A MI MADRE LE GUSTAN LAS MUJERES

Refrescante comedia que sin inhibiciones toca el tema de las relaciones lésbicas entre una respetable ama de casa que hacia los cincuenta descubre el amor a través de una joven concertista de piano y las reacciones de su familia. Pero, la película toca también el tema de la afirmación en si misma de Elvira (excelente Leonor Watling), una de las hijas, que de nerviosa e insegura pasará, por obra de las circunstancias, a tener aplomo y seguridad para resolver los problemas; y, de sus hermanas Jimena (que vive un matrimonio tradicional y monótono con un “facho” –tipo ultraconservador en la jerga española-) y Sol, la menor de todas y la más desprejuiciada.

Usando los códigos de la comedia romántica clásica las realizadoras (que por la información que tenemos a la mano es su primer largo) tocan un tema difícil de tratar en el cine o en la literatura (las relaciones homosexuales), donde muchas veces se cae en el acartonamiento, en la solemnidad, en la truculencia, el humor grueso, las vanas explicaciones o el puritanismo excesivo; salvando los escollos y llevando la narración con solvencia, tratando las relaciones de pareja homosexual como algo natural y con la ligereza que impone la comedia, a lo cual ayuda el personaje de Sol, la única hermana que no ve mal la relación de la madre, y el contrapeso en los caracteres de las otras dos hermanas.

Quizás las realizadoras debieron tocar más las relaciones entre la madre y su joven pareja, que las reacciones de las hijas (eso y algunas escenas que no ayudan al desarrollo de la película, con algunos “alargamientos” hacia el final), pero en general el balance es bueno.

Película hecha por mujeres y actuada por mujeres, personalmente me quedo con dos escenas: la escena final donde todos los personajes danzan juntos, más allá de las barreras del idioma, los prejuicios o las creencias; en un verdadero canto de tolerancia y de aceptación del otro, incluyendo la aceptación de la opción sexual.

La otra escena es el concierto de rock, donde Sol –la hermana desprejuiciada- sin malicia y sin doble moral canta el tema que sirve de título a la película “A mi madre le gustan las mujeres”, en un verdadero éxtasis y regocijo, encarnación de la España pos franquista, completamente liberal y laica. Verla con la mamá al lado.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

A MI MADRE LE GUSTAN LAS MUJERES
Dir.: Inés París y Daniela Fejerman
España/2001/Comedia***/Las que nunca se estrenaron

LUCES AL ATARDECER

En las películas del finlandés Aki Kaurismaki sus personajes se comportan como autómatas en un mundo de prosperidad material como el de los países escandinavos, pero frío en calor humano. Individuos cosificados en su rutina, alienados en su quehacer diario, con una carga de soledad que se refleja en las calles desiertas. También existe un estoicismo implícito en soportar las pruebas que se les presentan que uno no sabe si linda con la estupidez, la locura o la heroicidad a prueba de balas.
Ese mundo frío se siente aún más en Luces al atardecer, donde los demás actúan como un coro condenatorio o segregacionista contra quien no se les parece a ellos (vislumbrado en las miradas condenatorias hacia Koistinen), contra el marginal, el “raro”. La sociedad actúa como una tribu con “espíritu de manada” contra quien es distinto a ellos.

En Luces… un vigilante nocturno solitario, de poco hablar como los personajes de Kaurismaki, se ve “asaltado” por una joven muy atractiva que busca sacarle información a fin de cometer un robo en una joyería del centro comercial donde labora. De allí en adelante Koistinen sufrirá una interminable serie de pruebas, cada una peor que la otra, aunque esta vez se percibe una ligera esperanza de solidaridad o hasta de amor en el estrechamiento de manos con su amiga fiel que lo acompaña en las buenas y en las malas, con fondo musical del tango “El día que me quieras” interpretado por el gran Carlitos. Merece verse y si bien su estreno fue fugaz en nuestra cartelera, el cinéfilo puede encontrarla en dvd. No se arrepentirá.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

LUCES AL ATARDECER [Laitakaupungin valot]
Dir. y guión:Aki Kaurismäki
c/ Janne Hyytiäinen (Koistinen), Maria Järvenhelmi (Mirja), Maria Heiskanen (Aila), Ilkka Koivula (Lindholm)
Finlandia/2006/Comedia dramática****/Estrenos

MAMMA MIA!

Si bien no es un musical extraordinario ni nada parecido, tiene la novedad de incorporar canciones del conocido grupo de los años setenta Abba, por lo que la puesta en escena tiene sabor a nostalgia, a tiempo ido, reforzado con las apariciones de los actores-cantantes con los atuendos de la época. Una hippie ya entrada en la madurez, practicante del amor libre y consecuente con su forma de ser y pensar, tiene una hija próxima a casarse que a su vez indaga quién es su padre (no en vano la chica se llama Sofía), para lo cual manda tres cartas a los hombres que en la fecha de su concepción tuvieron relaciones con su madre. El argumento daba para más, pero la realizadora se limitó a ponerlo en el écran, sin explotarlo debidamente; aunque hay un hecho evidente que resalta el filme y es cierto: se comienza a vivir y se goza mejor (incluyendo el sexo) a partir de los cuarenta. Como que vas tomando la vida más calmadamente y por tanto la saboreas mejor. Eso es indudable. Estamos más allá del bien y del mal, y nos importa un comino lo que digan o piensen de nosotros, y no nos importa hacer el ridículo como vestir cuando teníamos veinte años, como lucen los personajes en la escena final.
Por lo demás, Meryl Streep y Pierce Brosnan (ex James Bond) demuestran que como cantantes son buenos actores.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

