TRAICIÓN Y LUJURIA

Ubicado en el Hong Kong de la ocupación japonesa, un grupo de estudiantes deciden unirse a la resistencia, asesinando a los principales personajes del gobierno colaboracionista chino, por lo que deciden infiltrar a una chica que se haga pasar por amante del mismísimo jefe encargado de eliminar las celulas de resistencia.
Hasta allí todo parece ir bien, lo que no está previsto en los planes de los insurgentes es la compenetración entre Yee y Wong Chia Chi, a tal punto que los juegos eróticos abren una compuerta de intimidad y complicidades insospechadas, rompiendo cualquier barrera de convencionalismo que separe a la pareja.
Ese es el atractivo del thriller, sustentado en dos muy buenas actuaciones de los protagónicos. Tony Leung Chiu Wai, actor habitual del maestro Kar Wai Wong, como el frío funcionario que se ve rebalsado por una pasión incontrolable, y la joven actriz Wei Tang, como la muchacha idealista que se verá también arrebatada por una pasión que traicionará sus propios ideales, con tres escenas de erotismo que están en lo mejor del filme, todo narrado en un ritmo moroso (de allí el metraje), como de un tiempo que no pasa para los amantes.
Logrado thriller de época de Ang Lee, quien retorna a sus orígenes con esta notable pieza de suspenso y erotismo.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

TRAICIÓN Y LUJURIA [Se, jie]
Dir.: Ang Lee
Guión: James Schamus y Hui-Ling Wang, basado en un cuento de Eileen Chang
c/ Tony Leung Chiu Wai (Mr. Yee), Wei Tang (Wong Chia Chi / Mak Tai Tai), Joan Chen (Yee Tai Tai), Lee-Hom Wang (Kuang Yu Min)
EEUU,China,Taiwan,Hong Kong/2007/Thriller***/Estrenos

JACQUOU LE CROQUANT

Película representativa de la revolución y la contrarrevolución francesa, encarnado en personajes símbolo de una clase social, así Jacquou representa al “nuevo hombre del mañana” justiciero pero no vengativo, mientras el conde encarna a la clase retrógada anclada en el pasado. A veces cae en el esquematismo y la manipulación, pero es interesante y como aventura está bien contada, salvo cuando el realizador pretende elevarla a nivel de metáfora, donde tiene algunos reparos (hasta la fecha de la insurrección de los campesinos es evidente -14 de Julio-). Un detalle: la lluvia siempre precede a un acontecimiento importante, símbolo de la “limpieza” del viejo orden por uno nuevo. Difícil que llegue a estrenarse en nuestro medio, se encuentra disponible en dvd.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

JACQUOU LE CROQUANT
Dir: Laurent Boutonnat
c/ Gaspard Ulliel, Marie-Josée Croze, Albert Dupontel, Jocelyn Quivrin
Fra/2005/Drama histórico***/Dvd/Las que nunca se estrenaron

DUEÑOS DE LA NOCHE

Tomando los elementos del cine negro y el policial, James Gray se ha adentrado con una mirada personal en el mundo violento del Nueva York de los ochenta.
Las inspiraciones cinéfilas afloran. Como el mismo realizador lo confesó, El padrino de Francis Ford Coppola fue una de ellas. De la saga de El padrino toma el ambiente y los códigos familiares. La familia y los lazos consanguíneos son importantes para los protagonistas, razón por la cual el personaje de Bobby acepta convertirse primero en informante y luego en policía para lavar la sangre del padre muerto. La familia es importante también dentro de la Mafia rusa, donde eres parte de una familia mucho más extensa y cuyos brazos son inabarcables. El “padre malo” que representa a esa familia es Marat Buzhayev quien cuida de sus “retoños” como si se tratase de sus propios hijos (Bobby cuando trabaja para él es cuidado para que siga adelante en las promociones que Marat realiza entre su gente). Y la policía también se comporta como un clan familiar, con complicidades y ayudas mutuas. De allí que la elección de Bobby (personaje eje sobre el que se desarrolla la trama) entre una de las dos familias (la de la mafia o la de la policía) es desgarrador, implica que una sea aliada y la otra enemiga.
Gray también se ha inspirado en Contacto en Francia para las escenas de acción, en especial la persecución en carros en medio de la lluvia, aunque en un tono más seco y cortante.
Existe un cuidado estético en el filme. La lluvia, el humo o hasta la recreación de los ambientes de hace veinte años implica una meticulosidad que linda en lo obsesivo. No en vano el realizador es admirador del desaparecido Stanley Kubrick. Hermosas las tomas en esos tonos fríos, apagados, con cortes secos como la vida de los protagonistas que repentinamente pueden quedar segadas. No hay héroes, ni tampoco buscan gloria, solo cumplir con su deber y con su familia.
Notable la actuación de Phoenix, bien acompañado de Eva Mendes. Por supuesto que Robert Duvall no es gratuito en el reparto, recordemos que el estuvo en las dos primeras entregas de El padrino.
Filme peculiar, con toques de creatividad, algo raro en el actual cine norteamericano. Merece verse.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


