MEDIANOCHE EN PARÍS

En la “etapa europea” de Woody Allen, esta vez le tocó a París ser el escenario y, si es París, recordar los años 20 en que “era una fiesta”. Gil (Owen Wilson) vive una crisis existencial, debiendo escoger entre dos caminos: el continuar como un cotizado guionista con un próximo matrimonio convencional con Inez, o sumergirse de lleno en su verdadera vocación de novelista. Aparentemente las cartas las tiene en contra, hasta que “por arte de magia” se ve trasportado al París de los años 20 y conoce a los íconos de aquella época por los que tanta devoción profesa: Ernest Hemingway, Fitzgerald, Cole Porter, Picasso, Dalí, Buñuel, toda una pléyade de artistas que confirmarán su verdadera vocación. Y como no puede suceder de otro modo en “la ciudad del amor”, comenzará un nuevo romance, más auténtico que el anterior.

Estamos de nuevo ante la comedia del absurdo (los “saltos en el tiempo”), cosa que Woody ya había hecho antes (La rosa púrpura del Cairo, con la que guarda cierta relación), solo que más ambiciosa y elaborada, manteniéndose con un pie en la comedia romántica. Lo verosímil es la puesta en escena que permite que la película “no se caiga”, lo que Allen como viejo artesano trabaja con gran habilidad. También la actuación de Owen Wilson, muy en caja en el rol del escritor ante un dilema existencial, encarnando a una suerte de alter ego del director. Y, como sucede a cierta altura de la vida, el mensaje del filme es que “todo tiempo pasado fue mejor”.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

MEDIANOCHE EN PARÍS [Midnight in Paris]
Dir y guión: Woody Allen
c/ Owen Wilson (Gil), Rachel McAdams (Inez)
EEUU/2011/Comedia***/Estrenos

MALAS ENSEÑANZAS

Bad teacher toca una denuncia real que ocurre en las escuelas norteamericanas: los profesores dan las claves de los exámenes estatales a sus alumnos a fin de ganar un bono de obtener estos altas calificaciones.

Naturalmente que en clave de comedia como todas las situaciones que le van ocurriendo a la protagonista (como “los incentivos” que Elizabeth pide no tan disimuladamente a los padres de familia a fin de “esmerarse mejor” en la educación de sus retoños). Por lo demás la historia ya fue vista en el cine innumerables veces: la del personaje que no vive su profesión o la vive a desgano, hasta que “descubre su vocación” y el ser auténtico que tiene dentro de si, más allá de los convencionalismos o la sociedad de consumo. En el caso de Elizabeth solo busca “atrapar” un novio con fortuna, hasta que los sinsabores de la vida le descubren su verdadero yo, dejando de lado las apariencias (como la implantación de siliconas en los senos para verse más sensual).

Existe otro detalle que ha sido tratado muy bien en la película: las “puñaladas por la espalda” entre colegas y la hipocresía que se vive al interior de los centros laborales, donde todo es sonrisa de los labios afuera y por dentro anidan verdaderos monstruos.

Interesante, aunque irregular comedia. Tiene buenos momentos, pero no apostó por la irreverencia sino por lo “políticamente correcto”, con mensaje ejemplificador al final, tocando solo oblicuamente los males de la educación en Norteamérica (la verdad están peor que la educación del Sutep). Sobre Cameron Diaz, conforme pasan los años, como el vino, cada vez está mejor.

Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


MALAS ENSEÑANZAS [Bad Teacher]

Dir: Jake Kasdan

Guión: Gene Stupnitsky, Lee Eisenberg

c/ Cameron Diaz (Elizabeth Halsey), Lucy Punch (Amy Squirrel), Jason Segel (Russell Gettis), Justin Timberlake (Scott Delacorte)

EEUU/2011/Comedia***/Estrenos

LA DOBLE VIDA DE WALTER

Lo asombroso de esta película, con la que Jodie Foster regresa a la dirección después de largos años, es que pese a “combinar” géneros y atmósferas, “no se cae”. Para el espectador resulta verosímil lo que ve. Porque a veces la situación es dramática, otras trágica, y gran parte del tiempo linda con la comedia del absurdo. Con la historia del hombre maduro (Mel Gibson en extraordinaria performance) sumido en una profunda depresión que lo aísla de los demás miembros de su familia y trabajadores de su empresa, que logra romper el cerco de incomunicación a través de una marioneta en forma de castor (de allí el título original), realizando una vida aparentemente normal mientras tiene a la marioneta en la mano y “habla por él”, volviéndose a tal punto adicto que ni siquiera puede tener relaciones sexuales sin ella en el brazo.

