martes, julio 27, 2010

OBSESIÓN CRIMINAL


Thriller policial en la línea de Seven o El silencio de los inocentes. No contiene mucha acción, centrándose más bien en la subjetividad del policía que va tras los pasos del serial killer, con sus obsesiones y fobias, con culpas y remordimientos que atenazan su vida, manteniéndose incluso en la ambigüedad al autor de los crímenes (¿se trata del mismo asesino que enfrentó el oficial Aubray hace cinco años atrás o es un imitador?). Notable la actuación de Willem Dafoe.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


OBSESIÓN CRIMINAL [Anamorph]
Dir: Henry Miller
Guión:Henry Miller y Tom Phelan
c/ Willem Dafoe (Stan Aubray), Scott Speedman (Carl Uffner)
EEUU/2007/Thriller policial***/Estrenos

jueves, julio 22, 2010

SHREK PARA SIEMPRE

Shrek nació como una original vuelta de tuerca de los cuentos de hada. “Tomarles el pelo”. Algunos dicen que la irreverencia iba directo a la Disney que había hecho de estos personajes íconos heroicos, cuasi santos de altar: virginales, puros, apolíneos. Pero, esas “boutades” apenas dieron para el primer episodio, bajo pena de caer en lo trillado y gastado de la ocurrencia.
Sea como sea, el gran mérito de Shrek fue sacarle partido a esa “ventaja competitiva”, convirtiéndola en un rico filón a explotar, demostrado con las tres historias posteriores, cada una cayendo en interés (aunque subiendo en el “box office”). Pero mantener un producto de calidad no es solo repetir la fórmula, algo que Pixar puede demostrar “dándole cátedra” a los creativos de Dreamworks.
Curiosamente este año las dos productoras de animación digital más importantes de Estados Unidos, con “productos bandera” (Toy story y Shrek), cierran ciclos con los personajes que más fama y dinero les han proporcionado. Pixar con una película que pasará a la historia y al recuerdo de muchos (Toy story 3) y Dreamworks con un filme de animación con aspectos atractivos pero cuyo balance final no pasa de regular (Shrek forever). Efectivamente, la última aventura del popular Ogro tiene momentos interesantes como el contrato que, aburrido de su vida marital (la “domesticación” del hombre, digo del ogro), firma con Rumpelstiltskin, aludiendo al mito de Fausto (“vender el alma al diablo”); aunque el villano nos hace recordar al primero de la saga, pero más neurótico y desubicado. El burro vuelve a tomar protagonismo como el mejor amigo de Shrek y otros pasan por metamorfosis extrañas como el popular Gato con botas (que fue el impulso de la segunda parte de la saga) que sufre una obesidad y hastiamiento de vivir en el conformismo (una nada velada burla a los norteamericanos obesos de tanta hamburguesa y vida cómoda). Como siempre, existen los “guiños” a películas conocidas, característica de la serie, y las canciones de fondo musical, aunque de tanto usar el mismo esquema ya no llaman tanto la atención.
El principal “gancho” que tiene Shrek es la tercera dimensión, aunque esperamos que de aquí a algunos años no nos vengan con una quinta parte, para ogros creo que fue suficiente.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


SHREK PARA SIEMPRE [Shrek Forever After]
Dir: Mike Mitchell
Guión: Josh Klausner y Darren Lemke
Voces originales: Mike Myers (Shrek), Eddie Murphy (Donkey), Cameron Diaz (Princess Fiona), Antonio Banderas (Puss in Boots), Walt Dohrn (Rumpelstiltskin / Priest / Krekraw Ogre) (voice)
EEUU/2010/Animación***/Estrenos

martes, julio 13, 2010

LA CIUDAD DE LAS TORMENTAS

Hacer un thriller político sobre el tema de Iraq ya parece bastante “manoseado”; pero, Paul Greengrass se da “maña” para combinar intriga política con suspenso y abundante dosis de acción (prácticamente no hay tiempos muertos en la película), logrando un filme que “atrapa” al espectador y de paso “denuncia” la farsa de las armas químicas a fin de invadir Iraq. El punto de vista es del oficial Miller (interpretado por Matt Damon) encargado de localizar las armas que fueron el pretexto para la invasión. Pero, oh sorpresa, no se encuentra ninguna, llevándolo a indagar qué está pasando y, de paso, al espectador que se identifica con el personaje. El final será como siempre el del “buen americano” que “denuncia” la farsa montada por los políticos.
Propuesta con límites, pero interesante.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


