LA CINTA BLANCA

Con cierto retraso y a pesar de ser finalista en la última entrega del Oscar, nos llega la última cinta de Michael Haneke, La cinta blanca.

Haneke busca inquietar al espectador, “sacudirlo” a fin de sacarlo de su letargo. Se dirige sobretodo al espectador europeo de clase media, vida mullida, como es el personaje de Escondido (Caché), uno de sus últimos filmes. Esta vez lo consigue con una historia situada a inicios de siglo, en un pueblito de Alemania donde suceden cosas extrañas, pero también hechos familiares escabrosos. Como ya se ha dicho es “el huevo de la serpiente” en alusión a la película de Bergman, los inicios del mal relacionado con el nazismo, tema con vigencia en la Europa contemporánea; aunque en la película de Haneke tiene un halo más bien metafísico, de maldad pura, que va más allá de contextos históricos.

Película interesante, aunque lo más probable poco comprendida por el gran público.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

LA CINTA BLANCA [Das weisse Band]
Dir. y guión: Michael Haneke
c/ Ernst Jacobi (The School Teacher as an Old Man –voice-), Leonie Benesch (Eva), Ulrich Tukur (The Baron), Burghart Klaußner ( The Pastor)
Ale/2009/Drama***/Dvd/Estrenos

CELDA 211

Thriller de acción que nos vino de la península ibérica. Más allá de la trama usual (motín en una cárcel por injusticias en el trato), lo interesante es que desarrolla muy bien a sus personajes, sin caer en los estereotipos de bueno o malo. Muchas veces los que tienen principios se encontrarán del otro lado de las rejas, mientras “los guardianes de la ley” usarán todos los subterfugios para no cumplir con las demandas de los prisioneros. El final bastante trágico se ajusta más a la realidad, que los falsos finales felices. Si bien tuvo una corta estadía en nuestra cartelera, se encuentra disponible en dvd.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

CELDA 211
Dir.:Daniel Monzón
Guión: Jorge Guerricaechevarría y Daniel Monzón, basado en la novela de Francisco Pérez Gandul
c/ Luis Tosar (Malamadre), Alberto Ammann (Juan Oliver), Marta Etura (Elena)
España/2009/Thriller***/Estrenos

LOS HOMBRES QUE NO AMABAN A LAS MUJERES

La primera película de la saga Millennium, una popular trilogía de corrupción, misterio y dosis de sexo del escritor sueco Stieg Larsson, reviviendo la novela negra policial.

Mikael Blomkvist es un periodista de investigación, co director de una revista independiente llamada Millennium. Víctima de una trampa, es enjuiciado por difamación con prisión efectiva y una reparación civil. Ante esa situación no le cae mal un trabajo, contratado por el patriarca de un conocido consorcio sueco, Los Vanger, debiendo indagar sobre la extraña desaparición de una joven cuarenta años atrás. Apoyado por la hacker Lisbeth Salander, y usando tecnología de punta, consigue desentrañar una serie de secretos del clan Vanger: pasado nazi de varios de sus miembros; crímenes, violaciones e incestos; ambiciones de poder.

La novedad de Millennium radica en que se desarrolla en la aséptica Suecia, donde nadie podría sospechar que existen funcionarios corruptos, como el tutor de Lisbeth, que abusa sexualmente de la chica, o el clan Vanger con oscuro pasado. Allí radica la novedad de la saga, cuya puesta en escena refleja fielmente la trama original.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

LOS HOMBRES QUE NO AMABAN A LAS MUJERES (Män som hatar kvinnor)
Dir.: Niels Arden Oplev
Guión: Nikolaj Arcel y Rasmus Heisterberg, basado en la novela de Stieg Larsson
c/ Michael Nyqvist (Mikael Blomkvist), Noomi Rapace (Lisbeth Salander)
Suecia/2009/Thriller***/Estrenos

WALL STREET: EL DINERO NUNCA DUERME

Veinte años después y a propósito de la crisis financiera del 2008, Oliver Stone se animó a una segunda parte de su célebre película Wall Street, una de las más emblemáticas de aquella época.

W.S. planteaba la lucha entre el capitalismo productivo, generador de riqueza, y el capitalismo especulativo que “timbea” en las bolsas de valores, sin producir nada. El filme tenía un sabor a lección moral, al estilo de las viejas películas de Frank Capra, con el “castigo” al “malo”, al especulador Gordon Gekko, suerte de Mefistófeles de Wall Street.

W.S. 2 comienza con la salida de prisión de Gekko. El viejo tahúr de las bolsas ha madurado, los años de cárcel le han permitido reflexionar. No creo que ese aspecto sea el punto débil del filme. Todos cambiamos, hasta el frío especulador de otros tiempos. El punto débil de la película quizás está en las distintas sub-tramas que se entremezclan, sumergiendo al personaje central interpretado por Michael Douglas en un rol secundario; perdiendo la perspectiva en torno al villano, el verdadero eje de ambas partes de Wall Street. Oliver Stone se ahoga en su propio barroquismo, debilidad a la cual es bastante propenso dada su incontinencia narrativa.
Quizás dentro de todas estas abigarradas escenas, una sea bastante representativa de los nuevos tiempos que corren: la del encuentro de Gordon con Bud Fox en una cena de gala. El otrora joven idealista siguió los pasos de su antiguo maestro, especulando con la empresa que otrora defendió con uñas y dientes de la ambición de Gekko. Así es, todos cambiamos.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

WALL STREET: EL DINERO NUNCA DUERME [Wall Street: Money Never Sleeps]
Dir: Oliver Stone
Guión: Allan Loeb, Stephen Schiff
c/ Michael Douglas (Gordon Gekko), Shia LaBeouf (Jake Moore), Carey Mulligan (Winnie Gekko), Frank Langella (Louis Zabel), Charlie Sheen (Bud Fox)
EEUU/2010/Drama***/Dvd/Estrenos

OCTUBRE

Lo primero que se asocia con Octubre son las películas de Aki Kaurismaki: personajes solitarios, casi autistas, incomunicación con el prójimo, cámara frontal, fija y “fría”.

Clemente es un prestamista de barrio (excelente Bruno Odar) cuya relación con los demás se basa solo en lo estrictamente comercial. Vive solo, tiene una rutina y la parte afectiva ha sido desterrada de su vida (el desfogue sexual lo realiza exclusivamente con prostitutas, con las que tiene sexo a cambio de dinero y punto), hasta que un hecho cambia su vida: le dejan una niña recién nacida producto de su relación esporádica con una prostituta a la que ha frecuentado constantemente. Toda la hora y media del relato va a tratar sobre la búsqueda de la madre para “devolverle” el encargo dejado. Pero, es el interín de la historia lo interesante. La puesta en escena a través de pocos personajes, contrapuestos al de Clemente. Como el de Sofía, una vecina que es contratada para que cuide a la niña y que cree encontrar en la pequeña y el prestamista la familia que le falta; o el de don Fico que busca “el amor” en una mujer paralítica pero que llena su soledad. Todos son personajes solitarios en busca de una “otredad” que los complemente, hasta Clemente que su vida no será igual luego de la experiencia vivida.

Interesante propuesta la de los hermanos Vega y merecidos los premios cosechados.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


OCTUBRE
Dir. y guión: Daniel y Diego Vega Vidal
c/ Bruno Odar (Clemente), Gabriela Velásquez (Sofía), Carlos Gassols (Don Fico)
Perú/2010/Drama***/Cine/Estrenos

EL SECRETO DE SUS OJOS

Cuando Juan José Campanella, realizador y guionista de El secreto de sus ojos, declaró que no sabía por qué le habían dado el Óscar a mejor película extranjera, no era falsa modestia, sino que estaba siendo sincero. La verdad que la película no es gran cosa. Es efectista, pone el énfasis en una música chirriante y excesiva, y toca un tema harto manoseado: el de los desaparecidos.

La película pretende ser una metáfora sobre el rescate del olvido de los desaparecidos en la Argentina de los 70. Esa obsesión que tiene el personaje principal (como siempre un correcto Ricardo Darín) de desenterrar el caso de una joven violada y asesinada 25 años atrás y que, ya jubilado, quiere trasformar en novela, en ficción, a fin de liberarse del recuerdo de una época turbulenta que le tocó vivir cuando era secretario de juzgado. Tiene de thriller, de novela de misterio, acentuado por la fotografía opaca, que le da ese aire de filme de suspenso no exento de toques románticos y con final feliz para los protagonistas (ya nos imaginamos por qué ganó el Óscar), donde destaca la actuación de Guillermo Francella en rol dramático, muy distinto a los papeles que habitualmente interpreta.

Por cierto, la película tiene muchos puntos de contacto con una anterior del realizador, El mismo amor la misma lluvia (1999), con los propios protagónicos, pero mucho más sencilla y menos pretenciosa.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

EL SECRETO DE SUS OJOS
Dir. y guión: Juan José Campanella, basado en la novela de Eduardo Sacheri
c/ Ricardo Darín (Benjamín Esposito), Soledad Villamil (Irene Menéndez Hastings),
Pablo Rago (Ricardo Morales), Javier Godino (Isidoro Gómez), Guillermo Francella (Pablo Sandoval)
Argentina/2009/Drama***/Estrenos

UN DÍA MUY ESPECIAL

Logrado melodrama sobre la relación en un solo día entre una ama de casa tradicional y un homosexual, en pleno auge del fascismo. Aunque los diálogos ni las situaciones son muy convincentes, a veces se nota lo “forzado” de estos a fin de continuar con la trama y llegar al clímax de la relación sexual entre ambos. No convence ese desenlace. De todas maneras es un trabajo interesante de Scola y con magníficas actuaciones del dueto Loren y Mastroianni que tenían “buena química”, lo que se notaba en la pantalla.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

UN DÍA MUY ESPECIAL [Una Giornata particolare]
Dir:Ettore Scola
Guión: Maurizio Costanzo, Ruggero Maccari
c/ Sophia Loren (Antonietta), Marcello Mastroianni (Gabriele), John Vernon (Emanuele)
Ita/1977/Melodrama***/Dvd/Películas del ayer

ENEMIGO INTERNO

Werner Herzog es uno de los realizadores contemporáneos más prestigiosos y sobretodo creativos, con una amplia carrera fílmica, afincado actualmente en los Estados Unidos como muchos compatriotas suyos. No es casual que haya elaborado una versión muy personal del filme de Abel Ferrara, dándole un giro radical.

