martes, enero 27, 2009

EL SUSTITUTO


Hay “directores de culto” como Clint Eastwood que cierta crítica de la prensa escrita adorna con adjetivos superlativos cada filme que ofrece el viejo director. Decir, como leí por ahí, que El sustituto es “una película imprescindible” (sic) es una exageración. Es una buena película, a no dudarlo, muy buena por cierto, pero de allí a calificarla de “imprescindible” creo que hay un buen trecho.

El filme tiene una buena primera parte. La desesperación de la madre por el hijo desaparecido y la frialdad para la búsqueda de la policía primero y las posteriores artimañas a fin de aparentar que “encontraron” al niño (a lo que alude el título), y lo que van a hacer para ocultar el hecho de ser una impostación, incluso hasta internar a la madre en un asilo mental por supuesta insanía de rechazar al hijo aparecido. Es lo mejor de la película. No solo por el ritmo in crescendo hasta llegar a la reclusión de Christine, sino por la denuncia que en la época donde trascurren los hechos los derechos civiles de las personas –incluyendo a blancos cien por ciento WASP- eran letra muerta en los propios Estados Unidos, cuyo comportamiento de las autoridades era poco menos que el de un dictador de república bananera. Resultan hasta cómicas “las explicaciones” de las autoridades policiales y médicas sobre los evidentes cambios del menor a fin de justificar que es el hijo “encontrado”.

Luego, el internamiento en el asilo solo reitera el coraje de la madre para soportar cualquier vejamen con tal de recuperar al hijo desaparecido, escenas de rebeldía que nos hacen acordar mucho a Atrapados sin salida (1975) de Milos Forman. De allí, “la liberación” de Christine con la ayuda del reverendo Gustav Briegleb (verdadero motor de la denuncia de las graves corruptelas del departamento policial) transita por la ruta del juicio a las malas autoridades y en paralelo el juicio al “serial killer” que se le imputa los asesinatos de varios menores, entre ellos el del hijo de Christine. Si bien “los malos” pagan sus culpas, la desaparición del hijo marcará toda la vida de la madre, creyendo encontrar alguna esperanza por remota que sea en el más leve indicio de que el hijo está vivo. El sustrato ideológico es evidente: en este mundo oscuro y con más dudas que certezas, debemos aferrarnos a algo en que creer como un salvavidas, por más remoto e ilusorio que pueda ser, y que se resume en la palabra final de la protagonista: esperanza.

Como se ve no es una película “imprescindible” ni nada por el estilo. Un buen drama sí, con una Angelina Jolie que deja sus roles estereotipados y está muy en caja en el papel principal, también. El viejo Clint no necesita de ditirambos ni elogios innecesarios, a estas alturas de su vida se encuentra más allá del bien y del mal.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


EL SUSTITUTO [Changeling]
Dir: Clint Eastwood
Guión: J. Michael Straczynski
c/ Angelina Jolie (Christine Collins), John Malkovich (Rev. Gustav Briegleb),Gattlin Griffith (Walter Collins), Michelle Martin (Sandy), Frank Wood (Ben Harris)
EEUU/2008/Drama***/Estrenos

sábado, enero 24, 2009

LA ISLA DEL DOCTOR MOREAU


Adaptación de la clásica novela de Wells. No es lo mejor, pero tiene cierto interés y el mensaje es claro, aunque innecesariamente repetitivo con palabras al final: el hombre es un ser que pretende ser superior a las demás especies, pero que apenas escarbas un poco te das cuenta que es un animal que devora al frágil ser racional que, como un endeble barniz, tiene encima; y, que jugando a ser Dios va no al paraíso sino al propio infierno. Desgarradora verdad.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


LA ISLA DEL DOCTOR MOREAU [The Island of Dr. Moreau]
Dir.: John Frankenheimer
Guión: Richard Stanley y Ron Hutchinson, basado en la novela homónima de H.G. Wells
c/ Marlon Brando (Dr. Moureau), Val Kilmer (Montgomery), David Thewlis (Edward Douglas), Fairuza Balk (Aissa)
EEUU/1996/Fantástico***/Películas del ayer

jueves, enero 22, 2009

MARCIANOS AL ATAQUE


Parodia de las viejas películas de ciencia ficción. No es casual la utilización de muñequitos que parecen de juguete, así como juguetes que resultan mortales, con ese humor negro característico de Tim Burton. Pero, detrás de esta inocente parodia, a la manera de Jonathan Swift, Burton nos muestra a la raza humana en toda la vanidad de su ego, que pronto se verá hecho trizas por unos seres más pequeñitos pero con una tecnología sofisticada. Como dice uno de los personajes “Quizás deberían destruir a todos. La raza humana no merece vivir”. Impresiona el reparto de actores y actrices de primer nivel, incluyendo al “gordito” Jack Black (cuando no era tan gordito) en un rol secundario. Marcianos al ataque se mantiene fresca como el día de su estreno y es una de sus mejores películas.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