MAMMA MIA!
Dir.: Phyllida Lloyd
Guión: Catherine Johnson, basado en el musical de Catherine Johnson
c/ Meryl Streep (Donna Sheridan), Amanda Seyfried (Sophie Sheridan), Stellan Skarsgård (Bill Anderson), Pierce Brosnan (Sam Carmichael), Colin Firth (Harry Bright), Julie Walters (Rosie), Christine Baranski (Tanya)
UK, EEUU/2008/Musical**/Estrenos

RELACIONES PELIGROSAS

Sidney Lumet es un viejo artesano de la izquierda liberal de Hollywood. Tiene títulos que denunciaron las fallas del sistema como Sérpico sobre la corrupción policial, Tarde de perros sobre dos “losers” que perpetran un robo, Network aerca del poder de los medios audiovisuales y en especial la tv, o El veredicto en torno a la corrupción en la justicia. No es casual que regrese con este logrado thriller de ambición en la época del capitalismo especulativo, donde las fortunas se hacen y deshacen a la velocidad de un clic.

Efectivamente, Andy y Hank son dos hermanos que andan en apuros económicos por el modo de vida que llevan y se les ocurre asaltar la joyería de sus propios padres a fin de agenciarse dinero fácil que les permita librarse de sus acreedores o del desfalco que Andy ha hecho en la empresa donde trabaja (coincidentemente una empresa de bienes raíces). El asunto se torna complejo cuando Hank (el brazo ejecutor del atraco) decide contratar un socio que lleve a cabo el asalto, muriendo este y la madre del protagonista. Si bien la trama es sencilla, la estructura es bastante compleja. Nos va contando la historia desde cada punto de vista de los protagonistas, jugando con los tiempos, llendo y volviendo del presente al pasado, con los enredos familiares, amorosos y económicos de los personajes.

Si bien la película es del 2007, un año antes del estallido de “la burbuja hipotecaria”, vista a la luz de los acontecimientos recientes, tiene un sabor a fábula de lo que pasa en la sociedad norteamericana: de esa ambición desmesurada de dinero fácil a la vuelta de la esquina para llevar un tren de vida suntuoso, no teniendo escrúpulos ni para asaltar a sus propios padres. La película no tiene una carga moral explícita, se limita a contar los hechos, pero de una simple lectura se desprende esta trágica fábula, corroborado con la escena final en que el viejo Charles Hanson (encarnando al viejo capitalismo fruto del trabajo) estrangula a su propio hijo Andy en la cama (el capitalismo especulativo). Amarga escena final con que se cierra este extraordinario thriller de un realizador que pese a sus 84 años (o gracias a ellos) se mantiene activo y en mejor forma que muchos realizadores jóvenes.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


RELACIONES PELIGROSAS [Before the Devil Knows you’re Dead]
Dir.: Sidney Lumet
Guión: Kelly Masterson
c/ Philip Seymour Hoffman (Andy Hanson), Ethan Hawke (Hank Hanson), Albert Finney (Charles Hanson), Marisa Tomei (Gina Hanson), Amy Ryan (Martha Hanson)
EEUU, UK/2007/Thriller***/Estrenos

BERLIN EXPRESS

Viendo casualmente una película del pasado uno se encuentra con gratas sorpresas y también con la confirmación que no existe nada nuevo bajo el sol. Creo que muchas películas de espías están inspiradas directa o indirectamente por esta pequeña joya.

Es sabido que Jacques Tourneur fue un realizador que aprovechó los escasos recursos con que contaba en las llamadas “películas B” (de bajo presupuesto, con actores desconocidos y estrenadas en circuitos comerciales de menor importancia que los llamados “grandes estrenos”) para realizar obras mínimas pero que concentraban todo el vigor y energía en el escaso metraje, haciendo de la necesidad una fuente de creación.
Precisamente Berlin Express está filmada en locaciones externas. En las desvastadas ciudades de Berlin y Frankfurt a los pocos años de finalizada la segunda guerra mundial, todavía con los ejércitos de ocupación en suelo alemán, se produce un movimiento pacifista y unificador en una sola Alemania, que busca ser coartado por un grupo terrorista (aunque en el filme no está muy claro, parece ser el resabio de un grupo nazi de la guerra). Casi toda la acción se concentra en un tren que da título al filme, tratando de aniquilar al Dr. Bernhardt, líder de este movimiento pacifista. La duplicidad de los agentes de ambos bandos es un giro de sorpresa que nos mantiene en vilo en la poco menos de hora y media de proyección. Tanto del lado de los aliados como del lado alemán, los agentes secretos practican la duplicidad, el camuflaje, el engaño: no son lo que pretenden ser. Los “buenos” no son tan “buenos”, ni los malos tampoco (la idea también está implícita en una película de reciente visionado “La lista negra”).

Berlin Express es también un filme pacifista que teniendo como telón de fondo la Alemania en ruinas luego de la guerra, nos manda el mensaje que es mejor vivir en paz todas las naciones y que actuando por una causa justa es posible unir a personas de distinta índole e ideología. Al ser recientes los horrores del nazismo, la película se muestra un tanto “machacona” en enfatizar su mensaje con una voz en “off” que va narrando los hechos, así como la desgarradora imagen final, donde un inválido de la guerra transita sobre las ruinas de un edificio.