LA CIUDAD DE LAS TORMENTAS [Green Zone]
Dir: Paul Greengrass
Guión: Brian Helgeland, basado en el libro de Rajiv Chandrasekaran
c/ Matt Damon (Miller), Yigal Naor (General Al Rawi), Nicoye Banks (Perry)
EEUU/2010/Acción, thriller político***/Estrenos

martes, julio 06, 2010

TOY STORY 3


Toy story fue la primera película de animación digital en la historia del cine. Producto bien cuidado, con un argumento y personajes bastante trabajados, donde los efectos de animación no opacaban la historia, Pixar abrió así una rica veta que otras productoras han seguido.

La peculiaridad de Toy story fue que la historia estaba contada desde el punto de vista de los juguetes, estos “cobraban vida” cuando no estaba presente ningún humano. El éxito fue tan grande que obligó a una segunda parte; pero, a diferencia de otras secuelas donde se “exprime” historia y personajes a más no poder, Pixar ha ido más bien por el camino difícil pero más creativo: renovar la saga en cada episodio. Es así que ahora asistimos a “la despedida”: Andy ha crecido y debe ir al “College” por lo que se plantea la disyuntiva qué hacer con los juguetes de la niñez. En esa tensión dramática es que se desarrollará la historia, utilizando las tramas de huida y persecución del cine clásico norteamericano, donde la aparente bondad esconde una perversidad intrínseca. En ese sentido, Toy story asemeja esas antiguas fábulas donde bajo un piadoso manto de ternura se alberga la más recóndita maldad. Por eso se hace disfrutable tanto a niños como a adultos.

Despedida en grande en tono melancólico y agridulce, con “lección de vida” incluida sobre que no existen los afectos ni amores “eternos”, sin falsos finales felices, que todo acaba para volver a comenzar un nuevo ciclo, como la vida misma.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


TOY STORY 3
Dir: Lee Unkrich
Guión: Michael Arndt y John Lasseter (screenplay)
Voces originales: Tom Hanks (Woody), Tim Allen (Buzz Lightyear), Joan Cusack (Jessie), Ned Beatty (Lotso), John Morris (Andy)
EEUU/2010/Animación***/Estrenos

martes, junio 29, 2010

LA HERMANDAD


Lograda metáfora vampírica con mensaje social

Gracias a la saga de Crepúsculo, las películas de vampiros en la presente década han tenido una revitalización no vista años atrás. Pero si Crepúsculo es una saga más o menos anodina sobre vampiros adolescentes, otros realizadores han mostrado mayor creatividad y le han dado un giro de tuerca a la temática. Es el caso de Zombieland con una cuota de humor mezclado con el gore más puro, o la muy lograda Criatura de la noche que le puede dar “cátedra” a los productores de Crepúsculo sobre cómo hacer una película de vampiros adolescentes y no caer en el aburrimiento.
Ahora se suma La Hermandad (Daybreakers), lograda metáfora sobre la escasez de recursos alimenticios y el poder de las trasnacionales en clave vampírica.

Estamos en un futuro bastante cercano, el año 2019, una epidemia ha convertido a los seres humanos en vampiros y los pocos que quedan son usados de alimento para los segundos, haciéndose una verdadera industria de la alimentación con un derivado similar a la sangre humana. El problema está en que el alimento se está acabando (los humanos, que son la base para la sangre artificial, se encuentran en extinción) y la empresa que fabrica el sustituto sanguíneo no se da abasto para satisfacer la demanda lo que ocasiona disturbios en todo el planeta. Esta sociedad vampírica es piramidal y clasista, y a reproducido la desigualdad en torno al dinero, quien tiene más tendrá más poder y conseguirá alimentarse mejor, mientras que los demás sobran, serán los “homeless” de esta sociedad, los marginados eliminados del sistema.