MARCIANOS AL ATAQUE [Mars Attacks!]
Dir.: Tim Burton
Guión: Jonathan Gems
c/ Jack Nicholson (President James Dale / Art Land), Glenn Close (First Lady Marsha Dale), Annette Bening (Barbara Land), Pierce Brosnan (Professor Donald Kessler), Danny DeVito (Rude Gambler), Martin Short (Press Secretary Jerry Ross), Sarah Jessica Parker (Nathalie Lake), Michael J. Fox (Jason Stone), Rod Steiger (General Decker), Tom Jones (Himself), Jim Brown (Byron Williams), Natalie Portman (Taffy Dale), Pam Grier (Louise Williams), Jack Black (Billy Glenn Norris)
EEUU/1996/Parodia de CF***/Películas del ayer

martes, enero 20, 2009

PELIGRO EN BANGKOK


El “auto-remake” (una segunda versión realizada por el mismo director de la primera) si bien no es usual, se produce. A veces hay casos en que el director no estuvo del todo satisfecho con la cinta original y luego, consagrado y con más recursos, se anima a una segunda. En el presente caso, los hermanos Pang realizan una nueva para el mercado norteamericano de una película del mismo nombre hecha en 1999, pero ahora con una estrella reconocida internacionalmente como Nicolas Cage.
Esta versión no podemos descalificarla a priori solo por “ser norteamericana” y tener todos los rasgos de un blockbuster. Tiene sus méritos, el principal mantener al espectador en vilo de principio a fin con una trama llena de acción, con escenas de lucha “coreográfica” como es común en las propuestas orientales y sobretodo el diseño de un anti-héroe cansado del trabajo que hace (asesinar personas por encargo). Sin decirlo uno se da cuenta de lo hastiado que se encuentra de la vida (en cierta manera busca esa muerte con la que concluye su último contrato); y cuando cree que encuentra la felicidad con la chica de sus sueños, esta se desvanece de sus manos como una ilusión. También tiene un deseo de “dejar escuela”, de allí que entrene al joven Kong, y vaya a su rescate, suerte de expiación de sus culpas, ratificado en la escena final.
Precisamente lo más sugestivo de la cinta es ese punto de vista introspectivo del personaje, con un excelente rol interpretativo de Nicolas Cage, que sin decir demasiadas palabras nos trasmite lo que siente el personaje.

Peligro en Bangkok es un buen filme de acción, que merece verse. No busquen “cuestiones filosóficas”, porque no las hay. Obvio.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


PELIGRO EN BANGKOK [Bangkok Dangerous]
Dir.: Oxide Pang Chun y Danny Pang
Guión: Jason Richman
c/ Nicolas Cage (Joe), Shahkrit Yamnarm (Kong), Charlie Yeung (Fon), Panward Hemmanee (Aom), Nirattisai Kaljaruek (Surat), Dom Hetrakul (Aran)
EEUU/2008/Acción***/Estrenos

domingo, enero 18, 2009

LA ÚLTIMA LUNA


Singular filme del cineasta chileno Miguel Littin (1942), rodado íntegramente en tierra Palestina.
Trata sobre la amistad entre un judío y un árabe durante la I Guerra Mundial y cómo los acontecimientos históricos van a sobrepasarlos y absorberlos, convirtiéndose esa amistad sincera y hermosa en odio de razas. Canto a la amistad (simbolizado en la casa de piedra que ambos protagonistas construyen juntos), Littin realiza un “ajuste de cuentas” con su pasado: socialista, presidente de Chile Films bajo el gobierno de Unidad Popular de Salvador Allende, exilado durante la dictadura de Pinochet ya que su nombre estaba en la “lista negra” de los “desaparecidos”; ahora con poco más de 60 años a cuestas toma una perspectiva histórica de tolerancia hacia el otro y como, pese a las diferencias, trabajando juntos podemos edificar un mundo mejor (simbolizado precisamente en la “Casa de la Amistad”).
La película tiene nervio, intensidad dramática, alegría, pena, vida y muerte, en fin de lo que está hecha la vida misma y personajes arquetípicos inolvidables como Solimán y Jacob, y una simpatía natural hacia el pueblo palestino en su lucha de resistencia (Littin tiene un abuelo paterno de origen palestino que emigró a inicios del siglo XX a la “América-Chile” como ellos decían, a ese país remoto ubicado hacia el final de la América del Sur, en busca de una segunda patria lejos de la guerra y el caos incubado en su terruño natal).
El Dvd contiene también un documental de cómo se hizo el filme y de la vida día a día del pueblo palestino y su tenaz resistencia para sobrevivir. Realmente una joya de película y que merece verse en estos tiempos tan dramáticos que se viven en el Medio Oriente.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


LA ÚLTIMA LUNA
Dir. y guión:Miguel Littin
c/ Aymann Abuloff (Solymann), Tamara Acosta (Matty), Alejandro Goic (Jacobeo),
Francisca Merino (Alinne)
Chile, Esp, Méx/2005/Drama histórico***/Dvd/Las que nunca se estrenaron

LOS PREMIOS Y LA PARTICIPACIÓN EN FESTIVALES DE LA ULTIMA LUNA:

Premio al mejor Director - XXXI Festival Iberoamericano de Cine de Huelva
Premio al mejor Director - IX Festival Internacional de Cine Latino de Los Angeles
Premio al mejor Director - Festival Iberoamericano de Sta Cruz, Bolivia
Premio Mejor Fotografia Festival Iberoamericano de Guadalajara, Mexico
Seleccion Oficial Festival Internacional de Moscu
Seleccion Oficial Festival Internacional de Seattle, USA.
Seleccion Oficial Festival Internacional Lima, Peru.
En todos ha tenido destacada participación tanto de público como prensa y critica.

jueves, enero 15, 2009

BESANDO A JESSICA STEIN


Agradable e inqueta comedia sobre el amor lésbico. Una chica judía en la treintena sufre fracaso tras fracaso en sus relaciones con los hombres hasta que encuentra a Helen, mujer bisexual, desprejuiciada y liberal, que le hará cambiar la forma de ver el mundo en 180º. Centrada en la comunidad artística e intelectual de la ciudad de Nueva York, lo que le otorga un toque cosmopolita al amor gay, que por cierto jamás cae en lo chocante ni en lo vulgar. Hasta los besos entre las dos mujeres están en el contexto adecuado, así como el final, no un “happy end” (“y vivieron felices”), sino más realista. El amor se acaba, sea hétero u homosexual, y solo cabe guardar los bellos momentos o aprender de los fracasos. Buena comedia con final inconcluso como la vida misma.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


