12 AÑOS DE ESCLAVITUD

Steve McQueen (homónimo del gran actor) se hizo conocido acá por Shame (Deseos culpables), intenso drama sicológico sobre la imposibilidad de un hombre de vivir sin sexo.

Esta vez nos trae un drama histórico sobre un hecho real acaecido en la primera mitad del siglo XIX en Norteamérica: como un hombre negro libre es vendido como esclavo a negreros de los estados del sur, pasando doce años en condición de esclavo.

El filme toca la dignidad de las personas, lo cual se materializa por un contraste: las escenas donde el cuerpo es sometido a torturas y vejaciones por la condición de ser esclavo, aparte del sexo obligado de las esclavas con los dueños de las plantaciones.

Como ya se anotó la similitud con Shame se encuentra en el uso del cuerpo estigmatizado, lo cual produce repulsa y solidaridad en el espectador. Otro elemento está en el uso del sexo: en ambos filmes se vive no en forma satisfactoria, sino como culpa (aunque más evidente es en Shame). Asimismo está el paisaje como telón de fondo, ya no de la gran urbe neoyorquina como en su anterior filme, sino de la naturaleza como elemento consustancial a la acción: quizás –parece decirnos el realizador- ese clima de salvajismo  y bestialismo del hombre contra el hombre solo podía darse en sociedades cerradas, aisladas por la naturaleza, donde las jerarquías y roles se encontraban claramente establecidos.

En el discurso de McQueen parece subyacer la relación de dependencia amo-esclavo: uno vive en relación al otro. Lo cual es evidente en la relación contradictoria de Solomon con el dueño de la plantación Edwin Epps, y de este con Patsy, en una relación sádico-masoquista que se evidencia en la despiadada flagelación que le inflige por ausentarse sin su permiso de la plantación.

En ese discurso hay más que el simple sadismo o abuso de un hombre contra otro, o de reducirlo solo a un modo de producción económico (que existió), sino parece decirnos el realizador que esas relaciones amo-esclavo que se desarrollaron por siglos en el sur profundo norteamericano fueron más complejas y sutiles de lo que parecían (y quizás por ello continuaron cien años más luego de terminada la guerra civil).

Pero ello no hubiese sido posible sin las notables actuaciones de Chiwetel Ejiofor como Solomon Northup, el hombre que parece estar viviendo una pesadilla (su rostro es más que evidente) y Michael Fassbender como el despiadado amo de plantación, que no es feliz con el rol que le cupo por el destino, por lo que se desfoga en el alcohol y el sexo en esa vida estéril. Ambas memorables actuaciones.

Eduardo Jiménez J.

ejjlaw@yahoo.es

12 AÑOS DE ESCLAVITUD [12 Years a Slave]

Dir: Steve McQueen

Guión: John Ridley, basado en el libro de Solomon Northup Twelve Years a Slave"

c/ Chiwetel Ejiofor (Solomon Northup), Michael Fassbender (Edwin Epps), Lupita Nyong'o (Patsey), Brad Pitt (Bass)

EEUU/2013/Drama histórico****/Estrenos

EL VIENTRE

Daniel Rodríguez Risco (Lima, 1959) es un caso sui generis en el cine peruano: formado en economía, a su regreso se dedica al negocio educativo, llegando nada menos a ser rector de una universidad nacional. Hacia fines de los noventa obtiene una maestría para estudiar cine en los Estados Unidos y “el bichito” de la realización prende en él, abandonando posteriormente sus negocios habituales y volcándose de lleno al cine y a la escritura. Su primer largo, El acuarelista (2008), se estrena cuando ya el realizador bordeaba los cincuenta años de edad. A la sazón cuenta con cinco cortos y dos largometrajes; aparte de una novela corta y un libro de cuentos.

Y si bien es un hombre que comienza tardíamente en la realización, ello tiene una ventaja: posee una experiencia vital y libresca de la cual carecen los jóvenes realizadores y que se evidencia desde el primer largometraje (firmado como Daniel Ro), una peculiar e interesante comedia del absurdo, sobre la imposibilidad de pintar el protagonista una acuarela. Se notaba en algunos trazos y en las atmósferas creadas por los espacios cerrados, la presencia de Roman Polanski y su cinta El inquilino.

