miércoles, julio 01, 2009

EL HUEVO DE LA SERPIENTE


Fue una de las pocas producciones que Ingmar Bergman realizó con capital norteamericano, de allí que para el papel principal se propuso al desaparecido David Carradine, actor de la serie kung fu, muy popular en aquellos años. Bergman declaró que esa etapa de la historia (inicio de los años 20) le obsesionaba debido a que siendo muy niño veía a hombres vestidos a la usanza de los nacional socialistas y se respiraba ese ambiente de intolerancia de lo que vendría después. Era “el huevo de la serpiente” que luego azolaría Europa. La hiperinflación que carcomía los bolsillos de los alemanes, la imposición de humillantes condiciones de paz de los aliados hacia Alemania, la xenofobia contra los judíos, la sensación de desgobierno y de “revancha” frente a la humillación, los experimentos con personas vivas, abonaron el terreno para que ascendiera al poder Adolfo Hitler. Es que todo “salvador” debe tener el terreno listo para su entrada y a Hitler se lo servieron en bandeja de plata la ambición y arrogancia de los aliados (ese error ya no lo cometerían luego de terminada la II Guerra Mundial).

Curiosamente ese mismo malestar se vuelve a vivir ahora. De nuevo tenemos xenofobia en Europa, esta vez no contra los judíos sino contra los latinos y árabes. Cada vez cobran más fuerza los neonazis de distinto pelaje que le echan la culpa de la situación económica a los inmigrantes. Europa se cierra de nuevo y vuelve a vivir sus temores. Otra vez comienza el huevo de la serpiente a crecer…
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


EL HUEVO DE LA SERPIENTE [The Serpent's Egg]
Dir. y guión: Ingmar Bergman
c/ David Carradine (Abel Rosenberg), Liv Ullmann (Manuela Rosenberg), Heinz Bennent (Hans Vergerus)
EEUU,Ale/1977/ Thriller***/Dvd/Películas del ayer

martes, junio 23, 2009

UP


Up es una de esas comedias encantadoras que dejan un sabor a déjà vu. Algo ya visto en el pasado, pero vuelto a recrear. Ese es su principal mérito y su límite también. No pretende ser original, solo recrear esas viejas historias de aventuras del pasado y, como sucede en las producciones de Disney-Pixar, con una lección moral de fondo: todos necesitamos de todos, los bienes terrenales son lo menos importante, más importa hacer realidad nuestros sueños, para los que nunca es demasiado tarde.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


UP
Dir. y guionistas: Pete Docter y Bob Peterson
Voces originales: Edward Asner (Carl Fredricksen), Christopher Plummer (Charles Muntz), Jordan Nagai (Russell), Bob Peterson (Dug)
EEUU/2009/Animación digital***/Estrenos

martes, junio 16, 2009

TERMINATOR 4


La primera entrega de Terminator poseía el encanto de la novedad. La historia no pretendía ser nueva (combinación de viajes en el tiempo y futuro apocalíptico gobernando las máquinas sobre los hombres), pero estaba tan bien contada que mantenía al espectador al filo de su asiento. La segunda entrega siguió en la misma ruta, ambas de la mano de un joven James Cameron “pre-Titanic”. La tercera parte de la saga –ya bajo la batuta de Jonathan Mostow- si bien no tenía el interés de antaño, la salvaba el encanto de la temible T-X que, para variar, estaba programada para asesinar al líder de la resistencia John Connor (la constante de todas las entregas es el intento de su asesinato por un terminator, salvo en la primera que el objetivo es la madre, Sarah Connor).

Parecía que la franquicia entraba a un inevitable período de decadencia que la cuarta parte lo ha confirmado. En cierta forma es una “precuela”, contando hechos anteriores a los sucedidos en la primera entrega. Es el encuentro entre John Connor y quien sería su padre, un todavía joven e imberbe Kyle Reese. Pero, lo que contenía una serie de ingredientes que hacían atractiva la historia, se reduce de la mano de McG a una sucesión de escenas de acción, efectos digitales y demoliciones espectaculares sin ton ni son. Las alusiones a Terminator 1 o a Trasformers son más que evidentes, tendiéndose a apoyar en filmes que fueron exitosos, sin correspondencia con la trama desarrollada.