Este enfoque sirve para desarrollar una historia interesante que sin quitarle el lado lúdico a la trama, conlleva una metáfora de lo que puede ser el mundo en poco, muy poco tiempo.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


LA HERMANDAD [Daybreakers]
Dir. y Guón:Michael y Peter Spierig
c/ Ethan Hawke ( Edward Dalton), Sam Neill (Charles Bromley), Daniel Defoe (Elvis)
EEUU, Australia/2009/Terror***/Estrenos

martes, junio 22, 2010

LOCO CORAZÓN


Las películas de redención o de segunda oportunidad en la vida siempre tienen su encanto (¿quién se puede oponer a una segunda oportunidad en la vida?), con mayor razón si se sustentan en magníficas actuaciones como Loco corazón. El argumento no es nuevo: un acabado cantante de música country, sumido en el alcohol y la bancarrota, encuentra en una madre divorciada y su pequeño hijo el motivo para seguir viviendo y cambiar. Lo valioso son las actuaciones, tanto de los secundarios como Colin Farrell, Robert Duvall o la propia Maggie Gyllenhaal, y sobretodo de su protagónico, Jeff Bridges, con un merecido Oscar. Soberbia actuación.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


LOCO CORAZÓN [Crazy Heart]
Dir. y guión: Scott Cooper, basado en la novela de Thomas Cobb
c/ Jeff Bridges (Bad Blake), James Keane (Manager), Maggie Gyllenhaal (Jean Craddock), Colin Farrell (Tommy Sweet), Robert Duvall (Wayne)
EEUU/2009/Drama***/Estrenos

martes, junio 15, 2010

Dennis Hopper (1936-2010)


Hay personas que son autodestructivas, geniales pero caminan al filo de la navaja. Están más en el infierno que en el cielo. Muchos artistas encajan en esta tipología, uno de ellos fue Dennis Hopper.

Se le recordará sobretodo por un puñado de películas, la más emblemática “Busco mi destino” (Easy rider), suerte de testimonio del fenómeno hippie y la contracultura de los años sesenta. Canto a las drogas y al amor libre, se puede ya considerar como un clásico contemporáneo. Easy rider le abrió las puertas de la industria del cine para su siguiente largo filmado en Perú, The last movie, película “maldita” que jamás se estrenó comercialmente por problemas entre Hopper y la productora. Producido el veto de Hollywood y la caída en lo más profundo del abismo de las drogas, vendría la redención con algunos papeles secundarios pero memorables, como el reportero de Apocalipsis Ahora o el villano de Terciopelo Azul. En el olvido quedan varios roles para la televisión o el cine, aceptados para sobrevivir, para ganarse unos cuantos dólares luego de haber conocido la fama y la fortuna en todo su esplendor.

Es hora de un reconocimiento de este extraordinario actor y talentoso realizador, recordando algunas de sus películas clave. Se lo merece. Descansa en paz Dennis.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

martes, junio 08, 2010

VERTIGO


Recordando a Hitchcock a los treinta años de su partida

Un thriller que tiene de todo y en las dosis apropiadas: sexo, suspenso, necrofilia, obsesión, neurosis, fobias y un tórrido romance en el medio. Redondo desde el inicio hasta el fin, el engaño a que es sometido Scottie, la doble de cuerpo con que es seducido y el eléctrico y sorprendente desenlace. Vertigo ha servido de inspiración a realizadores como Brian de Palma que literalmente la “vampirizó”, precisamente en una que se titula “Doble de cuerpo”.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


VERTIGO
Dir: Alfred Hitchcock
Guión: Alec Coppel, Samuel A. Taylor, basada en la novela d'Entre les Morts de Pierre Boileau
c/ James Stewart (John 'Scottie' Ferguson), Kim Novak (Madeleine Elster/Judy Barton), Barbara Bel Geddes (Marjorie 'Midge' Wood)
EEUU/1958/Thriller****