Esta vez Daniel Rodríguez decide hacer una película “de género”, en especial un thriller sicológico que tiene, salvando las distancias, a Alfred Hitchcock como modelo mayor (es evidente la influencia en los caracteres de los personajes y la atmósfera que los rodea –no en la historia- el filme Rebeca del maestro inglés).

Una mujer en sus cuarenta (Silvia) vive aislada en una casona en un pueblo remoto, buscando una empleada que atienda los asuntos de la casa (Mercedes). Junto a Silvia vive temporalmente un mochilero (Jaime) que hace trabajos de reparación en su casa.

Estamos ante la historia de la mujer desquiciada pero muy inteligente, que manipula a las personas a favor suyo, hasta que estos se dan cuenta de sus intenciones. En el caso de Silvia –ante la imposibilidad de procrear- tener un hijo usando a  Mercedes y Jaime para sus propósitos, a una como “vientre”, al otro como “semental”.

Haciendo comparaciones, en el estilo de Rodríguez existen elementos que se repiten con respecto a su anterior filme: la imposibilidad del protagonista y que es motivo de la acción (en T de hacer su acuarela, en Silvia tener un hijo), lo cual los lleva inexorablemente a la destrucción; el buen uso de los espacios cerrados, claustrofóbicos, lo que se evidencia con mayor nitidez en El vientre; y los escenarios internos: en ambos filmes son intemporales, conocieron mejores tiempos vividos y ahora padecen una lenta decadencia que refleja a los personajes.

Si bien no podemos decir que la película sea un dechado de ingenio creador o nos haga saltar de la butaca (es una historia contada miles de veces), se debe reconocer que Rodríguez tiene mejor manejo de sus recursos narrativos, llevando con buen pulso la historia hasta su desenlace.

Mención aparte merece la actuación de Vanessa Saba en un personaje complejo y que cronológicamente coincide con la edad de la actriz (Rodríguez declaró que el papel lo tenía pensado para ella). Sencillamente magistral.

Eduardo Jiménez J.

ejjlaw@yahoo.es

EL VIENTRE 

Dir.: Daniel Rodríguez

Guión: Daniel y Jaime Rodríguez

c/ Vanessa Saba (Silvia), Mayela Lloclla (Mercedes), Manuel Gold (Jaime), Gianfranco Brero (Tío Miguel)

Perú/2013/Thriller sicológico***/Estrenos

PHILOMENA

Stephen Frears es un realizador británico que se caracteriza por contar pequeñas historias pero con un trasfondo humano y cargadas, más de un vez, de cierto lirismo y de un aire de dignidad de los personajes, más allá de sus apariencias y por más que se encuentren en situaciones difíciles. En el presente siglo películas interesantes de Frears fueron: Alta fidelidad, Mrs. Henderson presenta y La reina.

Esta vez Frears toca un tema espinoso y delicado: las adopciones forzosas que la Iglesia Católica establecía para los niños producto de relaciones extramatrimoniales, generalmente de muchachas menores de edad.

Estamos en los años 50 y tener un hijo extramatrimonial era un estigma social (era considerado como “hijo del pecado” o la concupiscencia), por lo que los orfanatorios administrados por la Iglesia Católica buscaban colocarlos en familias que no podían tener hijos. Existía un estipendio económico (una “donación”) que se realizaba a favor de la Iglesia una vez concretada la adopción (es uno de los hechos más criticables en el filme, al existir un lucro de por medio en las adopciones que realizaban los orfanatorios católicos).

Philomena es una joven que tiene un embarazo no deseado, siendo adoptado su hijo por una familia norteamericana. Ya al final de su vida quiere saber qué fue de ese hijo dado en adopción a la fuerza cincuenta años atrás. Circunstancialmente se contacta con Martin Sixsmith, un periodista de la BBC que cae en desgracia bajo el gobierno laborista de Blair, por lo que entre resignado y en vista que no existe a la vista un mejor trabajo, decide tomar el reportaje de Philomena e iniciar el largo camino para encontrar al hijo perdido.