BESANDO A JESSICA STEIN [Kissing Jessica Stein]
Dir.: Charles Herman-Wurmfeld
Guión: Heather Juergensen y Jennifer Westfeldt
c/ Jennifer Westfeldt (Jessica Stein), Heather Juergensen (Helen Cooper), Scott Cohen (Josh Myers), Jackie Hoffman (Joan)
EEUU/2001/Comedia***/Las que nunca se estrenaron

martes, enero 13, 2009

THE HOST: MONSTRUO DEPREDADOR


Si bien las reglas de cada género están ya impuestas de antemano, lo creativo del realizador es “el giro de tuerca” que aporte, qué novedad propondrá en su puesta en escena. Alien (1979) de Ridley Scott proponía un “horror espacial” inspirado en las viejas películas de terror que sucedían en lugares remotos y exóticos, su aporte fue recrearlo en una nave carguera en un futuro donde el sistema capitalista ha impregnado todo el universo. Precisamente The host tiene ciertos rasgos “alienanos” tanto en el diseño del monstruo como en algunas escenas que son un tributo al ya clásico del género de terror; sin embargo, el director apunta hacia otro lado, en vista que existe un discurso político implícito contra la intervención norteamericana (el origen del monstruo se debe a la negligencia de un científico yanqui, el gas paralizante alude a las armas químicas, las protestas estudiantiles) y por otra parte la aplicación de toques de humor que bajan la tensión acumulada ante la devastación del monstruo. El humor y el terror son como el agua y el aceite, pero Joon-ho Bong ha sabido aplicarlo en dosis inteligentes, sin caer en lo chabacano.
Asimismo, el diseño de los personajes es excelente. No se trata de “tontos estudiantes” que caen ante el cuchillo de un serial killer o en las fauces de un animal salvaje, sino seres de carne y hueso, comunes y corrientes, que ante una situación límite sacan fuerzas y habilidades que ni ellos mismos sabían que tenían. Los actos heroicos o el sacrificio por un ser querido se imponen más allá de las limitaciones que adolezcan. A tal punto son los personajes los que “jalan la historia” que la presencia del monstruo queda en un segundo plano, teniendo participaciones esporádicas en función a estos y a la trama y no al revés, como sucede comúnmente, donde se privilegia la presencia del “monstruo” y el uso y abuso de los efectos especiales. Incluso el final no es propiamente un “happy end” con toda la familia reunida, feliz y contenta, sino un final más melancólico y de alerta ante lo que pueda suceder.
The host es una interesante propuesta de cine de terror que merece verse y apreciarse en toda su extensión.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


THE HOST: MONSTRUO DEPREDADOR [Gwoemul]
Dir.: Joon-ho Bong
Guión: Chul-hyun Baek, Joon-ho Bong, Won-jun Ha
c/ Kang-ho Song (Park Gang-Du), Hie-bong Byeon (Park Hie-bong), Hae-il Park (Park Nam-il), Du-na Bae (Park Nam-Joo), Ah-sung Ko (Park Hyun-seo)
Corea del Sur/2006/Terror***/Estrenos

sábado, enero 10, 2009

INVASORES DE CUERPOS


Esta es la tercera versión de la novela "Los ladrones de cuerpos" de Jack Finney. Tiene un ambiente más bien claustrofóbico, de desconfianza de todo aquel que nos era familiar, limitando la acción a una base militar contaminada. El final resulta ambiguo ya que si bien logra fugar la pareja de jóvenes, es evidente que tarde o temprano serán capturados por los “aliens” y, vencidos por el sueño, trasformados en los otros. Cine más que de efectos, de trabajo de ambientes y de actores. Interesante versión, mejor que la posterior del año 2007 con Nicole Kidman.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


INVASORES DE CUERPOS [Body Snatchers]
Dir: Abel Ferrara
Guión: Stuart Gordon, basado en la novela de Jack Finney
c/ Gabrielle Anwar (Marti Malone), Terry Kinney (Steve Malone), Billy Wirth (Tim Young), Forest Whitaker (Major Collins)
EEUU/1993/Terror***/Películas del ayer

jueves, enero 08, 2009

WALL STREET


Se dice que a veces la realidad copia al arte. Nada más cierto que en esta interesante película de Oliver Stone sobre los especuladores de la bolsa. Localizada en la década del ochenta, cuando el gobierno reaganita también desreguló el sistema financiero para que los ricos sean más ricos, nos describe el ambiente de ambición y falta de escrúpulos de aquellos que buscan enriquecerse fácilmente a costa de otros. Esta película, junto a The Bonfire of the Vanities (1990) de Brian de Palma, captaron muy bien ese ánimo especulativo y carente de escrúpulos que anidó en aquellos años y que se repitió en la presente década. Y eso que Madoff y compañía todavía no eran muy conocidos. Si bien WS lleva el mensaje moral que “el crimen no paga”, con el castigo de los “malos”, vemos que en la realidad no siempre es así, tal como ha sucedido en esta última crisis financiera en que ningún responsable está tras las rejas, sino más bien gozando de un mullido retiro.
Por cierto, se ha anunciado una segunda parte de Wall Street, aprovechando el momento que se vive.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


WALL STREET
Dir.:Oliver Stone
Guión: Stanley Weiser y Oliver Stone
c/ Charlie Sheen (Bud Fox), Michael Douglas (Gordon Gekko), Hal Holbrook (Lou Mannheim), Martin Sheen (Carl Fox), Daryl Hannah (Darien Taylor)
EEUU/1987/Drama***/Películas del ayer

martes, enero 06, 2009

AUSTRALIA


La conquista del oeste en versión australiana.