De haber una quinta entrega (que es lo más probable), ojalá sea de la mano de algún realizador más creativo. Creo que hasta el insufrible Ron Howard hubiese cumplido mejor con el encargo.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


TERMINATOR 4 [Terminator Salvation]
Director: McG
Guión: John D. Brancato y Michael Ferris
c/ Christian Bale (John Connor), Sam Worthington (Marcus Wright), Moon Bloodgood (Blair Williams), Helena Bonham Carter (Dr. Serena Kogan), Anton Yelchin (Kyle Reese)
EEUU/2009/Ficción apocalíptica**/Estrenos

viernes, junio 12, 2009

EL LUNÁTICO


Pocos realizadores como Forman pueden recrear personajes del pasado sin caer en el pastiche o peor aún en el aura santoral. Los perfila en el contexto que les tocó vivir y el conflicto que surge entre ellos y la sociedad. En Larry Flint entre la censura de la época y la libertad de expresión; en Mozart entre el genio y la mediocridad del medio; y, en Andy Kaufman (la serie Taxi es un clásico de la televisión), entre las innovaciones cada vez más audaces del genial cómico y las exigencias, ortodoxia y conformismo de las grandes cadenas de televisión.
Generalmente las películas de Forman, desde Atrapados sin salida, tratan de esa lucha, el hombre que necesita su libertad para ser él mismo y el medio que lo ata, moldea, mediocretiza. Por cierto, la interpretación como Andy Kaufman es una de las mejores de Jim Carrey.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


EL LUNÁTICO [Man on the moon]
Dir: Milos Forman
Guión: Scott Alexander y Larry Karaszewski
c/ Jim Carrey (Andy Kaufman/Tony Clifton), Danny DeVito (George Shapiro), Courtney Love (Lynne Margulies), Paul Giamatti (Bob Zmuda)
EEUU/1999/Biopic***/Dvd/Películas del ayer

martes, junio 09, 2009

EL LUCHADOR


Siempre existe una atracción hacia los “losers”, los perdedores, aquellos que no lograron el éxito, sobretodo en una sociedad tan competitiva como la norteamericana. Un personaje “loser” bien diseñado, con luces y sombras, como El luchador llamará la atención de la platea y generará una empatía, más contando con una magnífica y soberbia actuación de Mickey Rourke, sobre quien recae el peso del filme (el guión parece pensado en la vida que llevó en sus años mozos el explosivo y temperamental Rourke). Es la historia de un hombre que en el ocaso de su vida –como muchos hombres y mujeres- se da cuenta de las oportunidades pérdidas, de los afectos que perdió, de cómo malgastó el tiempo y, en cierta forma, quiere recomponer ese tiempo ido, lo cual es imposible.
Pero también el personaje posee la impronta de los anti-héroes hemingwaianos que en la derrota muestran grandeza y dignidad, optando morir de pie que vivir cobardemente, lo que se refleja en el combate y escena final.

Muy buena película, quizás se diga que algunos personajes secundarios no están muy bien desarrollados, pero eso no quita al conjunto, guardando El luchador en su sencillez narrativa la marca de un clásico. Randy 'The Ram' Robinson será uno de esos personajes del cine difíciles de olvidar.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


EL LUCHADOR [The Wrestler]
Dir.: Darren Aronofsky
Guión: Robert D. Siegel
c/ Mickey Rourke (Randy 'The Ram' Robinson), Marisa Tomei (Cassidy), Evan Rachel Wood (Stephanie), Mark Margolis (Lenny)
EEUU/2008/Drama***/Estrenos