martes, junio 01, 2010

LOS AMANTES


James Gray sabe darle un perfil propio a sus filmes. Ya lo demostró en el policial Dueños de la noche (We Own the Night), su anterior largo, también con Joaquin Phoenix en el protagónico. Esta vez es una historia de triángulo amoroso, historia bastante trillada, pero que el realizador sabe contar con eficacia. Sin entrar en el detalle de la trama diremos que Leonard es un tipo bipolar, que ha tenido intentos de suicidio por el abandono de la novia y que viviendo en la casa de los padres durante su recuperación conoce a dos mujeres con las que tendrá relaciones en simultáneo: la problemática y tormentosa Michelle y la apacible y dulce Sandra. Precisamente, atendiendo a su bipolaridad, una lo mantiene con la adrenalina en alto por los vericuetos que toma la relación (Michelle), mientras la otra lo lleva por un amor más calmado y hasta “aburrido” pero seguro (Sandra). Es en el desenlace donde se produce lo insólito, solución “más real” que cualquier desenlace melodramático.

Drama en clave baja, de tono intimista, donde predomina la presencia actoral (sobretodo de Joaquin Phoenix) teniendo como telón de fondo la vida nocturna en la ciudad de Nueva York.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


LOS AMANTES [Two Lovers]
Dir: James Gray
Guión: James Gray y Ric Menello
c/ Joaquin Phoenix (Leonard Kraditor), Gwyneth Paltrow (Michelle Rausch), Vinessa Shaw (Sandra Cohen), Elias Koteas (Ronald Blatt)
EEUU/2008/Drama***/Estrenos

martes, mayo 25, 2010

ROBIN HOOD


Ridley Scott ha demostrado en los últimos años una predilección por lo que podríamos llamar el “drama histórico”, películas ambientadas en épocas pasadas, recreando ficcionalmente hechos registrados por la Historia con mayúsculas. Así tenemos Gladiador, Cruzada y su versión personal de Robin Hood.

Todas ellas tienen en común que la trama se sitúa en una época y personajes que existieron, a los que se añade otros de ficción, por lo cual estos últimos cobran “credibilidad” ante nuestros ojos. El “truco” está en que el espectador “se crea” la invención visionada, habilidad que como buen narrador posee Ridley Scott para llevar a buen puerto lo contado.

Robin Hood guarda relación con su otra película histórica inmediata anterior, Cruzada (Kingdom of Heaven, 2005), tanto en la época (edad media), como en el contexto donde se sitúa (las cruzadas) y ciertos personajes que existieron (Ricardo Corazón de León, Juan sin tierra). Contextualizada la trama, el otro escollo era el perfil del personaje principal, escollo difícil de superar dado que existe un “arquetipo” de Robin Hood que se ha ido construyendo a lo largo de la historia del cine: es el tipo ágil, valiente, seductor, justiciero y joven por añadidura. Solo Richard Lester en su Robin y Marian (1976) se atrevió a romper ese esquema mostrándonos un Robin Hood crepuscular, cansado de las guerras santas y las matanzas para satisfacer el ego de los reyes, que busca reencontrar al final de la vida su viejo amor. Notable y melancólica película con dos actores muy en caja para los roles: Sean Connery y Audrey Hepburn.

El Robin Hood de Ridley Scott más bien es un tipo ya maduro, no un joven, de procedencia popular, mercenario de las guerras santas que libran Ricardo y los reyes cristianos, un tanto pendenciero, con castigos ganados por su insubordinación, que circunstancialmente, por esos azares de la vida, llevará la corona del rey muerto y la espada de un noble caído en combate. En cierta forma podemos decir que se trata de una “precuela”, de la historia de la génesis del personaje y cómo se convierte en la leyenda del célebre ladrón que roba a los ricos para darles a los pobres: estamos en la etapa anterior a la que han contado las demás historias del legendario bandolero.

La Marion retratada tampoco es una dama refinada y desvalida, si bien de procedencia noble, por la miseria causada por las guerras y los impuestos debe trabajar codo a codo con sus súbditos y es mujer de armas tomar, que no se amilana ante el peligro. Ese encuentro entre dos personajes muy distintos al perfil que la filmografía de Hollywood ha dibujado sobre el héroe y su dama es lo que hace atractiva la historia. Como siempre, habrá peligro, momentos de acción y una batalla contra “los malos”.