Estamos dentro del género policial, en especial del policía corrupto. Al recientemente promovido teniente Terence McDonagh le encargan un caso de asesinato por ajuste de cuentas, gracias a lo cual vamos a presenciar sus métodos poco ortodoxos y los chantajes que realiza para obtener droga en el mundo del crimen, dado que es un cocainómano adicto. Ello en el marco del Nueva Orleáns devastado por el huracán Katrina, lo que da a la ciudad un ambiente de descomposición y podredumbre, relacionado con la corrupción policial.

No es el policial típico. No prima la acción, sino las situaciones siempre al borde de los nervios del oficial McDonagh, casi a punto de estallar, y las alucinaciones que, producto de las drogas, son cada vez más frecuentes. Para ello, Herzog ha contado con la magnífica actuación de Nicolas Cage, que ofrece una interpretación magistral del corrupto policía. El final “reivindicativo” no convence demasiado, pero no desmerece una muy buena película.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

ENEMIGO INTERNO [The Bad Lieutenant: Port of Call - New Orleans]
Dir.: Werner Herzog
Guión: William M. Finkelstein, basado en el film "Bad Lieutenant"
c/ Nicolas Cage (Terence McDonagh), Eva Mendes (Frankie Donnenfeld), Val Kilmer (Stevie Pruit)
EEUU/2009/Policial***/Estrenos

KICK-ASS

Kick-Ass es un tanto inclasificable: es parodia, drama, comedia, humor negro, videojuego, historieta, acción. Eso y más. Se inscribe dentro de lo que se ha venido a denominar “post modernidad”: toma elementos de distintos géneros, los mezcla (allí radica el arte) y se obtiene un producto distinto. No interesa la apariencia de “realidad”, todo lo contrario, apuesta deliberadamente por lo falso, por lo “irreal”.

No es la típica historia del superhéroe bueno e ingenuo, sino que toma los elementos de este: identidad secreta, vida privada gris, lucha contra el mal; pero sin ningún superpoder. Es más, en la vida diaria el personaje es un “nerd”, un “perdedor” conforme lo entiende la cultura norteamericana.

Todos los superhéroes que participan (no sólo está Kick-Ass, también están Red Mist, Big daddy y sobretodo Hit Girl) adolecen de lo mismo que le sucedió a El Quijote. Mientras a este último el seso se le calentó de tanto leer libros de caballería, a los superhéroes “post modernos” fue debido a consumir tantas historietas que compensan su vida anodina. Y como superhéroes primerizos recibirán palizas al inicio del oficio e incomprensión de los socorridos. Quizás por ese lado hubiesen explotado mejor la vena satírica, habría salido una película más redonda. Por cierto, magnífica la escena tributaria del “snuff movie” en la cual trasmiten por internet la tortura en vivo de los superhéroes.

Tributaria también de una inmensa cinefilia (escenas enteras son deudoras del Kill Bill de Tarantino), Kick-Ass es una película (y al parecer el cómic también) dirigido al público adolescente en adelante; pero que de repente no ha sido comprendida del todo por su público objetivo, aunque se deja abierto el final para una continuación.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

KICK-ASS
Dir.: Matthew Vaughn
Guión: Jane Goldman y Matthew Vaughn, basado en el cómic de Mark Millar y John Romita Jr.
c/ Aaron Johnson (Dave Lizewski / Kick-Ass), Christopher Mintz-Plasse (Chris D'Amico / Red Mist), Mark Strong (Frank D'Amico), Nicolas Cage (Damon Macready / Big Daddy), Chloe Moretz (Mindy Macready / Hit-Girl), Omari Hardwick (Sergeant Marcus Williams), Xander Berkeley (Detective Gigante)
EEUU/2010/Comedia, acción***/Estrenos

CONTRACORRIENTE

Contracorriente le da un giro a la típica triangulación amorosa, solo que el marido (Miguel) engaña a su esposa (Mariela) no con una mujer sino con otro hombre (Santiago), pintor que ha recalado en una aldea de pescadores del norte de Perú.
Ese ambiente social y moral tradicional sirve de contrapunto a la relación “prohibida” de Miguel con Santiago, relación que debe ser ejercida en la penumbra de los peñascos o los recovecos de la playa. Pero Contracorriente (el título alude no solo a la causa de la muerte de Santiago, sino al vivir en forma distinta al de la mayoría) no se queda en la mera historia de amor, se puede tomar también como una maduración de Miguel, la odisea que sufrirá el personaje a fin de aceptarse como es: primero los encuentros furtivos negándose a reconocer su condición homosexual, luego la aparición del “fantasma” de Santiago (que solo lo ve Miguel) cuando aquel fallece ahogado, viviendo con más comodidad la relación dado que ya nadie se puede enterar y, en un tercer momento, el reconocimiento abierto de esa relación ante la comunidad cuando “ofrece” el cuerpo del amado al mar, acto heroico de Miguel que le cuesta su estabilidad familiar, y el consiguiente duelo ante la muerte del ser querido y el vivir en paz aceptándose como es tanto ante si como ante los demás. Es “el salir del closet”. Todo narrado en un tono sensible pero sin caer en la sensiblería, sino con bastante naturalidad y haciendo del paisaje un componente esencial de la obra.
Filme de “lección moral” o de educación sentimental, pero sin caer en el énfasis machacón de querer “demostrar” una tesis, dejando más bien que el espectador obtenga sus propias conclusiones.
Notable ópera prima de Javier Fuentes-León con merecidos premios cosechados.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

Diez películas que todo gerente debe ver

Diez películas que todo gerente debe ver, según nuestros lectores
Por Rafael Torres Miró Quesada y Rafael Lanfranco
19 de Agosto de 2010
A comienzos de este año hicimos una lista algo arbitraria de las 10 películas que todo gerente debe ver, combinando nuestras preferencias con las que encontramos de algunos medios especializados. Como es obvio no podemos superar el conocimiento cinéfilo acumulado de nuestros usuarios, y por eso hemos decidido hacer una segunda parte del primer artículo, dando espacio ahora sólo a las preferencias de nuestros lectores. De las 62 recomendaciones que recibimos en el anterior artículo, hemos seleccionado las 10 mejores, más un bonus track. Aquí las elegidas:
El estafador (Rogue Trader): Mario Camoirano recomienda este thriller económico con Ewan McGregor quien encarna a Nicholas Leeson, el tristemente célebre trader que llevó a la quiebra al banco Barings en 1995. Quizá la parte que mejor define esta película es cuando Leeson, abrumado, se mira al espejo y grita I, Nicholas Leeson, have just lost 50 million quid in one day! (¡Yo, Nicholas Leeson, acabo de perder 50 millones de libras en un día!). “[es una] película obligada para auditores interno y reguladores bancarios”, asegura Mario en sus comentarios.
El dinero de los demás (Other’s people’s Money): Martín Higa recomienda esta película que mezcla el drama con la comedia y provee una mirada a las diferentes posturas económicas personificadas en dos personajes: Larry Garfield (Danny de Vito encarna una versión cómica del Gordon Gekko de Wall Street) y su afán por la máxima rentabilidad, y Andrew Jorgenson (Gregory Peck) quien posee una visión tradicional de familia y bienestar. Muy recomendables los monólogos de ambos personajes sobre el valor de la empresa.
Pisa a Fondo (Gung Ho): Galileus menciona este filme cuyo título doblado al español resulta algo distante… quizá “¡Animo!” es más correcto. La cinta cuenta una historia sobre cómo un capataz y sus obreros estadounidenses deben afrontar las costumbres de trabajo de los japoneses, quienes acaban de comprar la fábrica donde trabajan. Las risas están aseguradas, pero también nos regala una valiosa lección: las personas pueden aprender unos de otros y conseguir grandes beneficios.
Fachada (The Firm): Varios usuarios mencionaron esta película, la cual aborda el tema de la corrupción como un camino sin retorno en el mundo de los abogados. El resultado final de caer en la treta del dinero fácil no es otro que la destrucción del alma. You want to know something funny? You actually made me think about the law. I managed to go through three years of law school without doing that (“¿Quieres escuchar algo gracioso? Me hiciste pensar en la ley. Me las arreglé para estar tres años en la escuela de leyes sin hacer eso”) es una de las citas memorables del protagonista Mitch McDeere (Tom Cruise) luego de que terminara siendo perseguido por la misma firma de abogados que lo contrató.


La Batalla del Acantilado Rojo (Red Cliff): Fernando resalta la predominancia de películas norteamericanas en la primera lista y propone una producción china dirigida por el director de cintas de acción, John Woo. Ubicada cronológicamente en la China Imperial, trata sobre cómo los habitantes del reino de Wu tienen que hacer frente a un monstruoso ejército invasor, en una versión antigua de la actual lucha entre las MYPES contra las mega corporaciones. Zhou Yu, estratega del reino, ve la posibilidad de salir victorioso explotando las debilidades de sus enemigos en la arena marítima.
Piratas del Silicon Valley: Uno de nuestros colaboradores frecuentes, Sergio Borasino, menciona esta poco conocida película hecha para la televisión sobre dos de los más importantes emprendedores del siglo XX: Bill Gates y Steve Jobs. La película sigue a estos dos grandes innovadores en sus luchas en la universidad, sus problemas de financiamiento y las ingeniosas acciones que tomaron para crear los mayores imperios tecnológicos de la actualidad.
Recursos Humanos (Ressources humaines): Otro filme muy solicitado entre los comentaristas que relata la dinámica entre el sindicato y la administración de una fábrica en los suburbios franceses. La historia está narrada desde el punto de vista de Frank, el protagonista, quien regresa a sus pueblo natal a trabajar en la administración de la fábrica, donde su padre ha trabajado por 30 años. Sus tímidos acercamientos al sindicato serán saboteados por sus colegas, desatando el conflicto de generaciones entre empleados y empleadores.