Pero más allá del énfasis en el mensaje, importa aprender que la escasez de recursos no es óbice para realizar una buena película, pretexto bastante común entre algunos realizadores cuando las cosas no les salen muy bien. La necesidad aguza el ingenio. Jacques Tourneur fue un ejemplo de ese precepto.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

BERLIN EXPRESS
Dir: Jacques Tourneur
Guión: Harold Medford sobre una historia de Curt Siodmak
c/ Robert Ryan (Robert Lindley), Charles Korvin (Perrot), Paul Lukas (Dr. Bernhardt), Robert Coote (Sterling)
EEUU/1948/Thriller***/Dvd/Películas del ayer

BUSCANDO UN AMOR

El gran tema de Wong Kar Wai es siempre el amor. Pero no a la manera edulcorada o melodramática, sino en un nivel expresionista y bastante subjetivo, que sin ser un calco de la vida cotidiana, se acerca más a la realidad. El amor difícil de dos hombres en Happy Together, el amor imposible o mejor dicho prohibido por la ética de los protagonistas en Deseando amar, o la memoria del amor en 2046, son variaciones de un mismo tema. Buscando un amor (esta vez acertaron con el título en español) trata sobre la búsqueda incesante de un amor que se muestra elusivo o dramático las más de las veces. Es una búsqueda que no encuentra respuestas definitivas ni “finales felices”, cada etapa que se llega es transitoria, no sabemos lo que pasará después (como sucede con el amor), así que mejor es vivirla bien y tener un buen recuerdo de ese momento. Es lo que nos dice el filme, donde el viaje de Elizabeth es un viaje de maduración, dando cuenta de lo vivido mediante sus cartas a Jeremy, quien representa la certeza de lo que existe y que está allí esperando. Dentro de esa gran historia de aprendizaje, existen sub-historias, siendo la mejor la del policía abandonado por su mujer. Puro amor destructivo cargado de un drama interno muy bien llevado por los actores Rachel Weisz como la “femme fatale” que abandona al esposo y David Strathairn como el policía desolado y que tras el abandono solo busca la muerte. De menor interés es la historia de Leslie, encarnado en una Natalie Portman como jugadora profesional que mantiene una relación de amor-odio con su padre (que es otra variante del amor), enfrentándose al drama ineludible de la muerte.

Buscando un amor es una buena película del maestro Wong Kar Wai, superior al nivel promedio que se estrena, pero que no está a la altura de sus mejores filmes, que por el momento son Happy together y Deseando amar. Vale la pena verla.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

BUSCANDO UN AMOR [My Blueberry Nights]
Dir.: Wong Kar Wai
Guión: Wong Kar Wai y Lawrence Block
c/ Jude Law (Jeremy), Norah Jones (Elizabeth), David Strathairn (Ofcr. Arnie Copeland), Rachel Weisz (Sue Lynne Copeland), Natalie Portman (Leslie)
Hong Kong, China, France/2007/Drama***/Estrenos

ZOOLANDER

Buena parodia del mundo de la moda y los modelos, con cierto tono surrealista y a veces cayendo en el exceso, pero se deja ver y se disfruta. Tiene su toque de humor negro cuando explota la gasolinera. Una de las primeras películas del cómico Ben Stiller como realizador.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

ZOOLANDER
Dir y guión: Ben Stiller
c/ Ben Stiller (Derek Zoolander), Owen Wilson (Hansel), Christine Taylor (Matilda Jeffries), Will Ferrell (Mugatu), Milla Jovovich (Katinka), Jerry Stiller (Maury Ballstein)
EEUU/2001/Comedia***/Tv/Películas del ayer

VIDAS PARALELAS

Las películas peruanas que tocan el tema del terrorismo son pocas todavía. Quizás el hecho traumático que significó la violencia terrorista y la relativa cercanía de los acontecimientos, amén que muchos actores del drama siguen vivos, no ha permitido procesar con serenidad lo ocurrido en esos terribles años y por ende ficcionalizarlos. Solitariamente, La boca del lobo (1988) y Días de Santiago (2004), cada una con enfoques y estilo totalmente distintos, siguen siendo las mejores representaciones en el cine de la temática terrorista.

Vidas paralelas es lo que podríamos llamar una película apologética y, por tanto, con un punto de vista y una carga ideológica declarada, no oculta. No creo que sea casual que la haya producido una universidad donde los militares todavía tienen presencia y que haya sido estrenada coincidiendo con el quinto aniversario del informe final de la Comisión de la Verdad – CVR. Podríamos decir que Vidas paralelas es el “anti-informe fílmico” a la CVR.

Pero, que una película tenga una carga ideológica y un mensaje declarados abiertamente no quita las bondades estilísticas que pueda tener. Dependerá del punto de vista del espectador o del crítico de cine valorar la propuesta de “reaccionaria” o no, de “encubridora de crímenes de guerra” o de “denuncia reveladora de hechos del pasado”, lo cual es ajeno a la calidad intrínseca de la película. Hay filmes que ideológicamente son “reaccionarios” (por ponerlo en esos términos), pero estilísticamente son muy buenos. Eso sucede cuando el realizador ha sabido “ocultar” su mensaje en la ficción, por lo que el mensaje subyacente no entorpece el discurso narrativo de esta; cuando pasa lo contrario (que el mensaje se sobrepone a la ficción), estamos solo ante el panfleto o la propaganda descarada.

Veamos que bondades y flaquezas se aprecian en Vidas paralelas.

