy solemne, muy en serio, hasta en el metraje (dos horas y media como que es mucho), desperdiciando situaciones y personajes interesantes, como el paranoico jefe de Sam, encarnado por John Malkovich. Lo único grácil, liviano y encantador es la presencia de Rosie Huntington-Whiteley, a quien el director no tiene empacho en regocijarse paneando su trasero, escena con la cual comienza la película. Este chico tiene suerte.
No me extrañaría que de aquí a unos años, el –ya por entonces- adulto Sam Witwicky salve al mundo por cuarta vez. No es necesario ser adivino para suponerlo.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


TRANSFORMERS: EL LADO OSCURO DE LA LUNA [Transformers: Dark of the Moon]
Dir: Michael Bay
Guión: Ehren Kruger
c/ Shia LaBeouf (Sam Witwicky), Rosie Huntington-Whiteley (Carly), John Turturro (Simmons), John Malkovich (Bruce Brazos)
EEUU/2011/Fantasía, acción**/Estrenos

viernes, junio 17, 2011

SPLICE: EXPERIMENTO MORTAL


Película inspirada lejanamente en la historia de Frankenstein. Es la apuesta de dos científicos por crear vida, pero esta vez cruzando ADN de distintas especies, incluyendo la humana; siendo el contexto donde se desarrolla la trama no un castillo gótico, sino los grandes laboratorios trasnacionales que producen transgénicos, así que existe un interés crematístico de por medio. Como sucede con el doctor Frankenstein, en la clásica novela de Mary Shelley, al final los dos científicos serán “castigados” por haber trasgredido las leyes naturales, aunque con un final sorprendente y algo cínico, acorde con los tiempos más “burgueses” que vivimos, reflejado en el “generoso” pago que recibe Elsa por llevar en su vientre al fruto de su creación.

Filme de terror atípico, sin los usuales golpes de impacto, se centra más en recrear atmósferas que en “asustar” al espectador.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


SPLICE: EXPERIMENTO MORTAL [Splice]
Dir.: Vincenzo Natali
Guión: Vincenzo Natali, Antoinette Terry Bryant, Doug Taylor
c/ Adrien Brody (Clive Nicoli), Sarah Polley (Elsa Kast), Delphine Chanéac (Dren)
Canadá/2009/Terror, suspenso***/Estrenos

miércoles, mayo 25, 2011

LA MIRADA INVISIBLE


Abordar una época histórica trágica y complicada como la acaecida en los años de la última dictadura militar argentina (1976-83) trae sus riesgos como caer en el cliché, las burdas denuncias, o en la truculencia y en la exageración, lo que tornaría los hechos mostrados en poco convincentes.

La mirada invisible se centra en un colegio argentino de vieja prosapia, tan antiguo como la misma república, situando los hechos, previo al desastre de la invasión a las islas Las Malvinas (1982). Pero, no es necesario que se mencione la época en que trascurren, basta “respirar” la atmósfera de oprobio y opresión, vigilancia constante de lo que se dice y se hace en el colegio (suerte de microcosmos de la sociedad argentina de aquellos años) para tomar conciencia de donde nos encontramos. Los pasos militares que se escuchan, la rígida y marcial disciplina, la exaltación de los símbolos patrios, nos ponen en autos de lo que sucede. Y, como ocurre con todos los verdugos (encarnado en el personaje de Marita), muchas veces ven su trabajo como algo normal, natural, hasta que el mismo sistema los devora, simbolizado en la salvaje violación que sufre por parte del jefe de los preceptores, Biasutto, a quien admira e inconcientemente asocia como el padre sustituto que no tuvo. Precisamente, en los estados sin derecho para los ciudadanos, el “padre de la patria” (el estado) se trasforma en un déspota, un hombre que ejecuta a su arbitrio los castigos y se dispensa los placeres que quiere: se elimina toda norma moral o jurídica de convivencia y volvemos a la horda tribal, que es la degradación a la que nos somete la dictadura.

Otro mérito de la película es que no presenta personajes estereotipados. Ninguno es bueno o malo “químicamente puro”. La propia Marita quiere vivir como toda joven: ir a fiestas, tener una pareja, divertirse; pero su deseo de orden y el llevar las reglas al extremo (a tal punto que se refugia en los baños de los hombres para sorprenderlos “in fraganti” y a la vez masturbarse, excitada por la trasgresión de lo prohibido, por “la mirada invisible”), sin ninguna posibilidad de utilizar un criterio flexibilizador, la conducen hacia su fatal destino.