DUEÑOS DE LA NOCHE [We Own the Night]
Dir. y guión:James Gray
c/ Joaquin Phoenix (Robert 'Bobby' Green), Eva Mendes (Amada Juarez), Mark Wahlberg (Capt. Joseph 'Joe' Grusinsky), Robert Duvall (Deputy Chief Albert 'Bert' Grusinsky), Alex Veadov (Vadim Nezhinski), Moni Moshonov (Marat Buzhayev)
EEUU/2007/Policial***/Estrenos

EL AGENTE SECRETO

Muy buena película de suspenso del maestro. Filme perteneciente a su época británica, ambientado durante la primera guerra mundial, el suspenso no se pierde ni por un momento. Ya existen elementos del estilo de Hitchcock, como la pista falsa (en la búsqueda del espía enemigo), la doble personalidad de los protagonistas centrales, no exento todo de cierto toque de humor y de ironía en los diálogos. Un personaje peculiar y por eso digno de recordación es “el general”. Magnífico Peter Lorre como el sátiro y esperpéntico hombre encargado del “trabajo sucio”, y de nombre y títulos tan largos como irrepetibles (General Pompil Moctezuma, Conde de la Villa de Albuquerque). También vemos a un joven John Gielgud (que mucho después recibiría el título de Sir) como “el agente secreto” y a un también joven Robert Young como el verdadero espía, que luego se haría famoso por la serie de tv “Papá lo sabe todo”.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

EL AGENTE SECRETO [Secret Agent]
Dir: Alfred Hitchcock
Guión: Charles Bennett, basado en la novela Ashenden de W. Somerset Maugham
c/John Gielgud (Edgar Brodie / Richard Ashenden), Peter Lorre (el general), Madeleine Carroll (Elsa Carrington), Robert Young (Robert Marvin), Charles Carson ('R')
UK/1936/Thriller***/Películas del ayer

CÓMO CASARSE Y MANTENERSE SOLTERO

Titulada también en español como “Se renta esposa”, es la comedia clásica sobre el engaño: Un maduro creador de perfumes debe fingir que tiene novia y estar próximo a casarse para que su familia lo deje en paz, verdadero matriarcado con la viuda Geneviève a la cabeza. Pero, todo sale mal cuando su familia gusta de la novia y le reprueban que esta lo haya abandonado en el altar (situación fingida para culminar con el engaño), debiendo optar por una estrategia distinta que complica aún más las cosas. Por supuesto, como sucede en este tipo de comedias, al final lo que es apariencia termina por convertirse en verdad y la pareja se enamora realmente.
Como se ve la película discurre dentro de los cánones tradicionales, salvándose apenas por las buenas actuaciones, tanto de Alain Chabat como el maduro solterón, así como de Bernadette Lafont como la matriarca familiar. Tiene algunas escenas graciosas como el llanto irreparable del amigo de Luis, Pierre-Yves, al saber que su ex mujer lo ha denunciado ante el fisco y debe ocultar todos los bienes que no ha declarado, o la del abandono “irreparable” ante el altar de Luis, con lo que quiere aparentar desconsuelo.
En fin, una comedia sin muchos aspavientos y que se deja ver sin ser demasiado exigente.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

CÓMO CASARSE Y MANTENERSE SOLTERO [Prête-moi ta main]
Dir.: Eric Lartigau
Guión: Philippe Mechelen
c/ Alain Chabat (Luis Costa), Charlotte Gainsbourg (Emma), Bernadette Lafont (Geneviève Costa), Wladimir Yordanoff (Francis Bertoff), Grégoire Oestermann (Pierre-Yves)
Fra/2006/Comedia***/Estrenos

EL HOMBRE DEL BRAZO DE ORO

Intenso drama sobre el mundo de las drogas, algo inusual de tratar en la cinematografía norteamericana de los años 50. Retrato de marginales, de naúfragos a la deriva, de “loosers”; la acción se encuentra circunscrita a un barrio de pobres blancos, donde entre el expendedor de droga y el apostador explotan las debilidades de los seres que por un trago o un poco de heroína sobreviven en la miseria humana; de cómo al que quiere salir del vicio lo vuelven a introducir. Excepcional la actuación de Frank Sinatra como el heroinómano que quiere dejar ese mundo y no lo dejan; pero sobretodo destacable la actuación de Eleanor Parker como la mujer que finge invalidez para que el esposo le tenga lástima y se quede con ella. La angustia, manipulación, inseguridad, y desequilibrio emocional se hacen carne en la magnífica actuación de la Parker.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

EL HOMBRE DEL BRAZO DE ORO [The Man with the Golden Arm]
Dir.: Otto Preminger
Guión: Walter Newman y Lewis Meltzer, basado en la novela de Nelson Algren
c/ Frank Sinatra (Frankie Machine), Eleanor Parker (Zosch), Kim Novak (Molly),
Arnold Stang (Sparrow), Darren McGavin (Louie), Robert Strauss (Schwiefka)
EEUU/1955/Drama***/Películas del ayer

HELLBOY II: EL EJÉRCITO DORADO

La primera entrega de Hellboy (2004) tenía el interés de la novedad y ser una lograda adaptación del cómic. Luego Benicio del Toro se dedicó a proyectos más personales como El laberinto del fauno (2006), siempre atraído por el mundo de lo fantástico, donde es uno de sus principales inspiradores actuales, por lo que se esperaba la continuación del “muchacho del infierno”.