Baz Luhrmann es un buen asimilador de los géneros clásicos del cine norteamericano. Lo demostró con Moulin Rouge! (2001), su inmediato anterior largo, musical “post moderno” bastante heterodoxo. Luego de siete años por fin ve a luz un proyecto largamente acariciado: contar la historia de la gesta australiana como conjugación de dos razas y culturas (la aborigen y la inglesa). Por ello la historia está contada desde el lado de Nullah, el niño mestizo producto de esas dos razas y civilizaciones, que domina el inglés pero también practica los usos y costumbres de sus abuelos; para ello Baz Luhrmann utiliza los códigos y convenciones de un género norteamericano por excelencia: el western. La naturaleza domina el paisaje, la conducción del ganado a través de las grandes praderas, “los pistoleros” y “el salvaje oeste” donde impera la ley del más fuerte, y por supuesto el duelo final entre “el malo” y “el bueno”, donde obviamente debe morir el primero, con final feliz incluido. Esta vez “los indios” son también los buenos y en cierta forma se pone énfasis en su papel fundacional y en la segregación que sufrieron hasta hace pocos años (la historia se ambienta durante la segunda guerra mundial). De tonos épicos y líricos, quizás la escena más emocionante sea la del ganado desbocado próximo a caer al abismo, consiguiendo Nullah “pararlo en seco” con un truco de sus ancestros.
Es posible que para algunos les parezca un filme menor de Luhrmann, después “del coctel” de canciones de diferentes épocas a ritmo de videoclip que significó Moulin Rouge!; esta vez estamos ante una historia más convencional y de cierta manera más reposada, pero no le quita el interés que significa esta “vuelta de tuerca” a un género que parecía ya extinguido como el western.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


AUSTRALIA
Dir.: Baz Luhrmann
Guión: Baz Luhrmann, Stuart Beattie, Ronald Harwood, Richard Flanagan
c/ Nicole Kidman (Lady Sarah Ashley), Hugh Jackman (Drover), Bryan Brown (King Carney), David Wenham (Neil Fletcher), David Gulpilil (King George), Brandon Walters (Nullah), Jack Thompson (Kipling Flynn)
Australia,EEUU/2008/Drama épico***/Estrenos

viernes, enero 02, 2009

EN EL VALLE DE LAS SOMBRAS


Un soldado norteamericano que ha regresado de Iraq se encuentra reportado como ausente sin permiso. Ese es el disparador de un drama sobre las desadaptaciones que sufren los soldados de vuelta casa. Tarde o temprano Hollywood iba a tocar el tema y si bien no es una gran película ni nada parecido, se deja ver y es destacable la magnífica actuación de Tommy Lee Jones como el padre que busca desesperanzadoramente a su hijo. Contenido, a punto de quebrase, pero manteniéndose por un esfuerzo de voluntad sobrehumano, urgará hasta descubrir la penosa verdad. Él sostiene la película de principio a fin. Charlize Theron cumple en el secundario, como la oficial de policía que lo ayuda en las investigaciones, pero no está a la altura de Tommy Lee Jones. Lástima que Susan Sarandon haya sido desperdiciada, una buena actriz que da vida a los personajes que encarna.
Drama que promete y no cae en los excesos (en el valle de Elah significa también los gigantes que se deben vencer en una lucha desigual, como la encarnada por el veterano Hank).
Por cierto, no se oculta que por la historia y el tratamiento, Paul Haggis –el oscarizado hace algunos años por Crash- busque tentar de nuevo la estatuilla con esta historia. Tiene todos los ingredientes como para conmover a la Academia.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


EN EL VALLE DE LAS SOMBRAS [In the Valley of Elah]
Dir. y guión: Paul Haggis
c/ Tommy Lee Jones (Hank Deerfield), Charlize Theron (Det. Emily Sanders), Jason Patric (Lt. Kirklander), Susan Sarandon (Joan Deerfield)
EEUU/2007/Drama***/Estrenos

martes, diciembre 30, 2008

BALANCE DEL CINE VISTO EL 2008

Se impone el balance de rigor. Si bien existió mayor variedad de títulos con respecto al año anterior, la estandarización de los blockbusters deja poco espacio para cintas con mayor interés que la taquilla. Sin embargo, se han estrenado películas interesantes. La relación que viene a continuación no tiene orden prioritario, sigue –más o menos- la secuencia de los estrenos en nuestra ciudad.
Con todo lo arbitrario que significa siempre una selección, nos quedamos con:

1. La lista negra
2. American ganster
3. Michael Clayton
4. Sin lugar para los débiles
5. Juno
6. Petróleo sangriento
7. Luz silenciosa
8. Promesas del este
9. Iron man
10. Batman, el caballero de la noche
11. Wall-E
12. 4 meses, 3 semanas y 2 días
13. 3:10 para Yuma
14. Dueños de la noche
15. Traición y lujuria
16. Buscando un amor
17. Relaciones peligrosas
18. Luces al atardecer
19. Paranoid park
20. Quémese después de leer

Y si reducimos a solo diez títulos, nos quedamos con:

1. La lista negra
2. Sin lugar para los débiles
3. Juno
4. Petróleo sangriento
5. Luz silenciosa
6. Promesas del este
7. 4 meses, 3 semanas y 2 días
8. Dueños de la noche
9. Relaciones peligrosas
10. Luces al atardecer


EL CINE NACIONAL

El 2008 fue un verdadero boom de estrenos nacionales, donde encontramos mayormente óperas primas de jóvenes realizadores, lo cual implica un “relevo generacional” con gustos, temas y obsesiones totalmente distintos a los de la generación que ahora frisa las cinco o seis décadas.
Lo bueno es que se hagan películas. Seamos claros: no importa tanto la calidad, no vamos a pedir que todas sean “obras maestras”, menos al tratarse de películas iniciales de jóvenes que tienen más ganas que dominio del oficio. Lo que importa es que se produzcan películas y que ese número vaya en aumento.