Otro ingrediente interesante en esta nueva versión es “la lucha por el poder” dentro de la realeza: las conspiraciones, alianzas y traiciones para acceder al trono ocupan buen espacio de la cinta. Los reyes no son buenos ni justicieros, y cuando existen abusos es válido rebelarse. Y si bien el filme no contiene la carga ideológica de Cruzada, si tenemos a un Robin Hood “más contemporáneo” en el sentido que es un hacedor de su propio destino antes que resignarse a su condición, un tipo más individualista y material que romántico y apolíneo, con un escepticismo frente a lo que significan los designios divinos más cercano a nuestra forma de pensar que la existente en aquella época.

Interesante propuesta del personaje, dando un “giro de tuerca” y volviendo a contar con nuevos bríos una historia mil veces contada.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


ROBIN HOOD
Dir: Ridley Scott
Guión: Brian Helgeland
c/ Russell Crowe (Robin Longstride), Cate Blanchett (Marion Loxley), Max von Sydow (Sir Walter Loxley), William Hurt (William Marshal), Oscar Isaac (Prince John), Danny Huston (King Richard The Lionheart), Matthew Macfadyen (Sheriff of Nottingham)
EEUU, UK/2010/Acción, drama histórico***/Estrenos

martes, mayo 18, 2010

ALMAS PASAJERAS


De Rodrigo García conocíamos su anterior largo, Nueve vidas (Nine Lives, 2005), relatos contados en tono intimista sobre nueve mujeres de distinta procedencia que viven en Estados Unidos. Propuesta interesante, minimalista, se basa en el gesto a veces apenas perceptible, estilo que en cierto forma rescata Almas pasajeras, centrado otra vez en un personaje femenino (Claire) que debe dar terapia a un grupo de sobrevivientes de un accidente aéreo. Precisamente en el desarrollo de la trama se van a producir hechos extraños como la desaparición gradual de los pacientes y la culpabilización a la aerolínea del desastre acaecido. Sin embargo hacia el tercio final el relato gira en torno a esas tramas de misterio a la que es muy afecto Night Shyamalan y la necesaria “explicación” de los hechos ocurridos.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


ALMAS PASAJERAS [Passengers]
Dir: Rodrigo García
Guión:Ronnie Christensen
c/ Anne Hathaway (Claire), Patrick Wilson (Eric), Andre Braugher (Perry)
EEUU/2008/Misterio, suspenso/Estrenos

jueves, mayo 13, 2010

IRON MAN 2


La segunda parte de Iron Man se esperaba con impaciencia. La primera fue todo un logro de llevar a la pantalla al legendario héroe de historieta, tarea en la que muchos han zozobrado. Sin embargo, Iron Man 2 ha pesar de contar con un reparto impresionante adolece de fallas en su guión: muchos personajes que al no haber tiempo para desarrollarlos quedan en el esquematismo –o para ser más precisos- en la sola presentación. Es lo que sucede con los personajes de Scarlett Johansson y Samuel L. Jackson, un tanto desaprovechados. Igual sucede con el tono, algunas veces es una parodia, como que Iron Man se imita asimismo en tono de burla, en otras se toma en serio. Se nota que han querido hacerlo bastante ligero, pero al existir tantos personajes y subtramas cumplir el cometido se pierde en la telaraña. Lo más resaltante es la participación de Mickey Rourke como un villano muy a tono con su papel.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


IRON MAN 2
Director: Jon Favreau
Guión:Justin Theroux, basado en el comic de la Marvel
c/ Robert Downey Jr. (Tony Stark), Don Cheadle (Lt. Col. James 'Rhodey' Rhodes),
Scarlett Johansson (Natalie Rushman / Natasha Romanoff), Gwyneth Paltrow (Pepper Potts), Sam Rockwell (Justin Hammer), Mickey Rourke (Ivan Vanko), Samuel L. Jackson (Nick Fury)
EEUU/2010/Fantasía***/Estrenos

martes, mayo 04, 2010

ESCAPE DE NUEVA YORK


Ambientada en un futuro no muy lejano, cuando la isla de Manhattan se convierte en una gran prisión. Dirigida con buen nervio por ese maestro de películas de “serie B” que es John Carpenter, tiene tensión, buen ritmo, suspenso, una fotografía de tonos oscuros que trasmite muy bien ese aire lóbrego y sobretodo la construcción con unas cuantas pinceladas de personajes creíbles, habilidad carpenteriana, como el anti-héroe Snake Plissken (que dio vida Kurt Russell). Años después, en 1996, hizo una no muy lograda continuación con el título de Escape de Los Ángeles.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