Buenos Muchachos (The Goodfellas): Gabriel Rimachi nos invita a ver este “peliculón” sobre el ascenso y caída de Henry Hill (Ray Liotta) y sus dos compañeros en su afán de escalar posiciones en la mafia. Como nos comenta Gabriel, Henry “tenía que aprender del negocio, conocer a la personas, reconocer actitudes, la forma de tratar a los clientes, resolver problemas, afrontar conflictos”. Muchos consideran esta película como la mejor de Scorsese.
Marea Roja (Crimson Tide): Jorge Vigil recomienda esta buena e intensa película de guerra con Geene Hackman, Denzel Washington y Vigo Mortensen, que explora nuevamente los límites del liderazgo y los riesgos del poder. “El Capitan de un Submarino y su Segundo al Mando comparten la Misión pero no la Visión; lo cual origina un conflicto de mando” señala Vigil. Si disfrutaron La Caza del Octubre Rojo así como Capitán de Mar y Guerra, esta es una recomendación segura.
Con ánimo de amar (Fa yeung nin wa) de Wong Kar Wai. Marco Bassino recomienda esta película del afamado director chino en donde se enseña que no todo es dinero y negocios. “¿No sería esa un abuena lección para un gerente?” señala
Bonus track...

El caso Enron (Enron: The smartest guys in the room). “Como el titulo lo indica, el documental trata sobre el surgimiento y la caida de una de las mayores corporaciones americanas debido a la codicia de sus gerentes. Este caso es un claro ejemplo de como el talento mal dirigido puede causar un daño enorme a la sociedad” comenta Victor Pinto. Fue de hecho uno de los mayores escándalos corporativos a comienzos de la adminisitración Bush, y previos a la crisis financiera del 2008.
Nuevamente, siéntase bienvenidos a contribuir con esta lista y esperamos algunos de estas películas contribuya al bien merecido descanso del fin de semana.
http://semanaeconomica.com/articulos/57360-diez-peliculas-que-todo-gerente-debe-ver-segun-nuestros-lectores

ENCUENTRO EXPLOSIVO

Supongo que juntar a la pareja Cruise-Diaz se debe a que el primero actuó en la versión cinematográfica de Misión Imposible y la segunda en la versión también cinematográfica de Los ángeles de Charlie. Cruise hace el papel de espía parodiándose a si mismo. Pero, lo que pudo funcionar como una buena parodia de las películas de espías se desinfla en escenas de acción acumulativas que “van llenando” el metraje hasta que aparezca el cartelito de “Fin”. Sin mucho ingenio ni creatividad, menos diálogos inteligentes, se va opacando este intento de comedia que, al parecer, ni siquiera en Estados Unidos ha tenido la acogida necesaria de la taquilla. En fin, parece que la estrella de Tom Cruise se está apagando e incluso está tambaleando la posibilidad de volver a encarnar al agente Ethan Hunt en la secuela de Misión Imposible.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

ENCUENTRO EXPLOSIVO [Knight and Day]
Dir: James Mangold
Guión:Patrick O'Neill
c/ Tom Cruise (Roy Miller), Cameron Diaz (June Havens)
EEUU/2010/Acción**/Estrenos

EL KARATE KID

Hacer un “remake” (una segunda versión de una célebre película) es todo un reto. Se corre el riesgo de caer en lo repetitivo o irse demasiado lejos del original que sirve de inspiración. Imagínense hacer un remake de El padrino.
Realizar la segunda versión de El karate kid implicaba evocar una cinta exitosa y conocidísima. A los productores no se les ocurrió mejor idea que recrear la cinta ya no en Estados Unidos sino en la China actual, que el personaje principal no sea un adolescente sino un niño pre-púber, y que el eje de la competición no sea el karate sino el kung fu (con lo que la cinta pierde el sentido de su título original). Es cierto que se le ha querido dar un toque cómico más que dramático, de allí la presencia de Jackie Chan como “el maestro”, aunque bastante desperdiciado en diálogos sosos y sin la necesaria cuota de humor. Por lo demás la trama sigue fielmente al original: la acción culmina en la competición donde naturalmente gana “el bueno”.

Con un presupuesto más modesto que esta pretenciosa segunda versión, de lejos la original sigue siendo la mejor.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

EL KARATE KID [The Karate Kid]
Dir: Harald Zwart
Guión: Christopher Murphey
c/ Jaden Smith (Dre Parker), Jackie Chan (Mr. Han), Taraji P. Henson (Sherry Parker)
EEU,China/2010/Acción**/Estrenos

ARMANDO ROBLES GODOY, IN MEMORIAM

Reconozco que su faceta como cineasta fue lo que menos me interesó. A pesar que siempre era presentado como “el cineasta Armando Robles Godoy”, fue solo una arista más de su rica y compleja personalidad formada dentro de un humanismo más amplio que el celuloide.

Creo que ni él mismo se creía lo de cineasta como una forma de encasillarlo, a pesar que fue un pionero que hizo cine cuando en el Perú era un acto heroico, mucho más difícil que ahora. Sin premios, sin estímulos, sin personal técnico capacitado o actores propiamente cinematográficos (los que hacían películas provenían del teatro), hacer cine era como abrir trocha en la selva virgen, labor que por cierto también realizó Armando de joven, cuando fue pionero en la siembra de café en la selva.

Pero más que su faceta de escritor o cineasta, lo que me fascinaba de él era su capacidad de conversador nato. Conversación inteligente, culta, amena y provocadora. Son de antología sus debates con Marco Aurelio Denegri o Mariano Querol, otras aves raris de nuestra cultura. Esa versatilidad para conversar con gracia y solvencia sobre distintos temas era una de sus peculiares características. Y lo que reflejaban esas conversaciones era a un intelectual libre, sin prejuicios y sin compromiso con el poder ni los poderosos. Pertenecía a esa especie en extinción de hombres en libertad a los que nada de lo humano les es ajeno.

Descansa en paz Armando.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

LA FELICIDAD DE VIVIR

Aunque con cierto retraso y fugaz paso por la cartelera limeña nos llegó La felicidad de vivir (título engañoso, su título en inglés es más apropiado al tema: Departures). Un concertista de música clásica se queda sin trabajo y ante la necesidad decide regresar a su pueblo natal donde no encuentra otro empleo más adecuado que el de asistente en funerales, con los ritos y solemnidad propios de los japoneses. Es en ese tránsito dramático, donde el personaje principal (Daigo), entre entierro y entierro, se encontrará a si mismo, conseguirá un padre sustituto que le enseñará las artes del entierro japonés y se reconciliará con el padre biológico, ante su muerte, encargándose en persona de vestirlo e iniciar los ceremoniales fúnebres. De allí en adelante, ya reconciliado con su pasado, se le abre la posibilidad de ser un ser más integrado y maduro.
No es casual que haya ganado el Oscar el año pasado (sino ni la veíamos), tiene todos los ingredientes humanos y sentimentales que tanto gustan a la Academia, aunque se debe rescatar las notables actuaciones y el manejo de las situaciones ante la muerte, llevadas con bastante solvencia y sobriedad.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

LA FELICIDAD DE VIVIR [Okuribito]
Dir: Yôjirô Takita
Guión: Kundô Koyama
c/ Masahiro Motoki (Daigo Kobayashi), Tsutomu Yamazaki (Ikuei Sasaki), Ryoko Hirosue (Mika Kobayashi)
Japón/2008/Comedia dramática***/Estrenos

EL ORIGEN

Luego de Batman, el caballero de la noche, Christopher Nolan se embarca en un proyecto bastante complicado, mezcla de acción y ciencia ficción, aunque con rasgos parecidos a su anterior filme: estilo barroco, escenas oníricas y un margen bastante difuso entre realidad y fantasía.

La verdad que el proyecto era y es difícil llevarlo a los hechos, y se nota que por momentos cae en lo repetitivo, aunque manteniendo en vilo al espectador en las más de dos horas de proyección (otra característica que lo asocia a su anterior largo es el dilatado metraje).

Cinta interesante aunque dispareja, quizás el Batman que recreó ha puesto una valla muy alta, difícil de superar.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

EL ORIGEN [Inception]
Guión y Dir: Christopher Nolan
c/ Leonardo DiCaprio (Cobb), Joseph Gordon-Levitt (Arthur), Ellen Page (Ariadna),
Tom Hardy (Eames), Ken Watanabe (Saito)
EEUU/2010/CF,Acc***/Estrenos

OBSESIÓN CRIMINAL

Thriller policial en la línea de Seven o El silencio de los inocentes. No contiene mucha acción, centrándose más bien en la subjetividad del policía que va tras los pasos del serial killer, con sus obsesiones y fobias, con culpas y remordimientos que atenazan su vida, manteniéndose incluso en la ambigüedad al autor de los crímenes (¿se trata del mismo asesino que enfrentó el oficial Aubray hace cinco años atrás o es un imitador?). Notable la actuación de Willem Dafoe.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

OBSESIÓN CRIMINAL [Anamorph]
Dir: Henry Miller
Guión:Henry Miller y Tom Phelan
c/ Willem Dafoe (Stan Aubray), Scott Speedman (Carl Uffner)
EEUU/2007/Thriller policial***/Estrenos

SHREK PARA SIEMPRE

Shrek nació como una original vuelta de tuerca de los cuentos de hada. “Tomarles el pelo”. Algunos dicen que la irreverencia iba directo a la Disney que había hecho de estos personajes íconos heroicos, cuasi santos de altar: virginales, puros, apolíneos. Pero, esas “boutades” apenas dieron para el primer episodio, bajo pena de caer en lo trillado y gastado de la ocurrencia.
Sea como sea, el gran mérito de Shrek fue sacarle partido a esa “ventaja competitiva”, convirtiéndola en un rico filón a explotar, demostrado con las tres historias posteriores, cada una cayendo en interés (aunque subiendo en el “box office”). Pero mantener un producto de calidad no es solo repetir la fórmula, algo que Pixar puede demostrar “dándole cátedra” a los creativos de Dreamworks.
Curiosamente este año las dos productoras de animación digital más importantes de Estados Unidos, con “productos bandera” (Toy story y Shrek), cierran ciclos con los personajes que más fama y dinero les han proporcionado. Pixar con una película que pasará a la historia y al recuerdo de muchos (Toy story 3) y Dreamworks con un filme de animación con aspectos atractivos pero cuyo balance final no pasa de regular (Shrek forever). Efectivamente, la última aventura del popular Ogro tiene momentos interesantes como el contrato que, aburrido de su vida marital (la “domesticación” del hombre, digo del ogro), firma con Rumpelstiltskin, aludiendo al mito de Fausto (“vender el alma al diablo”); aunque el villano nos hace recordar al primero de la saga, pero más neurótico y desubicado. El burro vuelve a tomar protagonismo como el mejor amigo de Shrek y otros pasan por metamorfosis extrañas como el popular Gato con botas (que fue el impulso de la segunda parte de la saga) que sufre una obesidad y hastiamiento de vivir en el conformismo (una nada velada burla a los norteamericanos obesos de tanta hamburguesa y vida cómoda). Como siempre, existen los “guiños” a películas conocidas, característica de la serie, y las canciones de fondo musical, aunque de tanto usar el mismo esquema ya no llaman tanto la atención.
El principal “gancho” que tiene Shrek es la tercera dimensión, aunque esperamos que de aquí a algunos años no nos vengan con una quinta parte, para ogros creo que fue suficiente.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