También existe un prejuicio de la –digamos- “crítica especializada” hacia el cine nacional, o mejor dicho, un complejo de inferioridad de cierto sector de la crítica que ve como malo todo o casi todo el cine que se produce por estas tierras y que muchas veces confunde sus gustos y preferencias con el de los jóvenes realizadores, pretendiendo convertirse en una suerte de “guías iluminados” del “buen cine” (para ellos) que proponen como “solución salvadora” al dilema del cine peruano la intervención estatal en sus distintas modalidades y niveles (exoneraciones tributarias, financiamiento obligatorio de películas, cuotas de pantalla “forzosas”, salas exclusivas para filmes nacionales, entre otras lindezas). Modestamente dudanos que por allí vaya la solución.

Igualmente existe el problema de público. A diferencia de hace treinta años atrás, el público actual “no se engancha” con las producciones nacionales, asistiendo muy poco a un estreno local, salvo contadas excepciones. No creo sea exclusiva culpa de las producciones peruanas por “no haber sintonizado” con “su” público, como usualmente se les achaca, sino de distintas tendencias que actúan en contra, como la globalización de los blockbusters, estrenados en simultáneo en todo el mundo y con un aparato publicitario y cuotas de pantalla impresionantes, que deja poco espacio para las producciones locales, fenómeno que se repite también en otros países. Pero, no solo es el problema de la competencia desigual sino también de cierta estética y un gusto estandarizado que van generando estas superproducciones, sobretodo en el público joven. Es como si a una persona se le acostumbra solo a comer hamburguesas o pollo frito con gasesosa. Después será muy difícil que su paladar sienta el placer por el caviar y el champagne. Algo de eso pasa también. Se ha formado una “estética de blockbusters” bastante chata, pobre y muy estandarizada.

Lo malo. El cine de provincias no se visiona todavía en la capital, restringiendo su exhibición a la región donde se produjo. Salvo algunas salas no comerciales, no existe espacio para los cineastas del país y se desconoce mayormente su producción. Repito, no importa tanto la calidad, sino que se continúe con el esfuerzo, a pesar que en provincias no existen los elementos técnicos necesarios ni tampoco una “escuela de cine”, sin embargo las ganas y voluntad no faltan.

Podemos distinguir dos tendencias dentro del cine peruano estrenado comercialmente este año: una que va dirigida al “gran público” con historias fáciles y livianas como sería Mañana te cuento 2 o Valentino y el clan del can. Otra, que apuesta a un estilo propio, más de “cine de autor”, no concesivo de la platea, como es el caso de Dioses, Un cuerpo desnudo o El acuarelista. Un rasgo distintivo -como ya expresamos líneas arriba- es que la mayoría de las películas son de realizadores menores a los cuarenta años, vale decir es la “nueva generación” de directores nacionales, lo cual es bueno, pero requiere continuidad en los proyectos, que no queden en la primera película. En estos momentos el único director peruano que hace cine regularmente es Francisco Lombardi, cuya última propuesta, Un cuerpo desnudo, fue muy criticada, aunque también incomprendida. Y, si hablamos de películas con justificación ideológica está Vidas paralelas, fallida “lavada de cara” de los militares en la época del terrorismo (a lo cual, como expresamos en el momento de su estreno, en una sociedad democrática están en su pleno derecho de hacerlo).
De los estrenos nacionales, a lo lejos destacó Dioses, y le sigue Un cuerpo desnudo y El acuarelista. Josué Méndez ratificó la rigurosidad y universo propio que mostró en su primer filme, Lombardi presentó una obra menor pero no carente de interés, y Daniel Ró demostró el tanteo de un camino personal que deberá definir y pulir en sus siguientes largos.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

viernes, diciembre 26, 2008

QUÉMESE DESPUÉS DE LEER


Siguiente largo de los hermanos Coen luego del oscarizado éxito de Sin lugar para los débiles (No Country for Old Men, 2007), esta vez trata sobre la paranoia que se vive en Estados Unidos luego del 11-S y la invasión a Iraq. Precisamente la cinta es tributaria de un clásico de la ciencia ficción a quien rinde homenaje en un par de escenas: La invasión de los usurpadores de cuerpos (The invasión of the body snatchers, 1956) de Don Siegel. El ambiente fóbico, paranoico, de saberse perseguido y vigilado por fuerzas extrañas y malignas, solo que esta vez no se trata de alienígenas sino de las agencias de inteligencia norteamericanas. La película está estructurada como una bola de nieve que se va agrandando conforme pasan los acontecimientos: un agente de la CIA es despedido (John Malkovich) por lo que su situación familiar se torna precaria, decidiendo la esposa divorciarse del marido desempleado (Tilda Swinton), mientras tiene un romance con un guardaespaldas jubilado (George Clooney). El asunto se complica cuando una cuarentona asistente de gimnasio (Frances McDormand) quiere mejorar la silueta con cirugías plásticas, por lo que no encuentra mejor forma que chantajeando al ex agente con una fuerte suma de dinero por un cd con información perdido, ayudado por su compañero de trabajo (Brad Pitt).