La película tiene un buen comienzo, que cautiva al espectador. Con escenas rápidas y concisas, acompañado de buen pulso en las escenas de acción, nos adentra rápidamente en el tema. En un pueblito de Ayacucho incursionan los terroristas, matan a varios pobladores, secuestrando a otros, entre ellos un niño (Sixto) que con los años se convertirá en el brazo derecho del “camarada Teodoro” (un apenas camuflado Abimael Guzmán), mientras el otro niño (Felipe) será adoptado por el oficial del ejército encargado de la incursión militar, iniciándose así “las vidas paralelas” a que alude el título del filme, abarcando un arco temporal de veinte años aproximadamente.

El uso de la pantalla partida en que nos va narrando el discurrir de la vida de estos dos jóvenes (uno adoctrinado por Teodoro, el otro siguiendo los pasos de su padre adoptivo) gana en agilidad al relato, con una –baches más, baches menos- lograda primera parte. Sin embargo, en la segunda parte, flaquea, hasta desbarrancar en el epílogo conclusivo. Cuando se cambia la perspectiva de “las vidas paralelas”, con el protagonismo de la “camarada Bertha” (Jimena Lindo, como siempre muy buena) y su relación con Felipe, como que lo contado hasta ese momento ya no convence, como que la relación sentimental se nota forzada, impostada, fuera de lugar (incluso tenemos un “bache narrativo”: de la escena del encuentro casual de Felipe y Bertha, cuando se tropiezan en la calle, pasamos sin mayor resolución de continuidad al diálogo entre ambos posterior al primer combate amoroso de la pareja: una elipsis más rápida que un cuy eléctrico). Pero, donde ya desbarranca totalmente es en el juicio a Felipe, ubicado en la época actual (“post CVR”) y restaurada la democracia. Todo es demasiado esquemático, panfletario y burdo.

Incluso, y debido a este esquematismo, subliminalmente parece decirnos que en la época de la autocracia fujimorista todo estaba mejor o por lo menos se combatía más eficientemente al terrorismo, no como ahora que se le deja hacer de las suyas. Porque algo que no oculta la película es precisamente “la eficacia” con que se pudo actuar contra el terrorismo en los años noventa y que esta “guerra interna” no ha terminado, lo cual se grafica en la escena final donde apreciamos a Sixto dirigiendo un grupo terrorista dedicado al narcotráfico. Por tanto –es lo que dice implícitamente la película- se debe dejar actuar libremente a los militares a fin que terminen con el problema y no entrabar su accionar con juicios parcializados, mediáticos, engorrosos e injustos, que solo le hacen el juego al terror, suerte de “tontos útiles”.

Como decíamos líneas arriba, cuando el mensaje se sobrepone a la ficción, esta pierde su sentido y pasa a ser un filme panfletario o propagandístico, consiguiendo un efecto opuesto al deseado: que el receptor del mensaje (el espectador) no se lo crea. Es lo que le sucedió a Vidas paralelas.
Es muy respetable que los militares quieran “lavar su imagen” de los hechos acaecidos en la época del terrorismo. Tienen todo el derecho de plantear su punto de vista y cómo se sienten; pero, si se quiere hacer apología a favor de un grupo determinado, existen medios más eficaces, aprovechando mejor los recursos disponibles (que suponemos provienen de los ingresos de dicha universidad, al ser la productora del filme).

Para terminar, hay una cosa en que sí acierta la propuesta narrativa de la película: que la violencia terrorista no se debió a las condiciones de pobreza de la zona como machacona y simplistamente se ha sostenido, sino a la fanatización ideológica de un grupo altamente politizado. Quienes hayan conocido un senderista de verdad, sabrán que citaban los textos de Mao o del “camarada Gonzalo” como si fuesen citas de la Biblia, similar a esos grupos religiosos que en siglos pasados mataban “en nombre de Dios”. Eso pasa cuando la ideología la elevamos a dogma de fe, y es lo que le pasó a SL, generando la ola de violencia que desangró al Perú por más de doce años. Lástima que no haya podido ser tratado de forma más inteligente, los resultados hubiesen sido distintos.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

VIDAS PARALELAS
Dir.: Rocío Lladó
Guión: Carlos Freyre
c/ Oscar López Arias (Felipe), Jimena Lindo (Bertha), Renzo Schuller (Sixto), Fernando Vásquez (Teodoro), Edgar Núñez (Alcalde), Rocío Lladó (La fiscal)
Perú/2008/Drama**/Estrenos

EL PADRINO CONSIDERADA COMO LA MEJOR PELÍCULA DE TODOS LOS TIEMPOS

En una encuesta realizada por la revista británica Empire entre lectores, internautas, críticos y directores para elegir las 500 películas mas grandes en la historia del cine, figura en primer lugar El padrino de Francis Ford Coppola, seguida de Los cazadores del arca perdida, El imperio contraataca, Tiburón, Buenos muchachos, Apocalipsis ahora (del propio FFC) y Tiempos violentos (Pulp fiction). Lo curioso es que las elegidas en los diez primeros lugares son mayormente películas de los últimos treinta y cinco años, y pertenecientes a la cultura popular. Incluso en la lista figura la película Sueños de fuga (Shawshank Redemption), un filme que fue recibido con frialdad en su estreno en 1994 y que poco a poco, y gracias a los cinéfilos, se está convirtiendo en filme de culto, coadyuvado por la historia de coraje, perseverancia y decisión que contiene, no exento de final feliz.

Quizás la elección dice mucho más de la edad de los encuestados y de sus gustos personales. Por ejemplo, llama la atención que no estén en el “top ten” filmes clásicos como El ciudadano Kane o El acorazado Potemkin, para muchos críticos, esta última, la mejor película de todos los tiempos. Solo se salva un musical de los cincuenta: Cantando bajo la lluvia.