Excelente película y de paso fugaz por la cartelera limeña (como todo lo bueno). Los que se la perdieron y les guste el buen cine, está disponible en dvd.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


LA MIRADA INVISIBLE
Dir.: Diego Lerman
Guión: Diego Lerman, María Meira, basado en la novela "Ciencias Morales" de Martín Kohan
c/ Julieta Zylberberg (Marita), Osmar Núñez (Biasutto), Marta Lubos (Adela), Gaby Ferrero (Elvira)
Argentina/2010/Thriller***+/Estrenos

miércoles, mayo 18, 2011

MI NOMBRE ES JOHN LENNON


Tratar la vida de un icono como John Lennon es complicado de resolver. Sam Taylor-Wood lo resuelve tratándolo como un chico más (el título original es mucho más explícito de esa intencionalidad) con problemas propios de la adolescencia, acentuado por la ausencia de los progenitores y el difícil acercamiento a la madre, ya de joven; y, en el medio, los tíos George y Mimi, suerte de padres sustitutos del díscolo John. La película se centra en “la edad de piedra”, los años previos a la consagración, la formación de la banda, el encuentro con Paul y la rivalidad creadora que va a existir entre los dos al interior del grupo. Lo malo es que la realizadora no apuesta demasiado. Siempre se encuentra contenida, dispuesta a relatar los hechos por medio de una puesta en escena muy controlada y convencional, salvo contadas excepciones donde consigue picos dramáticos excelentes como en el velorio de Julia, donde el joven Lennon descarga toda su furia y pena, suerte de catarsis que lo disparará hacia alturas creativas. El resto ya es historia conocida.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


MI NOMBRE ES JOHN LENNON [Nowhere Boy]
Dir: Sam Taylor-Wood
Guión: Matt Greenhalgh
c/ Aaron Johnson (John), Kristin Scott Thomas (Mimi), David Threlfall (Uncle George), Anne-Marie Duff (Julia)
UK/2009/Biopic***/Estrenos

martes, mayo 03, 2011

VIENE POR TI


El cine asiático es uno de los más creativos en el mundo. A las historias, técnicas y estilos del cine norteamericano y europeo les ha dado “una vuelta de tuerca”, confiriéndoles un nuevo sentido. Han asimilado muy bien el cine occidental y lo han recreado con un estilo propio. Es lo que sucede en Viene por ti. Un filme de terror convencional sobre fantasmas vengativos, sino fuese por las atmósferas en que nos va envolviendo. No es tanto el susto gratuito o la sangre (que la hay) sino ese ambiente enrarecido que se vive, “copiando” la realidad a la ficción. Y todo sucede no en un castillo gótico ni en una mansión embrujada, sino en una multisala de cine como de las tantas que existen en todos los países, “contagiando” con ese terror maligno a todo el mundo. Interesante propuesta.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


VIENE POR TI
Dir. y guión: Sopon Sukdapisit
c/ Chantavit Dhanasevi, Chantawit Tanasaewee, Sakulrath Thomas, Worrakarn Rotjanawatchra
Tailandia/2008/Terror***/Estrenos

martes, abril 26, 2011

CARANCHO


Pablo Trapero es un joven realizador argentino que asimila muy bien los recursos del cine norteamericano y los adapta a “historias porteñas” como Mundo Grúa, su interesante primer largo, o Leonera, vista hace un tiempo en Lima.

Esta vez toca el tema de las indemnizaciones por accidentes producidos por automóviles, lo que convierte no solo en un rico filón para las aseguradoras, sino también para los estudios de abogados que patrocinan a los accidentados a cambio de una “cuota litis” (un porcentaje de lo que se obtenga en el juicio), a quienes en la jerga bonaerense se les llama “caranchos” (en alusión a un ave carroñera propia de la Argentina); solo que el estudio donde trabaja Sosa, un abogado que ha perdido su matrícula y no puede ejercer por su cuenta, “fabrica” los accidentes, buscando sobretodo personas necesitadas de dinero que se contenten con una pequeña suma, forzando el pago de las indemnizaciones, de las que se queda con “la parte del león”, en contubernio con hospitales, policías y paramédicos. Allí es donde Sosa conocerá a Luján, joven médica encargada de atender a los heridos.