viernes, junio 05, 2009

MANHATTAN CUMPLIÓ 30 AÑOS


La que quiso ser la película de “su” Manhattan acaba de cumplir treinta años desde su estreno. Concebida en blanco y negro –lo cual favorece una gama de grises que fueron muy bien explotados-, en una notable fotografía de Gordon Willis, que en combinación con la música de Gershwin crea un clima que electriza, sobretodo la escena inicial a modo de una obertura. Preciosa.
Por cierto, el paisaje neoyorquino es un actor más, pero es el Nueva York como lo ve Woody Allen, con sus intelectuales, una clase media liberal y hasta un poco snob. Ese paisaje urbano se ve reforzado por la música y la gama de grises.
Allen en esta etapa –que en cierta forma cierra Manhattan- todavía no se desprende de la “verborrea” que caracteriza a sus primeros filmes, así como de los gags verbales parodiando a la comunidad judía –el mismo Woody se colocaba como prototipo del judío neoyorquino intelectual, liberal y con un lastre de fobias debidas a su religión y cultura de origen-. Todavía contaba con la participación de Diane Keaton como su musa inspiradora, quizás su mejor musa –que después sería reemplazada por Mia Farrow-. También participa una debutante Mariel Hemingway –la sobrina del escritor Ermest Hemingway-, con apenas 17 años, quien luego tendría algunos papeles en la televisión norteamericana. Precisamente el papel en que participa es el de la angelical Tracy, joven estudiante enamorada del intelectual cuarentón que interpreta Allen, relación no solo platónica, sino física, contada con bastante naturalidad gracias al humor. También participa una joven Meryl Streep como la ex esposa del protagonista que, luego de la separación, convive con otra mujer.

Si bien Manhattan no llega a superar a sus predecesoras, Interiores y sobretodo Annie Hall, es disfrutable por su hermosa melodía y por contener un optimismo final que no veremos en sus posteriores filmes, más bien de tono pesimista sino trágico.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


Manhattan
Dir.: Woody Allen
Guión: Woody Allen y Marshall Brickman
c/ Woody Allen (Isaac Davis), Diane Keaton (Mary Wilkie), Michael Murphy (Yale Pollack), Mariel Hemingway (Tracy), Meryl Streep (Jill Davis)
EEUU/1979/Comedia romántica***/Dvd/Películas del ayer

martes, junio 02, 2009

ÁNGELES Y DEMONIOS


Ángeles y demonios trata el tema del eterno debate entre religión y ciencia, planteado a través de un thriller de intriga y suspenso que combina hechos históricos ciertos con hechos ficticios (de allí el atractivo de la trama). El filme es más intenso y tiene más interés que su predecesor, El código Da Vinci, gracias a la condensación del tiempo en que trascurre la acción (todo sucede en pocas horas), ello ayuda a que se precipiten una serie de sucesos que van en cascada hasta el final. Ron Howard (que es solo un aplicado artesano de Hollywood) recurre al efectismo para mantener al espectador en vilo, así como a las pistas falsas y el giro de la trama hacia el final.

Sin ser notable, Ángeles y demonios está mejor concebida que su predecesora, El código Da Vinci, que era ideal para los insomnes concilien rápidamente el sueño.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


ÁNGELES Y DEMONIOS [Angels & Demons]
Dir.: Ron Howard
Guión: David Koepp y Akiva Goldsman, basado en la novela de Dan Brown
c/ Tom Hanks (Robert Langdon), Ewan McGregor (Camerlengo Patrick McKenna),
Ayelet Zurer (Vittoria Vetra), Pierfrancesco Favino (Inspector Olivetti)
EEUU/2009/Thriller***/Estrenos

martes, mayo 26, 2009

JUEGOS MACABROS


El universo de Michael Haneke se caracteriza por un mundo de quietud, bonanza, de gente acomodada que repentinamente ve alterada su vida por un hecho insólito, desquiciador de esa apacibilidad y seguridad, sea la esquizofrénica profesora de piano, el pasado lejano que irrumpe en Escondido o los adolescentes que van de casa en casa con juegos retorcidos que derivan hacia la muerte. Con una cámara generalmente fija va registrando el cambio de ese mundo, que aparenta firmeza pero resulta bastante endeble.

Juegos macabros (“auto remake” del propio realizador en versión norteamericana de un filme propio de hace más de diez años) puede verse como el planteamiento de un juego, macabro por cierto, donde existen reglas, oportunidades y niveles de habilidad, de lo más simple a lo más complejo. De allí que los “asesinos” más tengan la apariencia de muñecos de videojuegos que asesinos realmente o, rompiendo el esquema del thriller, uno de ellos use un control remoto para “retroceder” en una escena que no salió bien. Por supuesto, ganan puntos conformen van “asesinando” a la mayor cantidad de personas que viven en la zona de veraneo y ganando “los malos” sobre “los buenos”, saliéndose así Haneke de los cánones establecidos.

