miércoles, agosto 27, 2014

APRENDIZ DE GIGOLÓ [Fading Gigolo]

John Turturro es más conocido como actor que como director. Con un puñado de películas en su haber, se ha consolidado como un realizador “indie” (independiente) en los predios del cine norteamericano.

Esta vez nos trae una comedia acompañado del gran Woody Allen, fungiendo solo de actor en un papel a su medida (el de judío neurótico y parlanchín).

Fioravante (Turturro) y Murray (Allen) son dos grandes amigos y socios en una librería de incunables que debe cerrar por falta de clientes: el internet, los libros electrónicos y el poco interés actual en libros antiguos y raros han traído la bancarrota a estos dos amigos.

A Murray se le ocurre un negocio para agenciarse de fondos: prestar su amigo, con bastante atractivo y magnetismo con las mujeres, los servicios de gigoló, consiguiéndole los contactos necesarios a cambio de una comisión.

No tan convencido Fioravante, accede por necesidad, iniciándose en el negocio más antiguo del mundo. Sus clientas, de los sectores sociales altos, dan una buena retribución por los servicios prestados más una sustanciosa propina, comenzando con la médica que encarna la legendaria Sharon Stone.

Todo va bien hasta que se cruza con Avigal, una viuda que pertenece a los sectores más tradicionales del judaísmo y que no puede todavía superar la muerte de su esposo, un rabino respetado en su comunidad. El interés recíproco con Fioravante hará que despierte los celos de Dovi, un judío que encarna al policía de la comunidad y, por tanto, resguardo de “los valores” de esta.

Estamos ante una comedia de enredos, con toques de romanticismo, en la cual los protagonistas se van descubriendo cómo son: Fioravante un tanto taciturno pero efectivo en los placeres sensoriales gracias a la empatía que siente con sus clientas, Murray como “buen negociante” y con familia mixta (su mujer, Othella, es negra), Avigal con el lastre de su dolor marital, y las insatisfechas y bi-sexuales Parker y Selima.

La comedia nos abre al mundo judío, para tomarles el pelo a esos judíos ortodoxos que, al pie de la letra, siguen las antiguas enseñanzas (la escena del “juicio” a Murray por parte de los rabinos es bastante elocuente). Como apuntamos Woody Allen se encuentra “en caja” en el rol, mientras Turturro representa al latin lover hollywoodense. Y si bien el final no es el típico “happy end”, donde el chico se queda con la chica, es más un final abierto, como la vida que, pese a todo, continuará para estos dos amigos.

Pequeña joya y que brilla justamente por ser sui generis, distinta a las usuales comedias románticas.
Eduardo Jiménez J. 
ejj39@hotmail.com



jueves, agosto 21, 2014

VIEJOS AMIGOS

Quizás la comedia sea un género más difícil que el drama. Los riesgos a que salga fallida sea por exceso o por omisión se presentan a cada momento. Fernando Villarán ha sabido sortearlos con empeño y habilidad, y su carta de presentación es una apreciable ópera prima.

Balo, Domingo y Ricardo son tres ancianos que acuden a las honras fúnebres de un querido amigo. En el velorio nace una teoría conspirativa de Balo -quien, por la edad, tiene ideas obsesivas- según la cual el amigo habría sido asesinado por su esposa, Leticia, por lo que deciden robarse las cenizas del difunto e irlas esparciendo en los lugares donde los amigos disfrutaron sus mejores años: el estadio a fin de presenciar un encuentro del Sport Boys, equipo emblema del Callao, recorrer el antiguo estadio Telmo Carbajo, visitar los bares de antaño, robarse la bandera del equipo rival de aquellos años –el Atlético Chalaco- y hasta buscar a la novia perdida de su amigo, culminando en el primer puerto para esparcir las cenizas en el mar al compás de un grupo musical criollo; y, a fin de mantener la atención en vilo, la persecución incansable de la viuda a este trío para que le devuelvan las cenizas de su amado esposo.

Estamos ante la comedia de amigos que se reencuentran luego de años y que ello les va a permitir hacer un balance existencial de sus vidas. Qué hicieron, qué dejaron de hacer, de qué se arrepienten, todo ello matizado con la nostalgia del tiempo ido y expresado muy bien en la música criolla que se escucha en la banda sonora, “leyendas urbanas” como la gesta del himno del Sport Boys y una ambientación adecuada, sobretodo del Callao histórico, ese con casas a medio derruir, que todavía conservan el sabor y prestigio de mejores tiempos.

Si bien no llega a las reflexiones agridulces con toques de humor negro, propias de la gran comedia italiana de los años 50 y 60, de la cual –como ya se ha apuntado en otros comentarios- es tributaria Viejos amigos, quedando más bien en un humor epidérmico, no por ello se puede soslayar las magistrales actuaciones de los tres protagónicos, gracias a ellos y a cómo han caracterizado a sus personajes, la película se sostiene de principio a fin.
Eduardo Jiménez J.

ejjlaw@yahoo.es


jueves, agosto 14, 2014

GUARDIANES DE LA GALAXIA

Dentro de los blockbusters de verano en el Hemisferio Norte, Guardianes de la Galaxia resalta por su irreverencia, por ese no tomarse en serio, sobretodo en la primera parte que nos presenta a los personajes (la segunda, cuando “rescatan el universo” ya se vuelve inevitablemente más solemne y convencional).

El recurso usado en la trama argumentativa es presentar a unos personajes que fungen de antihéroes como aquellos que podrán salvar los mundos conocidos y simbolizan el bien en su eterna lucha contra el mal. 

Un “huaquero espacial” (vende antigüedades robadas), un mapache genéticamente modificado, un árbol andante y bonachón, una bella asesina y un forzudo con valores como el honor, son los héroes que lucharán contra el mal.