Estamos ante esas películas de búsqueda, donde más importante que lo hallado es el interactuar de los personajes, casi siempre opuestos en todo: Philomena, a pesar de lo sufrido, sigue siendo una católica devota, Martin es un descreído. Una ve “la mano de Dios” en todo, para el otro los hechos son producto del azar. Y en ese interactuar ambos irán descubriendo cualidades en el otro y un respeto a su forma de ser y pensar; mientras la película va intercalando espacios temporales del pasado de la joven Philomena por medio de flash backs, dándonos un contexto mejor de la historia y el personaje.

Por lo delicado del tema, gracias al tratamiento, el filme no cae en recargar las tintas (y devenir en melodrama) sino que se permite unas cuotas de humor o de relajamiento que lo hacen más llevadero, convirtiéndolo en una pequeña joya.

Eduardo Jiménez J.

ejjlaw@yahoo.es

PHILOMENA

Dir: Stephen Frears

Guión: Steve Coogan y Jeff Pope (screenplay), basado en el libro de Martin Sixsmith The Lost Child of Philomena Lee

c/ Judi Dench (Philomena), Steve Coogan (Martin Sixsmith), Sophie Kennedy Clark (Young Philomena), Barbara Jefford            (Sister Hildegarde)

UK/2013/Drama****/Estrenos

EL MAYORDOMO DE LA CASA BLANCA

La película está basada en la vida de Eugene Allen, que sirvió en la Casa Blanca por 34 años, comenzando de lavaplatos y terminando nada menos que de mayordomo y que tuvo el privilegio de conocer y servir a ocho presidentes; aunque por el servicio personal, no podía divulgar las intimidades o lo que veía y oía dentro de la residencia presidencial. Incluso, por la larga vida que tuvo, pudo presenciar la juramentación como presidente de Barack Obama, siendo invitado de honor a la ceremonia, lo que le valió el ser conocido mundialmente y de allí a realizar Hollywood una película sobre su vida, solo habría un paso (lo que Allen ya no vio, al fallecer en el año 2010).

Pero, estamos ante una película “políticamente correcta”, donde se reafirma la dignidad de las personas más allá del color de piel. El tono de lo narrado es en primera persona, como del testigo anónimo de hechos importantes; lo lamentable es que quizás ese material daba para más, en un tono lírico o intimista; pero el discurso narrativo es bastante plano. Lo interesante son las cortas apariciones de conocidos actores del ala izquierda de Hollywood en pequeños roles, fungiendo de presidentes o primeras damas. De allí que el filme sea solo pinceladas de ciertos momentos en la agitada vida política de los Estados Unidos, siendo lo más interesante, claro está, el movimiento contracultural de los años 60, el surgimiento de los Panteras Negras y la asimilación a la vida política activa de los minorías discriminadas, reflejado en la visión y acción de dos generaciones diferentes: el padre más servil y con una resistencia pasiva, tratando de cuidar del bienestar de su familia dentro de los valores tradicionales; mientras el hijo decide tomar las armas para cambiar la situación de injusticia. Al final ambos confluirán en la vida política, uno como votante a favor de Barack Obama, el otro como representante al Congreso.

Un plus adicional merece la actuación de Forest Whitaker como el mayordomo. Sus performances, como siempre, son subyugantes.

Eduardo Jiménez J.

ejjlaw@yahoo.es

EL MAYORDOMO DE LA CASA BLANCA [The Butler]  

Dir: Lee Daniels

Guión: Danny Strong, basado en un artículo de Wil Haygood

c/ Forest Whitaker (Cecil Gaines), Vanessa Redgrave (Annabeth Westfall), Oprah Winfrey (Gloria Gaines)

EEUU/2013/Drama***/Estrenos

ESCÁNDALO AMERICANO

David O. Russell se hizo conocido con una agridulce comedia El lado bueno de las cosas (Silver Linings Playbook, conocido entre nosotros como Juegos del destino), donde también actuaban Jennifer Lawrence, Bradley Cooper y el propio Robert de Niro en inolvidable papel secundario. Christian Bale trabajo en un largo anterior, El peleador. A diferencia de otros directores, a Russell le gusta trabajar con actores que ya conoce y con los que se siente cómodo.