Es cierto que la historia de The beaver tiene un aire bastante parecido al primer largo como director de Robert Redford, Gente como uno (Ordinary people, 1980). La historia del miembro de la familia que intenta suicidarse, sumido también en una profunda depresión, la disfuncionalidad y tensión que produce el hecho en el seno del hogar y el “final feliz” del drama. Pero, más allá de esas cuestiones, lo cierto es que Jodie Foster quiso tratar en The beaver un problema bastante común en Estados Unidos: el de las personas que sufren profunda depresión, impidiéndoles ejercer una “vida normal” en la familia, los estudios, los negocios o el trabajo.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

LA DOBLE VIDA DE WALTER [The Beaver]
Dir: Jodie Foster
Guión: Kyle Killen
c/ Mel Gibson (Walter Black), Jodie Foster (Meredith Black), Anton Yelchin (Porter Black)
EEUU/2011/Drama***/Estrenos

SUPER 8

Super 8 tiene el encanto de esas películas spielbergnianas de hace treinta años atrás. Es más, parece que Steven Spielberg la hubiese rodado. Los “guiños” a Encuentros cercanos…, Los goonies, ET o hasta Tiburón son más que evidentes.

Pero, J.J. Abrams creo es lo bastante inteligente como para “copiar” viejas películas exitosas. Más parece un homenaje al gran realizador que una vulgar copia. Homenaje a ese cine que ponía los efectos especiales al servicio de la historia y los personajes, y no al revés como es frecuente en estos tiempos de arte digital.

Como un “deja vu” Super 8 es atractiva. Como un recuerdo de épocas mejores del cine norteamericano.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

SUPER 8
Dir y guión.: J.J. Abrams
c/ Joel Courtney (Joe Lamb), Kyle Chandler (Jackson Lamb), Elle Fanning (Alice Dainard)
EEUU/2011/CF, misterio/Estrenos

EL PLANETA DE LOS SIMIOS: (R)EVOLUCIÓN

En 1968 se estrenó “El planeta de los simios”, un filme dentro del género apocalíptico (o llamado también “distopía”) que, siendo fiel a la novela, planteaba una civilización simia, considerando a los hombres como animales carentes de derechos y de razón. Una suerte de “mundo al revés” que ironizaba sobre la tesis del hombre como centro del universo. La película tiene un final pesimista, inmortalizado en la famosa escena de Charlton Heston frente a una derrumbada estatua de la libertad, renegando de la especie humana, escena trágica de claro acento shakespiriano.

Pese a que el original de El planeta de los simios se hizo con recursos limitados y en una época en que los efectos especiales eran sobretodo mecánicos y de maquillaje, es la mejor de todas, incluyendo a las cuatro películas posteriores a que dio origen en la década del setenta, así como al remake que años después realizó Tim Burton.

Esta vez Rise of the Planet of the Apes nos remite a una reescritura de los comienzos, del inicio. En la saga setentera, muy acorde con la época, la desaparición del hombre se debió a una guerra nuclear, lo que posibilitó el surgimiento de la civilización simia. Esta vez se trata de una “enfermedad de laboratorio”, producto de la manipulación genética, en sintonía con los tiempos que vivimos, lo que producirá una pandemia en la especie humana, ayudando al ascenso de los simios (como expresa el título original). También ha cambiado el planteamiento de la evolución de la inteligencia simia. Ya no sería producto de la propia evolución (como fue en los homínidos millones de años atrás), sino fruto de un medicamento que permite multiplicar las neuronas. Subyace la tesis del hombre que paga las consecuencias de jugar a ser Dios.