Lo más interesante de la trama se encuentra en la “fabricación de los accidentes”, con un estilo seco y duro, siendo de menor interés la historia romántica que se desarrolla entre Sosa y Luján (como diciendo el autor que en un mundo tan despiadado como el que presenta no hay espacio para sentimientos nobles), con abundante dosis de violencia y sangre (se nota la inspiración de Scorsese), y la liquidación de la pareja, irónicamente en un accidente de tránsito como uno de los tantos en que de una u otra manera se han visto involucrados.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


CARANCHO
Dir: Pablo Trapero
Guión: Alejandro Fadel, Martín Mauregui, Santiago Mitre, Pablo Trapero
c/ Ricardo Darín (Sosa), Martina Gusman (Luján)
Argentina/2010/Thriller***/Estrenos

martes, abril 19, 2011

RÍO


Detrás de la historia de animación (aparentemente trivial y "ecológicamente correcta") se esconde una “lección moral”: la madurez que debemos alcanzar. Blu se cría en un ambiente protegido, donde no le falta nada: tiene amor, cuidados, alimento; pero le falta “crecer” emocionalmente. Se ha quedado en el estado mental de un niño, de allí que no puede volar, no ha aprendido a usar sus propios recursos, hasta que la adversidad lo pone a prueba, consiguiendo volar, es decir, desarrollar sus potencialidades. La escena final en que se despide de su ama y emprende vuelo junto a su compañera es significativa que ha logrado madurar, “independizándose” y formando un hogar autónomo. La adultez, ni más ni menos.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


RÍO
Dir: Carlos Saldanha
Guión: Don Rhymer
Voces originales: Jesse Eisenberg (Blu), Anne Hathaway (Jewel), Leslie Mann (Linda), Wanda Sykes (Chloe)
EEUU/2011/Animación***/Estrenos

martes, abril 12, 2011

ÁGORA


Ágora pretende ser una alegoría entre la tolerancia y la intolerancia, entre la razón y el fanatismo, entre la cientificidad y la superchería; y cómo siempre ganan estos últimos. Para ello Amenábar se ha servido de un hecho histórico: el asesinato de Hypatia a manos de los cristianos en la Alejandría del siglo IV de nuestra era. Se describe en un primer momento la convivencia en tolerancia de los tres grupos representativos: los egipcios que conservan el legado de las astronomía tolemeica, los judíos y los cristianos, estos últimos que de secta ilegal pasa a ser formal con la conversión al cristianismo del emperador romano. Como vemos es un delicado equilibrio, que se verá roto cuando los cristianos sean mayoría y tengan el poder. Con su llegada al poder, primero se arrasará con los egipcios que creen en distintas deidades “paganas” y luego con los judíos, los “asesinos” de Cristo.

Amenábar ha compuesto su puesta en escena en oposiciones: los cristianos como intolerantes y fanáticos, mientras que los egipcios son los tolerantes y hombres de ciencia, teniendo a Hypatia (personaje histórico) como su emblema. Puede parecer maniqueo, pero para los fines de la alegoría planteada sirve. Para decirnos que intolerancia siempre ha habido y siempre habrá.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


ÁGORA
Dir: Alejandro Amenábar
Guión: Alejandro Amenábar, Mateo Gil
c/ Rachel Weisz (Hypatia), Max Minghella (Davus), Oscar Isaac (Orestes), Ashraf Barhom (Ammonius), Michael Lonsdale (Theon), Rupert Evans (Synesius), Richard Durden (Olympius)
España/2009/Drama histórico***/Estrenos

miércoles, abril 06, 2011

MÁS ALLÁ DE LA DUDA


Más de allá de la duda es remake de un filme del mismo nombre (Beyond a Reasonable Doubt) de 1956. La trama gira en torno a un fiscal corrupto que “fabrica” pruebas a fin de culpabilizar a los sospechosos de un crimen y así catapultarse políticamente para candidatear como gobernador del estado. Por el otro lado, tenemos también a otro hombre ambicioso: un joven periodista de investigación que sospecha que el fiscal inventa las pruebas y se ofrece como “señuelo”, autoinculpándose en un crimen, a fin de descubrir su retorcido juego. En el medio se encuentra la asistenta del fiscal, una joven abogada que sentimentalmente se une al periodista.