Interesante puesta en escena del realizador alemán, no es lo mejor de él, pero sale de los convencionalismos tradicionales del género, rompiendo esquemas.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


JUEGOS MACABROS [Funny Games U.S.]
Dir. y guión: Michael Haneke
c/ Naomi Watts (Ann), Tim Roth (George), Michael Pitt (Paul), Brady Corbet (Peter), Devon Gearhart (Georgie)
EEUU/2007/Thriller***/Estrenos

viernes, mayo 22, 2009

A PRUEBA DE MUERTE


Los filmes de Quentin Tarantino son un tributo a una amplia y detallada cinefilia, cuyo punto culminante, por el momento, es Kill Bill. Esta vez se trata de las road movie y, en especial, un sentido homenaje a los dobles de riesgo (la actriz principal de A prueba de muerte fue la doble de Uma Thurman en Kill Bill y gracias a los “stuntmen” Tarantino concibió esta película). Indudablemente que la actuación de Kurt Russell le pone un agregado de valor al filme. Actor “duro” en películas de “serie B” (con John Carpenter desarrolló una fructífera labor en filmes como La cosa, Escape de Nueva York y la fallida Escape de LA). Es “un malo duro”, con traje y look setentero, que detrás de esa aparente afabilidad se esconde un serial killer que atropella sin piedad con un automóvil “a prueba de muerte” (de allí el título); sin embargo, es el giro de 180º en la segunda parte lo más interesante, cuando “el duro malo” se acobarda ante un grupo de chicas que no se dejan amendrentar, haciendo delirar de gracia lo que era persecución demencial pura, aplicando la parábola del “cazador cazado”. Sin duda, ese giro es lo que destaca al filme (aparte de una puesta en escena notable), convirtiéndola en una deliciosa pieza de relojería y si bien es una obra menor del realizador (Kill Bill es una valla muy alta) no por eso es desdeñable. Ideal para cinéfilos.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


A PRUEBA DE MUERTE [Death Proof]
Dir. y guión:Quentin Tarantino
c/ Kurt Russell (Stuntman Mike), Zoe Bell (Herself), Rosario Dawson (Abernathy),
Vanessa Ferlito (Arlene), Sydney Tamiia Poitier (Jungle Julia)
EEUU/2007/Thriller***/Estrenos

martes, mayo 19, 2009

LOS FALSIFICADORES


Ambientada hacia el final de la II Guerra Mundial, narra el hecho cierto de la falsificación de billetes y documentos por un grupo de prisioneros judíos de un campo de concentración bajo la dirección de un equipo nazi. La idea era derrumbar las economías inglesa y norteamericana introduciendo billetes falsos, una manera bastante sofisticada de ganar la guerra, que solo el tiempo impidió su ejecución completa.

La historia está centrada en dos personajes que encarnan ideas contrapuestas: Salomon 'Sally' Sorowitsch es el falsificador que solo busca sobrevivir en el campo de concentración lo más que pueda y si para ello debe colaborar con los nazis no se hace problemas de conciencia. Es el hombre pragmático. Adolf Burger, en cambio, es el principista por excelencia, que antepone sus ideales a la cooperación con los verdugos de su pueblo. No admite transacciones de ninguna especie. En esa tensión dialéctica (contada desde un punto de vista frío del realizador que no se compromete con ninguna posición) se desarrolla la trama, magistral por cierto, con un remate donde vemos a Sorowitsch engañando a los casinos de Montecarlo en un intento de decir tácitamente “sigo vivo”.

Ave raris de nuestra cartelera que llegó gracias al Oscar a mejor película extranjera del año 2008. Merece verse.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


LOS FALSIFICADORES [Die Fälscher]
Dir y guión: Stefan Ruzowitzky, basado en el libro de Adolf Burger
c/ Karl Markovics (Salomon 'Sally' Sorowitsch), August Diehl (Adolf Burger), Devid Striesow (Sturmbannführer Friedrich Herzog)
Austria, Alemania/2007/Drama***/Estrenos