Aunque le faltó más irreverencia, como la que demostraba el recordado Richard Lester cuando trató a héroes de ficción conocidísimos como Los 3 mosqueteros o Superman.

La película ha tenido tanto éxito, que ya se anuncia en unos años la segunda parte. Mención aparte merecen las canciones ochenteras que se aprecian en su banda sonora, solo por escucharlas vale la pena estar dos horas arrellanado en la butaca.
Eduardo Jiménez J.

ejjlaw@yahoo.es

GUARDIANES DE LA GALAXIA [Guardians of the Galaxy] 
Dir.: James Gunn        
Guión: James Gunn y Nicole Perlman, basado en el cómic de Dan Abnett y Andy Lanning
c/ Chris Pratt (Peter Quill), Zoe Saldana (Gamora), Dave Bautista            (Drax), Vin Diesel (Voz de Groot), Bradley Cooper (Voz de Rocket), Glenn Close (Nova Prime), Benicio Del Toro (The Collector)
EEUU/2014/Acción, fantástico***/Estrenos




viernes, agosto 01, 2014

EL PLANETA DE LOS SIMIOS: CONFRONTACIÓN [Dawn of the Planet of the Apes]

Cabe resaltar que no necesariamente un blockbuster es soso y pesado; algunos, como El amanecer del planeta de los simios (titulado entre nosotros ligeramente distinto), demuestran lo contrario, que los efectos especiales puedan estar al servicio de la historia y no al revés, que sólidos personajes como César pueden llegar a niveles de interpretación sorprendentes, más allá que Andy Serkis solo haya prestado sus gestos para una captura de movimientos que “da vida” a un simio totalmente digital. (Por cierto, las técnicas nacidas de los códigos binarios están revolucionando el cine y lo que vemos ahora es solo el inicio).           

Han pasado diez años desde la liberación de los simios y César y los simios liberados se han refugiado en el bosque, donde han construido una civilización con ciertas normas básicas de convivencia. Mientras tanto la gripe generada por el virus de laboratorio que vimos en la primera parte ha diezmado a la humanidad, quedando solo bolsones de población inmune genéticamente que sobreviven en diferentes partes. En esos afanes, un grupo de humanos se interna en el bosque a fin de repontenciar una represa que genere electricidad. Ello dará lugar a la confrontación, no solo entre humanos y simios, sino entre los propios simios. César prefiere la convivencia y tolerancia con los humanos, en vista que son más fuertes y poseen una tecnología más sofisticada, por lo que sería imposible  resistir una guerra con estos, mientras Koba, su lugarteniente, es de la tesis de “tierra arrasada”, no dejar humano vivo. Entre los humanos sucede algo igual.

Lo interesante es que Matt Reeves sabe dosificar y entrelazar las distintas contradicciones hasta llegar al desenlace. El rostro de César, con el que se cierra la película, y sobretodo los ojos, en un memorable close up, reflejan la mirada de un estadista, que sabe que la guerra con los humanos es inevitable pese a estar en contra, y que es su deber salir bien librado de esta a su pueblo, que a ellos se debe, que los tiempos son difíciles y habrá que inventar estrategias para sobrevivir. Esa imagen dice más que mil palabras.

Magistral segunda entrega del reboot y habrá que esperar dos años para conocer su culminación.
Eduardo Jiménez J.

ejjlaw@yahoo.es

EL PLANETA DE LOS SIMIOS: CONFRONTACIÓN [Dawn of the Planet of the Apes]  
Dir: Matt Reeves
Guión: Mark Bomback, Rick Jaffa
c/ Andy Serkis            (Caesar), Jason Clarke (Malcolm), Gary Oldman (Dreyfus), Keri Russell (Ellie), Toby Kebbell (Koba)
EEUU/2014/Ficción distópica***+/Estrenos


jueves, julio 17, 2014

EL HOMBRE DUPLICADO

Del canadiense Denis Villeneuve se vio un interesante thriller, Prisioneros (titulado entre nosotros como La sospecha). Esta vez nos trae un thriller sicológico más complejo, hermético y con distintas interpretaciones.

El tema del doble ha sido tratado ampliamente en la literatura y luego retomado por el cine. Elucubrar sobre tener un doble idéntico permite utilizar la metáfora de distintas maneras: alienación del hombre moderno, esquizofrenia entre el yo racional y el yo irracional, lucha del bien contra el mal, fraccionamiento del ser humano, crisis de identidad, etc. Villeneuve no nos da ninguna pista y permite que el espectador saque sus propias conclusiones.

Adam es un tranquilo profesor de historia, con una vida metódica dividida entre su trabajo y su novia, Mary; mientras Anthony lleva una vida más emocional, un tanto inestable, dedicada a la actuación y con una mujer, Helen, que espera un hijo. Ambos no se conocen, hasta que por casualidad Adam se encuentra con las películas de su doble y se obsesiona por saber quién es, dónde vive, qué hace.

Como ya se ha apuntado, la película tiene elementos deudores del cine de Hitchcock, principalmente Vértigo, y de David Cronenberg, de quien hereda ese lado perverso, onírico y hasta repulsivo (la araña gigantesca que simboliza el temor del personaje) de sus mejores películas.

El final no es concesivo, ni explicativo, más bien al ser cortante, cada espectador deberá extraer sus propias conclusiones.