ESCAPE DE NUEVA YORK [Escape from New York]
Dir:John Carpenter
Guión: John Carpenter y Nick Castle
c/ Kurt Russell (Snake Plissken), Lee Van Cleef (Hauk), Ernest Borgnine (Cabbie), Donald Pleasence (President), Isaac Hayes (The Duke), Harry Dean Stanton (Brain), Adrienne Barbeau (Maggie)
UK,EEUU/1981/Acción futurista***/Películas del ayer

martes, abril 27, 2010

LA PUERTA DEL CIELO TREINTA AÑOS DESPUÉS


La Puerta del cielo fue un fracaso comercial bastante sonado en su época que incluso llevó a la quiebra a los estudios United Artist. Michael Cimino, el director y guionista, venía consagrado por el Oscar a El francotirador, una película polémica sobre la guerra de Vietnam y que muchos confundieron con una posición “dura” y patriotera frente al conflicto. Sea como sea, le valió el Oscar a Cimino y por consiguiente se le abren las puertas de los grandes estudios. Su siguiente proyecto era un western, género en declive por aquellos años, pero a pesar de todo consiguió financiamiento. El proyecto fue creciendo en costos durante el rodaje, pero, a pesar de ello, los productores siguieron poniendo dinero. Cimino comenzó a rodar más escenas (muchas innecesarias como se aprecia en la versión original) y al final se tuvo una película de más de tres horas y media de duración.

El filme no gustó ni a la crítica ni al público, y viendo la versión original es natural. No era el clásico western donde los buenos pelean contra los indios o los bandidos, sino era un western atípico: la película narraba un genocidio cometido a fines del siglo XIX por unos terratenientes que deseaban expulsar de sus tierras a los inmigrantes pobres que, para sobrevivir, debían robar ganado a fin de mantener a su familia. Por eso alguien calificó a La puerta del cielo como el primer “western socialista”, porque planteaba la lucha de clases. Los pobres se unen bajo el liderazgo de un desclasado de la clase oligarca (James Averill, interpretado por un joven Kris Kristofferson), a fin de resistir. Es la unión de los pobres, de aquellos que no tienen nada que perder en la lucha. Marxistamente hablando sus propias cadenas son su solución de liberación.
La cinta narra también los nexos entre el poder económico y el poder político que se hace de la “vista gorda” frente a la matanza que se pretende perpetrar. Era un western a todas luces bastante sui generis.

A la semana del estreno los productores la retiraron y para recuperar siquiera algo de los costos hicieron una versión más corta donde prevalecen los momentos de acción, añadiendo un falso final (en la versión original Ella es asesinada y Averill retorna a su clase, lo cual marca un fracaso en la vida de estas personas; mientras en el “falso final”, Ella y Averill se casan y supuestamente “viven felices”).

Fue el fin de la meteórica carrera de Michael Cimino, por lo menos en lo que a grandes proyectos se refiere y el comienzo de una leyenda “maldita” en torno al filme, que dicho sea tiene sus méritos y un trasfondo ideológico innegable. No solo la carga “social”, bastante evidente, sino el planteamiento existencial de que somos incapaces de eludir nuestra condición de clase. Averilll pertenece a la clase dominante, privilegiada, y por más que ha querido dejar ese rol tomando el puesto de un humilde sheriff del oeste, le es imposible, regresando a su origen clasista, cerrando la película con un pesimismo bien marcado (a diferencia del inicio optimista, brillante, de la graduación en Harvard). Otros, como su amigo Billy, prefieren “seguir a su clase” a pesar que están en contra, mientras que Frank Canton mantiene su opción clasista totalmente.