viernes, mayo 15, 2009

STAR TREK


Star Trek (conocida entre nosotros como “Viaje a las estrellas”) fue una serie muy popular a mediados de los sesenta, cuando los viajes al espacio estaban en boca de todos (se hablaba de “la era espacial” y se pensaba que el hombre llegaría a Marte en los años ochenta) y faltaba muy poco para que el hombre pise por primera vez la luna. Existía una suerte de optimismo y una fe en el progreso humano que se reflejaba en la serie: la humanidad había superado todas sus taras (guerras, hambre, miseria, desigualdades sociales) y se proyectaba al espacio exterior en una Federación de Planetas. En ese contexto, la nave estelar USS Enterprise recorría el espacio profundo en una misión científico-amistosa, preservando la paz contra los malos (que en todo Universo, por más perfecto, siempre existen). William Shatner interpretaba al capitán James T. Kirk y Leonard Nimoy al Señor Spock, en roles contrapuestos y complementarios: el primero más emotivo y arriesgado, se deja llevar por sus intuiciones, el segundo, procedente del frío planeta Vulcano, lógico por naturaleza, las emociones han quedado relegadas a un segundo plano y su cerebro es como una computadora.
La serie fue de tanto éxito en sus tres años de transmisión (1966-69) que diez años después tuvo su primera película con los actores originales. De allí se han sucedido otras más, aparte de una nueva serie de tv denominada “Viaje a las estrellas: la siguiente generación”, igualmente popular, amén de dibujos animados y todo el merchandise complementario. Posiblemente Star Trek sea la saga más popular de nuestra época, quizás superior a la de Star Wars, y sin duda la de más larga longevidad: más de cuarenta años.

Sin embargo, Star Trek ya mostraba cierto agotamiento, por lo que requería una renovación de continuar existiendo, necesidad imperiosa por cierto, dado que la saga cuenta con un club de fans (“los trekkies”) que abarca todo el mundo, por lo que el nuevo proyecto es encargado a J.J. Abrams, considerado para algunos como “el nuevo Spìelberg” de la industria del cine. Para el relanzamiento –como ha sucedido con otras experiencias similares- se centró en los orígenes, en la génesis de los personajes y como se van uniendo en el camino. De allí también el metraje, un tanto excesivo, dado que se cuenta incluso el nacimiento del futuro capitán Kirk, su adolescencia rebelde con ausencia paterna (el padre muere el día que él nace) y su enrolamiento un tanto circunstancial en las fuerzas estelares. También del segundo de abordo, el Señor Spock, es contada en parelelo su niñez y futura asimilación como cadete con notas brillantes, así como el gesto de rebeldía contra sus mayores que significa enrolarse en una nave espacial, cuando tiene por delante un brillante camino como científico. Terciando entre los dos entrará a tallar el entrañable Doctor McCoy. No creo, como sostienen algunos comentaristas, que el metraje en explicar la evolución de los dos principales personajes de la saga original esté demás. Precisamente, con ello se está creando una cosmogonía y un “trekkie” se regocija viendo estas escenas, que para él son valiosas dado que explican hechos que nunca antes han sido vistos (la serie como las películas contaban las aventuras de los personajes ya adultos, como hombres cuajados, pero de su juventud no se sabía nada). Eso es importante. Igual, la dosis de acción y suspenso (hasta con un poco de sexo, algo imposible en los sesenta) combinado con humor, la hace agradable, un pasatiempo que valora más la generación actual que probablemente la generación que siendo niño visionó la serie (entre los que me cuento). Pero, estamos en otra época, y los gustos y preferencias cambian, por lo cual la saga ha sufrido actualizaciones necesarias. J.J. Abrams no se toma en serio el encargo, no nos cuenta una historia con voz engolada y rostro adusto, sino todo lo contrario, totalmente distendido, relajado, cool, y ello es un mérito que no se puede negar.

Star Trek cumple con divertir y cumple con continuar la saga, renovándola. No dudamos que de acá a algunos años tengamos otra película y Star Trek para mucho tiempo más. Como dicen los vulcanos “Larga vida y prosperidad”.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


STAR TREK [Star Trek]
Dir.: J.J. Abrams
Guión: Roberto Orci y Alex Kurtzman, basado en la serie de televisión "Star Trek" creada por Gene Roddenberry
c/ Chris Pine (James T. Kirk), Zachary Quinto (Spock), Leonard Nimoy (Spock Prime), Eric Bana (Nero), Bruce Greenwood (Capt. Christopher Pike), Karl Urban (Dr. Leonard 'Bones' McCoy), Zoe Saldana (Nyota Uhura), Simon Pegg (Scotty),
John Cho (Hikaru Sulu), Anton Yelchin (Pavel Chekov)
EEUU/2009/CF***/Estrenos

martes, mayo 12, 2009

EL PREMIO


El premio se inscribe dentro de esas películas donde un aparente bien es fuente de pesadillas y lamentaciones, y lo que es bueno al inicio resulta luego una maldición; así el premio de lotería del profesor Antonio servirá de válvula de escape para liberar sentimientos reprimidos o ambiciones dentro de su propia familia.