Filme inquietante, que obliga al espectador a ser partícipe activo, es una de esas raras avis que ingresan a la cartelera y merece verse. Por cierto Jake Gyllenhaal cumple con una performance sencillamente notable.
Eduardo Jiménez J.

ejjlaw@yahoo.es

EL HOMBRE DUPLICADO [Enemy] 
Dir: Denis Villeneuve
Guión: Javier Gullón, basado en la novela de José Saramago
c/ Jake Gyllenhaal (Adam + Anthony), Mélanie Laurent (Mary), Sarah Gadon (Helen), Isabella Rossellini (Mother)
Canadá/2013/Thriller sicológico****/Estrenos


miércoles, julio 09, 2014

JERSEY BOYS

Clint Eastwood es más conocido por los grandes dramas, con esa hondura que los asemeja a las tragedias griegas. Por ello sorprende la adaptación de un musical de Broadway, aunque no tanto si nos atenemos a su vocación melómana y al interés particular que tendría en llevar a la pantalla la biografía de The four seasons, grupo más o menos olvidado.

The four seasons, en cierta forma, representa una época ya perdida, los últimos años de la gran familia norteamericana y los valores tradicionales que ella representaba; de los policías como amigos y suerte de tíos de los chicos del barrio, del barrio mismo como una extensión del hogar nuclear. Los años previos a la gran revolución anticultural de los sesenta, del movimiento hippie y la reivindicación de los derechos de las minorías negras. Lo totalmente opuesto a Woodstock y a Mayo 68. Quizás por ello y atendiendo a sus valores tradicionales, es que Eastwood eligió a este grupo musical, a fin de retratar una época ya pasada, pero brillante a su entender, época que reconoce no volverá más.

El arco temporal es bastante amplio, poco más de treinta años, pero se centra en los primeros tiempos, en los difíciles comienzos del grupo en un barrio italoamericano de Nueva Jersey donde, como dice el protagonista, un joven tenía tres caminos: el ejército, pertenecer a la Mafia o aprovechar y buscar la oportunidad para explotar su talento. Vemos un Frankie  Valli (el cantante del grupo) que privilegia la familia (valor tradicional en la ideología conservadora), un Capo de Mafia paternal y férreo, muy en el tono del Vito Corleone de Francis Ford Coppola (casi se diría su “hermano gemelo”) y un grupo de muchachos con ambición y talento que busca posicionarse en el competitivo mundo del negocio de la música. Reconocimiento que llegará con el ingreso al Salón de la Fama, epílogo a una vida de sacrificio y de errores en el camino, incluyendo la separación del grupo por egos, disputas financieras y ambiciones personales.

Muy apropiado por cierto el punto de vista múltiple del filme, al estilo de Martin Scorsese (Buenos Muchachos, El Lobo de Wall Street), concediéndole un ritmo ágil y más íntimo a lo contado.

Singular musical que demuestra la vigencia y lucidez de Eastwood a sus 84 años.
Eduardo Jiménez J.

ejjlaw@yahoo.es

JERSEY BOYS 
Dir.: Clint Eastwood  
Guión: Marshall Brickman, Rick Elice, basado en su musical       
c/ Vincent Piazza (Tommy DeVito),  John Lloyd Young (Frankie Valli), Steve Schirripa (Vito),
Christopher Walken (Gyp DeCarlo), Johnny Cannizzaro (Nick DeVito), Michael Lomenda (Nick Massi), Erich Bergen (Bob Gaudio)
EEUU/2014/Musical***/Estrenos


martes, junio 24, 2014

PULP FICTION CUMPLIÓ 20 AÑOS

Por: Eduardo Jiménez J.
         ejjlaw@yahoo.es      

Pulp Fiction (Tiempos violentos) cumplió veinte años y los celebra tan fresca y lozana como el día de su estreno.

La cinta de Quentin Tarantino por muchos motivos se volvió referencia obligada e influencia para los debutantes en la realización. Cinta independiente de bajo presupuesto, desde su estreno tuvo elogios que le significaron la Palma de Oro en Cannes y el reconocimiento internacional al entonces joven realizador. Tarantino, de formación autodidacta, cuyos “estudios profesionales” consistieron en el visionado de miles y miles de películas cuando era empleado de una tienda de alquiler de videos, ya había incursionado con un primer largo, Perros del depósito, donde en embrión está lo que sería Pulp Fiction.

Pero, ¿de qué trata Pulp Fiction?

No es una película de la Mafia o del crimen organizado, como sería El Padrino o Contacto en Francia, por mencionar dos clásicos de los años setenta. Tampoco tiene una trama con un desenlace convencional. Más bien presenciamos quiebres en la línea temporal, personajes que muertos a la mitad del filme, “resucitan” hacia el final. Más es un interesante ensayo formal que se sostiene con un mínimo argumento, diálogos intrascendentes y violencia adecuadamente dosificada. Pero si se trata de mantener la línea argumental, esta se sostiene por tres personajes: Vincent Vega, el gángster que viene de Holanda y cuenta sus experiencias liberales con la droga por allá, maneja un carro y viste a la moda de los años sesenta y, por añadidura, no ve televisión. Este papel le valió el regreso por lo alto a John Travolta en su carrera actoral, hasta por entonces un tanto eclipsada. Es memorable su baile de twist con la esposa de su jefe, Marsellus Wallace, “guiño” a su época de bailarín en Fiebre de sábado por la noche. El segundo personaje emblemático es Mia Wallace, la esposa de Marsellus, símbolo del aburrimiento existencial de la post modernidad, que lo cubre con altas dosis de cocaína. Significó el reconocimiento a una desconocida Uma Thurman que, años después, ocuparía el protagónico del díptico Kill Bill. Y el tercero fue el personaje de Butch Coolidge, interpretado por Bruce Willis, en la línea de esos personajes duros que ha caracterizado en la pantalla. Caracterizó a un personaje que pertenece a esa larga lista de boxeadores perdedores, de aquellos que van en busca de la oportunidad dorada y solo encuentran la muerte o el deshonor; solo que esta vez la historia cambia y veremos a un looser que se desquita del destino.