Gracias a la anécdota nos va diseccionando las miserias de estas personas, con traiciones mutuas y valores por los suelos. Nadie es héroe, todos tienen “rabo de paja”, buscando el beneficio propio aprovechando situaciones inesperadas, sin darse cuenta que “el gran hermano”, el ojo de la CIA los vigila atentamente para saber si se salen de los carriles de lo previsto.

Buena película de los hermanos Coen, que si bien no está a la altura de su anterior largo, ratifica su sentido independiente a pesar de los merecidos premios recibidos.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


QUÉMESE DESPUÉS DE LEER [Burn After Reading]
Dirs y guión: Ethan y Joel Coen
c/ George Clooney (Harry Pfarrer), Frances McDormand (Linda Litzke), John Malkovich (Osbourne Cox), Tilda Swinton (Katie Cox), Brad Pitt (Chad Feldheimer)
EEUU,UK/2008/Thriller***/Estrenos

martes, diciembre 23, 2008

EL DÍA QUE LA TIERRA SE DETUVO


El día que paralizaron la tierra (The Day the Earth Stood Still, 1951) era una película de ciencia ficción con alegato pacifista. Rodada en plena guerra fría, la amenaza nuclear era un peligro inminente, por lo que un “embajador” de una civilización mucho más avanzada que la nuestra nos advierte que debemos detener esa locura guerrera bajo apercibimiento de ser destruídos, dado que ponemos en peligro a todo el universo. Ese alegato, por supuesto, se produce en la sede de las Naciones Unidas, donde llega, no sin cierta resistencia, el representante interplanetario Klaatu.
La diferencia con el “remake” se centra no solo en los efectos especiales, obviamente más sofisticados, sino sobretodo en la presencia más amenazante de Klaatu, es una “presencia” que impone por si sola temor por los poderes que despliega, y, en que la “advertencia” es una amenaza real de destrucción, por lo que el papel de la doctora Helen Benson es más protagónico, tratando de convencer al alienígena que nos de una segunda oportunidad, que los humanos, después de todo, no somos tan miserables y tenemos cosas buenas también. Por cierto, el filme nos describe como animales más “salvajes”, donde la razón casi desaparecida de nuestra conciencia, ayudado con un ritmo de acción más trepidante que el original. Pero, si se trata de quedarnos con la versión original o el “remake”, nos quedamos con la primera, pese a los rudimentarios efectos especiales, tiene esa ingenuidad propia de las historias de aquella irrepetible época.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


EL DÍA QUE LA TIERRA SE DETUVO [The Day the Earth Stood Still]
Director: Scott Derrickson
Guión: David Scarpa, basado en el guión de Edmund H. North
c/ Keanu Reeves (Klaatu), Jennifer Connelly (Helen Benson), Kathy Bates (Regina Jackson), Jaden Smith (Jacob Benson)
EEUU/2008/CF***/Estrenos

jueves, diciembre 18, 2008

MADAGASCAR 2: ESCAPE DE ÁFRICA


La animación digital se sostiene no tanto por los adelantos técnicos en si, sino más bien por contar buenas historias, por cierto, las mismas que nuestros abuelos leyeron, solo que “actualizadas” para las nuevas generaciones. Madagascar (2005) trataba sobre “dejar el nido” cuando hemos madurado para conocer el mundo. El lugar seguro que representa el zoológico, suerte de “útero materno” donde no falta nada, es dejado con los riesgos que ello implica. La segunda parte trata de encontrarse con las raíces, es decir, con uno mismo. El hábitat rechazado inicialmente (la jungla) es aceptado como el hogar, con el que se identifican nuestros personajes.
También tiene un mensaje implícito a la diferenciación, a que los opuestos se complementan como Melman, la jirafa, y su amor por Gloria, la hipopótamo, o del Pingüino hacia su “muñeca”, con la cual se “casa”. Por cierto, a pesar que esta segundo entrega no desluce, se deja extrañar un mayor protagonismo de los pingüinos. “Tú no has visto nada”.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


MADAGASCAR 2: ESCAPE DE ÁFRICA [Madagascar: Escape 2 Africa]
Dir: Eric Darnell y Tom McGrath
Guión: Etan Cohen y otros
Voces originales: Ben Stiller (Alex), Chris Rock (Marty / Additional Zebras), David Schwimmer (Melman), Jada Pinkett Smith (Gloria), Sacha Baron Cohen (Julien), Cedric the Entertainer (Maurice), Andy Richter (Mort)
EEUU/2008/Animación***/Estrenos

martes, diciembre 16, 2008

SUEÑOS Y DELITOS


Existe una vertiente en la obra de Woody Allen que tiene como temática la ambición (manifestada a través del poder o del dinero) y un crimen cometido por este móvil que generalmente queda impune. Sueños y delitos o El sueño de Casandra, como es su título original, trata sobre ese tema, solo que esta vez con una variante de remordimiento y expiación hacia el final.
Ian y Terry son dos jóvenes ambiciosos y soñadores con “hacerse millonarios” rápidamente y disfrutar de la vida. No desean trabajar “rompiéndose el lomo” como sus esforzados padres y su referencia es un tío que ha hecho fortuna con clínicas de belleza pero con un pasado oculto ilícito, origen de su actual posición social y económica. Si bien en un registro y tono distinto estamos ante una temática muy similar a la de Relaciones peligrosas (Before the Devil Knows you’re Dead) de Sidney Lumet, coincidentemente del mismo año (2007).
Son los sueños de ambición los que están sobre el tapete, encarnados en el bote que compran los hermanos más allá de sus posibilidades económicas (el mito de Casandra alude a las profecías que se ven pero no se creen). Es vivir al crédito, desaforadamente, obnubilados por un modo de vida sin valores éticos, y cuando la soga aprieta recurrir al crimen si es necesario. Solo que esta vez Allen no sale tan bien librado como en su anterior largo Match Point (2005). La trama es un poco reiterativa de las acciones de estos dos muchachos y cómo se van hundiendo más y más sin darse cuenta, y “la redención” de Terry no es tan convincente, en una mezcla de Crimen y castigo con los Hermanos Karamazov.
De todas maneras se deja ver y es mucho mejor que cualquier película promedio de las estrenadas últimamente.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