Son actualizaciones, así como la rapidez con que “evoluciona” la inteligencia de César, signo de los tiempos instantáneos que vivimos y, por supuesto, los impresionantes efectos especiales, imposibles hace cuarenta años atrás. No plantea un pesimismo filosófico tan marcado como la película original, ni tampoco una aventura rocambolesca a lo Tim Burton, pero la idea central se mantiene, dejando en suspenso una más que probable continuación.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

EL PLANETA DE LOS SIMIOS: (R)EVOLUCIÓN [Rise of the Planet of the Apes]
Dir: Rupert Wyatt
Guión: Rick Jaffa, Amanda Silver, basado en los personajes de la novela "La planète des singes" de Pierre Boulle
c/ James Franco (Will Rodman), Freida Pinto (Caroline Aranha), John Lithgow (Charles Rodman), Andy Serkis (César)
EEUU/2011/CF***/Estrenos

UN ASESINO DENTO DE MI

El “encanto” de la película se encuentra en el propio descubrimiento del personaje como asesino. Ambientada en un pueblito de Texas hacia los años 50, Lou es “el chico bueno”, incapaz de matar una mosca, asistente del sheriff, próximo a contraer matrimonio con una chica de la localidad (Amy), tiene un futuro definido como el próximo sheriff de un aparente pueblo tranquilo, hasta que conoce a Joyce, una prostituta que le abre a un mundo de oscuridad y placer que ni el mismo se lo imagina, desencadenando una serie de crímenes coronados con su propia destrucción.

Como dice la voz en off del personaje, en esos pueblos pequeños donde todos creen conocer a todos y donde se pueden esconder las historias más sórdidas, se revela un asesino que pasa como el más normal de los habitantes, hasta que se le presenta la oportunidad de revelar su otro yo, su lado más oscuro.

Casey Affleck se descubre como un actor sobrio, contenido y que “encaja” a la perfección en el papel. Brillante film que revive la saga de cine negro en todo su esplendor.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

UN ASESINO DENTO DE MI [The Killer Inside Me]
Dir: Michael Winterbottom
Guión: John Curran, basado en la novela de Jim Thompson
c/ Casey Affleck (Lou Ford), Kate Hudson (Amy Stanton), Jessica Alba (Joyce Lakeland), Ned Beatty (Chester Conway), Elias Koteas (Joe Rothman), Tom Bower (Sheriff Bob Maples)
EEUU/2010/Thriller***+/Estrenos

LAS LOCAS AVENTURAS DE CAPERUCITA ROJA PARTE 2

Si bien esta versión de Caperucita Roja nació bajo la sombra de Shrek, dándole una vuelta de tuerca a los clásicos cuentos de hadas, tuvo una aceptable primera versión, donde teníamos a una Caperuza bastante aventajada, una abuela que practica deportes extremos y un lobo medio torpe y cobardón, así como un Conejo villano. Le sucede lo mismo que a la saga del ogro verde: es un poco más de lo mismo. Esta vez toma como villanos a Hansel y Gretel en una disparatada aventura que esperemos sea la última de la saga.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

LAS LOCAS AVENTURAS DE CAPERUCITA ROJA PARTE 2 [Hoodwinked Too! Hood VS. Evil]
Dir: Mike Disa
Guión: Cory Edwards
Voces originales: Glenn Close (Granny Puckett), Hayden Panettiere (Red Riding Hood), Patrick Warburton (The Big Bad Wolf), Joan Cusack (Verushka the Witch)
EEUU/2011/Animación**/Estrenos

LINTERNA VERDE

La DC Comics no se podía quedar atrás en esta vertiginosa carrera por llevar al cine a los héroes de los comics más populares y, mientras prepara el relanzamiento de Superman, nos trae a Linterna Verde. A diferencia del hombre de acero, los superpoderes no vienen con él, sino son a causa de un anillo y una linterna. Existe, subyacente, cierta ritualidad mágica de donde emana su poder, lo cual atrae nuestra parte más primitiva. Naturalmente sin el anillo es un mortal vulnerable como cualquier otro.