La película no se encuentra en la óptica realista, es una de las primeras de lo que ahora se conoce como post modernidad. Si para los realistas la verosimilitud es un credo, para los post modernos poco importa. Más importante para ellos es la artificialeza y “pasar gato por liebre” sin que el espectador se resista, como hizo el propio Tarantino en una cinta posterior, Bastardos sin gloria, donde cambia nada menos que el final de la Segunda Guerra Mundial.
Tampoco les interesa la estructura argumentativa que desde la época de Aristóteles se aplica escrupulosamente: inicio-nudo-desenlace. Esa estructura es descartada en Pulp Fiction; aunque en cintas posteriores Tarantino ha vuelto al clasicismo argumentativo.

Ese cine post moderno se nutrió de muchos géneros, sin ser seguidor de ninguno. En Pulp Fiction tenemos el cine negro, el de acción, el subgénero de los boxeadores derrotados que, haciendo combinaciones audaces, da como resultado algo distinto. Ese es quizás el gran mérito de Tiempos violentos. Naturalmente para ello se requiere de una gran dosis de cinefilia y de genio narrativo que juegue a alquimista.

Mientras esperamos la anunciada tercera parte de Kill Bill, es propicio regresar a Pulp Fiction y gozar en más de dos horas y media de pura y entretenida pirotecnia. Vale la pena.

PULP FICTION
Dir y Guión: Quentin Tarantino
EEUU/1994/Acción, Thriller****/Dvd/Cine de ayer y hoy
c/ John Travolta (Vincent Vega), Uma Thurman (Mia Wallace), Bruce Willis (Butch Coolidge), Samuel L. Jackson (Jules Winnfield), Ving Rhames (Marsellus Wallace), Quentin Tarantino (Jimmie Dimmick), Harvey Keitel (The Wolf), Tim Roth (Pumpkin / Ringo), Amanda Plummer (Honey Bunny / Yolanda)



martes, junio 17, 2014

EL MUDO

Por: Eduardo Jiménez J.
        ejjlaw@yahoo.es

Con justicia a los hermanos Vega se les ha motejado como “los Coen peruanos” (cariñosamente “los cholens”), dado que ambos intervienen indistintamente tanto en la elaboración del guión como en la dirección. Así también su cine es independiente, no concesivo al facilismo comercial.

Por declaraciones de los propios realizadores, El mudo fue un guión escrito antes de Octubre (su primer largo), solo que no contaban con el presupuesto necesario para la filmación. Gracias a los premios cosechados por Octubre consiguen financiamiento extranjero de distintas fuentes (la productora del realizador mexicano Carlos Reygadas figura entre uno de los socios), lo que les ha permitido cierto respiro financiero, hecho no evidente en su anterior largo.

El juez Constantino Zegarra es un magistrado justo e implacable con el culpable. Sin embargo su actitud ejemplar desentona con el proceder usual de sus colegas jueces del Poder Judicial, por lo que deciden retornarlo a un oscuro juzgado en Mala (en las afueras de Lima). Nadie le da una explicación convincente del brusco cambio, así que entre resignado, confuso y molesto, tiene que ir a su nuevo destino, hasta que una bala perdida se le atraviesa en plena garganta, dejándolo literalmente mudo por haber afectado las cuerdas vocales.

Como trasfondo tenemos la relación familiar del juez Constantino, un matrimonio aburrido que se cae a pedazos, una hija única que no desea estudiar derecho, una relación furtiva con su secretaria de juzgado, un padre juez jubilado que conoce muy bien los engranajes de la administración de justicia y la adoración del juez Constantino a la madre muerta –también jueza- en circunstancias trágicas hace veinte años.

La obsesión del juez -y el hecho que mueve la acción- es conocer quién quiso matarlo (si realmente se trató de un intento de asesinato). Al final nunca descubrirá al autor del atentado.

Esta vez los hermanos Vega han logrado redondear una historia un tanto difícil y absurda (la deuda con Kaurismaki sigue siendo evidente) gracias a la notable participación de Fernando Bacilio como el juez Constantino y a los demás secundarios que dan la talla. La verdad que merecidos los premios que ha recibido Bacilio: su angustia, sin decir palabra, se trasluce por su registro corporal y mímico.

Igualmente notable la ambientación de cómo funciona la justicia en nuestro país. En pocos trazos o frases han dicho más que mil imágenes o mil palabras: juzgados atiborrados de expedientes, jueces venales e intereses de arriba y abajo por “torcer” la justicia. Igualmente precisa la descripción del mundo de la policía y “los incentivos” necesarios para que cumplan con su función.

Quizás sin querer los Vega han elaborado el mejor retrato de lo mal que anda la justicia en nuestro país. La imagen final del baile -donde todos pertenecen en uno u otro sentido a la administración de justicia- dice mucho de ese espíritu de cuerpo para lavar las culpas; mientras Constantino baila solo –en su imaginación- al lado de su madre, su emblema de una “justicia justa” pero que por desgracia se encuentra muerta. Sencillamente magistral.


EL MUDO 
Dir: Daniel y Diego Vega
Guión: Manuel Arias, Daniel y Diego Vega
c/ Fernando Bacilio, Norka Ramírez, Lidia Rodríguez, Ernesto Ráez, Augusto Varillas, Juan Luis Maldonado, José Luis Gómez
Perú/2014/Comedia dramática****/Estrenos


jueves, junio 12, 2014

VIAJE A TOMBUCTÚ

Como otros noveles realizadores, Rossana Diaz Costa tuvo que remontar mil escollos y acogerse a cuanto premio e incentivo estatal existe, para ver terminada su película.

Ana y Lucho son dos jóvenes que se conocen desde niños. El barrio de clase media La Punta será testigo de sus andanzas infantiles y el posterior nacimiento del amor. Pero, les toca vivir la difícil década de los ochenta, donde se juntó al mismo tiempo el terrorismo, la hiperinflación y el desgobierno. Fueron los años terribles del primer gobierno de Alan García, donde daba la impresión que el país no era viable y dio lugar a las grandes oleadas migratorias –que se refleja muy bien en la película con los amigos que se van-. Se calcula en un millón la cifra de peruanos que se marchó del país en aquellos años.