Sin embargo, el planteamiento de la propuesta en HB2 dista mucho de satisfacer a un cinéfilo medianamente exigente. Benicio del Toro no define hacia donde quiere llevar la trama. A veces da la impresión de no tomarse muy en serio a sus personajes. Vemos a un Hellboy parodiándose a si mismo en un tono ligero; igual que su amigo y colega Abe enamorado perdidamente de la princesa Nuala (con numerito musical incluido), o la del propio “Rojo” con su pareja, Liz, con quien sufre la peor crisis de la relación en pleno embarazo de ella, para no mencionar la excesiva sobreexposición pública de los superhéroes, encontrándose sus imágenes hasta en youtube (no siendo ya tan secreto el servicio secreto para el que trabajan, causando las iras de su jefe, el hipertenso Tom Manning). Si se hubiera desarrollado esa línea argumentativa, en buena hora, siempre es buena la autoparodia si es bien llevada; pero, inesperadamente cambia el giro hacia el ambicioso príncipe Nuada y el ejército que da título al filme, que curiosamente es la línea dramática menos desarrollada y menos interesante de la historia. Y, para remate, una línea discursiva sobre los “freaks”, los raros, ¿no será que Hellboy y sus amigos pertenecen a ese mundo de seres fuera de lo común, que al de los mortales, para quienes trabajan? Esa era otra propuesta bastante interesante de explotar y que planteaba problemas de identidad, que lamentablemente se quedó a medio camino.

Da la impresión que del Toro no se ha querido tomar muy en serio el proyecto o este sufre un agotamiento creativo prematuro, insuflándole un toque de humor que a veces acierta y a veces no. Las mejores escenas creo que son dos: la inicial, donde vemos a un Hellboy todavía niño escuchando un cuento de su “padre adoptivo” sobre la génesis del ejército dorado y que sirve para introducirnos en el contexto del relato. Magistral en su economía de medios. Y la otra es cuando ingresan al mercado bajo el puente buscando pistas sobre el príncipe rebelde. Allí Hellboy y sus amigos ya no son “raros” ni marginales, están como en familia dentro de ese mundo y quizás es un error estar en el mundo de los mortales. Pura imaginería visual y también la línea dramática más interesante que merecía un mejor desarrollo.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

HELLBOY II: EL EJÉRCITO DORADO [Hellboy II: The Golden Army]
Dir. y guión: Guillermo del Toro, basado en el cómic de Mike Mignola
c/ Ron Perlman (Hellboy), Selma Blair (Liz Sherman), Doug Jones (Abe Sapien / The Chamberlain / The Angel of Death), James Dodd y John Alexander (Johann Krauss), Jeffrey Tambor (Tom Manning), Luke Goss (Prince Nuada), Anna Walton (Princess Nuala)
EEUU/2008/Fantástico***/Estrenos

BATMAN REGRESA

La continuación del díptico burtoniano sobre el hombre murciélago. Toda la fantasía, humor negro e ironía propios del estilo de Burton están concentrados en Batman regresa, una de sus mejores películas. Se nota un Tim Burton más libre y creativo que en la primera versión, dando rienda suelta a su vuelo creativo.
Si Batman era la génesis del héroe y de su archienemigo por antonomasia (el Joker), en la continuación tenemos a dos villanos de antología: el Pingüino y Gatúbela, villanos de opereta que quedan en la galería de los mejores de Tim Burton. Gatúbela es el complemento de Batman, su lado femenino, pero igual de oscuro, marginal y “freak”.
Batman regresa es superior a Batman y marcó un hito difícil de superar en el hombre murciélago, que solo por algunos momentos Christopher Nolan ha podido superar en The Dark Knight.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

BATMAN REGRESA [Batman Returns]
Dir.: Tim Burton
Guión: Daniel Waters, basado en los caracteres creados por Bob Kane
c/ Michael Keaton (Batman / Bruce Wayne), Danny DeVito (Penguin / Oswald Cobblepot), Michelle Pfeiffer (Catwoman / Selina Kyle), Christopher Walken (Max Shreck), Michael Gough (Alfred Pennyworth)
EEUU,UK/1992/Acción***/Películas del ayer

BATMAN

La película que cambió la visión que se tenía de los superhéroes y en especial de Batman. Nos presenta a un Batman sombrío, neurótico, con problemas personales irresueltos que impulsan su lucha contra el crimen. “Se bajó del pedestal” a los superhéroes. Fue la gran contribución de Tim Burton (inspirada en la novela gráfica de Frank Miller) en esta película oscura como la recóndita mente del hombre murciélago, y carnavalesca por el toque humorístico negro y malvado que impuso el Joker interpretado por Jack Nicholson que, por cierto, “le robó” la película a Michael Keaton.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

BATMAN
Dir.: Tim Burton
Guión: Sam Hamm y Warren Skaaren, basado en los caracteres creados por Bob Kane
c/ Michael Keaton (Batman / Bruce Wayne), Jack Nicholson (Joker / Jack Napier), Kim Basinger (Vicki Vale), Pat Hingle (Commissioner James Gordon), Michael Gough (Alfred Pennyworth), Jack Palance (Carl Grissom)
EEUU,UK/1989/Acción***/Películas del ayer