Es cierto que la película adolece de un metraje excesivo, existen muchas escenas que están demás, sin embargo ello no quita el interés en un filme bastante interesante y que cuenta entre sus protagónicas a una joven Isabelle Huppert que sería después una de las actrices más reconocidas de Francia y Europa.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


LA PUERTA DEL CIELO [Heaven's Gate]
Dir y guión: Michael Cimino
c/ Kris Kristofferson (James Averill), Christopher Walken (Nathan D. Champion),
John Hurt (Billy Irvine), Sam Waterston (Frank Canton), Isabelle Huppert (Ella Watson), Jeff Bridges (John L. Bridges)
EEUU/1980/Western***/Dvd/Películas del ayer

jueves, abril 22, 2010

SILENCIO EN EL LAGO


Filme sobre cómo un tranquilo fin de semana se puede trasformar en pesadilla. La película va graduando lo que le acontece a Jenny y Steve cuando llegan al supuesto remanso de paz, Eden Lake (título original sarcástico). Desde el carro que se les cruza y les gana el lugar para apreciar la puesta del sol pasando por los adolescentes vandálicos que serán realmente sádicos asesinos. Otra característica del filme es que no hay final feliz, no ganan “los buenos”, sino todo lo contrario, son destruidos, imponiéndose más bien el mal como valor absoluto, lo que constataremos cuando veamos a los padres de los chicos, fieles ejemplos del comportamiento de estos. Lograda cinta de suspenso. Si no la vio en el estreno está disponible en dvd.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


SILENCIO EN EL LAGO [Eden Lake]
Dir. y guión: James Watkins
c/ Kelly Reilly (Jenny), Michael Fassbender (Steve), Tara Ellis (Abi)
UK/2008/Suspenso***/Estrenos

martes, abril 20, 2010

ENSEÑANZA DE VIDA


De la directora conocíamos su primer largo, Italiano para principiantes, donde describe a un pequeño grupo de nórdicos aburridos y con sus problemas personales, que toman clases de italiano para un anhelado viaje al país mediterráneo. Enseñanza de vida nos traslada a inicios de la década del sesenta, previa a la gran revolución contracultural de los hippies, donde una adolescente descubrirá los secretos del amor y de la primera decepción. Como su título original lo dice, es una lección de educación sentimental, de “lección de vida”, a fin que la protagonista madure y puede enfrentar futuros retos. La puesta en escena contrapone dos escenarios: su casa de clase media, con padres que ven la educación superior de su hija como vehículo de movilidad social, ahorrando centavos para darle la mejor educación que se pueda; y el mundo dispendioso, sensual y frívolo que su eventual amante le ofrece. Naturalmente será un mundo de engaño, de ilusión, frustración, donde radica la madurez de Jenny al darse cuenta de toda la mentira. Quizás ese énfasis de “lección moral” es lo que arrastra en contra el filme (sobretodo en la última parte), pero no cabe duda que estamos ante una buena película que vale la pena ver. Si no la pudo visionar en el corto estreno limeño, está disponible en dvd.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


ENSEÑANZA DE VIDA [An Education]
Dir.: Lone Scherfig
Guión: Nick Hornby, basado en las Memorias de Lynn Barber
c/ Carey Mulligan (Jenny), Olivia Williams (Miss Stubbs), Alfred Molina (Jack), Cara Seymour (Marjorie), Matthew Beard (Graham), Peter Sarsgaard (David), Emma Thompson (Headmistress)
UK/2009/Comedia dramática***/Estrenos

martes, abril 13, 2010

CRIATURA DE LA NOCHE


Las películas de vampiros nunca pasan de moda pero, en torno al ser que vive de la sangre de los otros y solo deambula de noche cuando se ha ocultado el sol, se han hecho variaciones múltiples que sin traicionar la esencia vampírica, le agregan elementos como la aventura o el romance.

Precisamente, la “originalidad” de Criatura de la noche radica en que el vampiro es una joven de doce años (luego descubriremos que no es una chica) y la atracción que siente un jovencito de su misma edad, tímido y acosado por compañeros abusadores. Esa puesta en escena que va entre los asesinatos misteriosos en el barrio donde vive Oskar y la relación que va naciendo entre este y Eli, hacen atractiva la trama, aportando el romance entre la pareja que no veamos con terror sino con cariño al personaje de Eli, teniendo como marco el frío invierno escandinavo, lo que contribuye al ambiente opresivo que se vive.