Curiosamente otra película nacional estrenada pocos años atrás, Las malas intenciones,  igualmente una ópera prima, tenía como telón de fondo también los años ochenta, aunque desde una óptica más bien intimista y lúdica. Viaje a Tombuctú pretende ser más un recuento generacional, específicamente de una clase media capitalina que pudo sobrellevar más o menos los estragos del terrorismo y hacer una vida digamos “normal” (enamorarse, estudiar en la universidad, viajar).

Evidentemente la película tiene elementos autobiográficos. En cierta forma el personaje de Ana es el alter ego de la directora, lo cual no es censurable, siempre y cuando se sepa aprovechar para la puesta en escena. A veces esta adolece de cierta repetición o cierto mecanicismo inexpresivo, que se verbaliza pero no se traduce en imágenes o interpretaciones. En fin, son cosas superables en un segundo largo. La dramatización llega al cenit cuando es detenido el bus en la carretera en plena oscuridad y se llevan a Lucho por no portar documentos. Excelente la tensión dramática que dará lugar al desenlace final. Quien recuerde los años del terror sabe muy bien como se llevaban a sospechosos de ser terroristas por el color de piel (preferentemente andinos o mestizos) o por no portar el documento de identidad.

Si bien por momentos el filme “desfallece”, compensa en cierta medida con la banda sonora. Realmente el soundtrack de la época es otro personaje más; y sin ser una película “notable”, Viaje a Tombuctú vale la pena ver.
Eduardo Jiménez J.

ejjlaw@yahoo.es

VIAJE A TOMBUCTÚ
Dir y Guión: Rossana Diaz Costa
c/ Matilda Martini, Flavio Espinosa, Andrea Patriau, Jair García, Julio Palomino, Mónica Rossi, Élide Brero, Enrique Victoria
Perú/2014/Drama***/Estrenos


martes, junio 03, 2014

GODZILLA

Godzilla es quizás el monstruo más querido y popular –junto a King Kong- desde el ya lejano 1954 que lo dio a conocer (se dice que era una metáfora sobre los horrores nucleares en Hiroshima y Nagasaki, bastante frescos en aquel entonces). Se sucedieron varias secuelas que dieron cuenta de su amplia aceptación y una versión norteamericana de 1998 que no fue muy buena.

Esta vez ha recobrado su esencia “japonesa” a fin de regresar a sus orígenes. Tratada como una película de búsqueda y destrucción, el atractivo –ayudado por el digital- son las luchas entre Godzilla versus los otros monstruos, donde al final obviamente gana Godzilla.

Sin buscar ninguna pretensión de originalidad, a tal punto ha sido vista en distintos países –y asegurado de paso lo invertido- que se anuncia una segunda parte. La esperaremos.
Eduardo Jiménez J.

ejjlaw@yahoo.es

GODZILLA 
Dir: Gareth Edwards
Guión: Max Borenstein
c/ Aaron Taylor-Johnson (Ford Brody), Ken Watanabe (Dr. Ishiro Serizawa), Juliette Binoche (Sandra Brody), David Strathairn (Admiral William Stenz)
EEUU/2014/Acción, fantástico***/Estrenos


lunes, junio 02, 2014

LAS VUELTAS DEL DESTINO

En una familia del medio oeste norteamericano, el padre se ha quitado la vida, dejando a una viuda inestable emocionalmente, que depende de los calmantes, convocando a su vez a las hijas –que ya son independientes-, a los esposos de estas y demás parentela, originando una suerte de “caja de Pandora” y tensiones y secretos inconfesables entre los protagonistas.

Estamos ante un drama familiar que se convierte hasta en infierno, con un catalizador encarnado en el personaje de Violet, la viuda que conflictúa a sus propias hijas hasta hacerlas huir de su presencia. En el interior, las otras tensiones que se van generando por cada historia particular: la de Barbara y la separación con su esposo, la de Ivy y su amor por su primo hermano (que al final se revelará, en un tinte melodramático bastante cargado y a la usanza de las novelas decimonónicas, que son medios hermanos), y la de Karen, buscando la felicidad en una nueva y esporádica pareja.

Lo que vemos es que todas esas historias cargan una frustración que las hace naufragar o el naufragio ya es inminente. Si bien se nota la fuerte carga teatral que conlleva la adaptación del guión, no por ello deja de ser interesante, sin ser original. Película de fuertes actuaciones, donde Meryl Streep se lleva la palma (a veces sobreactuando); pero la sorpresa fue Julia Roberts, en un rol diferente en sus cuarenta bien llevados, mostrando un registro más rico que aquel ya lejano de Mujer bonita.
Eduardo Jiménez J.

ejjlaw@yahoo.es

LAS VUELTAS DEL DESTINO  [August: Osage County]
Dir: John Wells
Guión: Tracy Letts, basado en su obra de teatro
c/ Meryl Streep (Violet Weston), Julia Roberts (Barbara Weston), Chris Cooper  (Charlie Aiken), Ewan McGregor (Bill Fordham), Margo Martindale     (Mattie Fae Aiken), Sam Shepard (Beverly Weston), Julianne Nicholson (Ivy Weston), Juliette Lewis (Karen Weston), Benedict Cumberbatch   (Little Charles Aiken)
EEUU/2013/Drama***/Estrenos


viernes, mayo 23, 2014

OLDBOY: DÍAS DE VENGANZA


Salvo para los cinéfilos, Spike Lee es un realizador poco conocido en nuestro medio. A caballo entre el cine y la televisión, su obra más conocida es la biopic de 1992 sobre Malcolm X. Esta vez nos trae el remake del filme de culto del mismo nombre de Chan-wook Park, por lo que la valla era bastante alta.