3:10 MISIÓN PELIGROSA

Logrado remake que resucita un género que parecía extinto. A diferencia del regodeo moroso y gratuito de El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford de Andrew Dominik, 3:10 to Yuma (mejor están los otros títulos en español que el designado por acá) mantiene una tensión de inicio a fin, sustentada en dos buenas actuaciones, la de Russell Crowe como un bandolero “carismático”, lector de los proverbios de la Biblia y nada vengativo; y un Christian Bale como un granjero taciturno, preocupado por su familia y que ve en la oportunidad de trasladar al bandolero al tren que lo conducirá a la prisión de Yuma (de allí el título original) una forma de pagar deudas y salir de la condición miserable en que vive con los suyos. Y, en el medio, William, el hijo de Dan, fascinado por lo que representa Ben Wade para un chico de su edad.
Western que mantiene los arquetipos del género: grandes planos, el desierto como escenario natural, perseguidores-perseguidos, acción de principio a fin, desarrollo lineal. Precisamente el “salvaje oeste” donde prima la ley del más fuerte da pie para una crítica contra “el capitalismo salvaje”, donde prevalece el interés de las grandes corporaciones que pueden pagar a autoridades y hasta la ejecución de un “outlaw” frente a los pequeños ciudadanos sin el poder fáctico de estas.
Merece verse este western, nada pretencioso y que como las películas de antaño se sustentaba en buenas actuaciones y una historia atractiva e interesante de principio a fin.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


3:10 MISIÓN PELIGROSA [3:10 to Yuma]
Dir.: James Mangold
Guión: Halsted Welles y otros, basado en un cuento de Elmore Leonard
c/ Russell Crowe (Ben Wade), Christian Bale (Dan Evans), Logan Lerman (William Evans), Dallas Roberts (Grayson Butterfield), Ben Foster (Charlie Prince), Peter Fonda (Byron McElroy)
EEUU/2007/Western***/Estrenos

EL SABOR DE LA SANDÍA

Es un verano caluroso en Taiwán y no hay agua, así que la gente debe saciar la sed comiendo jugosas sandías. Justo en la escena que abre la película vemos a una chica totalmente desnuda tendida en la cama, con las piernas abiertas y entre estas la mitad de una apetecible sandía, representación de su sexo por lo carnoso, rojo y jugoso. Su compañero lame, mete los dedos a la fruta como si se tratase de la vagina de la chica, quien comienza a gemir de placer. Pero, El sabor de la sandía no es una película erótica, ni siquiera porno por las escenas de sexo explícito que se filman en los departamentos, donde, en uno de ellos, sirve de escenario para películas triple equis (luego sabremos que la escena inicial que hemos presenciado es parte de una película porno que están rodando). No, el realizador no busca dar una lección de existencialidad ni nada parecido, solo registrar el trascurrir de estos personajes durante un verano cálido y seco, a modo de un entomólogo que entra a observar la vida en una colmena o nido. No es casual por eso la alusión a las hormigas que por el dulce de la fruta se trepan a los personajes, como tampoco al musical, con números coreográficos aparentemente inconexos pero que reflejan el ebullir de estas personas en un contexto y tiempo determinado (por medio del canto expresan sus deseos, sueños, anhelos y también frustraciones). El color rojo predominante (no solo por la pulpa de la fruta) refleja la pasión que sienten y mueve a los personajes. La escena final en que la chica recibe el semen de su novio en la boca, excitada al ver por una ventana que tiene sexo con la actriz porno desmayada por el calor (o quizás muerta, lo cual confiere a la escena un aire necrófilo) y excitado también este por los gemidos de su novia es consustancial a todo ese juego de eroticidades mutuas de los protagonistas, donde los espectadores son “voyeurs” privilegiados. Película de pocos diálogos, demostrando que el cine es más que palabras y que la pasión para encenderse no requiere de tanto palabreo; así como juego lúdico y erótico de los recovecos de la condición humana y que somos unos bichos tan similares como las hormigas que se cuelgan del cuello de los protagonistas queriendo succionar (chupar) el dulce sabor de la sandía.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

EL SABOR DE LA SANDÍA [Tian bian yi duo yun]
Dir. y guión: Tsai Ming-liang
c/ Kang-sheng Lee (Hsiao-Kang), Shiang-chyi Chen (Shiang-chyi), Yi-Ching Lu (Mother), Kuei-Mei Yang (Taiwanese Porn Actress), Sumomo Yozakura (Japanese Porn Star)
Taiwán, Fra/2005/Comedia dramática, musical***/Dvd/Las que nunca se estrenaron

SHINE A LIGHT

Ya en Symphathy for the devil (1968), Godard nos presentaba a The Rolling Stones como los “intérpretes artísticos” de la convulsionada década de los años 60, con los movimientos sociales reivindicativos de raza (los negros), de género (la liberación femenina), la violencia “legitimada” (“el poder nace del fusil”), el amor sin compromisos “burgueses” y de un arte más libre y “comprometido” con la época, teniendo como telón de fondo los textos marxistas que planteaban un cambio revolucionario (en la óptica godardsiana de aquellos años “el demonio” –o “el infierno”- son las contradicciones materiales del mundo). Fue un documental muy personal del célebre realizador francés.