SHREK PARA SIEMPRE [Shrek Forever After]
Dir: Mike Mitchell
Guión: Josh Klausner y Darren Lemke
Voces originales: Mike Myers (Shrek), Eddie Murphy (Donkey), Cameron Diaz (Princess Fiona), Antonio Banderas (Puss in Boots), Walt Dohrn (Rumpelstiltskin / Priest / Krekraw Ogre) (voice)
EEUU/2010/Animación***/Estrenos

LA CIUDAD DE LAS TORMENTAS

Hacer un thriller político sobre el tema de Iraq ya parece bastante “manoseado”; pero, Paul Greengrass se da “maña” para combinar intriga política con suspenso y abundante dosis de acción (prácticamente no hay tiempos muertos en la película), logrando un filme que “atrapa” al espectador y de paso “denuncia” la farsa de las armas químicas a fin de invadir Iraq. El punto de vista es del oficial Miller (interpretado por Matt Damon) encargado de localizar las armas que fueron el pretexto para la invasión. Pero, oh sorpresa, no se encuentra ninguna, llevándolo a indagar qué está pasando y, de paso, al espectador que se identifica con el personaje. El final será como siempre el del “buen americano” que “denuncia” la farsa montada por los políticos.
Propuesta con límites, pero interesante.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

LA CIUDAD DE LAS TORMENTAS [Green Zone]
Dir: Paul Greengrass
Guión: Brian Helgeland, basado en el libro de Rajiv Chandrasekaran
c/ Matt Damon (Miller), Yigal Naor (General Al Rawi), Nicoye Banks (Perry)
EEUU/2010/Acción, thriller político***/Estrenos

TOY STORY 3

Toy story fue la primera película de animación digital en la historia del cine. Producto bien cuidado, con un argumento y personajes bastante trabajados, donde los efectos de animación no opacaban la historia, Pixar abrió así una rica veta que otras productoras han seguido.

La peculiaridad de Toy story fue que la historia estaba contada desde el punto de vista de los juguetes, estos “cobraban vida” cuando no estaba presente ningún humano. El éxito fue tan grande que obligó a una segunda parte; pero, a diferencia de otras secuelas donde se “exprime” historia y personajes a más no poder, Pixar ha ido más bien por el camino difícil pero más creativo: renovar la saga en cada episodio. Es así que ahora asistimos a “la despedida”: Andy ha crecido y debe ir al “College” por lo que se plantea la disyuntiva qué hacer con los juguetes de la niñez. En esa tensión dramática es que se desarrollará la historia, utilizando las tramas de huida y persecución del cine clásico norteamericano, donde la aparente bondad esconde una perversidad intrínseca. En ese sentido, Toy story asemeja esas antiguas fábulas donde bajo un piadoso manto de ternura se alberga la más recóndita maldad. Por eso se hace disfrutable tanto a niños como a adultos.

Despedida en grande en tono melancólico y agridulce, con “lección de vida” incluida sobre que no existen los afectos ni amores “eternos”, sin falsos finales felices, que todo acaba para volver a comenzar un nuevo ciclo, como la vida misma.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

TOY STORY 3
Dir: Lee Unkrich
Guión: Michael Arndt y John Lasseter (screenplay)
Voces originales: Tom Hanks (Woody), Tim Allen (Buzz Lightyear), Joan Cusack (Jessie), Ned Beatty (Lotso), John Morris (Andy)
EEUU/2010/Animación***/Estrenos

LA HERMANDAD

Lograda metáfora vampírica con mensaje social

Gracias a la saga de Crepúsculo, las películas de vampiros en la presente década han tenido una revitalización no vista años atrás. Pero si Crepúsculo es una saga más o menos anodina sobre vampiros adolescentes, otros realizadores han mostrado mayor creatividad y le han dado un giro de tuerca a la temática. Es el caso de Zombieland con una cuota de humor mezclado con el gore más puro, o la muy lograda Criatura de la noche que le puede dar “cátedra” a los productores de Crepúsculo sobre cómo hacer una película de vampiros adolescentes y no caer en el aburrimiento.
Ahora se suma La Hermandad (Daybreakers), lograda metáfora sobre la escasez de recursos alimenticios y el poder de las trasnacionales en clave vampírica.

Estamos en un futuro bastante cercano, el año 2019, una epidemia ha convertido a los seres humanos en vampiros y los pocos que quedan son usados de alimento para los segundos, haciéndose una verdadera industria de la alimentación con un derivado similar a la sangre humana. El problema está en que el alimento se está acabando (los humanos, que son la base para la sangre artificial, se encuentran en extinción) y la empresa que fabrica el sustituto sanguíneo no se da abasto para satisfacer la demanda lo que ocasiona disturbios en todo el planeta. Esta sociedad vampírica es piramidal y clasista, y a reproducido la desigualdad en torno al dinero, quien tiene más tendrá más poder y conseguirá alimentarse mejor, mientras que los demás sobran, serán los “homeless” de esta sociedad, los marginados eliminados del sistema.

Este enfoque sirve para desarrollar una historia interesante que sin quitarle el lado lúdico a la trama, conlleva una metáfora de lo que puede ser el mundo en poco, muy poco tiempo.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

LA HERMANDAD [Daybreakers]
Dir. y Guón:Michael y Peter Spierig
c/ Ethan Hawke ( Edward Dalton), Sam Neill (Charles Bromley), Daniel Defoe (Elvis)
EEUU, Australia/2009/Terror***/Estrenos

LOCO CORAZÓN

Las películas de redención o de segunda oportunidad en la vida siempre tienen su encanto (¿quién se puede oponer a una segunda oportunidad en la vida?), con mayor razón si se sustentan en magníficas actuaciones como Loco corazón. El argumento no es nuevo: un acabado cantante de música country, sumido en el alcohol y la bancarrota, encuentra en una madre divorciada y su pequeño hijo el motivo para seguir viviendo y cambiar. Lo valioso son las actuaciones, tanto de los secundarios como Colin Farrell, Robert Duvall o la propia Maggie Gyllenhaal, y sobretodo de su protagónico, Jeff Bridges, con un merecido Oscar. Soberbia actuación.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

LOCO CORAZÓN [Crazy Heart]
Dir. y guión: Scott Cooper, basado en la novela de Thomas Cobb
c/ Jeff Bridges (Bad Blake), James Keane (Manager), Maggie Gyllenhaal (Jean Craddock), Colin Farrell (Tommy Sweet), Robert Duvall (Wayne)
EEUU/2009/Drama***/Estrenos

Dennis Hopper (1936-2010)

Hay personas que son autodestructivas, geniales pero caminan al filo de la navaja. Están más en el infierno que en el cielo. Muchos artistas encajan en esta tipología, uno de ellos fue Dennis Hopper.

Se le recordará sobretodo por un puñado de películas, la más emblemática “Busco mi destino” (Easy rider), suerte de testimonio del fenómeno hippie y la contracultura de los años sesenta. Canto a las drogas y al amor libre, se puede ya considerar como un clásico contemporáneo. Easy rider le abrió las puertas de la industria del cine para su siguiente largo filmado en Perú, The last movie, película “maldita” que jamás se estrenó comercialmente por problemas entre Hopper y la productora. Producido el veto de Hollywood y la caída en lo más profundo del abismo de las drogas, vendría la redención con algunos papeles secundarios pero memorables, como el reportero de Apocalipsis Ahora o el villano de Terciopelo Azul. En el olvido quedan varios roles para la televisión o el cine, aceptados para sobrevivir, para ganarse unos cuantos dólares luego de haber conocido la fama y la fortuna en todo su esplendor.

Es hora de un reconocimiento de este extraordinario actor y talentoso realizador, recordando algunas de sus películas clave. Se lo merece. Descansa en paz Dennis.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

VERTIGO

Recordando a Hitchcock a los treinta años de su partida

Un thriller que tiene de todo y en las dosis apropiadas: sexo, suspenso, necrofilia, obsesión, neurosis, fobias y un tórrido romance en el medio. Redondo desde el inicio hasta el fin, el engaño a que es sometido Scottie, la doble de cuerpo con que es seducido y el eléctrico y sorprendente desenlace. Vertigo ha servido de inspiración a realizadores como Brian de Palma que literalmente la “vampirizó”, precisamente en una que se titula “Doble de cuerpo”.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

VERTIGO
Dir: Alfred Hitchcock
Guión: Alec Coppel, Samuel A. Taylor, basada en la novela d'Entre les Morts de Pierre Boileau
c/ James Stewart (John 'Scottie' Ferguson), Kim Novak (Madeleine Elster/Judy Barton), Barbara Bel Geddes (Marjorie 'Midge' Wood)
EEUU/1958/Thriller****

LOS AMANTES

James Gray sabe darle un perfil propio a sus filmes. Ya lo demostró en el policial Dueños de la noche (We Own the Night), su anterior largo, también con Joaquin Phoenix en el protagónico. Esta vez es una historia de triángulo amoroso, historia bastante trillada, pero que el realizador sabe contar con eficacia. Sin entrar en el detalle de la trama diremos que Leonard es un tipo bipolar, que ha tenido intentos de suicidio por el abandono de la novia y que viviendo en la casa de los padres durante su recuperación conoce a dos mujeres con las que tendrá relaciones en simultáneo: la problemática y tormentosa Michelle y la apacible y dulce Sandra. Precisamente, atendiendo a su bipolaridad, una lo mantiene con la adrenalina en alto por los vericuetos que toma la relación (Michelle), mientras la otra lo lleva por un amor más calmado y hasta “aburrido” pero seguro (Sandra). Es en el desenlace donde se produce lo insólito, solución “más real” que cualquier desenlace melodramático.