Siguiendo las líneas argumentales del original, la historia se traslada a Estados Unidos, donde Joe Doucett es misteriosamente secuestrado y pasa recluido veinte años, hasta que misteriosamente también es liberado, para cumplir su ritual de venganza.

La cinta tiene tres partes claramente marcadas: el inicio, donde se nos presenta a Joe, un tipo de pocos valores y muchos enemigos, adicto a la bebida y a las mujeres. La segunda parte es el cautiverio y como Joe se va trasformando tanto física como espiritualmente. La tercera es la venganza. A ello se puede añadir un corto desenlace.

La parte más interesante es la de la venganza y las coreografías de las secuencias de acción, con un estilo seco y cortante. No revelamos el final, pero es digno del desenlace.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

OLDBOY: DÍAS DE VENGANZA [Oldboy]   
Dir: Spike Lee
Guión: Mark Protosevich, basado en el manga de Garon Tsuchiya y Nobuaki Minegishi
c/ Josh Brolin  (Joe Doucett), Elizabeth Olsen (Marie Sebastián), Sharlto Copley (Adrian/
The Stranger), Samuel L. Jackson (Chaney), Michael Imperioli (Chucky)
EEUU/2013/Acción, thriller***/Estrenos





sábado, mayo 17, 2014

A LOS 40

Bruno Ascenzo se hizo conocido por su actuación en el filme Mañana te cuento de Eduardo Mendoza y la menos lograda segunda parte. Comedias de adolescentes en el despertar sexual. Esta vez lo tenemos tras las cámaras, en su opera prima como director.

Las comedias de reencuentro tienen el encanto de jugar con las historias de los personajes algunos años después. Lo que hicieron, lo que no hicieron, los ajustes de cuenta pendiente. Bien trabajada permite construir un pequeño cosmos de sicologías y de relaciones sociales.

El reencuentro del colegio, veinticinco años después, es un motivo interesante. Tenemos aquellos personajes que lograron “la fama” como el de Johanna San Miguel, aquellos que lograron no traicionar su forma de ser, incluyendo su opción sexual, como el de Gianella Neyra, y a los que a costa de una represión de su pasado alcanzaron una cómoda posición económica, como el de Sofía Rocha. Están los que viven más modestamente como la “modelo de órganos” que interpreta Wendy Ramos o la tranquila ama de casa de Katia Condos. Filme cuyos protagónicos son mujeres, hecho insólito en nuestra tradición fílmica y mucho más si el director es hombre. Como que todavía existe un “pudor” para ingresar a un mundo más complejo quizás que el de los hombres. En pocas palabras, había material de sobra para una buena película sobre la Generación Pandora (estaba de moda ese grupo musical cuando cursaban los personajes sus estudios escolares), y también la generación del terror, de los que sufrieron siendo niños o adolescentes la violencia del terrorismo.

Lamentablemente el resultado deja mucho que desear. Se apostó por el gag fácil y a veces hasta exagerado, recayendo por supuesto en Carlos Alcántara que, teniendo un personaje secundario, ocupa por obvias razones comerciales el de un protagónico, desentonando el conjunto y eclipsando a las demás historias y al desarrollo de la trama. La situación de enredos a causa de los bizcochos con marihuana era ingeniosa, pero se “estiró” en tiempo y metraje innecesariamente.

Si bien existe mucha profesionalidad en la realización, no llega al nivel de Asu mare. Es bueno que Tondero Films siga apostando por el cine comercial, pero requiere un mínimo deseable margen de calidad. Esperemos que el próximo proyecto sea mejor.
Eduardo Jiménez J.

ejjlaw@yahoo.es

A LOS 40
Dir y Guión: Bruno Ascenzo
c/ Wendy Ramos, Carlos Alcántara, Gianella Neyra, Katia Condos, Johanna San Miguel, Sofía Rocha, Andrés Wiese, Lali Espósito, Carlos Carlín, Stefano Salvini
Perú/2014/Comedia**/Cine/Estrenos


sábado, mayo 03, 2014

LA GRAN BELLEZA

El periodista Jep Gambardella acaba de cumplir 65 años. De joven escribió una única  y gran novela que dio mucho que hablar, luego se dedicó a las crónicas sociales, donde es muy respetado y temido, y dejó la literatura. Siente un vacío existencial y como una deuda pendiente con él mismo. Vamos a ir del tiempo presente al pasado, conoceremos personajes muy peculiares en su forma de ser, muy fellinescos.

Y es cierto. Como que Ocho y medio, La dolce vita y las grandes bacanales de El Satiricón están allí presentes; pero como alguien apuntó, también están Rossellini  y el Visconti de El gatopardo, describiendo un mundo caduco, que se perderá en la noche del tiempo, y otros grandes de la cinematografía italiana, muy bien asimilada por el director.

¿De qué trata las casi dos horas y media de la película?

De la nada, de lo vacío y fatuos que somos los seres humanos. Como dice el personaje principal aludiendo a una colega: si Flaubert la hubiese conocido habría escrito esa gran novela sobre la nada que tanto anhelaba escribir. O, como ya se dijo más religiosamente, se inspira en el inicio del Eclesiastés: todo es vanidad en el hombre. Sí, hasta la penitencia de “la Santa”, queriendo subir de rodillas las enormes escaleras de un templo.

Pero también hay otra presencia que se menciona tangencialmente: Marcel Proust. Como el autor de En busca del tiempo perdido, el personaje de La gran belleza se dedica a las crónicas sociales, trabaja de noche y duerme de día, su vida trascurre de fiesta en fiesta; y como Proust va a realizar una gran reconstrucción de ese mundo de oropel, quizás esa gran novela que le faltó escribir, como sugiere el final. Reconstruir ese tiempo perdido y trasformarlo en arte.