La elección más refleja los cambios en el gusto de una época que otra cosa. Gustos que van cambiando, se van modificando con el influjo de los acontecimientos sociales y culturales que se vive en cada época. Para un “purista en el cine” (que no es mi caso) se le escarapelaría la piel de solo ver que se encuentra en la lista el primer filme de la saga de Indiana Jones; o El imperio contraataca, que si bien es la mejor de las seis películas de La guerra de las galaxias, no es para considerarla una película de todos los tiempos. Ya no mencionemos Tiburón, considerado el primer “blockbuster” en la historia del cine.

Pero también la lista sirve para reflexionar sobre la eterna pregunta ¿existe o no objetividad al momento de valorar una película? Los resultados se inclinan a lo segundo y aunque la “crítica especializada” (que en nuestro medio de especializada tiene muy poco) se diga objetiva, cuenta mucho las fobias y preferencias personales, recubiertas con un aparente lenguaje “objetivo” que no haga traslucir esa subjetividad implícita; porque, en la elección de preferencias en el cine sucede lo mismo que con la elección de pareja: más entran en juego nuestros deseos y pulsiones internas que una supuesta racionalidad.

Así que ha no tomarse muy en serio la relación de películas y los que no estén de acuerdo con la lista, hagan la suya. Total, no pierden nada.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

LAS DIEZ PRIMERAS DE LA LISTA DE EMPIRE
1- The Godfather (El padrino)
2- Raiders of the Lost Ark (Los cazadores del arca perdida)
3- The Empire Strikes Back (El imperio contraataca)
4- Shawshank Redemption (Sueños de fuga)
5- Jaws (Tiburón)
6- Goodfellas (Buenos muchachos)
7- Apocalypse Now (Apocalipsis ahora)
8- Singin´ in the Rain (Cantando bajo la lluvia)
9- Pulp Fiction (Tiempos violentos)
10- The Fight Club (El club de la pelea)

TRAICIÓN Y LUJURIA

Ubicado en el Hong Kong de la ocupación japonesa, un grupo de estudiantes deciden unirse a la resistencia, asesinando a los principales personajes del gobierno colaboracionista chino, por lo que deciden infiltrar a una chica que se haga pasar por amante del mismísimo jefe encargado de eliminar las celulas de resistencia.
Hasta allí todo parece ir bien, lo que no está previsto en los planes de los insurgentes es la compenetración entre Yee y Wong Chia Chi, a tal punto que los juegos eróticos abren una compuerta de intimidad y complicidades insospechadas, rompiendo cualquier barrera de convencionalismo que separe a la pareja.
Ese es el atractivo del thriller, sustentado en dos muy buenas actuaciones de los protagónicos. Tony Leung Chiu Wai, actor habitual del maestro Kar Wai Wong, como el frío funcionario que se ve rebalsado por una pasión incontrolable, y la joven actriz Wei Tang, como la muchacha idealista que se verá también arrebatada por una pasión que traicionará sus propios ideales, con tres escenas de erotismo que están en lo mejor del filme, todo narrado en un ritmo moroso (de allí el metraje), como de un tiempo que no pasa para los amantes.
Logrado thriller de época de Ang Lee, quien retorna a sus orígenes con esta notable pieza de suspenso y erotismo.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

TRAICIÓN Y LUJURIA [Se, jie]
Dir.: Ang Lee
Guión: James Schamus y Hui-Ling Wang, basado en un cuento de Eileen Chang
c/ Tony Leung Chiu Wai (Mr. Yee), Wei Tang (Wong Chia Chi / Mak Tai Tai), Joan Chen (Yee Tai Tai), Lee-Hom Wang (Kuang Yu Min)
EEUU,China,Taiwan,Hong Kong/2007/Thriller***/Estrenos

JACQUOU LE CROQUANT

Película representativa de la revolución y la contrarrevolución francesa, encarnado en personajes símbolo de una clase social, así Jacquou representa al “nuevo hombre del mañana” justiciero pero no vengativo, mientras el conde encarna a la clase retrógada anclada en el pasado. A veces cae en el esquematismo y la manipulación, pero es interesante y como aventura está bien contada, salvo cuando el realizador pretende elevarla a nivel de metáfora, donde tiene algunos reparos (hasta la fecha de la insurrección de los campesinos es evidente -14 de Julio-). Un detalle: la lluvia siempre precede a un acontecimiento importante, símbolo de la “limpieza” del viejo orden por uno nuevo. Difícil que llegue a estrenarse en nuestro medio, se encuentra disponible en dvd.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

JACQUOU LE CROQUANT
Dir: Laurent Boutonnat
c/ Gaspard Ulliel, Marie-Josée Croze, Albert Dupontel, Jocelyn Quivrin
Fra/2005/Drama histórico***/Dvd/Las que nunca se estrenaron