Esta primera entrega nos cuenta los inicios, actualizando la historia al tiempo presente. Se deja ver, busca solo entretener, no existe un lado oscuro o sombrío como en las últimas entregas de Batman, sino que va más a las raíces del comic original, por lo que “respira” cierta ingenuidad propia de otras épocas. Quizás por eso no ha tenido tanta aceptación de público (aparte de la fuerte competencia de blockbusters en el presente verano del hemisferio norte), lo que haría peligrar la continuación de la franquicia, pese a que una de las últimas escenas anticipa una continuación. En fin, esperemos que Linterna verde tenga un mejor futuro.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


LINTERNA VERDE [Green Lantern]
Dir.: Martin Campbell
Guión: Greg Berlanti y otros, basado en los caracteres de la historieta de DC Comics
c/ Ryan Reynolds (Hal Jordan/Green Lantern), Blake Lively (Carol Ferris), Peter Sarsgaard (Hector Hammond), Mark Strong (Sinestro), Tim Robbins (Hammond)
EEUU/2011/Fantasía***/Estrenos

TRISTE SAN VALENTÍN

Dean y Cindy son una joven pareja que contrae matrimonio por el embarazo de ella (aunque ella no está segura si es hijo de Dean o de otro novio con el cual tiene relaciones en paralelo). Ambos renuncian a sus sueños más preciados, ella ser médico (se “contenta” con ser enfermera) y él dedicarse a la música, para trabajar en algo que le permita ingresos. Más o menos son los datos que vamos conociendo de la pareja que sufre el inevitable fin del amor. Triste San Valentín o Blue Valentine narra la historia en dos tiempos: el presente, con el inevitable deterioro de la relación conyugal, hasta su triste final; y en montaje alterno, el pasado, aproximadamente seis años atrás, con la historia de “los inicios” de la relación, cómo se conocen, el enamoramiento y las razones que los llevan a contraer matrimonio.

La “lección” de esta sobria y magnífica película (se centra básicamente en las actuaciones) es que a contrapelo de las historias de amor que terminan con el clásico “y vivieron felices”; Blue Valentine nos dice que el amor se acaba, que no existen los amores eternos, que como dice la clásica canción “todo tiene su final”. La destreza del filme está en no cargar las tintas, ni irnos por el tobogán del melodrama, sino en mantenerse en ese equilibrio sobrio. Ni más ni menos.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yhoo.es

TRISTE SAN VALENTÍN [Blue Valentine]
Dir.: Derek Cianfrance
Guión: Derek Cianfrance, Cami Delavigne y Joey Curtis
c/ Ryan Gosling (Dean), Michelle Williams (Cindy), Faith Wladyka (Frankie)
EEUU/2010/Drama***+/Estrenos

CAPITÁN AMÉRICA: EL PRIMER VENGADOR

Este año la Marvel ha estrenado en el cine a sus mejores superhéroes, en una suerte de “bombardeo veraniego” (en el hemisferio norte) como preámbulo en el 2012 a Los vengadores, la reunión en una sola película de los superhéroes más mentados de la conocida casa editora de comics. El agasajo recién empieza. Esta vez le tocó el turno al Capitán América, el héroe por antonomasia de los valores de la cultura norteamericana. Su nombre lo dice todo.

Nacido ex profeso en el contexto de la II Guerra Mundial, en la lucha contra Adolfo Hitler y los nazis, la película ha captado muy bien el ambiente y la recreación de la época, quizás su mayor mérito. “Sentimos” ese ambiente de patrioterismo febril que se vivió en Norteamérica luego que los japoneses atacaron Pearl Harbor. El ánimo de enlistarse en el ejército que lleva al joven Steve Rogers a solicitar una y otra vez su admisión hasta que es aceptado. El poco caso que al inicio le hacen, las burlas que sufre al ser usado solo como vehículo de propaganda para recaudar fondos, hasta ganarse el respeto de los demás con la muestra de su valentía y coraje. Por cierto, las escenas de acción están muy bien logradas, sin tomarse muy en serio (y hasta con un “guiño” de burla), con un ritmo trepidante de serial, como lo concibieron Lucas y Spielberg para la saga de Indiana Jones.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