La gran belleza ganó el Oscar a mejor película extranjera el 2014. Pero no hubiese sido posible sin la magnífica actuación de Toni Servillo que hace totalmente verosímil al personaje. Ojalá eso anime a algún distribuidor a traer la cinta para apreciarla en pantalla grande; que, más allá de algunas afectaciones formales, merece verse.
Eduardo Jiménez J.

ejjlaw@yahoo.es

LA GRAN BELLEZA [La grande bellezza]
Dir: Paolo Sorrentino
Guión: Paolo Sorrentino y Umberto Contarello
c/ Toni Servillo (Jep Gambardella),  Carlo Verdone            (Romano), Pamela Villoresi  (Viola), Galatea Ranzi            (Stefania), Carlo Verdone (Romano), Sabrina Ferilli (Ramona), Giovanna Vignola (Dadina), Giusi Merli (la Santa), Fanny Ardant (como ella misma)
Italia/2013/Comedia dramática****/Las que nunca se estrenaron


sábado, abril 26, 2014

LA CARA DEL DIABLO

Al igual que Daniel Rodríguez con El vientre, Frank Pérez-Garland decide emprender una película “de género”. En buen romance, el uso de una fórmula (de terror, suspenso, romance, comedia) que permita una captación de público masivo. Lo cual no es censurable, ni debe ser mal visto. Existen excelentes filmes “de género”, superiores a muchos “de autor” (de donde procede la experiencia de Pérez-Garland). La única forma de poderse reencontrar con un público masivo es con películas que sean atractivas para la mayor cantidad de espectadores y, seamos sinceros, ello solo se logra con películas “de género”. Y, por añadidura, consolidar una industria nacional de cine solo se consigue produciendo películas de este tipo (sin menoscabo de los filmes más personales que se puedan hacer apoyados casi siempre por el estado).

El argumento de La cara del diablo gira en torno al mito del tunche, suerte de demonio de la selva que anuncia su presencia a la víctima con un silbido muy agudo. Como es de esperarse, un grupo de jóvenes universitarios pasa sus vacaciones en un lugar ignoto y paradisíaco de la selva, desconociendo el peligro que los rodea, muriendo uno a uno a manos del demonio selvático. Como sucede también, tenemos uno de los personajes que es atípico por alguna razón. Es el personaje de Lucero, cuya madre (interpretada por Vanessa Saba) fue poseída por un demonio y sometida a exorcismo por el padre de la muchacha.

Lo que quizás lastra la cinta es la excesiva cantidad de efectos que, sin mucha creatividad, mecánicamente se utilizan para crear la atmósfera de terror y “la eliminación” de los personajes; el poco desarrollo de algunos personajes secundarios que, de haberles otorgado más hondura, serían más interesantes, como el del encargado del hotel que es responsable de haber invocado al demonio; y, en lo técnico-formal, la copia bastante “lavada” que no deja apreciar bien los colores, más tratándose de parajes de la selva, producto de la mala trasferencia en el laboratorio del digital a las copias analógicas. Si bien una película nacional no se puede dar el lujo de los presupuestos de Hollywood, es evidente que para el rodaje y la post producción –incluyendo efectos especiales- faltó presupuesto. Aciertos: el haber convertido al personaje más inocente y frágil como el de Lucero en la poseída por la propia madre y única sobreviviente de la matanza, lo cual puede dar pie para una segunda parte.

En fin, “la moraleja” es que tan complicado y difícil es hacer una película “de género” como una “de autor”; y que el aplicar ciertas fórmulas no es garantía de éxito ni aquí ni allá. Vale el experimento, esperemos que el próximo sea mejor.
Eduardo Jiménez J.

ejjlaw@yahoo.es

LA CARA DEL DIABLO
Dir: Frank Pérez-Garland
Guión: Vanessa Saba
c/ Vania Accinelli (Lucero), Sergio Gjurinovic (Gabriel), Vanessa Saba (Mamá), Alexa Centurion (Camila), Maria Fernanda Valera (Fabiola), Nicolás Galindo (Mateo), Carla Arriola (Paola), Guillermo Castañeda (Pablo)
Perú/2014/Terror**/Estrenos


jueves, abril 10, 2014

NOÉ


Darren Aronofsky tiene muy buenos títulos como El Luchador, otros francamente fallidos como La fuente de la vida, y unos geniales como Réquiem por un sueño. Pero fue gracias al éxito que le trajo El cisne negro que consigue un presupuesto de superproducción para un proyecto ambicioso y arriesgado: una versión contemporánea de Noé y el diluvio universal; y el resultado está a medio camino, con un sabor que no deja contento a nadie, incluyendo por igual a católicos y musulmanes.

El asunto va por el lado histórico. Tanto por el relato bíblico, como por las películas que Hollywood ha producido sobre el diluvio universal, tenemos una idea pre-concebida de “lo que debió ser” el diluvio, con un Noé medio estrafalario, del cual todos se burlan mientras él pacientemente va levantando su arca. Y entramos al cine con la creencia que nuestra idea es “la verdad histórica”; obviando que el filme es una ficción y por tanto se permite una serie de licencias tanto en el personaje como en el contexto.

Es que contemporizar el relato del diluvio universal supone ponerlo a tono con nuestras preocupaciones actuales; de allí que vemos un Noé con un look más de guardián ecológico que de profeta bíblico (incluyendo el uso de blue jeans, sí, lo leyó bien, jeans). Pero también supone acercar al hombre y dejar el mito, lo que implica un ser contradictorio, con dudas y certezas, como cualquier mortal. Incluso en un momento se presenta la faceta del Noé totalitario e infanticida que, cuchillo en mano, trata de imponer su “verdad revelada” cueste lo que cueste. Y, como todo ser humano, falla en el objetivo final de su misión. Los resultados nunca serán los esperados, el fracaso siempre está a la vuelta de la esquina. Se hizo lo que se pudo, parece decirnos nuestro personaje.