La trama de por si es interesante (aunque “las pistas” que deja el periodista son tan burdas que harían sospechar al más ingenuo que se trata de una trampa), solo que da más para el mundo jurídico y las películas “de juicios y tribunales”, y no tanto para una película con dosis de acción como la que pretendió Hyams, un viejo y hábil artesano de Hollywood que cuenta con mejores películas en su haber. De allí que tiene que crear persecuciones de carros, balaceras y giros de trama sorprendentes como la del final. Si bien ese giro final le da un toque inesperado a la película, como que resulta jalado de los cabellos.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


MÁS ALLÁ DE LA DUDA [Beyond a Reasonable Doubt]
Dir. y guión: Peter Hyams, basado en el de Douglas Morrow
c/ Jesse Metcalfe (C.J. Nicholas), Amber Tamblyn (Ella Crystal), Michael Douglas (Mark Hunter), Joel Moore (Corey Finley)
EEUU/2009/Thriller**/Estrenos

jueves, marzo 31, 2011

LA SEÑAL DEL TERROR


Película de terror inspirada en la saga de los zombies, se encuentra dividida en tres partes (cada segmento a cargo de un director distinto, pero manteniendo la unidad de la trama y el estilo). Nos da cuenta de una inexplicable señal trasmitida por televisión que vuelve asesina a la gente y cómo la búsqueda del amor hace que la pareja del inicio se encuentre luego de pasar mil peripecias.

Tiene humor, abundante sangre y se caracteriza por no tomarse ella misma en serio.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


LA SEÑAL DEL TERROR [The Signal]
Dir y guión: David Bruckner, Dan Bush, Jacob Gentry
c/ Anessa Ramsey (Mya Denton), Sahr Ngaujah (Rod), AJ Bowen (Lewis Denton)
EEUU/2007/Terror***/Estrenos

jueves, marzo 24, 2011

EL PELEADOR



Las historias de los boxeadores son un atractivo e inagotable filón, siempre y cuando se sepan aprovechar. Esta vez toca la temática del eterno perdedor. Un boxeador “paquete” que sirve de relleno o como escalón para otros más afortunados, hasta que se encuentra con la mujer apropiada y toma la decisión correcta, con final feliz incluido.

La historia es bastante convencional, dirigida a asegurar no solo premios sino recaudación en la taquilla. Es una suerte de historia de superación personal, extraída de libro de autoayuda. La salva la actuación de Christian Bale, como el extrovertido y parlanchín medio hermano de Micky, que vive de glorias pasadas, pero que en el presente va hacia una pronunciada pendiente de decadencia profesional y moral. Christian Bale “se roba” la película y el merecido Óscar a la actuación secundaria.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


EL PELEADOR [The Fighter]
Dir: David O. Russell
Guión: Scott Silver, Paul Tamasy
c/ Mark Wahlberg (Micky Ward), Christian Bale (Dicky Eklund), Amy Adams (Charlene Fleming), Melissa Leo (Alice Ward)
EEUU/2010/Drama***/Estrenos

lunes, marzo 21, 2011

RANGO


Las técnicas de animación digital son cada vez más sofisticadas. La tecnología que manejan permite hacer cosas asombrosas. Pero nada de eso tendría valor si detrás no existiese una historia interesante y personajes creíbles. Esos dos elementos contiene Rango, notable tributo (aunque también parodia) a las viejas películas del oeste.

Rango es un camaleón que se aburre como mascota hasta que un fatal accidente lo lleva a un perdido pueblo del “salvaje oeste”, donde tendrá que imponer la ley y el orden. Como suele ocurrir, encontrará su destino y templará su carácter en las difíciles pruebas a las que se verá sometido.

Rango rinde homenaje a una serie de películas, no solo del oeste (en especial el “spaghetti western”), sino de otros géneros también (Chinatown, Apocalipsis ahora, 2001 odisea del espacio, etc, etc.); así como al personaje que por antonomasia representó a este género: “el hombre sin nombre” interpretado por el legendario Clint Eastwood. Vale la pena ver.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


RANGO
Dir: Gore Verbinski
Guión: John Logan
Voces originales: Johnny Depp (Rango), Isla Fisher (Beans), Ned Beatty (Mayor), Timothy Olyphant (Spirit of the West)
EEUU/2011/Animación***+/Estrenos

lunes, marzo 14, 2011

127 HORAS


Luego de su premiada Quisiera ser millonario (Slumdog Millionaire), Danny Boyle se ha mantenido fiel a un cine independiente, de bajo presupuesto, pero que le permite autonomía en la realización. Existe cierta similitud con Slumdog Millionaire en el manejo del tiempo. En la anterior película el tiempo era importante dado que se trataba de un programa concurso de preguntas y respuestas, aprovechando el autor el momento previo a la respuesta, “dilatándolo”, a fin de darnos información de la vida del protagonista a través de flash backs.