Pero a diferencia de El lado bueno de las cosas o El peleador, ya no estamos ante náufragos que desesperadamente buscan salir de la situación en que se encuentran; sino ante dos hábiles estafadores (Irving y Sydney) que birlan a sus incautos clientes que van en busca de un préstamo que les permita saldar sus deudas hasta que son descubiertos y obligados a trabajar por Richie, un policía con métodos poco ortodoxos, a fin de prender políticos corruptos y capos mafiosos. En el medio la esposa de Irving, Rosalyn, insegura y neurótica que manipula a su esposo para que no se separe de ella, y un alcalde populista, Carmine, que busca mejorar el empleo en su comunidad reactivando los casinos de juego. La acción trascurre en 1978, algunos años después del fin de la guerra en Vietnam y el escándalo de Watergate, y ad portas de la contrarreforma moral de los grupos conservadores aupados bajo la administración de Ronald Reagan.

Estamos ante la trama del “cazador-cazado”, o como salen Irving y Sydney de la trampa que les puso Richie, y de paso lo entrampan a él para que no siga molestándolos.

Para ello, la estructura del relato va en quiebre. Comienza en un tiempo presente, retrocede al pasado que ilustra el hoy y regresa de nuevo al presente. Asimismo comparte voces y puntos de vista de ambos protagonistas centrales, por lo que es más compleja y más ambiciosa que sus anteriores películas; y si bien se sostiene gracias a la puesta en escena y a las excelentes actuaciones, no podemos decir que sea superior a Juegos del destino, más sencilla y lineal, pero más convincente.

Película con final feliz (como Juegos del destino), merece verse por las excelentes actuaciones de sus protagónicos. Tanto Bale como Lawrence son dignos representantes de la nueva generación de actores norteamericanos.

Eduardo Jiménez J.

ejjlaw@yahoo.es

ESCÁNDALO AMERICANO [American Hustle]

Dir: David O. Russell

Guión: Eric Warren Singer, David O. Russell

c/ Christian Bale (Irving Rosenfeld), Bradley Cooper (Richie DiMaso), Amy Adams (Sydney Prosser), Jeremy Renner (Mayor Carmine Polito), Jennifer Lawrence (Rosalyn Rosenfeld), Robert de Niro (Victor Tellegio)

EEUU/2013/Thriller***/Estrenos

BLUE JASMINE

Woody Allen no requiere presentaciones. Más o menos conocido por quien se considere cinéfilo, sus películas han sido vistas con cierta regularidad, sea en cine o dvd; incluso cada cierto tiempo, aquí y allá, se hacen retrospectivas de su obra. Otra característica es ser un cineasta que realiza una película al año. Incluso debió migrar a Europa para conseguir financiamiento y no detener los proyectos. Hasta donde sabemos, Blue Jasmine es su primera obra de retorno o ambientada de nuevo en los Estados Unidos, compartiendo escenarios entre el Nueva York de sus fobias y obsesiones, y la ciudad de San Francisco.

El argumento es como sigue: Jasmine, mujer de la alta sociedad neoyorquina, ha quedado en la absoluta pobreza, luego que el FBI –gracias a una delación de la propia Jasmine- arrestara a su esposo Hal por fraude y evasión de impuestos, siendo confiscados todos sus bienes. Su esposo opta por el suicidio en la cárcel, su hijastro decide cambiar de identidad frente a la vergüenza familiar y Jasmine –que ya ha sufrido tratamiento siquiátrico por la depresión y shock que le causó el escándalo y pasar vertiginosamente de rica a pobre- no tiene otra opción que aceptar la hospitalidad de su hermana por adopción e irse a vivir con ella a San Francisco. El desarrollo temporal de la cinta alterna el tiempo presente, con los avatares, estrecheces y sinsabores de la protagonista, y un pasado glamoroso y libre de preocupaciones financieras.

Estamos ante la historia de sobrevivencia de la protagonista que constantemente recuerda mejores tiempos y debe aceptar por necesidad refugiarse en la hospitalidad precaria de la hermana -a quien prefería no tratar cuando se encontraba en mejor posición económica-, alternar con los amigos y novio de esta, pertenecientes a la clase obrera, y sufrir el acoso del dentista donde trabaja. La situación va a cambiar cuando conozca a un joven político ambicioso (Dwight) que ve en ella la esposa ideal para su carrera, pasaporte de Jasmine hacia el regreso a su anterior vida.

Pero el destino, como siempre, se encarga de hacer malas jugadas, y los hechos cambian cuando su pretendiente descubra su pasado –ocultado por ella sigilosamente-, incluyendo la defraudación financiera de su difunto esposo. De allí Jasmine recorrerá un camino a la locura o a negar la realidad existente.