DUEÑOS DE LA NOCHE

Tomando los elementos del cine negro y el policial, James Gray se ha adentrado con una mirada personal en el mundo violento del Nueva York de los ochenta.
Las inspiraciones cinéfilas afloran. Como el mismo realizador lo confesó, El padrino de Francis Ford Coppola fue una de ellas. De la saga de El padrino toma el ambiente y los códigos familiares. La familia y los lazos consanguíneos son importantes para los protagonistas, razón por la cual el personaje de Bobby acepta convertirse primero en informante y luego en policía para lavar la sangre del padre muerto. La familia es importante también dentro de la Mafia rusa, donde eres parte de una familia mucho más extensa y cuyos brazos son inabarcables. El “padre malo” que representa a esa familia es Marat Buzhayev quien cuida de sus “retoños” como si se tratase de sus propios hijos (Bobby cuando trabaja para él es cuidado para que siga adelante en las promociones que Marat realiza entre su gente). Y la policía también se comporta como un clan familiar, con complicidades y ayudas mutuas. De allí que la elección de Bobby (personaje eje sobre el que se desarrolla la trama) entre una de las dos familias (la de la mafia o la de la policía) es desgarrador, implica que una sea aliada y la otra enemiga.
Gray también se ha inspirado en Contacto en Francia para las escenas de acción, en especial la persecución en carros en medio de la lluvia, aunque en un tono más seco y cortante.
Existe un cuidado estético en el filme. La lluvia, el humo o hasta la recreación de los ambientes de hace veinte años implica una meticulosidad que linda en lo obsesivo. No en vano el realizador es admirador del desaparecido Stanley Kubrick. Hermosas las tomas en esos tonos fríos, apagados, con cortes secos como la vida de los protagonistas que repentinamente pueden quedar segadas. No hay héroes, ni tampoco buscan gloria, solo cumplir con su deber y con su familia.
Notable la actuación de Phoenix, bien acompañado de Eva Mendes. Por supuesto que Robert Duvall no es gratuito en el reparto, recordemos que el estuvo en las dos primeras entregas de El padrino.
Filme peculiar, con toques de creatividad, algo raro en el actual cine norteamericano. Merece verse.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


DUEÑOS DE LA NOCHE [We Own the Night]
Dir. y guión:James Gray
c/ Joaquin Phoenix (Robert 'Bobby' Green), Eva Mendes (Amada Juarez), Mark Wahlberg (Capt. Joseph 'Joe' Grusinsky), Robert Duvall (Deputy Chief Albert 'Bert' Grusinsky), Alex Veadov (Vadim Nezhinski), Moni Moshonov (Marat Buzhayev)
EEUU/2007/Policial***/Estrenos

EL AGENTE SECRETO

Muy buena película de suspenso del maestro. Filme perteneciente a su época británica, ambientado durante la primera guerra mundial, el suspenso no se pierde ni por un momento. Ya existen elementos del estilo de Hitchcock, como la pista falsa (en la búsqueda del espía enemigo), la doble personalidad de los protagonistas centrales, no exento todo de cierto toque de humor y de ironía en los diálogos. Un personaje peculiar y por eso digno de recordación es “el general”. Magnífico Peter Lorre como el sátiro y esperpéntico hombre encargado del “trabajo sucio”, y de nombre y títulos tan largos como irrepetibles (General Pompil Moctezuma, Conde de la Villa de Albuquerque). También vemos a un joven John Gielgud (que mucho después recibiría el título de Sir) como “el agente secreto” y a un también joven Robert Young como el verdadero espía, que luego se haría famoso por la serie de tv “Papá lo sabe todo”.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

EL AGENTE SECRETO [Secret Agent]
Dir: Alfred Hitchcock
Guión: Charles Bennett, basado en la novela Ashenden de W. Somerset Maugham
c/John Gielgud (Edgar Brodie / Richard Ashenden), Peter Lorre (el general), Madeleine Carroll (Elsa Carrington), Robert Young (Robert Marvin), Charles Carson ('R')
UK/1936/Thriller***/Películas del ayer

CÓMO CASARSE Y MANTENERSE SOLTERO

Titulada también en español como “Se renta esposa”, es la comedia clásica sobre el engaño: Un maduro creador de perfumes debe fingir que tiene novia y estar próximo a casarse para que su familia lo deje en paz, verdadero matriarcado con la viuda Geneviève a la cabeza. Pero, todo sale mal cuando su familia gusta de la novia y le reprueban que esta lo haya abandonado en el altar (situación fingida para culminar con el engaño), debiendo optar por una estrategia distinta que complica aún más las cosas. Por supuesto, como sucede en este tipo de comedias, al final lo que es apariencia termina por convertirse en verdad y la pareja se enamora realmente.
Como se ve la película discurre dentro de los cánones tradicionales, salvándose apenas por las buenas actuaciones, tanto de Alain Chabat como el maduro solterón, así como de Bernadette Lafont como la matriarca familiar. Tiene algunas escenas graciosas como el llanto irreparable del amigo de Luis, Pierre-Yves, al saber que su ex mujer lo ha denunciado ante el fisco y debe ocultar todos los bienes que no ha declarado, o la del abandono “irreparable” ante el altar de Luis, con lo que quiere aparentar desconsuelo.
En fin, una comedia sin muchos aspavientos y que se deja ver sin ser demasiado exigente.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

CÓMO CASARSE Y MANTENERSE SOLTERO [Prête-moi ta main]
Dir.: Eric Lartigau
Guión: Philippe Mechelen
c/ Alain Chabat (Luis Costa), Charlotte Gainsbourg (Emma), Bernadette Lafont (Geneviève Costa), Wladimir Yordanoff (Francis Bertoff), Grégoire Oestermann (Pierre-Yves)
Fra/2006/Comedia***/Estrenos

EL HOMBRE DEL BRAZO DE ORO

Intenso drama sobre el mundo de las drogas, algo inusual de tratar en la cinematografía norteamericana de los años 50. Retrato de marginales, de naúfragos a la deriva, de “loosers”; la acción se encuentra circunscrita a un barrio de pobres blancos, donde entre el expendedor de droga y el apostador explotan las debilidades de los seres que por un trago o un poco de heroína sobreviven en la miseria humana; de cómo al que quiere salir del vicio lo vuelven a introducir. Excepcional la actuación de Frank Sinatra como el heroinómano que quiere dejar ese mundo y no lo dejan; pero sobretodo destacable la actuación de Eleanor Parker como la mujer que finge invalidez para que el esposo le tenga lástima y se quede con ella. La angustia, manipulación, inseguridad, y desequilibrio emocional se hacen carne en la magnífica actuación de la Parker.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