En 127 horas la supervivencia va en cuenta regresiva, en vista que a mayor tiempo que pase atrapado en esa gran roca, el peligro de muerte es mayor. Esta vez también habrá saltos al pasado que nos ilustran la vida del personaje, así como su imaginación o los delirios que va teniendo en su encierro forzoso, hasta la decisión drástica de la amputación del brazo que toma para liberarse.

Solo que en esta ocasión se trata prácticamente de un unipersonal, recayendo en James Franco toda la acción del filme, confirmando que es uno de los jóvenes valores a tener en cuenta en los próximos años: él solo hace la película.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


127 HORAS [127 Hours]
Dir: Danny Boyle
Guión: Danny Boyle, Simon Beaufoy, basado en el libro de Aron Ralston
c/ James Franco (Aron Ralston), Kate Mara (Kristi), Amber Tamblyn (Megan)
EEUU/2010/Thriller***/Estrenos

martes, marzo 08, 2011

LAZOS DE SANGRE


La anécdota es bastante sencilla: una adolescente busca a su progenitor desaparecido, en vista que ha dado en fianza judicial la casa que habita con su madre y sus dos hermanos menores y, de no presentarse a juicio, perderán el inmueble; por lo que desesperadamente tendrá que encontrarlo o, por lo menos, el cadáver –en vista que el padre es “cocinero” de drogas sintéticas- a fin de acreditar su muerte.

Es así que inicia su búsqueda, indagando en los ramales de su vasta familia en la que, si bien la relación no es buena, no se olvidan los “lazos de sangre” con la chica y el padre. Su recorrido por distintos caminos, que muchas veces no la conducen a ningún sitio, le irá descubriendo una verdad soterrada pero terrible, así como los códigos del silencio que se aplican en ese inmenso clan.

Curiosamente las películas nominadas al Óscar en el presente año, Lazos de sangre y Temple de acero, cintas independientes, son filmes cuya temática gira sobre la madurez, el aprendizaje duro y difícil de las protagonistas, ambas adolescentes para mayor similitud. Lo que hagan o dejen de hacer las “marcará” de por vida. Una buscando al padre desaparecido y la otra la venganza del padre asesinado. Y en ambos filmes el peso gravitante recae sobre las jóvenes actrices, que están a la altura del papel que les corresponde. Jennifer Lawrence merecía con justicia el Óscar a mejor actuación femenina, aunque la simple nominación es todo un honor a su corta edad.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


LAZOS DE SANGRE [Winter's Bone]
Dir.: Debra Granik
Guión: Debra Granik y Anne Rosellini, basado en la novela de Daniel Woodrell
c/ Jennifer Lawrence (Ree), Garret Dillahunt (Sheriff Baskin), John Hawkes (Teardrop)
EEUU/2010/Drama***+/Estrenos

martes, marzo 01, 2011

EL DISCURSO DEL REY


Estamos en la Inglaterra previa a la II Guerra Mundial, con un Rey que abdicará por amor, sucediéndolo en el trono el hermano menor, tartamudo para más señas, que deberá comunicar por las ondas radiales a todo el Imperio que la nación se encuentra en guerra y le esperan días difíciles. Es “el discurso del rey” que, por el grave momento, debe ser pronunciado con voz firme y segura, sin vacilaciones. Es por eso que contrata los servicios de un experto en lenguaje, Lionel Logue, a fin que lo entrene y capacite para emitir tan solemne anuncio.

Toda la cinta se sostiene en la actuación maciza y contundente de ambos actores. Colin Firth como el rey tartamudo (que le valió el Óscar) y Geoffrey Rush como el terapeuta que trata de extraer lo mejor de su alumno. Relación conflictiva, no fácil, entre ambos, socialmente dispar (el príncipe y el plebeyo) y no exenta de situaciones abruptas, aunque también del reconocimiento de la valía del otro, que se prolongará por muchos años.