SUEÑOS Y DELITOS [Cassandra's Dream]
Dir. y guión:Woody Allen
c/ Ewan McGregor (Ian), Colin Farrell (Terry), Tom Wilkinson (Howard)
EEUU, UK/2007/Drama***/Estrenos

viernes, diciembre 12, 2008

TOMANDO TÉ CON MUSSOLINI


Ubicada geográficamente en Florencia durante el período de auge y fin del fascismo, con un arco temporal de poco más de diez años, se centra en un grupo de inglesas (llamadas “las scorpioni”) amantes del arte del renacimiento y que se niegan a abandonar por la inminente guerra la tierra que consideran su segunda patria. Es la relación entre estas damas de educación refinada y un muchacho, hijo ilegítimo de un comerciante, donde se centra el filme, narrando los diferentes sucesos y cómo sobreviven en plena guerra, así como la inclinación artística del que sería en el futuro Franco Zeffirelli. Si bien es una película marcadamente autobiográfica, le faltó más emoción, dramatismo a las historias contadas, convirtiéndose más bien en una sucesión de anécdotas.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


TOMANDO TÉ CON MUSSOLINI [Tea with Mussolini]
Dir.: Franco Zeffirelli
Guión: John Mortimer, Franco Zeffirelli, basado en la autobiografía de Franco Zeffirelli
c/ Cher, Maggie Smith, Judi Dench, Joan Plowright, Lily Tomlin, Claudio Spadaro
Ita/1999/Comedia dramática***/Películas del ayer

martes, diciembre 09, 2008

RED DE MENTIRAS


Ridley Scott se mueve bien en las películas que combinan la acción con el suspenso manteniendo al espectador en atención constante de lo que acontece de principio a fin. Es un buen contador de historias, ubicando sus thirllers en un contexto político determinado como fue La caída del halcón negro, y lo vuelve a ratificar en Red de mentiras. Esta vez el contexto lo otorga un tema de palpitante actualidad: la guerra en Iraq entre el ejército norteamericano y la resistencia fundamentalista musulmana. El enfoque es a través de los dos personajes principales: Ferris como agente de la CIA en el Medio Oriente que debe buscar y develar a las células terroristas que operan y Ed Hoffman como su jefe de operaciones a miles de kilómetros de distancia, desde Estados Unidos. La contraposición entre estos dos personajes, uno cuestionador de los métodos que el gobierno norteamericano efectúa para conseguir información (el “todo vale” se impone) mientras el otro los avala sin hacerse problemas de conciencia, viéndolo hacer cómoda y tranquilamente su vida de padre de familia mientras da instrucciones por celular a su agente. Precisamente “un personaje” adicional es la sofisticada tecnología con la que se libra esta guerra: internet, celulares, satélites, computadoras de última generación. No solo es la infiltración clásica en los grupos subversivos sino el uso de tecnología de punta que paradójicamente muchas veces no sirve frente a un enemigo que usa los métodos convencionales del “boca a boca” o el papelito. La sensación que se tiene es que esta guerra es global, que Occidente no la está ganando y como dice uno de los personajes donde no hay nadie inocente. Cada bando lucha por sus intereses. Por supuesto hay un discurso implícito que subyace en el filme y es el de “choque de culturas”, que Ridley Scott lo desarrolló ampliamente en un anterior filme “histórico”: Cruzada (Kingdom of Heaven, 2005), solo que esta vez se privilegia más la acción en aras del discurso ideológico que se encuentra implícito. Si bien la historia de amor de Ferris con Aisha suena medio impostada (un acercamiento de buena voluntad hacia el bando contrario) y el discurso patriotero y desafiante del agente de la CIA ante el jefe de los subversivos demasiado chauvinista, ello no resta los méritos del filme bajo comentario en lo que tiene en su haber: una historia bien contada, que estemos de acuerdo o no con su mensaje implícito es otra cosa; pero, la película se deja ver y tiene mejor factura que muchos blockbusters que circulan por allí.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


RED DE MENTIRAS [Body of Lies]
Dir.: Ridley Scott
Guión: William Monahan, basado en la novela de David Ignatius
c/ Leonardo DiCaprio (Roger Ferris), Russell Crowe (Ed Hoffman), Mark Strong (Hani), Golshifteh Farahani (Aisha), Oscar Isaac (Bassam), Ali Suliman (Omar Sadiki)
EEUU/2008/Thriller***/Estrenos

jueves, diciembre 04, 2008

EL ACUARELISTA


Ópera prima del realizador nacional Daniel Rodríguez abordando una metáfora sobre la incomprensión del arte y el artista.