Inscrita dentro de la narración clásica, siguiendo al protagonista desde que adquiere el número de lotería en un pueblito remoto de los Andes, pasando por su venida a Lima a cobrarlo, hasta su regreso al pueblo, el peso recae en la actuación de José Luis Ruiz, muy en caja como el profesor circunspecto, honrado, amable, hasta algo tímido, pero que carga con una culpa del pasado. Si bien dentro de esa claridad expositiva se nota que el realizador juega con cierta ambigüedad que le da “sazón” a la trama (el asalto al salir del banco; el robo del maletín nunca llega a ser aclarado; así como la misteriosa pérdida del dinero y posterior recuperación); sin embargo, el tratamiento ambiguo en la resolución de la trama lastra la clara exposición narrativa que venía desarrollándose (no creo que sea un mérito que hace interesante la cinta como algunos han apuntado), y aunque se atisba una leve esperanza de reconciliación entre padre e hijo hacia el final, otras preguntas quedan en el aire (¿el profesor murió de pena o sencillamente se cayó al piso de borracho?, ¿la hija desapareció o se fugó de la casa?). Quizás la película mereció no un final tan ambiguo e irresuelto, dejando historias secundarias sin conclusión, sobretodo teniendo en cuenta que la narración hasta ese momento era bastante clara y directa (imagínense a John Huston dejando cabos sueltos en sus películas). En fin, es un intento interesante, aunque recordamos mejores películas de Alberto Durant.

Por cierto, el argumento daba más para una comedia satírica que para drama; género, el de la comedia, poco cultivado por los cineastas peruanos, “muy serios” por lo general.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


EL PREMIO
Dir: y guión: Alberto Durant.
c/ José Luis Ruiz, Melania Urbina, Emanuel Soriano, Magdyel Ugaz, Paul Ramirez.
Perú/2009/Drama***/Estrenos

viernes, mayo 08, 2009

WOLVERINE


El éxito de la franquicia de los X-Men iba a traer una continuación, que en este caso ha sido “precuela” (película que narra el inicio de una historia ya contada en una película anterior), centrándose en el personaje más popular de los X-Men: Wolverine. La película más allá de los efectos especiales y acción por doquier, es bastante anodina. Es un “blockbuster” pensado en la taquilla, en “enganchar” a los millones de fans de la saga y a los nuevos que se inscriban. Justamente los que estarán contento son los fanáticos de los X-Men, creo que ellos no saldrán defraudados por más que el producto no pase de regular.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


WOLVERINE [X-Men Origins: Wolverine]
Dir.: Gavin Hood
Guión: David Benioff y Skip Woods
c/ Hugh Jackman (Logan / Wolverine), Liev Schreiber (Victor Creed / Sabretooth), Danny Huston (William Stryker), Lynn Collins (Kayla Silverfox), Taylor Kitsch (Remy LeBeau / Gambit)
EEUU, Canadá/2009/Acción, fantasia**/Estrenos

martes, mayo 05, 2009

UNAS VACACIONES DIFERENTES


Un thriller interesante, fuera de lo común, aunque por ello fugaz en la cartelera. Justamente lo más interesante se encuentra en el ínterin, posterior al momento de la acción que motiva la trama, cuando dos asesinos, Ray y Ken, deben permanecer en vacaciones forzosas en la ciudad de Brujas (de allí el título original), luego de haber cometido un asesinato por encargo con una víctima inocente de por medio. La contradicción de caracteres y personalidades entre ambos compañeros y la perspectiva como ven la ciudad es lo que mueve la película, uno con tendencias suicidas y remordimiento de conciencia (Colin Farrell, en la línea del personaje que interpretó en Cassandra's Dream), el otro bastante culto y meditativo en la toma de decisiones (Brendan Gleeson es “el motor del filme”). Por cierto, el final puede parecer un tanto forzado con el tercero que interviene y la resolución del drama (Ralph Fiennes como el jefe de ambos), con un final no muy convincente; pero, de todas maneras es un placer ver este sui generis thriller. Para los que se lo perdieron se encuentra disponible en dvd.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