CAPITÁN AMÉRICA: EL PRIMER VENGADOR [Captain America: The First Avenger]
Dir: Joe Johnston
Guión: Christopher Markus, Stephen McFeely, basado en el comic de Joe Simon y Jack Kirby
c/ Chris Evans (Captain America / Steve Rogers), Hayley Atwell (Peggy Carter), Sebastian Stan (James Buchanan 'Bucky' Barnes), Tommy Lee Jones (Colonel Chester Phillips), Hugo Weaving (Johann Schmidt / Red Skull), Samuel L. Jackson (Nick Fury)
EEUU/2011/Aventuras***/Cine/Estrenos

CARS 2

La secuela de las aventuras del Rayo McQueen, esta vez recorriendo las pistas de Europa y Japón. La película, como todas las de Pixar, seduce por su buen acabado, una historia convincente y personajes creíbles (en vez de “humanizar” a los animales, esta vez se humanizó a los automóviles), incluso se nota que el despliegue técnico es mayor que en la primigenia Cars; sin embargo, la historia no nos atrapa, a pesar que la trama ha sido urdida como las películas de espías de los años 60, pero los recorridos en distintas ciudades europeas, las persecuciones y las carreras no nos llama tanto la atención como en la primera parte. Será que casi siempre las continuaciones no están a la altura de la versión primera, y a pesar también que contiene una “lección ecológica”. En fin, no es culpa del Rayo McQueen ni de sus compañeros de aventuras.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

CARS 2
Dir: John Lasseter, Brad Lewis
Guión: Ben Queen
Voces originales: Owen Wilson (Lightning McQueen), Larry the Cable Guy (Mater), Michael Caine (Finn McMissile)
EEUU/2011/Animación***/Estrenos

HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE: PARTE 2

El final de una saga que si bien ha recaudado cientos de millones en la taquilla, cinematográficamente no es gran cosa (salvo la adaptación de Alfonso Cuarón, HP y el prisionero de Azkabán). Por lo general han sido versiones chatas, carentes de imaginación, que se han limitado a ser lo más fiel posible a los libros. Hay que reconocer que la de Yates es la más negra, no apta para un público infantil, aunque con final feliz como era previsible y un “epílogo” 19 años después en la estación del tren, cerrándose la historia en el mismo lugar donde todo comenzó. Fin de un ciclo y el comienzo de otro: el de los hijos que se dirigen por primera vez a la Escuela de Magos.

Ojalá que en algunos años más alguien se anime a una adaptación que contenga más vuelo creativo; a no dudarlo tendremos HP todavía para rato.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE: PARTE 2 [Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2]
Dir: David Yates
Guión: Steve Kloves, basado en la novela de J.K. Rowling
c/ Daniel Radcliffe (Harry Potter), Rupert Grint (Ron Weasley), Emma Watson (Hermione Granger), Ralph Fiennes (Lord Voldemort), Alan Rickman (Professor Severus Snape)
UK, EEUU/2011/Fantasía***/Estrenos

EL VENGADOR

El encanto de Priest está en que, a diferencia de por ejemplo Transformers, no se toma en serio, sino modestamente como un entretenimiento que no busca “saturar” al espectador, sino que, respetando ciertas convenciones, “crea” lo que está visionando. Y, no menos importante, esa combinación de géneros que ha sabido llevar. No es solo horror, sino que, reactualizando el viejo tema de los vampiros, combina géneros: acción, pero sobretodo el género del oeste. La historia del secuestro de la hija de Priest por los vampiros bien puede ser la que sucedía con los indios que raptaban a la niña blanca en las clásicas películas de John Wayne. El tren donde van “los malos” es un elemento importante, como en las sagas del viejo oeste. El simple aspecto del convoy de fierros ya inspira temor. Ya no mencionemos la evidente similitud de facciones y vestimenta del “villano” con “el hombre sin nombre” que encarnó en los años sesenta Clint Eastwood. Y es tributaria de muchas películas, comenzando por Matrix (el uso del “bullet time” es más que evidente), pasando por Mad Max y toda la vertiente del cine apocalíptico (lo que tiende a conocerse como “distopías”).