Puesta en escena inteligente y bien llevada trama, Criatura de la noche es una de esas películas que vale la pena ver.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


CRIATURA DE LA NOCHE [Låt den rätte komma in]
Dir: Tomas Alfredson
Guión:John Ajvide Lindqvist, basado en su propia novela
c/ Kåre Hedebrant (Oskar), Lina Leandersson (Eli), Per Ragnar (Håkan)
Suecia/2008/Terror***/Estrenos

sábado, abril 10, 2010

FAMA


Fame fue un recordado musical de 1980 en torno a la vida de un grupo de jóvenes que estudian en una Escuela de Arte de Nueva York. Cada uno con su historia particular y algunos números musicales, memorable sobretodo el que dio título a la cinta. Fue tan exitosa que se produjo una serie con varias temporadas en los mismos años ochenta.
Bien, el remake no es ni la sombra del original: es sosa, aburrida, sin nervio, no llega siquiera al nivel de un videoclip. Hubiese sido mejor dejar en el buen recuerdo a la película de Alan Parker que hacer este mamarracho.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


FAMA [Fame]
Dir: Kevin Tancharoen
Guión: Allison Burnett (screenplay)
c/ Kay Panabaker (Jenny Garrison), Walter Perez (Victor Taveras), Naturi Naughton (Denise Dupree), Asher Book (Marco)
EEUU/2009/Musical**/Estrenos

martes, abril 06, 2010

LA ISLA SINIESTRA


Logrado thriller en estilo de cine negro con giro radical de la trama en la parte final.

Martin Scorsese es bueno para los thrillers (ahí está Cabo de miedo, por citar un ejemplo), los baña de una atmósfera tensa, cargada, asfixiante para los personajes, que aparentemente se encuentran sin escapatoria. En Shutter Island se agrega el elemento subjetivo: lo que el personaje ve o cree ver se trata de alucinaciones o es cierto realmente, dentro del marco histórico de la “caza de brujas” y la guerra fría en la Norteamérica de los años cincuenta. La “certeza” se mantiene en la ambigüedad hasta el final, incluyendo el giro de 180º de la trama en la resolución, que si bien hace sospechar lo que le está sucediendo al personaje de DiCaprio, obliga a una “explicación” bastante machacona que todo sucede en la mente trastornada del personaje.
Es una de las mejores cintas de Scorsese de los últimos años, aunque sin estar a la altura de obras como Toro Salvaje o Buenos Muchachos.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


LA ISLA SINIESTRA [Shutter Island]
Dir.: Martin Scorsese
Guión: Laeta Kalogridis, basado en la novela de Dennis Lehane
c/ Leonardo DiCaprio (Teddy Daniela), Mark Ruffalo (Chuck Aule), Ben Kingsley (Dr. Cawley), Max von Sydow (Dr. Naehring), Michelle Williams (Dolores Chanal)
EEUU/2010/Thriller***/Estrenos

jueves, abril 01, 2010

SALVADOS


Apreciada comedia dramática sobre los excesos que en materia de religión se puede caer dentro una escuela cristiana y, por extensión, una crítica a la Norteamérica ultraconservadora de la era Bush, lindando con fanatismos execrables. Detalle aparte merece la aparición de Macaulay Culkin (“Mi pobre angelito”), como un joven inválido pero con la sensualidad a flor de piel (“el pecado hecho carne”). Solamente un poco machacona la reiteración del nombre de Jesús en los diálogos, convirtiéndose en una muletilla para resaltar el fanatismo religioso de éste grupo social, existiendo otros medios más propicios. Ideal para una semana santa más heterodoxa.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


SALVADOS [Saved¡]
Dir.: Brian Dannelly
c/ Jena Malone (Mary), Mandy Moore (Hilary Faye), Macaulay Culkin (Roland), Eva Amurri (Cassandra), Patrick Fugit (Patrick)
USA/2004/Comedia dramática