Esta comedia dramática tiene un lado desencantado de la condición humana: nos usamos unos a otros de acuerdo a nuestros intereses. No solo de Jasmine y su novio; también la hermana, Ginger, decide abandonar a su novio, Chili el mecánico, cuando cree encontrar un mejor prospecto en un ingeniero de sonido. No existe amor o lealtad hacia las personas, sino un valor de uso de acuerdo a nuestros intereses y necesidades. De allí que “el juego” termina o negando la realidad como en el caso de Jasmine, encerrándose en la locura; o volviendo resignada a su situación anterior como en el caso de Ginger. Pero nada de ello sería creíble sino fuese por la extraordinaria actuación de Cate Blanchett (así como los secundarios) quien da vida a la protagonista principal, descendiente directa de Blanche, el mítico personaje de Un tranvía llamado deseo, cuyo argumento tiene puntos de contacto con el presente filme.

Filme amargo y pesimista, y quizás una de las mejores películas de Woody Allen desde Match Point.

Eduardo Jiménez J.

ejjlaw@yahoo.es

BLUE JASMINE

Dir y guión: Woody Allen

c/  Cate Blanchett (Jasmine),  Alec Baldwin            (Hal),  Sally Hawkins            (Ginger), Andrew Dice Clay (Augie), Bobby Cannavale (Chili), Peter Sarsgaard (Dwight)

EEUU/2013/Comedia dramática****/Estrenos

EL LOBO DE WALL STREET

No es que sus anteriores cintas más recientes fueran olvidables, pero hacía mucho tiempo que no se le apreciaba esa fuerza que tienen las mejores películas de Martin Scorsese, esta vez para retratar el decadente mundo de las especulaciones financieras, crítica explícita a el capitalismo especulativo que ha causado tantos problemas a la economía norteamericana y mundial.

Para ello se sirve de las memorias de uno de los partícipes más conocidos, un especulador sin escrúpulos que termina delatando a sus amigos y compañeros a cambio de una pena benigna por las autoridades federales.

En las tres horas vemos el ascenso y caída del personaje, tres horas que se pasan sin sentirlas gracias al ritmo vertiginoso que le impone la edición, visionando sucesos muchas veces hiperrealistas (sobretodo cuando Belfort se encuentra con sobredosis de drogas), a veces lindantes con lo humorístico,  contados con la mayor naturalidad.

Dedicación aparte merece la notable actuación de Leonardo DiCaprio encarnando a un personaje que vivió al límite, de exceso en exceso: drogas, alcohol y sexo, que hacía fortunas en pocas horas y las dilapidaba en no menos tiempo. La muy buena actuación de DiCaprio corrobora la buena asociación que ha hecho con Scorsese, ya no solo su actor favorito (como lo fue De Niro en los primeros años), sino el productor de sus películas, confirmando su madurez artística “post Titanic”.

El lobo de Nueva York merece verse más de una vez, y demuestra un regreso en forma del gran Marty Scorsese, aquel de las películas notables como Buenos muchachos (con la que guarda muchos puntos de contacto) o El toro salvaje. Filme imperdible.

Eduardo Jiménez J.

ejjlaw@yahoo.es

EL LOBO DE WALL STREET [The Wolf of Wall Street] 

Dir.: Martin Scorsese

Guión: Terence Winter, basado en el libro de Jordan Belfort

c/ Leonardo DiCaprio (Jordan Belfort), Jonah Hill (Donnie Azoff), Margot Robbie            (Naomi Lapaglia), Matthew McConaughey (Mark Hanna), Kyle Chandler (Agent Patrick Denham), Rob Reiner (Max Belfort),Jean Dujardin (Jean Jacques Laurel), Joanna Lumley       (Aunt Emma), Cristin Milioti   (Teresa Petrillo)

EEUU/2013/Thriller****/Estrenos

EL HOMBRE DE HIELO

Medio desapercibido pasó entre nosotros este interesante thriller criminal. Hurga en la conducta del asesino, el cual no nos produce repulsión, sino hasta una leve simpatía. Es que Richard Kuklinski tiene un “código de ética” en el mundo del crimen: no asesina ni mujeres ni niños; aparte de ello es un ejemplar padre de familia, familia que desconoce absolutamente sus actividades como sicario de la Mafia.