Desde ese punto de vista, Priest es un producto “post moderno”, que asimila géneros distintos, para crear algo nuevo. El intento, sin caer en lo solemne ni pesado, es interesante y entretenido. Solo busca eso y nada más, pero es suficiente.
Entre tanto “blockbuster”, Priest pasó desapercibido en la cartelera limeña, pero está disponible en dvd. No se lo pierdan.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

EL VENGADOR [Priest]
Dir: Scott Charles Stewart
Guión: Cory Goodman, basado en la novela gráfica "Priest" de Min-Woo Hyung
c/ Paul Bettany (Priest), Karl Urban (Black Hat), Maggie Q (Priestess), Christopher Plummer (Monsignor Orelas)
EEUU/2011/Acción, horror, CF***/Estrenos

TRANSFORMERS: EL LADO OSCURO DE LA LUNA

Tercera y –por el momento- final de la saga de los Autobots contra los Decepticons, esta vez centrada en la Luna. La película tiene una primera parte ágil, entretenida, como que no se toma ella misma muy en serio: el explicar “las razones” que llevaron al hombre a pisar por primera vez nuestro satélite, la –ironías de la vida- búsqueda de trabajo del héroe que salvó dos veces a la humanidad, las entrelíneas de su nueva relación sentimental con padres metiches de por medio y, de yapa, hasta jefe paranoico y compañeros de trabajo bastante estrafalarios. Es lo mejor. Pero, la segunda parte, la que se centra en “la guerra final” entre los Autobots y los Decepticons es tan pesada como un tanque o como Godzilla queriendo volar. Toda la parafernalia de efectos especiales, de “duelos a muerte” entre “buenos y malos”, ganando los malos, para en el último minuto “volterase el marcador” a favor de los buenos, es más de lo mismo. Se toma muy solemne, muy en serio, hasta en el metraje (dos horas y media como que es mucho), desperdiciando situaciones y personajes interesantes, como el paranoico jefe de Sam, encarnado por John Malkovich. Lo único grácil, liviano y encantador es la presencia de Rosie Huntington-Whiteley, a quien el director no tiene empacho en regocijarse paneando su trasero, escena con la cual comienza la película. Este chico tiene suerte.
No me extrañaría que de aquí a unos años, el –ya por entonces- adulto Sam Witwicky salve al mundo por cuarta vez. No es necesario ser adivino para suponerlo.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

TRANSFORMERS: EL LADO OSCURO DE LA LUNA [Transformers: Dark of the Moon]
Dir: Michael Bay
Guión: Ehren Kruger
c/ Shia LaBeouf (Sam Witwicky), Rosie Huntington-Whiteley (Carly), John Turturro (Simmons), John Malkovich (Bruce Brazos)
EEUU/2011/Fantasía, acción**/Estrenos

SPLICE: EXPERIMENTO MORTAL

Película inspirada lejanamente en la historia de Frankenstein. Es la apuesta de dos científicos por crear vida, pero esta vez cruzando ADN de distintas especies, incluyendo la humana; siendo el contexto donde se desarrolla la trama no un castillo gótico, sino los grandes laboratorios trasnacionales que producen transgénicos, así que existe un interés crematístico de por medio. Como sucede con el doctor Frankenstein, en la clásica novela de Mary Shelley, al final los dos científicos serán “castigados” por haber trasgredido las leyes naturales, aunque con un final sorprendente y algo cínico, acorde con los tiempos más “burgueses” que vivimos, reflejado en el “generoso” pago que recibe Elsa por llevar en su vientre al fruto de su creación.

Filme de terror atípico, sin los usuales golpes de impacto, se centra más en recrear atmósferas que en “asustar” al espectador.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

SPLICE: EXPERIMENTO MORTAL [Splice]
Dir.: Vincenzo Natali
Guión: Vincenzo Natali, Antoinette Terry Bryant, Doug Taylor
c/ Adrien Brody (Clive Nicoli), Sarah Polley (Elsa Kast), Delphine Chanéac (Dren)
Canadá/2009/Terror, suspenso***/Estrenos

LA MIRADA INVISIBLE

Abordar una época histórica trágica y complicada como la acaecida en los años de la última dictadura militar argentina (1976-83) trae sus riesgos como caer en el cliché, las burdas denuncias, o en la truculencia y en la exageración, lo que tornaría los hechos mostrados en poco convincentes.