Drama en clave baja, de tono intimista, donde predomina la presencia actoral (sobretodo de Joaquin Phoenix) teniendo como telón de fondo la vida nocturna en la ciudad de Nueva York.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

LOS AMANTES [Two Lovers]
Dir: James Gray
Guión: James Gray y Ric Menello
c/ Joaquin Phoenix (Leonard Kraditor), Gwyneth Paltrow (Michelle Rausch), Vinessa Shaw (Sandra Cohen), Elias Koteas (Ronald Blatt)
EEUU/2008/Drama***/Estrenos

ROBIN HOOD

Ridley Scott ha demostrado en los últimos años una predilección por lo que podríamos llamar el “drama histórico”, películas ambientadas en épocas pasadas, recreando ficcionalmente hechos registrados por la Historia con mayúsculas. Así tenemos Gladiador, Cruzada y su versión personal de Robin Hood.

Todas ellas tienen en común que la trama se sitúa en una época y personajes que existieron, a los que se añade otros de ficción, por lo cual estos últimos cobran “credibilidad” ante nuestros ojos. El “truco” está en que el espectador “se crea” la invención visionada, habilidad que como buen narrador posee Ridley Scott para llevar a buen puerto lo contado.

Robin Hood guarda relación con su otra película histórica inmediata anterior, Cruzada (Kingdom of Heaven, 2005), tanto en la época (edad media), como en el contexto donde se sitúa (las cruzadas) y ciertos personajes que existieron (Ricardo Corazón de León, Juan sin tierra). Contextualizada la trama, el otro escollo era el perfil del personaje principal, escollo difícil de superar dado que existe un “arquetipo” de Robin Hood que se ha ido construyendo a lo largo de la historia del cine: es el tipo ágil, valiente, seductor, justiciero y joven por añadidura. Solo Richard Lester en su Robin y Marian (1976) se atrevió a romper ese esquema mostrándonos un Robin Hood crepuscular, cansado de las guerras santas y las matanzas para satisfacer el ego de los reyes, que busca reencontrar al final de la vida su viejo amor. Notable y melancólica película con dos actores muy en caja para los roles: Sean Connery y Audrey Hepburn.

El Robin Hood de Ridley Scott más bien es un tipo ya maduro, no un joven, de procedencia popular, mercenario de las guerras santas que libran Ricardo y los reyes cristianos, un tanto pendenciero, con castigos ganados por su insubordinación, que circunstancialmente, por esos azares de la vida, llevará la corona del rey muerto y la espada de un noble caído en combate. En cierta forma podemos decir que se trata de una “precuela”, de la historia de la génesis del personaje y cómo se convierte en la leyenda del célebre ladrón que roba a los ricos para darles a los pobres: estamos en la etapa anterior a la que han contado las demás historias del legendario bandolero.

La Marion retratada tampoco es una dama refinada y desvalida, si bien de procedencia noble, por la miseria causada por las guerras y los impuestos debe trabajar codo a codo con sus súbditos y es mujer de armas tomar, que no se amilana ante el peligro. Ese encuentro entre dos personajes muy distintos al perfil que la filmografía de Hollywood ha dibujado sobre el héroe y su dama es lo que hace atractiva la historia. Como siempre, habrá peligro, momentos de acción y una batalla contra “los malos”.

Otro ingrediente interesante en esta nueva versión es “la lucha por el poder” dentro de la realeza: las conspiraciones, alianzas y traiciones para acceder al trono ocupan buen espacio de la cinta. Los reyes no son buenos ni justicieros, y cuando existen abusos es válido rebelarse. Y si bien el filme no contiene la carga ideológica de Cruzada, si tenemos a un Robin Hood “más contemporáneo” en el sentido que es un hacedor de su propio destino antes que resignarse a su condición, un tipo más individualista y material que romántico y apolíneo, con un escepticismo frente a lo que significan los designios divinos más cercano a nuestra forma de pensar que la existente en aquella época.

Interesante propuesta del personaje, dando un “giro de tuerca” y volviendo a contar con nuevos bríos una historia mil veces contada.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

ROBIN HOOD
Dir: Ridley Scott
Guión: Brian Helgeland
c/ Russell Crowe (Robin Longstride), Cate Blanchett (Marion Loxley), Max von Sydow (Sir Walter Loxley), William Hurt (William Marshal), Oscar Isaac (Prince John), Danny Huston (King Richard The Lionheart), Matthew Macfadyen (Sheriff of Nottingham)
EEUU, UK/2010/Acción, drama histórico***/Estrenos

ALMAS PASAJERAS

De Rodrigo García conocíamos su anterior largo, Nueve vidas (Nine Lives, 2005), relatos contados en tono intimista sobre nueve mujeres de distinta procedencia que viven en Estados Unidos. Propuesta interesante, minimalista, se basa en el gesto a veces apenas perceptible, estilo que en cierto forma rescata Almas pasajeras, centrado otra vez en un personaje femenino (Claire) que debe dar terapia a un grupo de sobrevivientes de un accidente aéreo. Precisamente en el desarrollo de la trama se van a producir hechos extraños como la desaparición gradual de los pacientes y la culpabilización a la aerolínea del desastre acaecido. Sin embargo hacia el tercio final el relato gira en torno a esas tramas de misterio a la que es muy afecto Night Shyamalan y la necesaria “explicación” de los hechos ocurridos.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

ALMAS PASAJERAS [Passengers]
Dir: Rodrigo García
Guión:Ronnie Christensen
c/ Anne Hathaway (Claire), Patrick Wilson (Eric), Andre Braugher (Perry)
EEUU/2008/Misterio, suspenso/Estrenos

IRON MAN 2

La segunda parte de Iron Man se esperaba con impaciencia. La primera fue todo un logro de llevar a la pantalla al legendario héroe de historieta, tarea en la que muchos han zozobrado. Sin embargo, Iron Man 2 ha pesar de contar con un reparto impresionante adolece de fallas en su guión: muchos personajes que al no haber tiempo para desarrollarlos quedan en el esquematismo –o para ser más precisos- en la sola presentación. Es lo que sucede con los personajes de Scarlett Johansson y Samuel L. Jackson, un tanto desaprovechados. Igual sucede con el tono, algunas veces es una parodia, como que Iron Man se imita asimismo en tono de burla, en otras se toma en serio. Se nota que han querido hacerlo bastante ligero, pero al existir tantos personajes y subtramas cumplir el cometido se pierde en la telaraña. Lo más resaltante es la participación de Mickey Rourke como un villano muy a tono con su papel.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

IRON MAN 2
Director: Jon Favreau
Guión:Justin Theroux, basado en el comic de la Marvel
c/ Robert Downey Jr. (Tony Stark), Don Cheadle (Lt. Col. James 'Rhodey' Rhodes),
Scarlett Johansson (Natalie Rushman / Natasha Romanoff), Gwyneth Paltrow (Pepper Potts), Sam Rockwell (Justin Hammer), Mickey Rourke (Ivan Vanko), Samuel L. Jackson (Nick Fury)
EEUU/2010/Fantasía***/Estrenos

ESCAPE DE NUEVA YORK

Ambientada en un futuro no muy lejano, cuando la isla de Manhattan se convierte en una gran prisión. Dirigida con buen nervio por ese maestro de películas de “serie B” que es John Carpenter, tiene tensión, buen ritmo, suspenso, una fotografía de tonos oscuros que trasmite muy bien ese aire lóbrego y sobretodo la construcción con unas cuantas pinceladas de personajes creíbles, habilidad carpenteriana, como el anti-héroe Snake Plissken (que dio vida Kurt Russell). Años después, en 1996, hizo una no muy lograda continuación con el título de Escape de Los Ángeles.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

ESCAPE DE NUEVA YORK [Escape from New York]
Dir:John Carpenter
Guión: John Carpenter y Nick Castle
c/ Kurt Russell (Snake Plissken), Lee Van Cleef (Hauk), Ernest Borgnine (Cabbie), Donald Pleasence (President), Isaac Hayes (The Duke), Harry Dean Stanton (Brain), Adrienne Barbeau (Maggie)
UK,EEUU/1981/Acción futurista***/Películas del ayer

LA PUERTA DEL CIELO TREINTA AÑOS DESPUÉS

La Puerta del cielo fue un fracaso comercial bastante sonado en su época que incluso llevó a la quiebra a los estudios United Artist. Michael Cimino, el director y guionista, venía consagrado por el Oscar a El francotirador, una película polémica sobre la guerra de Vietnam y que muchos confundieron con una posición “dura” y patriotera frente al conflicto. Sea como sea, le valió el Oscar a Cimino y por consiguiente se le abren las puertas de los grandes estudios. Su siguiente proyecto era un western, género en declive por aquellos años, pero a pesar de todo consiguió financiamiento. El proyecto fue creciendo en costos durante el rodaje, pero, a pesar de ello, los productores siguieron poniendo dinero. Cimino comenzó a rodar más escenas (muchas innecesarias como se aprecia en la versión original) y al final se tuvo una película de más de tres horas y media de duración.

El filme no gustó ni a la crítica ni al público, y viendo la versión original es natural. No era el clásico western donde los buenos pelean contra los indios o los bandidos, sino era un western atípico: la película narraba un genocidio cometido a fines del siglo XIX por unos terratenientes que deseaban expulsar de sus tierras a los inmigrantes pobres que, para sobrevivir, debían robar ganado a fin de mantener a su familia. Por eso alguien calificó a La puerta del cielo como el primer “western socialista”, porque planteaba la lucha de clases. Los pobres se unen bajo el liderazgo de un desclasado de la clase oligarca (James Averill, interpretado por un joven Kris Kristofferson), a fin de resistir. Es la unión de los pobres, de aquellos que no tienen nada que perder en la lucha. Marxistamente hablando sus propias cadenas son su solución de liberación.
La cinta narra también los nexos entre el poder económico y el poder político que se hace de la “vista gorda” frente a la matanza que se pretende perpetrar. Era un western a todas luces bastante sui generis.

A la semana del estreno los productores la retiraron y para recuperar siquiera algo de los costos hicieron una versión más corta donde prevalecen los momentos de acción, añadiendo un falso final (en la versión original Ella es asesinada y Averill retorna a su clase, lo cual marca un fracaso en la vida de estas personas; mientras en el “falso final”, Ella y Averill se casan y supuestamente “viven felices”).

Fue el fin de la meteórica carrera de Michael Cimino, por lo menos en lo que a grandes proyectos se refiere y el comienzo de una leyenda “maldita” en torno al filme, que dicho sea tiene sus méritos y un trasfondo ideológico innegable. No solo la carga “social”, bastante evidente, sino el planteamiento existencial de que somos incapaces de eludir nuestra condición de clase. Averilll pertenece a la clase dominante, privilegiada, y por más que ha querido dejar ese rol tomando el puesto de un humilde sheriff del oeste, le es imposible, regresando a su origen clasista, cerrando la película con un pesimismo bien marcado (a diferencia del inicio optimista, brillante, de la graduación en Harvard). Otros, como su amigo Billy, prefieren “seguir a su clase” a pesar que están en contra, mientras que Frank Canton mantiene su opción clasista totalmente.