Es un mundo de neurosis persecutorias, de delaciones y traiciones, donde el sentido de amistad no existe, sino solo los negocios.

Estructurada como un largo flash back, el protagonista nos va contando su historia, desde los inicios hasta la captura. Es una suerte de inicio, auge y final trazado en un arco temporal bastante prolongado. De allí que nos recuerda mucho a Buenos muchachos de Scorsese (no solo por Ray Liotta que quedó “encasillado” en papeles de la Mafia), sino también al primer Scorsese de Calles peligrosas.

Película fría, “cerebral” como su protagonista, aunque no exenta de esas explosiones emocionales que estallan a modo de un volcán, arrasando con todo lo que se ponga delante suyo.

Eduardo Jiménez J.

ejjlaw@yahoo.es

EL HOMBRE DE HIELO [The iceman] 

Dir: Ariel Vromen        

Guión: Morgan Land y Ariel Vromen, basado en el libro de Anthony Bruno y el documental de Jim Thebaut   

c/ Michael Shannon (Richard Kuklinski),  Winona Ryder (Deborah Pellicotti), Chris Evans (Mr. Freezy), Ray Liotta (Roy Demeo)

EEUU/2012/Thrilller criminal***+/Estrenos

EL HOBBIT: LA DESOLACIÓN DE SMAUG

Peter Jackson ha heredado lo mejor de la tradición del gran cine épico norteamericano: aquel que contaba historias que mantenían en vilo al espectador. Películas de gran presupuesto, con un sólido guión detrás; esta vez el proyecto cuenta con el asesoramiento directo de Guillermo del Toro, experto en filmes fantásticos y de acción. Y, como en James Cameron (otro de los grandes herederos del Hollywood clásico), los efectos especiales se encuentran al servicio de la historia y no al revés. Interesante y entretenida esta segunda parte de la trilogía del Hobbit y hace que esperemos con impaciencia el desenlace final.

Eduardo Jiménez J.

ejjlaw@yahoo.es

EL HOBBIT: LA DESOLACIÓN DE SMAUG [The Desolation of Smaug]  

Dir: Peter Jackson    

Guión: Fran Walsh, Philippa Boyens, Peter Jackson, Guillermo del Toro, basado en la novela J.R.R. Tolkien

c/ Ian McKellen (Gandalf), Martin Freeman (Bilbo), Richard Armitage (Thorin)

EEUU, N Zelanda/2013/Fantasía, acción***/Estrenos

BREVE BALANCE DEL AÑO

Lo insólito del 2013 fue el estreno de distintas cintas nacionales, muchas de jóvenes realizadores. Desde estrenos comerciales que “han roto la taquilla” como Asu mare o Cementerio General –y que servirá de incentivo para que otros continúen por el mismo camino- hasta películas más personales y con escaso público, como El limpiador o Chicama, película esta última que es digna representante del llamado “cine regional”.

Quizás lo interesante está en la heterogeneidad. No se puede hablar que sigan una sola tendencia o escuela (como sucedía con la generación de Lombardi, marcadamente realista), sino que sus intereses son diversos, lo cual es bueno. Naturalmente el éxito comercial de Asu mare ha dado pie a aquellos que sostienen que el cine nacional no debe ser subsidiado ni directa ni indirectamente por el Estado; aunque películas más personales como las aludidas El limpiador o Chicama digan lo contrario: hay cierto cine que sí debe ser promovido por el estado bajo ciertos parámetros; y dentro de esa promoción debería incentivarse el corto y una veta que tiene pocos exponentes conocidos en nuestro medio (más allá de Javier Corcuera): el documental.

Si bien una golondrina no hace el verano, un año excepcional no marca una tendencia; aunque hacemos votos para que se mantenga constante.

Aristóteles Picho, In Memoriam: Quizás sus performances cinematográficas eran muy sobreactuadas, como que venía del teatro; pero no cabe duda que era una presencia en los papeles que le cupo, muchos de ellos secundarios. El último fue en El evangelio de la carne, actuando en silla de ruedas –por un problema en la médula-; pero imponiéndole a su personaje una dimensión mefistofélica que quedó grabada en la memoria.