Un mérito del filme es que escapa al acartonamiento propio de las producciones “de época”, fluyendo, como la vida, naturalmente.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


EL DISCURSO DEL REY [The King's Speech]
Dir: Tom Hooper
Guión: David Seidler
c/ Colin Firth (King George VI), Geoffrey Rush (Lionel Logue), Helena Bonham Carter (Queen Elizabeth)
UK/2010/Drama histórico***/Estrenos

jueves, febrero 24, 2011

EL CISNE NEGRO


El cisne negro se inscribe dentro de la larga tradición de películas que han explorado los límites y el costo que puede acarrear la genialidad, el talento y el esfuerzo en el arte. La fragilidad humana en querer llegar a ser Dios en la perfección de las cosas, que es la apuesta de todo artista que se considere serio.

En este caso estamos ante una bailarina de ballet a la que se le presenta el papel protagónico en El lago de los cisnes para lo cual deberá poner su máximo esfuerzo y talento, dado que debe interpretar no solo al “cisne blanco” sino también al “cisne negro”, por lo que será necesario extraer de si los elementos que configuren la sensualidad y maldad humana; aparte que se encuentra entre la exigencia despiadada del director del ballet y la de una madre autoritaria que anhela que su hija ocupe el protagónico que ella, de joven, nunca tuvo. Es allí, en ese esfuerzo y los conflictos interpersonales, donde se produce una grieta emocional en la protagonista que se irá profundizando hasta desembocar en el trágico final donde consigue la perfección a costa de su propia vida. La pregunta es si vale la pena tanto sacrificio. La respuesta se encontrará dependiendo el lugar donde uno se encuentre.

Si bien El cisne negro a veces apuesta a un efectismo barato, no cabe duda que se sostiene gracias a la magnífica actuación de Natalie Portman, cuyo complicado equilibrio entre una mujer frágil y exigente como es Nina lleva a su personaje a niveles admirables.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


EL CISNE NEGRO [Black Swan]
Dir.: Darren Aronofsky
Guión: Mark Heyman, Andres Heinz
c/ Natalie Portman (Nina Sayers), Mila Kunis (Lily), Vincent Cassel (Thomas Leroy), Barbara Hershey (Erica Sayers), Winona Ryder (Beth Macintyre)
EEUU/2010/Drama***/Estrenos

lunes, febrero 21, 2011

TEMPLE DE ACERO


Puesta al día de la versión que cuarenta años atrás interpretó John Wayne y le valió un Oscar. Esta vez de la mano de los hermanos Coen que nos ofrecen un “choque de caracteres” entre el Marshall Rooster Cogburn y la pequeña, cuyo padre ha sido asesinado, Mattie Ross, y en el medio el texas ranger LaBoeuf. La brillantez y solidez de las actuaciones que giran en torno al viejo tema de la venganza son de primer nivel. La venganza, pero también el aprendizaje mutuo de los personajes. Jeff Bridges interpreta a un alguacil en decadencia, consumido por el alcohol y la dureza del oeste que sin embargo despertará un sentimiento paternal hacia la pequeña huérfana. Esta es bastante madura y segura de si para la edad que tiene. Estamos ante una “niña vieja” que discute de tú a tú con los adultos. En el medio Matt Damon como el texas ranger que va en busca de la recompensa que se ofrece por el asaltante y asesino Tom Chaney, un tipo sicópata que mata por el simple placer.

Es esa caracterización, apoyado por un buen guión, lo que hace interesante la película y deja que la historia de la niña nos vaya seduciendo, finalizando con un epílogo 25 años después que nos dice qué fue de estos personajes y cómo los marcó los breves días que estuvieron juntos. Final triste, taciturno, pero más apegado a la realidad.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


TEMPLE DE ACERO [True Grit]
Dir. y guión: Ethan y Joel Coen, basado en la novela de Charles Portis
c/ Jeff Bridges (Rooster Cogburn), Matt Damon (LaBoeuf), Josh Brolin (Tom Chaney), Hailee Steinfeld (Mattie Ross)
EEUU/2010/Oeste***+/Estrenos

martes, febrero 15, 2011

EL AVISPÓN VERDE


Si bien el personaje tiene cerca de ochenta años de creado y desde la radio ha pasado ha distintos medios, la última versión del personaje rinde tributo y se emparenta con la popular serie de tv de los años sesenta, de la cual ha conservado el blindado vehículo bautizado como Black Beauty. El avispón, como Batman, es un héroe que carece de poderes especiales. Es su ingenio y destreza para luchar contra el crimen sus únicas armas y, a semejanza del hombre murciélago, tendrá también un ayudante, Kato, especialista en artes marciales y que en la serie de los sesenta fue encarnado por el mítico Bruce Lee.