También Scorsese había incursionado en el documental musical con El último vals (The Last Waltz, 1978), registro del concierto de despedida del grupo de rock canadiense The Band. Tenía un aire de melancolía, de recordar el ayer nostálgico, en un contrapunto entre el concierto propiamente que reúne a los amigos del grupo despidiéndose del quinteto y los recuerdos del líder y vocalista Robbie Robertson. Es un documental sentido, con cierto toque de elegancia y con sabor a que todo tiempo pasado fue mejor.
Posterior a The Last Waltz, Scorsese realizó otro documental musical sobre Bob Dylan, mito viviente del rock and roll, no estrenado comercialmente en nuestro medio (No Direction Home: Bob Dylan, 2005), así que el realizador ítalo-americano siempre ha tenido una inquietud en plasmar en la pantalla a ciertos personajes y grupos de la música rock (tiene en mente un proyecto sobre el ex beatle George Harrison), con justicia el género musical del siglo XX.

Pero, entre la propuesta marxista de Godard que el arte se nutre de las contradicciones de la realidad; o, entre el precioso retrato nostálgico de una banda que se despide del escenario en The Last Waltz y Shine a Light existe un gran trecho.

Lo más interesante de Shine a Light (concierto de los RS del año 2006 en el Teatro Beacon, Nueva York) se produce en los primeros minutos, en el contrapunteo muchas veces tenso entre un director (el propio Scorsese) que quiere controlar todo (en una actitud neurótica-compulsiva que nos hace recordar a Woody Allen) para que la filmación salga bien, desde las canciones que se van a tocar hasta la posición de las cámaras, y un Mick Jagger que es todo anarquía, aborrece el control y que es imprevisible de lo que pueda suceder cuando esté frente a los reflectores. Esa es la parte más interesante del documental. La eterna lucha entre la planificación y el libre albedrío. El concierto propiamente es como cualquier concierto musical de The Rolling Stones, quizás con mucho más cuidado en su filmación y en los cortes y acercamientos de cámara (Scorsese fue editor del documental musical Woodstock, 1970, testimonio histórico del movimiento hippie de los años 60), donde los fanáticos esperan las canciones más conocidas del grupo: Satisfaction, Symphathy for the devil, I’m free o la que da título al documental. Son “los dioses” en el escenario y abajo, en la platea, están los feligreses adoradores, donde incluso el ex presidente Clinton y sus amigos políticos son comparsas, figuras secundarias. Eso sí, otra cosa interesante es el material de archivo que se intercala con el concierto, donde aparece un Mick Jagger joven y a la pregunta de cuánto piensan sobrevivir como grupo, ni él mismo estaba seguro que iban a durar tanto, convirtiéndose quizás en la banda de rock más antigua y vigente que hasta el día de hoy existe.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

SHINE A LIGHT
Dir.: Martin Scorsese
EEUU,UK/2008/Documental***/Estrenos

DESAPARICIONES

Western atípico, como los producidos últimamente, contextualizado en la época de la prohibición, cuando un granjero (Kris Kristofferson) a fin de ganarse unos dólares decide traer whisky del Canadá, acompañado de su hijo (Charlie McDermott). Podríamos decir que es una historia de iniciación, de aprendizaje del joven que sale con el padre y guiado por este va conociendo el mundo; pero también de un realismo mágico. Por parte del padre tienen la peculiaridad de “desaparecer” fácilmente y aparecer en otro lugar (de allí que la tía del muchacho aparezca repetidas veces en el viaje junto al joven, aconsejándolo) o algunos de no morir pese a los balazos, flechazos y demás intentos para matarlo, como el jefe de la pandilla de contrabandistas. Ese clima de “enrarecimiento” está bien logrado en el filme. Por cierto, un placer ver luego de mucho tiempo las presencias de actores veteranos como Kris Kristofferson o Geneviève Bujold, “sex symbols” de otras épocas.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

DESAPARICIONES [Disappearances]
Dir. y guión:Jay Craven, basado en la novela de Howard Frank Mosher
c/ Kris Kristofferson (Quebec Bill Bonhomme), Charlie McDermott (Wild Bill Bonhomme), Gary Farmer (Herny Coville), William Sanderson (Rat Kinneson), Geneviève Bujold (Cordelia)
EEUU/2006/Acción, aventuras***/Dvd/Las que nunca se estrenaron

HANCOCK

Los super héroes han sufrido una mutación en los últimos 20 años. Desde el Batman sombrío de Frank Miller que sirvió de inspiración a Tim Burton para su héroe nocturno, pasando por la animación digital de Los increíbles que ponía en tela de juicio la importancia de los super héroes por una cuestión de costos y problemas legales hasta el más reciente hombre muerciélado de Christopher Nolan, tan visceral y violento como sus contrincantes.
Existe una revisión de los superhéroes, abandonando su imagen aséptica y respetuosa de valores tradicionales como justicia y derecho que tuvimos en los comics de nuestra infancia, a fin de hacerlos “más humanos”, con “fallas” como cualquier mortal. Quizás esa propuesta cínica y descarnada se debe al clima de escepticismo que se vive, no solo después del 11-S sino en la llamada “post modernidad”, donde entran en crisis los valores conocidos. En esa propuesta encaja Hancock, un super héroe alcohólico, conflictivo y que le ocasiona a la ciudad más problemas que soluciones, siendo poco apreciado por las autoridades y aquellos a quienes supuestamente debe salvar, hasta que se topa con un asesor de imagen que puede cambiar la forma en que lo ven.