Quizás esa lucha entre lo que es y lo que se espera ser se grafica mucho mejor en el antagonismo entre Tubal-cain y Noé. Uno se sabe que es de barro y viene del barro, es un hombre y no aspira a más; mientras el otro sabiendo que viene del mismo barro, quiere elevarse por encima de el. Esa contradicción la tenemos todos, solo que unos están más cerca del suelo, como los descendiente de la raza de Caín, y otros, los menos, hacen méritos para elevarse, con riesgo a caer en cualquier momento. Tarea difícil y a veces imposible.

Detrás de ello se encuentra impregnada la filosofía que sostiene que el ser humano es malo por naturaleza. La maldad del mundo que vemos en el filme lo demuestra muy bien. La novedad es que el bien busca trasformar esa maldad. De allí que el bien es una tarea ardua, difícil, llena de peligros y caídas, como lo evidencian los graves trances que pasa el personaje bíblico; mientras el mal fluye con naturalidad. Con este nacemos, el otro significa una reeducación permanente del hombre.

Se debe agradecer que no se usara la voz en off para que Noé “converse” con El Creador (se le llama así en la película, no Dios o Yavé), como era usual en las viejas películas con Charlton Heston, donde Dios conversaba con su profeta con voz grave e imperiosa. Los sueños premonitorios sirven para revelar lo que sucederá después (esa visión subjetiva de las cosas es un rasgo típico en el estilo de Aronofsky). Igual sucede con la inclusión de Los Guardianes, los ángeles caídos en la tradición bíblica, suerte de Transformers del mundo antiguo y venia al público adolescente.

Como se aprecia, esta versión de Noé ha significado hacer muchas concesiones al relato original, deviniendo casi casi en un Noé heterodoxo. Quizás por ello muchos espectadores que iban por la versión clásica de semana santa se han sentido decepcionados y más de uno abandonó la sala antes de finalizar la función. No se asemeja a las versiones que hemos visto tantas veces en las películas sobre La Biblia.

Y si bien Noé es irregular, al final el saldo es positivo. Es mejor dejarse llevar por el relato, sin prejuzgarlo.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

NOÉ [Noah] 
Dir: Darren Aronofsky
Guión: Darren Aronofsky, Ari Handel
c/  Russell Crowe (Noah), Jennifer Connelly (Naameh), Ray Winstone (Tubal-cain), Anthony Hopkins (Methuselah), Emma Watson (Ila), Logan Lerman (Ham), Douglas Booth (Shem), Nick Nolte (Samyaza), Leo McHugh Carroll            (Japheth)
EEUU/2014/Épica religiosa***/Estrenos



lunes, abril 07, 2014

MACHETE KILLLS

Hacia el 2007 Robert Rodriguez estrena junto a su “carnal” Quentin Tarantino, Grindhouse, que rendía tributo a las viejas películas de bajo presupuesto y actores desconocidos que en los años 60-70 se estrenaban en lo que nosotros denominamos “cines de barrio”, siendo el costo de la entrada dos por el precio de una, atractivo “gancho” para los cinemeros en una época donde no existían ni remotamente los reproductores de películas caseros.

Eran filmes de acción, con dosis de sexo, pistoletazos y escenas poco creíbles y de poca lógica pero que entretenían, donde por supuesto “el bueno” se salvaba de todas las trampas que “el malo” le ponía, quedándose al final con la chica, suerte de “premio” al ganador. 

En Grindhouse, en el segmento que le correspondía a Robert Rodríguez, se visualiza un “trailer” (lo que era usual en este tipo de películas), del siguiente estreno titulado Machete. Un ex agente mexicano de narcóticos, duro e implacable, pierde a su familia, buscando la venganza contra los autores del crimen. Machete recién se estrenó el 2010 y su continuación, Machete kills, el 2013. Está en veremos si estrena la continuación ya anunciada en el “trailer” (esta entrega es un “puente” para una resolución posterior), en vista que la taquilla le ha sido esquiva.

Y muy probablemente le fue esquiva porque en cuarenta años el espectador ha cambiado. Ya no es tan “inocente” como antes para aceptar tácitamente que lo visto en la pantalla puede ser “verdad”, a pesar de ser totalmente disparatado. No obstante que era parte del código del género este supuesto pre-establecido que al héroe no le entraban balas ni por rasguño o podía respirar sin tanque de oxígeno en pleno espacio exterior. Hemos visto tantas cosas “realistas” en cine y tv en los últimos cuarenta años que eso ya nos parece “ingenuo”.

Y ello lo sabe muy bien Rodríguez, que hace varios “guiños”, como diciendo que no se tomen tan en serio lo que ven, que todo es una broma, como el anuncio de estrellas de primer nivel en la continuación, guiños que también hacen alusión explícita al episodio 5, El imperio contraataca, de La guerra de las galaxias.

Pero, valgan verdades, Machete kills mereció un mejor reconocimiento, nos hizo retrotraer a una época ya sepultada en el pasado.
Eduardo Jiménez J.

ejjlaw@yahoo.es

MACHETE KILLLS
Dir.: Robert Rodriguez          
Guión: Kyle Ward
c/ Danny Trejo (Machete), Mel Gibson (Voz), Demian Bichir         (Mendez), Amber Heard (Miss San Antonio), Michelle Rodriguez (Luz), Sofía Vergara (Desdemona), Charlie Sheen (Mr. President), Lady Gaga, Cuba Gooding Jr., Antonio Banderas
EEUU/2013/Acción***/Estrenos