UNAS VACACIONES DIFERENTES [In Bruges]
Dir. y guión:Martin McDonagh
c/ Colin Farrell (Ray), Brendan Gleeson (Ken), Ralph Fiennes (Harry Waters), Clémence Poésy (Chloë), Jérémie Renier (Eirik)
UK,EEUU/2008/Thriller***/Estrenos

sábado, mayo 02, 2009

EL HALCÓN DEL MAR


Película de aventuras y piratas. Entretenida y con bastante acción. Sin muchos efectos especiales, cumple con entretener y saber contar una historia, manteniendo su frescura inicial pese al tiempo trascurrido. Por cierto Flora Robson no estuvo al nivel de la Davis en el rol de la Reina Elizabeth.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


EL HALCÓN DEL MAR [The Sea Hawk]
Dir: Michael Curtiz
c/ Errol Flynn (Geoffrey Thorpe), Brenda Marshall (Doña Maria), Flora Robson (Reina Elizabeth)
EEUU/1940/Aventuras***/Dvd/Películas del ayer

martes, abril 28, 2009

EL GRAN GOLPE


Las películas de “asalto y robo” tienen una estructura definida muy difícil de alterar consistente en tres partes bien marcadas: la preparación del golpe y reclutamiento del equipo necesario; luego el golpe mismo con toda la emoción y adrenalina necesaria (últimamente se le ha añadido sofisticada tecnología); y el remate con el triunfo del grupo, no sin antes sortear algunos obstáculos. Otra característica es la empatía con los asaltantes y el delinear como “los malos” a quienes poseen el botín a robar (por eso “el golpe” debe tener éxito y quedar burlados a quienes pertenece el dinero o las joyas). Precisamente una película clásica de este tipo de filmes es “El golpe” (1973) y, en el presente siglo, el remake de “La gran estafa” (2001).

La variante que ofrece El gran golpe es el elemento político de la época en que trascurre la acción (los años setenta), basado, según señala la propaganda del filme, en una “true story”. Se trataría de un golpe planeado desde “las alturas del poder” para apropiarse de fotos y filmaciones comprometedoras de ciertos políticos y de la realeza británica (conocida por sus ligeras costumbres); constituyéndose así un acuerdo tácito con los asaltantes: se les deja el botín a cambio de las fotos y documentos comprometedores.

También se cuestiona a ciertos dirigentes sociales o “falsos profetas” como el autodenominado Michael X (parafraseando a Malcolm X), supuesto líder de la minoría negra que tras una caricatura encubre su verdadera labor como proxeneta, chantajista y traficante de drogas.

Ese es el encanto de la cinta, por lo demás los ladrones logran su objetivo, no sin ciertas bajas entre sus filas, con una suerte de “happy end” para estos.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


EL GRAN GOLPE [The Bank Job]
Dir.: Roger Donaldson
Guión: Dick Clement e Ian La Frenais
c/ Jason Statham (Terry Leather), Saffron Burrows (Martine Love), Peter De Jersey (Michael X - Michael Abdul Malik), Rupert Frazer (Lord Drysdale), Christopher Owen (Mountbatten)
UK/2008/Thriller***/Estrenos

viernes, abril 24, 2009

AMARCORD


Si alguien pudo haber hecho una película con toque de “realismo mágico” era Federico Fellini. GGM nunca ha tenido suerte cuando se han adaptado sus novelas al cine; creo que ese “toque mágico” lo habría puesto Fellini. Viendo Amarcord existen escenas que inesperadamente se convierten en mágicas por lo onírico, salen de lo común sin que uno se de cuenta. Una buena película, originada en y por los recuerdos, cómo uno los guarda y cómo los selecciona. Un placer visual.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


AMARCORD
Dir.: Federico Fellini
c/ Magali Noël, Ciccio Ingrassia, Bruno Zanin, Pupella Maggio, Alvaro Vitali, Armando Brancia
Italia/Comedia/1973***/DVD