Hasta allí la propuesta es interesante y pudo haber sido una tomadura de pelo en forma a los héroes de historieta si no hubiese sufrido la historia giros rocambolescos, como la relación sentimental de Hancock con la esposa de su asesor de imagen que no convence mucho, o la “rehabilitación” forzada del héroe. Allí la película naufraga, estando puesta al servicio de Will Smith, terminando como una película irregular, con más promesas que buenos resultados y de un final bastante convencional.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

4 MESES, 3 SEMANAS Y 2 DÍAS

Hacia los finales del gobierno comunista en Rumania, una joven y su amiga deben hacer malabares para que la primera aborte clandestinamente dado que es ilegal y un hijo no deseado perjudicaría su futuro como profesional. Esa es la trama. Sencilla y directa. El gran mérito es la forma en que el director trata el tema del aborto, usando el efecto del “distanciamiento” con la cámara frontal y a cierta distancia de los personajes, registrando las peripecias y dramas internos de ambas amigas. No existe un juzgamiento a sus conductas ni el filme pretende ser una apología o una detracción al aborto, solo registrar los hechos a la manera de un entomólogo, con bastante frialdad y desapego. Es cierto que no vemos al “sistema” reprimiendo a los ciudadanos, pero lo “sentimos”, sea en el ómnibus cuando Otilia busca agenciarse un boleto, en las calles frías y desoladas que recorre o en el trato indolente de los burócratas o del propio abortero, sin importarles para nada la condición de humanos de sus semejantes. Allí “sentimos” la presencia de un estado totalitario que está detrás, que no le importa el ser humano, observando el movimiento de sus ciudadanos.
4 meses, 3 semanas y 2 días es una de esas raras películas que de vez en cuando ingresan a estreno y que con justeza mereció la Palma de Oro, en la categoría de mejor película, en el Festival de Cannes del año 2007.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

4 MESES, 3 SEMANAS Y 2 DÍAS [4 luni, 3 saptamâni si 2 zile]
Dir. y guión: Cristian Mungiu
c/ Anamaria Marinca (Otilia), Laura Vasiliu (Gabriela 'Gabita' Dragut), Vlad Ivanov (Viarel aka Domnu' Bebe), Alexandru Potocean (Adi Radu)
Rumania/2007/Drama***/Estrenos

SEXO EN LA CIUDAD

Sex and the city tuvo el mérito de ser la serie que retrató a la mujer citadina de los años 90. Registro sociológico, la serie prendió entre la teleaudiencia no solo femenina y tarde o temprano tenía que dar el salto al cine.

El resultado no siempre es parejo. Lo que funcionó en una serie de 30 minutos no necesariamente lo hace en una película que excede contra toda continencia las dos horas. La película más parece un capítulo especial de Sex and the city que un filme propiamente. Pretende ser un remate –provisional- de la vida de estas cuatro amigas ya entrando con fuerza a la base cuatro y lo que ello significa para una mujer.

Con una estructura similar a la serie, desarrolla una historia principal centrada en Carrie e historias secundarias de sus tres amigas –de allí el excesivo metraje-. La historia principal tenía que ser “la boda de Carrie” con el novio de toda la vida, el financista 'Mr. Big'. Quizás para algunos –y sobretodo para “algunas” - centrarse la película en la boda de una mujer independiente y liberal era como claudicar de los principios feministas. Es probable, pero eso no importa tanto como los resultados obtenidos. Es cierto que la película ha querido ser más una comedia rosa que un diagnóstico de la vida sexual en N.Y. como fue la serie. Pero, sea cual sea la intención de los productores, el resultado más es el de un telefilme, bastante flojo en los diálogos y con poco vuelo creativo.

Es probable que de aquí a un tiempo tengamos de nuevo juntas a las “viejas” cuatro amigas, ya en base cinco y con los problemas propios de su edad, pero disfrutando del sexo como cuando estaban en los treinta.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

SEXO EN LA CIUDAD [Sex and the City]
Dir.: Michael Patrick King
Guión: Michael Patrick King, basado en el libro de Candace Bushnell y la serie de tv creada por Darren Star
c/ Sarah Jessica Parker (Carrie Bradshaw), Kim Cattrall (Samantha Jones), Kristin Davis (Charlotte York), Cynthia Nixon (Miranda Hobbes), Chris Noth (John James 'Mr. Big' Preston), Candice Bergen (Enid Frick)
EEUU/2008/Comedia romántica***/Estrenos