Es cierto que la película adolece de un metraje excesivo, existen muchas escenas que están demás, sin embargo ello no quita el interés en un filme bastante interesante y que cuenta entre sus protagónicas a una joven Isabelle Huppert que sería después una de las actrices más reconocidas de Francia y Europa.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

LA PUERTA DEL CIELO [Heaven's Gate]
Dir y guión: Michael Cimino
c/ Kris Kristofferson (James Averill), Christopher Walken (Nathan D. Champion),
John Hurt (Billy Irvine), Sam Waterston (Frank Canton), Isabelle Huppert (Ella Watson), Jeff Bridges (John L. Bridges)
EEUU/1980/Western***/Dvd/Películas del ayer

SILENCIO EN EL LAGO

Filme sobre cómo un tranquilo fin de semana se puede trasformar en pesadilla. La película va graduando lo que le acontece a Jenny y Steve cuando llegan al supuesto remanso de paz, Eden Lake (título original sarcástico). Desde el carro que se les cruza y les gana el lugar para apreciar la puesta del sol pasando por los adolescentes vandálicos que serán realmente sádicos asesinos. Otra característica del filme es que no hay final feliz, no ganan “los buenos”, sino todo lo contrario, son destruidos, imponiéndose más bien el mal como valor absoluto, lo que constataremos cuando veamos a los padres de los chicos, fieles ejemplos del comportamiento de estos. Lograda cinta de suspenso. Si no la vio en el estreno está disponible en dvd.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

SILENCIO EN EL LAGO [Eden Lake]
Dir. y guión: James Watkins
c/ Kelly Reilly (Jenny), Michael Fassbender (Steve), Tara Ellis (Abi)
UK/2008/Suspenso***/Estrenos

ENSEÑANZA DE VIDA

De la directora conocíamos su primer largo, Italiano para principiantes, donde describe a un pequeño grupo de nórdicos aburridos y con sus problemas personales, que toman clases de italiano para un anhelado viaje al país mediterráneo. Enseñanza de vida nos traslada a inicios de la década del sesenta, previa a la gran revolución contracultural de los hippies, donde una adolescente descubrirá los secretos del amor y de la primera decepción. Como su título original lo dice, es una lección de educación sentimental, de “lección de vida”, a fin que la protagonista madure y puede enfrentar futuros retos. La puesta en escena contrapone dos escenarios: su casa de clase media, con padres que ven la educación superior de su hija como vehículo de movilidad social, ahorrando centavos para darle la mejor educación que se pueda; y el mundo dispendioso, sensual y frívolo que su eventual amante le ofrece. Naturalmente será un mundo de engaño, de ilusión, frustración, donde radica la madurez de Jenny al darse cuenta de toda la mentira. Quizás ese énfasis de “lección moral” es lo que arrastra en contra el filme (sobretodo en la última parte), pero no cabe duda que estamos ante una buena película que vale la pena ver. Si no la pudo visionar en el corto estreno limeño, está disponible en dvd.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

ENSEÑANZA DE VIDA [An Education]
Dir.: Lone Scherfig
Guión: Nick Hornby, basado en las Memorias de Lynn Barber
c/ Carey Mulligan (Jenny), Olivia Williams (Miss Stubbs), Alfred Molina (Jack), Cara Seymour (Marjorie), Matthew Beard (Graham), Peter Sarsgaard (David), Emma Thompson (Headmistress)
UK/2009/Comedia dramática***/Estrenos

CRIATURA DE LA NOCHE

Las películas de vampiros nunca pasan de moda pero, en torno al ser que vive de la sangre de los otros y solo deambula de noche cuando se ha ocultado el sol, se han hecho variaciones múltiples que sin traicionar la esencia vampírica, le agregan elementos como la aventura o el romance.

Precisamente, la “originalidad” de Criatura de la noche radica en que el vampiro es una joven de doce años (luego descubriremos que no es una chica) y la atracción que siente un jovencito de su misma edad, tímido y acosado por compañeros abusadores. Esa puesta en escena que va entre los asesinatos misteriosos en el barrio donde vive Oskar y la relación que va naciendo entre este y Eli, hacen atractiva la trama, aportando el romance entre la pareja que no veamos con terror sino con cariño al personaje de Eli, teniendo como marco el frío invierno escandinavo, lo que contribuye al ambiente opresivo que se vive.

Puesta en escena inteligente y bien llevada trama, Criatura de la noche es una de esas películas que vale la pena ver.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

CRIATURA DE LA NOCHE [Låt den rätte komma in]
Dir: Tomas Alfredson
Guión:John Ajvide Lindqvist, basado en su propia novela
c/ Kåre Hedebrant (Oskar), Lina Leandersson (Eli), Per Ragnar (Håkan)
Suecia/2008/Terror***/Estrenos

FAMA

Fame fue un recordado musical de 1980 en torno a la vida de un grupo de jóvenes que estudian en una Escuela de Arte de Nueva York. Cada uno con su historia particular y algunos números musicales, memorable sobretodo el que dio título a la cinta. Fue tan exitosa que se produjo una serie con varias temporadas en los mismos años ochenta.
Bien, el remake no es ni la sombra del original: es sosa, aburrida, sin nervio, no llega siquiera al nivel de un videoclip. Hubiese sido mejor dejar en el buen recuerdo a la película de Alan Parker que hacer este mamarracho.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

FAMA [Fame]
Dir: Kevin Tancharoen
Guión: Allison Burnett (screenplay)
c/ Kay Panabaker (Jenny Garrison), Walter Perez (Victor Taveras), Naturi Naughton (Denise Dupree), Asher Book (Marco)
EEUU/2009/Musical**/Estrenos

LA ISLA SINIESTRA

Logrado thriller en estilo de cine negro con giro radical de la trama en la parte final.

Martin Scorsese es bueno para los thrillers (ahí está Cabo de miedo, por citar un ejemplo), los baña de una atmósfera tensa, cargada, asfixiante para los personajes, que aparentemente se encuentran sin escapatoria. En Shutter Island se agrega el elemento subjetivo: lo que el personaje ve o cree ver se trata de alucinaciones o es cierto realmente, dentro del marco histórico de la “caza de brujas” y la guerra fría en la Norteamérica de los años cincuenta. La “certeza” se mantiene en la ambigüedad hasta el final, incluyendo el giro de 180º de la trama en la resolución, que si bien hace sospechar lo que le está sucediendo al personaje de DiCaprio, obliga a una “explicación” bastante machacona que todo sucede en la mente trastornada del personaje.
Es una de las mejores cintas de Scorsese de los últimos años, aunque sin estar a la altura de obras como Toro Salvaje o Buenos Muchachos.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

LA ISLA SINIESTRA [Shutter Island]
Dir.: Martin Scorsese
Guión: Laeta Kalogridis, basado en la novela de Dennis Lehane
c/ Leonardo DiCaprio (Teddy Daniela), Mark Ruffalo (Chuck Aule), Ben Kingsley (Dr. Cawley), Max von Sydow (Dr. Naehring), Michelle Williams (Dolores Chanal)
EEUU/2010/Thriller***/Estrenos

SALVADOS

Apreciada comedia dramática sobre los excesos que en materia de religión se puede caer dentro una escuela cristiana y, por extensión, una crítica a la Norteamérica ultraconservadora de la era Bush, lindando con fanatismos execrables. Detalle aparte merece la aparición de Macaulay Culkin (“Mi pobre angelito”), como un joven inválido pero con la sensualidad a flor de piel (“el pecado hecho carne”). Solamente un poco machacona la reiteración del nombre de Jesús en los diálogos, convirtiéndose en una muletilla para resaltar el fanatismo religioso de éste grupo social, existiendo otros medios más propicios. Ideal para una semana santa más heterodoxa.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

SALVADOS [Saved¡]
Dir.: Brian Dannelly
c/ Jena Malone (Mary), Mandy Moore (Hilary Faye), Macaulay Culkin (Roland), Eva Amurri (Cassandra), Patrick Fugit (Patrick)
USA/2004/Comedia dramática

ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS

A contracorriente de esos mundos sombríos a los que nos tiene acostumbrado Tim Burton, esta vez nos presenta una versión más “light” del clásico de Lewis Carrol, que en propiedad sería un “regreso de Alicia al país de las maravillas”, dado que la protagonista regresa algunos años después, ya joven y cuando tiene que decidir sobre su futuro: si establecer una relación convencional que le ofrece el matrimonio o irse a la aventura y los sueños. No es difícil saber que opción elije.
Como siempre, destaca el personaje de Johnny Depp y el de la “villana” Helena Bonham Carter como la Reina Roja, donde se percibe ese estilo “burtoniano”. El resto, lamentablemente, es bastante opaco.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS [Alice in Wonderland]
Dir.: Tim Burton
Guión: Linda Woolverton, basado en el libro de Lewis Carroll
c/ Mia Wasikowska (Alice), Johnny Depp (Mad Hatter), Helena Bonham Carter (Red Queen), Anne Hathaway (White Queen), Michael Sheen (White Rabbit)
EEUU/2010/Fantasía***/Estrenos

LOS ABRAZOS ROTOS

Almodóvar es un maestro del melodrama, género difícil ya que se tiende a la exageración, a “recargar tintas” más de lo debido. Sin embargo el manchego sale bien librado de los proyectos, aunque a veces, como el presente, peca de una contención o, para ser más preciso, de una frialdad, ante el drama que pasan los personajes.