Eduardo Jiménez J.

ejjlaw@yahoo.es

CAPITÁN PHILLIPS

Paul Greengrass tiene Buena mano para las películas de acción y suspenso; ya lo demostró con la saga de Bourne. Esta vez se basa en hechos reales acaecidos en el año 2009, frente a las costas somalíes, afectadas por el pirataje de embarcaciones a cambio de un rescate. Casi siempre se resuelve pagando las compañías navieras el rescate solicitado; pero esta vez las cosas se complican para los piratas cuando toman de rehén al capitán de la nave, lo cual complica su situación jurídica-legal, al configurarse el delito de secuestro de personas y, por añadidura, ser el capitán ciudadano norteamericano.

Usando la cámara al hombro y contando con una performance pareja tanto del ya veterano Tom Hanks interpretando al capitán Phillips, como a Barkhad Abdi en el rol del pirata. Curiosamente ninguno de los dos personajes que encarnan son pintados como “buenos” o “malos” en estado puro; sino como hombres corrientes que deben enfrentar situaciones extraordinarias.

Eduardo Jiménez J.

ejjlaw@yahoo.es

CAPITÁN PHILLIPS

Dir: Paul Greengrass

Guión: Billy Ray, basado en el libro de Richard Phillips y Stephan Talty

c/ Tom Hanks (Captain Richard Phillips), Barkhad Abdi (Muse)

EEUU/2013/Thriller***+/Estrenos

CAUSAS Y CONSECUENCIAS

Robert  Redford es conocido menos en su faceta como director, la cual la ha desarrollado hace poco más de tres décadas en forma intermitente y paralela a su carrera actoral. Pues bien, Causas y consecuencias (estrenada en otras latitudes como Pacto de silencio) es un largo que guarda muchos puntos en contacto con el anterior del realizador/actor, La conspiración (2010): se trata de revisar la historia norteamericana desde otro ángulo, extrayendo conclusiones éticas mirando los hechos desde un tiempo presente hacia el pasado.

En uno y en otro se trata de hechos poco conocidos para el gran público (en La conspiración sobre el remedo de juicio a los supuestos autores intelectuales del asesinato de Lincoln; en Causas y consecuencias sobre el grupo terrorista de los años 70, los Weather Underground, que pasaron a “la lucha armada” como protesta contra la guerra en Viertnam).

Jim Grant fue de joven  integrante de este grupo radical de la extrema izquierda americana, cambiando de nombre una vez que deserta de sus filas a fin de llevar una vida discreta como abogado defensor de derechos civiles en Nueva York. Su tranquilidad se ve alterada cuando una integrante (la protagonizada por Susan Sarandon) se entrega al FBI, delatando a sus compañeros, entre ellos a Jim, cayendo –en una suerte de dominó- los demás integrantes de la compañía. En el medio, un periodista sin escrúpulos y ávido de primicias (Shia LaBeouf), hurgará en el pasado de estos personajes, lo que complicará su situación.

Estamos ante un thriller político que, sin dejar de lado la acción propia de estas películas, reflexiona y comienza a cuestionar los métodos que se usaron en el pasado para hacer sentir su protesta. Asimismo estamos ante hombres y mujeres que sienten que desperdiciaron sus vidas en aquellos años juveniles y mal que bien las han rehecho, por lo que naturalmente prefieren que ese pasado no se  filtre a su presente. Pero también se encuentra la solidaridad entre ellos, valor perdido en estos tiempos, lo que permitirá a Jim contactar con Mimi Lurie (una estupenda Julie Christie), uno de “los cerebros” de este grupo radical y consecuente todavía con su credo inicial, a fin que lo ayude a demostrar su inocencia; así como el gesto final de Mimi que coadyuvará a exonerar de toda culpa a su antiguo compañero. En el medio y para darle un toque melodramático al asunto: una hija de ambos que no sabe quienes son sus padres biológicos.

Si bien hay un “final feliz” para el protagonista y hechos que no convencen mucho como que el periodista que encarna Shia LaBeouf desiste de publicar la sensacional historia que tiene entre manos; no menos cierto es que estamos ante un “cine comprometido”, algo poco usual en nuestra época (casi todo el reparto actoral simpatiza con la izquierda del Partido Demócrata, en nuestra jerga local serían “caviares”). Bien vale por ello, como por las notables actuaciones, aunque breves, de verdaderos colosos del séptimo arte.