Sin embargo la presente versión ha tomado sus distancias, sobretodo en el tratamiento y la caracterización de los personajes. No estamos ante una mera película de acción, sino que se burla del personaje principal. Nos encontramos ante un tipo inseguro, ególatra, neurótico, niño mimado por la fortuna con padre autoritario, que para contradecirlo acomete cuanto disparate se le presenta, frívolo y poco perspicaz por añadidura. Encargándose el destino de cambiar su rumbo cuando muere el progenitor y se inicia una lenta metamorfosis que culmina con la reconciliación post mortem con el padre (dicho sea de paso, la muerte del progenitor también es el detonante del nacimiento de Batman, cuya identidad real es también cómoda y bastante frívola). Kato, en cambio, es más seguro de si, hábil, diestro en el diseño de cosas, desde cafeteras hasta automóviles y bombas, un genio silencioso, introvertido, que resuelve los problemas en que se mete su jefe, distinto del simple chófer lacónico de la serie sesentera.

Ese es el gran mérito de la cinta, nada pretenciosa por cierto. El mostrarnos un avispón verde torpe, suerte de descendiente directo del Inspector Clouseau, cuyas “metidas de pata” son los gags centrales. No en vano el papel principal lo tiene un comediante, Seth Rogen. Y, ese es también el límite de la película, dado que se agota en sus propias ocurrencias, y en los personajes esperpénticos como el villano Chudnofsky / Bloodnofsky, digno adversario del actual Avispón Verde.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


EL AVISPÓN VERDE [The Green Hornet]
Dir.: Michel Gondry
Guión: Seth Rogen, Evan Goldberg
c/ Seth Rogen (Britt Reid / The Green Hornet), Jay Chou (Kato), Cameron Diaz (Lenore Case), Christoph Waltz (Chudnofsky / Bloodnofsky)
EEUU/2011/Acción, comedia***/Estrenos

lunes, febrero 07, 2011

EN UN RINCÓN DEL CORAZÓN


Sofia Coppola se ha mantenido fiel a su estilo en los cuatro filmes que lleva hasta el presente: un estilo minimalista, centrado generalmente en personajes que “se aburren” pese a la fama o el dinero que pueden tener, desdramatización y anticlímax. Un cine totalmente distinto al de su padre, el gran Francis Ford Coppola. Y la línea que ha mantenido Sofia es la del cine independiente, un cine de bajo presupuesto pero que le permite plasmar en la pantalla los proyectos que más le interesan, liberándose de las pautas draconianas que impone la industria de Hollywood. Si hablamos de influencias, se notan más las de realizadores europeos que la de norteamericanos propiamente.

Su cuarto largo se centra en los pormenores de la industria del cine. No es necesario ser muy agudo para darse cuenta que las vicisitudes que pasa Cleo, la niña de once años con padre famoso, las pasó la propia Sofia Coppola con un padre errante y ausente muchas veces, filmando aquí o allá, absorbido por sus grandes proyectos de los años 70 y 80.

La historia es bastante sencilla: una niña (Cleo) pasará algunos días con su padre, un artista de cine famoso (Johnny) que se aburre mortalmente en los tiempos muertos entre rodaje y rodaje de películas. Nada lo entusiasma, como vemos en la escena inicial dando vueltas sobre si mismo en su potente Ferrari, ni tampoco las conejitas que contrata para que le hagan un número especial, amén del sexo ocasional con alguna admiradora, que es moneda corriente en el medio en que se desenvuelve Johnny.

Pero esos días con su hija cambiarán su vida. Sentirá una completitud en esa compañía y un vacío al momento de la despedida. La escena final viéndolo bajar de su Ferrari parece decirnos de un cambio de actitud frente a la vida. “Parece”. En el cine de Sofia Coppola no hay certezas absolutas, apenas sospechas.

Es cierto que la trama guarda una gran similitud con la de Perdidos en Tokio y que Lost in translation sigue siendo su obra más interesante; pero ello no le quita el mérito de haber retratado una visión amarga y despiadada del mundo del cine visto por alguien que lo conoce muy bien por dentro.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


EN UN RINCÓN DEL CORAZÓN [Somewhere]
Dir y guión: Sofia Coppola
c/ Stephen Dorff (Johnny Marco), Elle Fanning (Cleo), Chris Pontius (Sammy)
EEUU/2010/Drama***/Estrenos