La acción trascurre en la época presente y regresa 14 años atrás, en 1994, para ir aclarando las relaciones y conflictos entre Lena-como vértice del triángulo- y Mateo y Ernesto en los otros dos lados. Como sucede en todo triángulo amoroso, la catarsis se producirá cuando una de las partes se entera “de la infidelidad” y urde la necesaria venganza. Ernesto, la parte afectada, no es nada santo, por lo que urdirá una venganza maquiavélica. En el ínterin se descubren otros secretos que nutren la historia principal, como el hijo de Mateo, que es su lazarillo y mejor amigo, la confesión de Judit de cómo fue la venganza de Ernesto y otros detalles. Pero, todo contado con una frialdad de entomólogo y un mecanismo de relojería que hace sentir a la trama bastante mecánica. Le falta “feeling”. Lo rescatable, por nostálgico, es el autotributo a uno de los mejores filmes de Almodóvar y que le dio fama internacional: Mujeres al borde un ataque de nervios. Tributo merecido por cierto.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

LOS ABRAZOS ROTOS
Dir. y guión:Pedro Almodóvar
c/ Penélope Cruz (Lena), Lluís Homar (Mateo Blanco / Harry Caine), Blanca Portillo (Judit García), José Luis Gómez (Ernesto Martel), Rubén Ochandiano (Ray X )
España/2009/Drama***/Estrenos

9

Si bien 9 es un filme de animación (cuyo público objetivo son los niños), más será comprendido por los adultos (y de repente con alguna dificultad, lo que se releja en lo poco que duró en la cartelera). El mundo oscuro de 9, de “distopía apocalíptica”, donde el género humano ha desaparecido y toda esperanza está puesta en un ser inanimado al cual se le ha insuflado vida, está inspirado claramente en ese imaginario barroco de Tim Burton, quien actúa como productor de la cinta, aunque sin su vuelo creativo, por lo que a veces la película decae en interés; además que la historia ha sido contada innumerables veces.
Tiene un aliento a El señor de los anillos, de esa odisea que debe realizar el personaje a través de un mundo tenebroso. No en vano fue elegida la voz de Elijah Wood para el protagónico.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

9
Dir.: Shane Acker
Guión: Pamela Pettler
Voces originales: Christopher Plummer (1), Martin Landau (2), John C. Reilly (5), Elijah Wood (9) (voice)
EEUU/2009/Animación***/Estrenos

UNA CEREMONIA MÁS: A PROPÓSITO DEL ÓSCAR

La edición 2010 del Óscar trajo para nosotros como atractivo principal el que una película peruana se encuentre entre las cinco finalistas en el rubro mejor película extranjera. Estar entre las cinco finalistas de la premiación cinematográfica más conocida y vista del planeta no es poco cosa. Sin embargo, los criterios de selección del gremio de la industria del cine norteamericano se ajusta a los parámetros de lo que usualmente se entiende como “cine americano”, y en esa lógica, el filme argentino galardonado, El secreto de sus ojos, estaba más a gusto según el criterio de la Academia que La teta asustada, película con una riqueza simbólica y referencia a mitos universales, más apreciada por eruditos y público especializado como el de un jurado de Cannes o de Berlín, que por un público medio, acostumbrado a temas y formas convencionales de ver y hacer cine. En pocas palabras, La teta asustada era demasiado “intelectual” para el gusto de Hollywood.
Sino extraigamos otra comparación. El filme La cinta blanca de Michael Haneke, también finalista y superior en todo sentido a la premiada El secreto de sus ojos (y en mi opinión la que debió ganar) también le fue arrebatada la codiciada estatuilla.
La lección es que el filme puede ser medianamente bueno, pero si está a la altura del gusto de la Academia o de los temas que más atrae a esta, tendrá más posibilidades de adjudicarse el premio.

En cuanto a la mejor película en idioma inglés, Zona de miedo (The Hurt Locker), si bien es una buena película, pero dista mucho de los grandes filmes bélicos que Hollywood ha producido en el pasado. Tan baja está la calidad de la producción norteamericana de los últimos años que The Hurt Locker es lo mejor que se ha estrenado en el 2009 (salvo contadas excepciones). Asimismo suponemos que ha pesado en la decisión de la Academia (recordemos que la decisión es por el sistema de votación de todos los integrantes de los distintos estamentos cinematográficos) que el filme toque el tema de la guerra en Irak, tema sensible entre el gremio liberal y de “izquierda” (en el sentido norteamericano) de la industria del cine. Creo que de ser un jurado imparcial y especializado hubiese elegido a Bastardos sin gloria de Quentin Tarantino, película mucho más creativa que The Hurt Locker y que “reconstruye” a su modo la historia de la II Guerra Mundial, en esa onda “post modernista” del genial director italoamericano.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

NINE

Rob Marshall es uno de los más tenaces continuadores del musical en el cine y gracias a él se debe que este género haya “resucitado” últimamente.
La tarea de llevar al musical la célebre película de Fellini Ocho y medio (Nine, nueve, alude a la continuación en la numeración felliniana, dado que el realizador italiano no quería que el musical teatral lleve el mismo título de su recordada película) era difícil desde el inicio, casi imposible, dada la complejidad de tiempos, espacios, planos y mundo real y mundo imaginado que Federico Fellini ideó para Ocho y medio, todo envuelto en clave sicoanalítica en torno a un director con crisis creativa y que le es imposible hacer la nueva cinta anunciada con bombos y platillos por el productor y con actores ya contratados (estamos dentro de una de esas temáticas que tratan “el cine dentro del cine”, a lo cual era muy afecto Fellini).
Era muy difícil y el referente bastante inasible de alcanzar, lo cual se nota en los deslucidos números musicales y el tropiezo en el avance narrativo, bastante flojo y un poco calcando a veces a descaro la recordada película o alguna escena de otros filmes del recordado director como Amarcord en la escena de la prostituta en la playa, cuando Guido es niño.
En fin dejemos a Ocho y medio en paz y como una de las mejores películas del gran Fellini y olvidemos este musical, que Rob Marshall tiene mejores filmes.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

NINE
Dir.: Rob Marshall
Guión: Michael Tolkin y Anthony Minghella, basado en el musical “Nine”
c/ Daniel Day-Lewis (Guido Contini), Marion Cotillard (Luisa Contini), Penélope Cruz (Carla), Nicole Kidman (Claudia), Judi Dench (Lilli), Sophia Loren (Mamma)
EEUU/2009/Musical**/Estrenos

ZONA DE MIEDO

Obviamente que el conflicto en Iraq le concede actualidad a una historia mil veces contada: la del “loco” dentro de una unidad de combate que no le teme a la muerte, poniendo en riesgo al resto del equipo. Se trata de esas personas que se habituaron a convivir con la muerte y esta se vuelve parte importante en sus vidas y, paradójicamente, salen ilesos de todo enfrentamiento con esta. El peligro y riesgo llevado a sus extremos se convierte en una droga a la que se vuelven adictos, como dice el preámbulo del filme, la única explicación que nos da la directora.

Esta vez se trata de una unidad de desactivación de bombas que deambula por las calles de Bagdad con esa misión. El resto de los integrantes del equipo cuentan los días que faltan para salir de tan peligroso trabajo, mientras el especialista William James, “el loco” del grupo, disfruta de cada día donde tiene que enfrentar a la muerte.

El mérito de la Bigelow está en su puesta en escena: crispada, tensa, nerviosa, a modo de un documental con la cámara al hombro siguiendo al equipo, “sintiendo” el viento y la arena que se mete en la boca. No intenta una justificación moral o un alegato pacifista como otros filmes de guerra, y esa “neutralidad” se convierte en un mérito. Bigelow solo va a registrar los hechos como son, sin expresar juicio de valor de por medio; pero esa “ausencia de condena” permite que el espectador saque sus propias conclusiones, produciéndose “la condena” a toda guerra no en el filme mismo, sino en la conciencia del espectador (o la justificación, de ser el caso). De allí el mérito que tenga “la neutralidad” de la realizadora, más si nos atenemos al título original de la película, aludiendo a los “souvenirs” macabros que guarda James en su armario de cada intervención que realiza.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

ZONA DE MIEDO [The Hurt Locker]
Dir: Kathryn Bigelow
Guión: Mark Boal
c/ Jeremy Renner (SSG William James), Anthony Mackie (Sgt. JT Sanborn), Brian Geraghty (Spc. Owen Eldridge), Guy Pearce (SSG Matt Thompson), Ralph Fiennes (Contractor Team Leader)
EEUU/2008/Thriller***/Estrenos

HACE MUCHO QUE TE QUIERO

Filme minimalista, de atmósferas envolventes y situaciones que se van eslabonando en torno a dos hermanas y el secreto que está en el medio, sin revelar.
Se dijo que el final es demasiado “explicativo”, literal, en contraposición a lo insinuante de la trama previa, lo que hacía perder el interés en la resolución. Creo que no, por lo menos para un público medio requiere una “explicación” que aclare el secreto de Juliette, y esa es la función que cumple.
Cinta de actuaciones contenidas, sobretodo la de Kristin Scott Thomas, la mujer del terrible secreto que a través de pequeños gestos o una mirada nos revela su trágico pasado.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

HACE MUCHO QUE TE QUIERO [Il y a longtemps que je t'aime]
Dir. y guión: Philippe Claudel
c/ Kristin Scott Thomas (Juliette Fontaine), Elsa Zylberstein (Léa), Serge Hazanavicius (Luc)
Fra/2008/Drama***/Estrenos

LA TETA PREMIADA

Las nominaciones y premiaciones que ha recibido La Teta Asustada motivan que se traiga a debate de nuevo una ley que incentive realmente al cine nacional. En ese propósito se debe destacar la labor tenaz que realiza la congresista Luciana León, digna heredera de las causas culturales de su antecesora, la congresista Elvira de la Puente. La coyuntura es propicia para poner en debate de nuevo una ley que permita colocar los fundamentos para el despegue del cine nacional y ser concientes que la más representativa de todas las artes contemporáneas es el cine. El cine es “la vitrina” por la cual más eficazmente nos hacemos conocidos en el mundo, la otra, naturalmente, es la gastronomía. A continuación reproduzco un interesante artículo de la congresista León.
EJJ