EL HOMBRE DEL BRAZO DE ORO [The Man with the Golden Arm]
Dir.: Otto Preminger
Guión: Walter Newman y Lewis Meltzer, basado en la novela de Nelson Algren
c/ Frank Sinatra (Frankie Machine), Eleanor Parker (Zosch), Kim Novak (Molly),
Arnold Stang (Sparrow), Darren McGavin (Louie), Robert Strauss (Schwiefka)
EEUU/1955/Drama***/Películas del ayer

HELLBOY II: EL EJÉRCITO DORADO

La primera entrega de Hellboy (2004) tenía el interés de la novedad y ser una lograda adaptación del cómic. Luego Benicio del Toro se dedicó a proyectos más personales como El laberinto del fauno (2006), siempre atraído por el mundo de lo fantástico, donde es uno de sus principales inspiradores actuales, por lo que se esperaba la continuación del “muchacho del infierno”.

Sin embargo, el planteamiento de la propuesta en HB2 dista mucho de satisfacer a un cinéfilo medianamente exigente. Benicio del Toro no define hacia donde quiere llevar la trama. A veces da la impresión de no tomarse muy en serio a sus personajes. Vemos a un Hellboy parodiándose a si mismo en un tono ligero; igual que su amigo y colega Abe enamorado perdidamente de la princesa Nuala (con numerito musical incluido), o la del propio “Rojo” con su pareja, Liz, con quien sufre la peor crisis de la relación en pleno embarazo de ella, para no mencionar la excesiva sobreexposición pública de los superhéroes, encontrándose sus imágenes hasta en youtube (no siendo ya tan secreto el servicio secreto para el que trabajan, causando las iras de su jefe, el hipertenso Tom Manning). Si se hubiera desarrollado esa línea argumentativa, en buena hora, siempre es buena la autoparodia si es bien llevada; pero, inesperadamente cambia el giro hacia el ambicioso príncipe Nuada y el ejército que da título al filme, que curiosamente es la línea dramática menos desarrollada y menos interesante de la historia. Y, para remate, una línea discursiva sobre los “freaks”, los raros, ¿no será que Hellboy y sus amigos pertenecen a ese mundo de seres fuera de lo común, que al de los mortales, para quienes trabajan? Esa era otra propuesta bastante interesante de explotar y que planteaba problemas de identidad, que lamentablemente se quedó a medio camino.

Da la impresión que del Toro no se ha querido tomar muy en serio el proyecto o este sufre un agotamiento creativo prematuro, insuflándole un toque de humor que a veces acierta y a veces no. Las mejores escenas creo que son dos: la inicial, donde vemos a un Hellboy todavía niño escuchando un cuento de su “padre adoptivo” sobre la génesis del ejército dorado y que sirve para introducirnos en el contexto del relato. Magistral en su economía de medios. Y la otra es cuando ingresan al mercado bajo el puente buscando pistas sobre el príncipe rebelde. Allí Hellboy y sus amigos ya no son “raros” ni marginales, están como en familia dentro de ese mundo y quizás es un error estar en el mundo de los mortales. Pura imaginería visual y también la línea dramática más interesante que merecía un mejor desarrollo.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

HELLBOY II: EL EJÉRCITO DORADO [Hellboy II: The Golden Army]
Dir. y guión: Guillermo del Toro, basado en el cómic de Mike Mignola
c/ Ron Perlman (Hellboy), Selma Blair (Liz Sherman), Doug Jones (Abe Sapien / The Chamberlain / The Angel of Death), James Dodd y John Alexander (Johann Krauss), Jeffrey Tambor (Tom Manning), Luke Goss (Prince Nuada), Anna Walton (Princess Nuala)
EEUU/2008/Fantástico***/Estrenos

BATMAN REGRESA

La continuación del díptico burtoniano sobre el hombre murciélago. Toda la fantasía, humor negro e ironía propios del estilo de Burton están concentrados en Batman regresa, una de sus mejores películas. Se nota un Tim Burton más libre y creativo que en la primera versión, dando rienda suelta a su vuelo creativo.
Si Batman era la génesis del héroe y de su archienemigo por antonomasia (el Joker), en la continuación tenemos a dos villanos de antología: el Pingüino y Gatúbela, villanos de opereta que quedan en la galería de los mejores de Tim Burton. Gatúbela es el complemento de Batman, su lado femenino, pero igual de oscuro, marginal y “freak”.
Batman regresa es superior a Batman y marcó un hito difícil de superar en el hombre murciélago, que solo por algunos momentos Christopher Nolan ha podido superar en The Dark Knight.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

BATMAN REGRESA [Batman Returns]
Dir.: Tim Burton
Guión: Daniel Waters, basado en los caracteres creados por Bob Kane
c/ Michael Keaton (Batman / Bruce Wayne), Danny DeVito (Penguin / Oswald Cobblepot), Michelle Pfeiffer (Catwoman / Selina Kyle), Christopher Walken (Max Shreck), Michael Gough (Alfred Pennyworth)
EEUU,UK/1992/Acción***/Películas del ayer