WALL•E

En un futuro remoto, un pequeño robot de carga tiene como misión limpiar la tierra de toda la basura acumulada por la humanidad, mientras esta disfruta de un crucero espacial infinito hasta que esté limpio su hogar. No es lo mejor de Pixar, pero a los cinéfilos les resultará atractiva la trama por los “guiños” a 2001: odisea del espacio (1968) filme ampliamente homenajeado en Wall-E (la computadora que “se vuelve loca”, el rescate espacial, cuando se para en sus pies el capitán acompañado de la música de Así hablaba Zaratustra, etc), pero también a ET (el robot se parece mucho en personalidad al del muñequito de Spielberg, y en el diseño al del filme Cortocircuito de John Badham - Short Circuit, 1986-), a Alien (no en vano Sigourney Weaver presta su voz en la versión original), así como el homenaje implícito a Chaplin contenido en el viejo zapato que sirve de macetero a la planta encontrada y a otros filmes como Encuentros cercanos del tercer tipo, Terminator o las viejas películas del oeste (por cierto Wall-E es un acérrimo cinéfilo, sobretodo del musical).
Lo que hace interesante el proyecto es la humanización de los robots, a semejanza de la humanización que ocurría con los animales en las viejas películas de Disney, lo cual les confiere un grado de identificación con el espectador. Y, como siempre, existe un trasfondo de crítica social, en este caso la contaminación ambiental que está convirtiendo a la tierra literalmente en un basurero y una humanidad ociosa que todo trabajo lo ha delegado a los robots, obesa y dependiente, como los “citizens” de los Estados Unidos de hoy.
Quizás a algunos espectadores les parezca raro la poca verbalización de los personajes –salvo algunos bits-; pero, debemos recordar que el cine es más que la palabra, como lo demostró la homenajeada 2001 en su momento.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

WALL•E
Dir.: Andrew Stanton
Guión: Andrew Stanton y Jim Capobianco
Voces originales: Ben Burtt (WALL•E / M-O), Elissa Knight (Eve), Jeff Garlin (Captain), Sigourney Weaver (Ship's Computer)
EEUU/2008/Animación digital***/Estrenos

BATMAN: EL CABALLERO DE LA NOCHE

Cuando Christopher Nolan asumió el proyecto de las “precuelas” de Batman (historias del joven Batman) era una apuesta muy difícil y arriesgada, dado que Tim Burton había colocado dos marcas muy altas en la saga del hombre murciélago con Batman (1989) y Batman regresa (Batman returns, 1992), donde recreó a un verdadero anti-héroe, con obsesiones nocturnas y traumas infantiles que impulsan su accionar contra el crimen. El Batman que protagonizó Michael Keaton con su carácter taciturno y neurosis fóbicas le daba un aspecto sombrío al personaje difícil de superar, lo que se demostró con las pobres adaptaciones siguientes de Joel Schumacher (Batman forever -1995- y Batman y Robin -1997-). El proyecto parecía agotado, por lo menos por un tiempo, así como exigía a gritos un relevo creativo.

La primera película bajo la batuta de Nolan (Batman begins, 2005) explicaba la génesis del hombre murciélago, muy en la honda “dark” que Tim Burton le había conferido al héroe, y si bien la película era interesante, no llegaba a envolver con la trama, por lo que la segunda parte generaba expectativas, sobretodo porque se “resucitaba” al villano por antonomasia de Batman, el Jocker o Guasón. Jack Nicholson le había impuesto un perfil sorprendente al villano, muy al estilo burtoniano, de payaso sádico o malévolo. Nolan apuesta por ese estilo de villano, profundizándolo, minimizando el humor negro hasta convertirlo totalmente en oscuridad, en esencia pura del mal. El Jocker de Heath Ledger es la esencia de la maldad, instintiva, brutal, visceral, alienado totalmente de la realidad. Demás está decir que como en el Guasón de Burton, el villano se lleva las palmas frente al héroe, sencillamente “le roba la película” a Christian Bale, a pesar que el Batman de Bale es esencialmente violento y tan instintivo y ajeno a cualquier principio ético o norma del estado de derecho como sus adversarios (hay una visión ideológica implícita del “todo vale” en ese comportamiento, muy en la onda post 11-S).

Pero, no solo son los protagónicos quienes ponen el peso en el filme, también los secundarios están en todo el encaje, comenzando por el fiscal Harvey Dent, “Dos caras”, el hombre incorruptible que se entrega a la lucha contra la Mafia y termina envuelto en sus odios y venganzas; el Alfred de Michael Caine, muy “british”, esta vez como el brazo derecho del hombre murciélago y experto en informática; o Gary Oldman, como el policía incorruptible, que muchas veces solitario debe luchar contra el crimen organizado.

Pero ese ambiente oscuro, esa trama densa, de tonos fríos y fotografía opaca, acompañado de una música bastante “heavy”, no sería nada sin el aliento trágico que Nolan ha insuflado a la historia. Esa sensación que tenemos a cada momento que la vida de los personajes pende de unos finos hilos y que por más que quieran no pueden escapar de su sino, o cuando el propio Batman se ofrece de “chivo expiatorio” de todos los crímenes cometidos a fin de salvar la imagen de héroe que Ciudad Gótica necesita a través de la memoria de Harvey Dent (la necesidad de un héroe o de un mito que mantenga en alto la moral de la lucha anticorrupción). Esos elementos le confieren al filme un “aire trágico” (“no puedes escapar a tú destino”), rematado en la necesidad que el héroe pase a ser anti-héroe a fin de preservar la ingenuidad y ciertos valores en el pueblo, lo que le otorga una profundidad no vista en otros personajes de ficción. Es una vuelta de tuerca que remite a los clásicos griegos.