La mirada invisible se centra en un colegio argentino de vieja prosapia, tan antiguo como la misma república, situando los hechos, previo al desastre de la invasión a las islas Las Malvinas (1982). Pero, no es necesario que se mencione la época en que trascurren, basta “respirar” la atmósfera de oprobio y opresión, vigilancia constante de lo que se dice y se hace en el colegio (suerte de microcosmos de la sociedad argentina de aquellos años) para tomar conciencia de donde nos encontramos. Los pasos militares que se escuchan, la rígida y marcial disciplina, la exaltación de los símbolos patrios, nos ponen en autos de lo que sucede. Y, como ocurre con todos los verdugos (encarnado en el personaje de Marita), muchas veces ven su trabajo como algo normal, natural, hasta que el mismo sistema los devora, simbolizado en la salvaje violación que sufre por parte del jefe de los preceptores, Biasutto, a quien admira e inconcientemente asocia como el padre sustituto que no tuvo. Precisamente, en los estados sin derecho para los ciudadanos, el “padre de la patria” (el estado) se trasforma en un déspota, un hombre que ejecuta a su arbitrio los castigos y se dispensa los placeres que quiere: se elimina toda norma moral o jurídica de convivencia y volvemos a la horda tribal, que es la degradación a la que nos somete la dictadura.

Otro mérito de la película es que no presenta personajes estereotipados. Ninguno es bueno o malo “químicamente puro”. La propia Marita quiere vivir como toda joven: ir a fiestas, tener una pareja, divertirse; pero su deseo de orden y el llevar las reglas al extremo (a tal punto que se refugia en los baños de los hombres para sorprenderlos “in fraganti” y a la vez masturbarse, excitada por la trasgresión de lo prohibido, por “la mirada invisible”), sin ninguna posibilidad de utilizar un criterio flexibilizador, la conducen hacia su fatal destino.

Excelente película y de paso fugaz por la cartelera limeña (como todo lo bueno). Los que se la perdieron y les guste el buen cine, está disponible en dvd.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

LA MIRADA INVISIBLE
Dir.: Diego Lerman
Guión: Diego Lerman, María Meira, basado en la novela "Ciencias Morales" de Martín Kohan
c/ Julieta Zylberberg (Marita), Osmar Núñez (Biasutto), Marta Lubos (Adela), Gaby Ferrero (Elvira)
Argentina/2010/Thriller***+/Estrenos

MI NOMBRE ES JOHN LENNON

Tratar la vida de un icono como John Lennon es complicado de resolver. Sam Taylor-Wood lo resuelve tratándolo como un chico más (el título original es mucho más explícito de esa intencionalidad) con problemas propios de la adolescencia, acentuado por la ausencia de los progenitores y el difícil acercamiento a la madre, ya de joven; y, en el medio, los tíos George y Mimi, suerte de padres sustitutos del díscolo John. La película se centra en “la edad de piedra”, los años previos a la consagración, la formación de la banda, el encuentro con Paul y la rivalidad creadora que va a existir entre los dos al interior del grupo. Lo malo es que la realizadora no apuesta demasiado. Siempre se encuentra contenida, dispuesta a relatar los hechos por medio de una puesta en escena muy controlada y convencional, salvo contadas excepciones donde consigue picos dramáticos excelentes como en el velorio de Julia, donde el joven Lennon descarga toda su furia y pena, suerte de catarsis que lo disparará hacia alturas creativas. El resto ya es historia conocida.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

MI NOMBRE ES JOHN LENNON [Nowhere Boy]
Dir: Sam Taylor-Wood
Guión: Matt Greenhalgh
c/ Aaron Johnson (John), Kristin Scott Thomas (Mimi), David Threlfall (Uncle George), Anne-Marie Duff (Julia)
UK/2009/Biopic***/Estrenos