BATMAN

La película que cambió la visión que se tenía de los superhéroes y en especial de Batman. Nos presenta a un Batman sombrío, neurótico, con problemas personales irresueltos que impulsan su lucha contra el crimen. “Se bajó del pedestal” a los superhéroes. Fue la gran contribución de Tim Burton (inspirada en la novela gráfica de Frank Miller) en esta película oscura como la recóndita mente del hombre murciélago, y carnavalesca por el toque humorístico negro y malvado que impuso el Joker interpretado por Jack Nicholson que, por cierto, “le robó” la película a Michael Keaton.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

BATMAN
Dir.: Tim Burton
Guión: Sam Hamm y Warren Skaaren, basado en los caracteres creados por Bob Kane
c/ Michael Keaton (Batman / Bruce Wayne), Jack Nicholson (Joker / Jack Napier), Kim Basinger (Vicki Vale), Pat Hingle (Commissioner James Gordon), Michael Gough (Alfred Pennyworth), Jack Palance (Carl Grissom)
EEUU,UK/1989/Acción***/Películas del ayer

3:10 MISIÓN PELIGROSA

Logrado remake que resucita un género que parecía extinto. A diferencia del regodeo moroso y gratuito de El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford de Andrew Dominik, 3:10 to Yuma (mejor están los otros títulos en español que el designado por acá) mantiene una tensión de inicio a fin, sustentada en dos buenas actuaciones, la de Russell Crowe como un bandolero “carismático”, lector de los proverbios de la Biblia y nada vengativo; y un Christian Bale como un granjero taciturno, preocupado por su familia y que ve en la oportunidad de trasladar al bandolero al tren que lo conducirá a la prisión de Yuma (de allí el título original) una forma de pagar deudas y salir de la condición miserable en que vive con los suyos. Y, en el medio, William, el hijo de Dan, fascinado por lo que representa Ben Wade para un chico de su edad.
Western que mantiene los arquetipos del género: grandes planos, el desierto como escenario natural, perseguidores-perseguidos, acción de principio a fin, desarrollo lineal. Precisamente el “salvaje oeste” donde prima la ley del más fuerte da pie para una crítica contra “el capitalismo salvaje”, donde prevalece el interés de las grandes corporaciones que pueden pagar a autoridades y hasta la ejecución de un “outlaw” frente a los pequeños ciudadanos sin el poder fáctico de estas.
Merece verse este western, nada pretencioso y que como las películas de antaño se sustentaba en buenas actuaciones y una historia atractiva e interesante de principio a fin.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


3:10 MISIÓN PELIGROSA [3:10 to Yuma]
Dir.: James Mangold
Guión: Halsted Welles y otros, basado en un cuento de Elmore Leonard
c/ Russell Crowe (Ben Wade), Christian Bale (Dan Evans), Logan Lerman (William Evans), Dallas Roberts (Grayson Butterfield), Ben Foster (Charlie Prince), Peter Fonda (Byron McElroy)
EEUU/2007/Western***/Estrenos

EL SABOR DE LA SANDÍA

Es un verano caluroso en Taiwán y no hay agua, así que la gente debe saciar la sed comiendo jugosas sandías. Justo en la escena que abre la película vemos a una chica totalmente desnuda tendida en la cama, con las piernas abiertas y entre estas la mitad de una apetecible sandía, representación de su sexo por lo carnoso, rojo y jugoso. Su compañero lame, mete los dedos a la fruta como si se tratase de la vagina de la chica, quien comienza a gemir de placer. Pero, El sabor de la sandía no es una película erótica, ni siquiera porno por las escenas de sexo explícito que se filman en los departamentos, donde, en uno de ellos, sirve de escenario para películas triple equis (luego sabremos que la escena inicial que hemos presenciado es parte de una película porno que están rodando). No, el realizador no busca dar una lección de existencialidad ni nada parecido, solo registrar el trascurrir de estos personajes durante un verano cálido y seco, a modo de un entomólogo que entra a observar la vida en una colmena o nido. No es casual por eso la alusión a las hormigas que por el dulce de la fruta se trepan a los personajes, como tampoco al musical, con números coreográficos aparentemente inconexos pero que reflejan el ebullir de estas personas en un contexto y tiempo determinado (por medio del canto expresan sus deseos, sueños, anhelos y también frustraciones). El color rojo predominante (no solo por la pulpa de la fruta) refleja la pasión que sienten y mueve a los personajes. La escena final en que la chica recibe el semen de su novio en la boca, excitada al ver por una ventana que tiene sexo con la actriz porno desmayada por el calor (o quizás muerta, lo cual confiere a la escena un aire necrófilo) y excitado también este por los gemidos de su novia es consustancial a todo ese juego de eroticidades mutuas de los protagonistas, donde los espectadores son “voyeurs” privilegiados. Película de pocos diálogos, demostrando que el cine es más que palabras y que la pasión para encenderse no requiere de tanto palabreo; así como juego lúdico y erótico de los recovecos de la condición humana y que somos unos bichos tan similares como las hormigas que se cuelgan del cuello de los protagonistas queriendo succionar (chupar) el dulce sabor de la sandía.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

EL SABOR DE LA SANDÍA [Tian bian yi duo yun]
Dir. y guión: Tsai Ming-liang
c/ Kang-sheng Lee (Hsiao-Kang), Shiang-chyi Chen (Shiang-chyi), Yi-Ching Lu (Mother), Kuei-Mei Yang (Taiwanese Porn Actress), Sumomo Yozakura (Japanese Porn Star)
Taiwán, Fra/2005/Comedia dramática, musical***/Dvd/Las que nunca se estrenaron