El antecedente, el germen de la idea, se encuentra en su corto El colchón. Allí está la base de El Acuarelista; pero, el resultado de su primer largo es irregular aunque no carente de interés. Inscrito dentro de la vertiente de la comedia del absurdo con personajes esperpénticos como “El presidente” o “La presidenta” (se nota la mano de Álvaro Velarde en los trazos) entramos a una historia que linda en lo absurdo: la imposibilidad de un artista de pintar su anhelada acuarela por múltiples motivos que confabulan en su contra. De ribetes kafkianos (basta una letra inicial para designar al protagonista), nos sumerginos en un mundo intemporal, con escenas oníricas de sueños y pesadillas que marcan su deseo y frustración, viéndose inserto en hechos que no le conciernen y no sabe exactamente qué son (se designa como “la obra” una remodelación del edificio que perjudica sus ansias de ser artista), pero que lo afectará hasta hacerlo desaparecer en el anonimato o en la muerte (el final ambiguo no dice exactamente cómo acaba el pobre T). Lo más interesante son los personajes secundarios y sus historias personales, así como esa creación de atmósferas particulares en que se ve surmergido por sus metiches vecinos. Descontando al “Presidente” (un siempre logrado Enrique Victoria), la historia de Claudia que quiere salvar su matrrimonio a través del retrato que deberá pintar T, o de Elvira que manda a clases de pintura a su travieso niño para retozar con su amante (la historia secundaria más lograda), para no mencionar los abusos de confianza de la “Presidenta” a fin que el personaje pinte un mural a la entrada del edificio o “la voz en off” que va dando cuenta de la trama. Posiblemente se diga que son “unidimensinales” (está de moda la palabreja), pero esa es la intención al momento de describirlos. Por cierto se nota también una influencia de El inquilino (1976) de Roman Polanski. Incluso hay dos escenas que homenajean directamente a la ya clásica cinta del realizador polaco, dándole un giro inesperado de lo cómico-absurdo a lo terrorífico (el grupo de inquilinos como una amenaza), lo cual hace que pierda unidad la cinta y un poco el interés hacia el final.

Metáfora sobre la incomprensión del arte y el artista, El acuarelista es una primera cinta interesante, con algunos “baches” naturales en una ópera prima, pasando el realizador la prueba. Estaremos a la espera de su siguiente trabajo, Home office, anunciado el rodaje para el próximo año.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


EL ACUARELISTA
Dir.: Daniel Ró
Guión: Daniel Ró, Álvaro Velarde, Eduardo Mendoza
c/ Miguel Iza (T), Sol Alba (Leticia), Ana Cecilia Natteri (La presidenta), Enrique Victoria (El presidente), Patricia Pereyra (Claudia), Salvador del Solar (Ernesto), Sofía Rocha (Elvira)
Perú/2008/Comedia***/Estrenos

martes, diciembre 02, 2008

QUANTUM OF SOLACE


El agente 007 tuvo éxito en los años 60, en el contexto de la guerra fría, cuando la moda de los espías se impuso. Sean Connery de lejos sigue siendo el que mejor encarnó al encantador y sibarita agente. Roger Moore le dio un giro paródijo al personaje que revitalizó la saga, Pierce Brosnan cumplió cuando ya el muro de Berlín había sido derrumbado, la guerra fría sonaba a historia pasada y la franquicia parecía que llegaba a su fin (no cuento a dos actores que pasaron sin pena ni gloria por el 007), y ahora Daniel Craig toma la posta dándole un toque más violento que seductor al personaje. Viéndolo parece que estamos ante el Jack Bauer británico y que tiene apenas 24 horas para salvar al mundo. El “todo vale” se impone. No hay ética ni reglas, ayudado por la tecnología de punta al servicio de Mr. Bond. Nadie es inocente, ni siquiera los países de occidente luchan por la democracia sino por sus intereses. El cinismo se impone como forma de vida (salvando las distancias un filme de estreno simultáneo, Red de mentiras, tiene el mismo mensaje implícito, aunque mucho mejor elaborado).

La estructura de las películas de James Bond es similar: comienza con una secuencia de acción en que se encuentra en apuros el agente secreto y con ingenio y habilidad logra safarse del peligro. Es el preludio que nos abre a la historia que se contará (esta vez, según los productores, sucede “una hora después” de terminada Casino Royale, la anterior película de la saga), donde por lo general hay un villano que quiere dominar el mundo. Como no podía ser de otro modo, ahora se trata de los recursos energéticos, el agua, y la historia se sitúa por primera vez en un país sudaméricano: Bolivia. Una Bolivia corrupta con gobiernos títeres al servicio de las trasnacionales. El contexto político actual es evidente. No vamos a entrar en que si la Bolivia que se describe es la real o no, que en todo caso tocará desentrañar a los hermanos del altiplano. El punto es que estamos ante una película de ficción donde no falta tampoco la acompañante ocasional de 007, esta vez una guapa rusa que hace de boliviana (?), cosas del casting internacional. El final, como no puede ser de otro modo, significa que el agente secreto salvará una vez más al mundo no sin antes matar al villano y destruir el escenario de la lucha final (otra característica común de la serie). Esta vez en cambio no se “pachamanquerá” con la ocasional compañera, hay un dolor implícito en el agente que le marca un duelo y que hace alusión al título original un poco difícil de traducir al español, pero que alude a ese dolor irreparable que lleva por dentro el 007. Total, como cualquier ser humano, también tiene su corazoncito. Para pasar el rato no está mal.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es


QUANTUM OF SOLACE
Dir.: Marc Forster
Guión: Paul Haggis y otros
c/ Daniel Craig (James Bond), Olga Kurylenko (Camille), Mathieu Amalric (Dominic Greene), Judi Dench (M), Giancarlo Giannini (Mathis), Gemma Arterton (Strawberry Fields)
UK, EEUU/2008/Acción***/Estrenos