LA TETA ASUSTADA SEÑALA EL CAMINO
Urge aprobar la Ley del cine
La nominación al Oscar 2010 de la película peruana La teta asustada debe ser el comienzo para desarrollar la industria del cine peruano y fortalecer la economía nacional, como sucede en la India, España y Argentina.
El cine se ha convertido en un producto de consumo masivo que, además de incentivar el turismo, genera el crecimiento de unidades económicas conexas como la industria videográfica, apertura de cadenas de cine, restaurantes, transporte, artículos promocionales y publicitarios, confecciones, etcétera.
Genera empleo y tributos provenientes de las taquillas, casi tan igual como la creciente industria del espectáculo, que ha colocado a nuestro país en la palestra internacional de los megaeventos y las grandes estrellas musicales.
Esta prometedora industria está promoviendo nuevos valores nacionales en el séptimo arte nacional (directores, actores, productores, camarógrafos, editores, especialistas en efectos especiales, luminotécnicos, fotógrafos, etcétera) y promocionando nuevas carreras profesionales entre los jóvenes.
Puede convertirse en una actividad económica de gran efecto en la promoción de la actividad privada y en la lucha contra la pobreza, como sucede en la India, donde algunas películas han logrado sobrepasar los 50 millones de dólares, dinero que en su gran parte será reinvertido en el país.
Hasta la fecha, La teta asustada con un presupuesto que sobrepasa el millón de dólares, ha sido vista por 250 mil personas, generando una taquilla de 700 mil dólares, y su reposición y ventas en el extranjero podrían recaudar tres millones de dólares de ingresos, pronostica la Asociación de Productores Cinematográficos Peruanos.
La película de la laureada Claudia Llosa pudo ser realidad, gracias al apoyo económico del Consejo Nacional de Cinematografía (Conacine) y a capitales españoles.
Por ello, desde que asumí el cargo de congresista de la República aposté por el cine (y la cultura en general) como una industria que tiene un gran nicho en el Perú, e insistí e insistí una y mil veces en la Comisión de Presupuesto para que aumentara el presupuesto del Conacine, logrando sucesivos incrementos, pasando de 800,000 nuevos soles en 2007 a 2’800,000 (2008), 3’800,000 (2009) y 4’200,000 de nuevos soles (2010). Hemos quintuplicado su partida en tres años y los resultados saltan a la vista.
Conacine se ha visto fortalecido institucionalmente y se ha convertido en un obligado punto de apoyo para la cinematografía nacional (empresas cinematográficas, asociaciones de producción audiovisual, universidades y centros de estudios superiores), reactivando una promisoria industria que antes nadie apostaba por ella. Igual sucedía en los espectáculos públicos no deportivos. En 2009 se movieron nada menos que 25 millones de dólares, gracias a 65 conciertos musicales.
Finalmente, es necesario felicitar y destacar la excelente labor de Claudia Llosa y el impecable desempeño de los actores (incluidos los extras del pueblo de Manchay) y el equipo técnico que la acompaña, que han demostrado que el Perú puede ser capaz de obtener grandes logros y codearse con los mejores del cine internacional.
Somos un país con una inmensa cultura que debe valorar en su real dimensión a sus artistas, por ello, ahora toca aprobar la Ley del cine, que permitirá dotar de mayores recursos a nuestros cineastas, así como la Ley del Mecenazgo Cultural, con la que la empresa privada se convertirá en el motor de la inversión de proyectos culturales, no solo en el cine sino en toda expresión artística.
Así, ya no habrá necesidad de recurrir a financiamientos extranjeros, sino que todos los proyectos culturales serán con capital peruano. No creo que a estas alturas nadie se oponga en el Congreso para aprobar estas dos iniciativas legislativas.
El Perú debe transformarse en uno de los más importantes centros culturales de América latina y lo podemos lograr con el esfuerzo y unión de todos sin distingo político. Es un sueño que puede ser realidad como la nominación al Oscar de La teta asustada.
Luciana León Romero
Congresista de la República
EL PERUANO 9.2.10

INVICTUS

Aunque no es propiamente una “biopic” (biografía fílmica), sí recrea un hecho histórico: la idea del presidente Mandela de unir a una nación dividida por la segregación racial a través de un campeonato de rugby. El deporte usado como política.
Apartándose de su usual pesimismo, esta vez el enfoque de Clint Eastwood es pletórico de esperanza, con “final feliz” incluido. De allí que algunos hayan pensado que estamos ante un film de la “era Obama”, o por lo menos de la esperanza inicial de cambio que se vivió en los primeros meses. Si bien Eastwood no es un apologista político, la lectura es válida. Pero, lo que más atrae de la cinta es la mimetización que Morgan Freeman ha efectuado de su personaje, mimetización que se profundiza hasta en los pequeños detalles.

Sin ser una de sus mejores películas, Invictus se deja ver con ese placer visual que tienen las cintas de Eastwood.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

INVICTUS
Dir.: Clint Eastwood
Guión: Anthony Peckham, basado en el libro de John Carlin
c/ Morgan Freeman (Nelson Mandela), Matt Damon (Francois Peinar), Tony Kgoroge (Jason Tshabalala)
EEUU/2009/Biopic***/Estrenos

EL IMAGINARIO DEL DOCTOR PARNASSUS

Terry Gilliam es un autor barroco. Tiende a la exuberancia, a la expansión, a la hemorragia y colorido de las imágenes y a historias que no van en línea recta en el sentido clásico de un, por ejemplo, Clint Eastwood, sino a la complejidad de tiempos y espacios, rayando en ocasiones lo rocambolesco. El imaginario del doctor Parnassus no es la excepción, aunque no es su mejor película, a veces se queda en el mero artificio, engolosinándose con la parafernalia digital, y se olvida un poco la historia, historia tributaria del Fausto de Goethe, aunque esta vez se trate de una apuesta con el demonio y de la desesperación para salvar el alma, con una Margarita como encarnación de la pureza.

La película quizás será recordada por ser la última en que intervino el desaparecido Heath Ledger.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

EL IMAGINARIO DEL DOCTOR PARNASSUS [The Imaginarium of Doctor Parnassus]
Dir.: Terry Gilliam
Guión: Terry Gilliam y Charles McKeown
c/ Heath Ledger (Tony), Christopher Plummer (Doctor Parnassus), Lily Cole (Valentina), Johnny Depp (Imaginarium Tony #1), Jude Law (Imaginarium Tony #2), Colin Farrell (Imaginarium Tony #3), Verne Troyer (Percy), Tom Waits (Mr. Nick), Andrew Garfield (Anton)
UK, Canada, Francia/2009/Fantasía***/Estrenos

AMOR SIN ESCALAS

Amor sin escalas es una comedia romántica atípica. No tiene el final feliz empalagoso, ni pretende ello; más bien busca retratar un momento especial que vive el trabajo en Norteamérica a raíz de la crisis de “los bonos basura” del 2009: los despidos masivos de empleados y la forma “más suave” de llevarles la noticia, para lo cual contratan los servicios de Ryan, experimentado relacionista laboral que deberá enfrentar las diversas reacciones de los “sentenciados” con el despido. Un trabajo difícil pero que lo ejecuta con encantador cinismo hasta que se topa con Alex, una ejecutiva tan fría como él y comienza a pensar en echar raíces, en tener algo fijo y ya no estar “sobre el aire” toda la vida. Y, en el medio, Natalie, una joven psicóloga que “adopta” que cree encontrar la forma de reducir costos de los viajes en avión y estadía usando el internet para los despidos, con lo que el método se vuelve más frío e impersonal. Sin embargo, la realidad es más despiadada que los sueños y todo no pasará de una ilusión, para volver de nuevo a la rutina.

Amor sin escalas tiene ese sabor agridulce de las cosas que no salieron como se esperaba, que nada es perfecto y que incluso el más cínico puede tener sus cinco minutos de candor. Comedia al estilo clásico con sólidas actuaciones, tanto de George Clooney como de Vera Farmiga y Anna Kendrick.

Al igual que en Juno, Reitman no busca dar respuestas, sino que el propio espectador se formule las suyas, sin finales definitivos sino más bien reflexivos.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

AMOR SIN ESCALAS [Up in the Air]
Dir.: Jason Reitman
Guión: Jason Reitman y Sheldon Turner, basado en la novela de Walter Kirn
c/ George Clooney (Ryan Bingham), Vera Farmiga (Alex Goran), Anna Kendrick (Natalie Keener)
EEUU/2009/Comedia romántica***/Estrenos

DESAGRAVIO A UN MARCIANO LLAMADO DESEO

Un marciano llamado deseo fue injustamente “maleteada” cuando fue su estreno, maleteo en el cual me incluyo cuando estaba a cargo del foro de cine en informalisimo.com.

Es cierto que no es un gran filme ni pretende representar un universo propio como Álvaro Velarde o Josué Méndez, dos realizadores que también debutaban por aquellos años con paso seguro, pero tampoco es el adefesio que se pretendió.

Desde su estreno, hace seis años, no la volví a visionar hasta que hace poco la trasmitieron por la televisora estatal. La distancia permite apreciar que era una comedia con cierto encanto, una comedia en tono de farsa, donde el personaje principal, Jorge, como muchos jóvenes vive alienado con la idea de emigrar a Estados Unidos, lugar considerado como el paraíso y la solución a sus problemas no solo laborales, sino de vivir lejos de un país que él considera como degradante, horrible y de mal gusto. Pero, su eventual “pasaporte” para emigar, “la rubia tonta” Shirley, está en lo mismo, solo que a nivel global. Para ella el mundo es horrible y su liberación consiste en escapar de la tierra a un planeta más avanzado en términos civilizatorios. Demás está decir que es uno de esos turistas del “new age” que creen que Machupicchu fue construido por los extraterrestres y el Cuzco es poco menos que un aeropuerto intergaláctico.

Es en ese contrapunto, donde ambos se utilizarán para buscar una falsa solución a sus problemas, que encuentra sentido la comedia, apoyado por una serie de personajes igualmente caricaturescos. Todo en un tono de farsa, hasta ese Cuzco de piedras de cartón y personajes robotizados como Data, tributario de la serie Viaje a las estrellas. Nadie en su sano juicio puede creer que ese Cuzco descrito en el filme es el real, sino que está distorsionado deliberadamente.

Como en toda farsa, al final tendrá que revelarse la verdad, sea impuesta por los hechos o premeditada, y una “lección moral”, que será el encontrarse a si mismos y valorar lo que se tiene al lado, tanto en Jorge como en Shirley.

Es verdad que el desarrollo de la trama adolece de baches narrativos y que la calidad técnica del acabado no es de lo mejor tratándose de una película; pero en su haber está la dirección de actores, el sonido trabajado y una historia que mejor llevada habría merecido un mejor final. No obstante ello, se deja ver, manteniendo su frescura a pesar de los años.

Eduardo Jiménez J.

lagartocine@yahoo.es

UN MARCIANO LLAMADO DESEO

Dir y guión: Antonio Fortunic

c/ Christian Meier (Jorge), Robin Hunter (Shirley), Bruno Odar, Mónica Sánchez, Aristóteles Picho,

Adolfo Chuiman, Marco Aurelio Denegri (como él mismo)

Perú/2003/Comedia**/Tv/Películas del ayer