VIENE POR TI

El cine asiático es uno de los más creativos en el mundo. A las historias, técnicas y estilos del cine norteamericano y europeo les ha dado “una vuelta de tuerca”, confiriéndoles un nuevo sentido. Han asimilado muy bien el cine occidental y lo han recreado con un estilo propio. Es lo que sucede en Viene por ti. Un filme de terror convencional sobre fantasmas vengativos, sino fuese por las atmósferas en que nos va envolviendo. No es tanto el susto gratuito o la sangre (que la hay) sino ese ambiente enrarecido que se vive, “copiando” la realidad a la ficción. Y todo sucede no en un castillo gótico ni en una mansión embrujada, sino en una multisala de cine como de las tantas que existen en todos los países, “contagiando” con ese terror maligno a todo el mundo. Interesante propuesta.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

VIENE POR TI
Dir. y guión: Sopon Sukdapisit
c/ Chantavit Dhanasevi, Chantawit Tanasaewee, Sakulrath Thomas, Worrakarn Rotjanawatchra
Tailandia/2008/Terror***/Estrenos

CARANCHO

Pablo Trapero es un joven realizador argentino que asimila muy bien los recursos del cine norteamericano y los adapta a “historias porteñas” como Mundo Grúa, su interesante primer largo, o Leonera, vista hace un tiempo en Lima.

Esta vez toca el tema de las indemnizaciones por accidentes producidos por automóviles, lo que convierte no solo en un rico filón para las aseguradoras, sino también para los estudios de abogados que patrocinan a los accidentados a cambio de una “cuota litis” (un porcentaje de lo que se obtenga en el juicio), a quienes en la jerga bonaerense se les llama “caranchos” (en alusión a un ave carroñera propia de la Argentina); solo que el estudio donde trabaja Sosa, un abogado que ha perdido su matrícula y no puede ejercer por su cuenta, “fabrica” los accidentes, buscando sobretodo personas necesitadas de dinero que se contenten con una pequeña suma, forzando el pago de las indemnizaciones, de las que se queda con “la parte del león”, en contubernio con hospitales, policías y paramédicos. Allí es donde Sosa conocerá a Luján, joven médica encargada de atender a los heridos.

Lo más interesante de la trama se encuentra en la “fabricación de los accidentes”, con un estilo seco y duro, siendo de menor interés la historia romántica que se desarrolla entre Sosa y Luján (como diciendo el autor que en un mundo tan despiadado como el que presenta no hay espacio para sentimientos nobles), con abundante dosis de violencia y sangre (se nota la inspiración de Scorsese), y la liquidación de la pareja, irónicamente en un accidente de tránsito como uno de los tantos en que de una u otra manera se han visto involucrados.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

CARANCHO
Dir: Pablo Trapero
Guión: Alejandro Fadel, Martín Mauregui, Santiago Mitre, Pablo Trapero
c/ Ricardo Darín (Sosa), Martina Gusman (Luján)
Argentina/2010/Thriller***/Estrenos

RÍO

Detrás de la historia de animación (aparentemente trivial y "ecológicamente correcta") se esconde una “lección moral”: la madurez que debemos alcanzar. Blu se cría en un ambiente protegido, donde no le falta nada: tiene amor, cuidados, alimento; pero le falta “crecer” emocionalmente. Se ha quedado en el estado mental de un niño, de allí que no puede volar, no ha aprendido a usar sus propios recursos, hasta que la adversidad lo pone a prueba, consiguiendo volar, es decir, desarrollar sus potencialidades. La escena final en que se despide de su ama y emprende vuelo junto a su compañera es significativa que ha logrado madurar, “independizándose” y formando un hogar autónomo. La adultez, ni más ni menos.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

RÍO
Dir: Carlos Saldanha
Guión: Don Rhymer
Voces originales: Jesse Eisenberg (Blu), Anne Hathaway (Jewel), Leslie Mann (Linda), Wanda Sykes (Chloe)
EEUU/2011/Animación***/Estrenos