martes, abril 21, 2009

12:08 AL ESTE DE BUCAREST


Dieciséis años después de la revolución rumana que derrocó al presidente Ceaucescu, dando fin al régimen comunista, es recreada en un programa de televisión local, haciéndose la pregunta si “la revolución” llegó a la pequeña ciudad donde viven.
Ello va a servir de motivo para presentar como entrevistado a un profesor de historia conocido en la ciudad como borracho consuetudinario, cuya versión de los hechos es poco creíble, y a un anciano que estuvo en la plaza principal del pueblo celebrando la caída y posterior arresto del dictador (las 12:08 marca la hora en que fue tomado preso Ceaucescu, para ser posteriormente ejecutado, previo juicio sumario).
La anécdota sirve para cuestionar la historia. Los hechos del pasado dependen como se miren o se enfoquen los acontecimientos. No existe la verdad absoluta (traducido cinematográficamente en los desencuadres y fuera de foco del camarógrafo del programa de tv) y poco importa si estuvieron antes o después de la hora que da título al filme (al parecer los medios de comunicación magnificaron el número de las muertes en aquel año, exacerbando el ánimo de las masas). Que el único protagonista vivo sea un ebrio consuetudinario digno de ninguna credibilidad, ahonda la duda. Como dice una televidente que interviene por fono (es uno de esos programas donde se deja la línea abierta), vean la nieve blanca que está cayendo, que mañana será barro. Notable metáfora de los hechos y como quedan después.
Lograda ópera prima de Corneliu Porumboiu que le mereció la cámara de oro en Cannes 2006.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


12:08 AL ESTE DE BUCAREST [A fost sau n-a fost?]
Dir. y guión: Corneliu Porumboiu
c/ Mircea Andreescu (Emanoil Piscoci), Teodor Corban (Virgil Jderescu), Ion Sapdaru (Tiberiu Manescu)
Rumania/2006/Comedia***/Estrenos

sábado, abril 18, 2009

LARRY FLINT


Logrado filme de Milos Forman sobre la censura y libertad de expresión en Norteamérica. Esta vez enfocado desde el lado del fundador de una revista pornográfica repetidamente censurada. El toque de la época –años 70 y 80- hace “respirar” el ambiente que se vivía en ese entonces, desde los años de la revolución sexual hasta la “revolución” conservadora de la era reaganita, con su doblez moral, así como la importancia que tiene una Corte Suprema independiente en dirimir los contenciosos donde están en juego valores constitucionales inapreciables como la libertad para expresarse sin restricción alguna. Muy buena película, en la que Milos Forman vuelve a tratar un tema caro a la sociedad norteamericana, así como fue en su momento Atrapados sin salida.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


LARRY FLINT [The People vs. Larry Flynt]
Dir.: Milos Forman
Guión: Scott Alexander y Larry Karaszewski
c/ Woody Harrelson (Larry Flynt), Courtney Love (Althea Leasure), Edward Norton ... (Alan Isaacman), Brett Harrelson (Jimmy Flynt), Donna Hanover (Ruth Carter Stapleton), James Cromwell (Charles Keating)
EEUU/1996/Drama, biopic***/Dvd/Películas del ayer

miércoles, abril 15, 2009

MONSTERS VS. ALIENS


Monsters vs. aliens no es una cinta original, ni busca serlo, como podría ser el Shrek original. Es un producto que busca explotar la técnica del 3D (tercera dimensión), con el argumento manido de la invasión extraterrestre. Es cierto que se sustenta en los viejos filmes de ciencia ficción con alienígenas de formas monstruosas pero ciencia y tecnología superior a la terrícola, con ganas de invadir la tierra, saliendo con los crespos hechos de su temeraria aventura (como decía un cinéfilo, con los miles de millones de planetas que existen en el universo, justo tienen que venir acá, y por añadidura a Estados Unidos, nunca invaden un país del tercer mundo; por cierto, la cinta juega un poco con este último argumento graciosamente).
Lo más agradable son las voces originales, si es posible es mejor apreciarla en versión subtitulada, escuchar a Reese Witherspoon como Ginormica, la gigante que salvará al planeta, o a Kiefer Sutherland como el belicoso general que nos hace recordar al que interpretó George C. Scott en Dr. Strangelove, la paródica cinta anti-bélica de Stanley Kubrick, de la cual ofrece más de un guiño Monsters vs. Aliens.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


MONSTERS VS. ALIENS
Dir: Rob Letterman y Conrad Vernon
Guión: Maya Forbes y Wallace Wolodarsky
Voces originales: Reese Witherspoon (Susan Murphy/ Ginormica), Kiefer Sutherland (General W.R. Monger), Renée Zellweger (Katie)
EEUU/2009/Animación digital**/Estrenos