Sin duda, Batman: el caballero de la noche es la mejor de las dos películas que sobre el hombre muerciélago hasta el momento Nolan cuenta en su haber, y sin duda alguna también está a la altura del Batman de Tim Burton, y en algunos momentos diríamos que hasta lo supera.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

BATMAN: EL CABALLERO DE LA NOCHE [The Dark Knight]
Dir.: Christopher Nolan
Guión: Jonathan Nolan y Christopher Nolan, basado en los caracteres creados por Bob Kane
c/ Christian Bale (Bruce Wayne / Batman), Heath Ledger (The Joker), Aaron Eckhart (Harvey Dent / Two-Face), Michael Caine (Alfred Pennyworth), Maggie Gyllenhaal (Rachel Dawes), Gary Oldman (Lt. James Gordon), Morgan Freeman (Lucius Fox)
EEUU/2008/Acción, drama***/Estrenos

GREASE CUMPLIÓ TREINTA AÑOS

¿Por qué Grease es recordada luego de tres décadas sin ser una gran película? La respuesta –para despecho de los gustos elitistas- está relacionado más con los gustos populares que con la calidad intrínseca del filme. Como sucede con Casablanca –que hace poco cumplió sus bien afianzados 65 años-, más que las bondades de la película es ese aire de amor eterno que la rodea. En Grease se respira todavía ingenuidad, de historias de amor “para toda la vida”, contextualizada en un pasado relativamente lejano cuando se estrenó el filme: los años cincuenta, en plena era del trastocamiento de los valores tradicionales y de inicio del rock and roll, lo que posibilita que la película sea vista por las nuevas generaciones con cierto aire de rebeldía a lo James Dean. También está el hecho que el uso de códigos o maneras propias de los adolescentes son reconocibles por cualquier joven occidental de hoy o de antes, así como los tipos variados (“el matón”, el nerd, los chicos y chicas populares, etc.).

Eso ha permitido que un filme artísticamente mediocre –el director se limitó a filmar las escenas con la cámara frontal y dejando que John Travolta y Olivia Newton-John canten y encanten en escena- sea disfrutado treinta años después. Por cierto, para los cinéfilos será un descubrimiento ver a un John Travolta todavía delgado y que venía del éxito de Fiebre de sábado por la noche donde realizó piruetas al ritmo de la disco-music, que en los ochenta vería opacada su carrera para luego resurgir en los noventa gracias a Quentin Tarantino y Tiempos modernos (Pulp fiction, 1994). Poco después y de la mano de John Woo interpretaría a dos villanos memorables en Código flecha rota (Broken arroz, 1996) y Contracara (Face/off, 1997), consolidándose como actor dramático. Hace poco hizo una parodia de su época de danzarín en Hairspray (2007), entretenida comedia musical ambientada también en los cincuenta y donde da vida a una obesa ama de casa (los mal hablados decían que el papel lo hizo con bastante “naturalidad”). Olivia Newton-John, en cambio, venía de ser una estrella del canto que en los ochenta se retiraría víctima del cáncer, realizando ahora breves apariciones.
Algunos años después, en 1982, se estrenó Grease 2, con Michelle Pfeiffer en el protagónico, pero no tuvo el éxito de la versión original.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

GREASE
Dir.: Randal Kleiser
Guión: Jim Jacobs y Warren Casey
c/ John Travolta (Danny Zuko), Olivia Newton-John (Sandy Olsson), Stockard Channing (Betty Rizzo), Jeff Conaway (Kenickie)
EEUU/1978/Musical**/Dvd/Películas del ayer

KUNG FU PANDA

Esta vez Dreamworks nos trae no una de sus mejores historias, ni tampoco la más compleja, sino dirigida al público familiar y sobretodo a los niños. Las hazañas de un osito panda que quiere ser héroe del kung fu tiene su lado interesante sobretodo en la caracterización de Po y del maestro Shifu, ambos están concebidos con carácterísticas de la personalidad de quienes le prestaron la voz en la versión original. Po tiene de grandilocuente, obeso, narcisista y exagerado de Jack Black; mientras el maestro Shifu del tipo neurótico y obsesivo, perfeccionista al detalle, que quiere controlar todo, muy al estilo de Dustin Hoffman. Esos personajes son lo mejor. Por lo demás la historia tiene la moraleja bastante americana de alcanzar el sueño por más difícil que parezca y que el único secreto es confiar en nosotros mismos como lo demuestra el pergamino en blanco que refleja solo nuestro rostro o la sopa del ingrediente secreto: no hay ningún secreto. Hay que destacar las coreografías de los combates: son preciosas y milimétricas. Lo más probable es que de acá a un tiempo tenga su continuación.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

KUNG FU PANDA
Dirrs: Mark Osborne y John Stevenson
Guión: Jonathan Aibel y Glenn Berger
Voces originales: Jack Black (Po), Dustin Hoffman (Shifu), Angelina Jolie (Tigress), Ian McShane (Tai Lung), Jackie Chan (Monkey), Seth Rogen (Mantis), Lucy Liu (Viper), David Cross (Crane), Randall Duk Kim (Oogway)
EEUU/2008/Animación digital***/Dvd/Estrenos