Eduardo Jiménez J.

ejjlaw@yahoo.es

CAUSAS Y CONSECUENCIAS [The Company You Keep]  

Dir.: Robert Redford

Guión: : Lem Dobbs, basado en la novela de Neil Gordon

c/ Robert Redford (Jim Grant / Nick Sloan), Shia LaBeouf            (Ben Shepard), Julie Christie (Mimi Lurie), Susan Sarandon (Sharon Solarz), Nick Nolte         (Donal Fitzgerald), Chris Cooper (Daniel Sloan), Terrence Howard (FBI Agent Cornelius), Stanley Tucci (Ray Fuller), Richard Jenkins (Jed Lewis)

EEUU/2012/Thriller***/Estrenos

CHICAMA

Omar Forero es un realizador trujillano con cierto oficio, lleva dos películas sobre la espalda; pero recién con la tercera, Chicama, ingresa al mercado limeño.

La trama es bastante sencilla: César está por graduarse de docente, radica en un pequeño pueblo de La Libertad y su sueño es trabajar en Trujillo, la capital de la región. No obstante no consigue plaza vacante para “la gran ciudad” por lo que se ve resignado a aceptar una plaza en un pueblito de la serranía liberteña, Toledo.

Todo trascurre en la rutina (lo que se ve expresado en la repetición, con ligeras variantes, de distintas escenas) hasta que llega una colega de la misma ciudad de Trujillo (Juanita) que ha aceptado voluntariamente trabajar en Toledo.

Utilizando un estilo seco, desapasionado, distante, nos va narrando la “inserción” de César en el pueblo donde le toca trabajar por necesidad. Se impone el uso de la elipsis y muchas explicaciones (el repentino retorno de Juanita a Trujillo, la decisión de César de quedarse al siguiente año en el pueblo) son dejadas en la sombra. Igualmente las calles desoladas nos remiten a un vacío existencial de los personajes, que se mueven en rutinas.

Es cierto que Forero no pretendió hacer una crítica al sistema educativo peruano, lo cual es su derecho. Obviamente que al ser el personaje central profesor de escuela, por lo menos marginalmente son tocadas las carencias de la educación pública en nuestro país. La película más apunta a dramas minimalistas, donde aparentemente nada sucede, pero por dentro va todo cambiando. Notable película y ave raris del cine peruano.

Eduardo Jiménez J.

ejjlaw@yahoo.es

 CHICAMA 

Dir. y Guión: Omar Forero

c/  José Sopan (César), Ana Paula Ganoza (Juanita), Pedro Castillo (Julio)

Perú/2012/Comedia dramática****/Estrenos

EL ABOGADO DEL CRIMEN

La historia de la génesis del guión es conocida: Entre novela y novela, Cormac McCarthy escribe un guión que es puesto en conocimiento del realizador Ridley Scott, quien no duda en llevarlo a la pantalla. McCarthy no solo funge de guionista en el proyecto, sino también de productor ejecutivo, por lo que tendrá cierta injerencia en la realización. Un guión escrito por el célebre McCarthy (conocidísimo por la oscarizada adaptación de su novela No es país para viejos llevada al cine por los hermanos Coen) permite que estrellas de primer nivel se interesen en el proyecto.

El resto es historia también conocida: la cinta recibe muchas críticas sobretodo por sus alambicados diálogos, casi “metafísicos” en algunas escenas; siendo más bien un lastre para las escenas de acción (el colmo de estos diálogos fue el largo monólogo “filosófico-existencial” del personaje de Rubén Blades, con citas literarias a Machado y todo).

Evidentemente que el problema estuvo en el excesivo respeto al guión original, diálogos que quizás en una novela funcionan bien pero no en el lenguaje del cine, lo que perjudicó a una historia por demás interesante: la de un joven y ambicioso abogado que movido por la codicia decide “invertir” en el negocio de la droga, descendiendo a los niveles más profundos del infierno humano. Como otras historias de McCarthy, se desarrollan en la frontera entre Estados Unidos y México, suerte de frontera también para lo más abyecto de la condición humana.

No obstante esos problemas, el oficio de Ridley Scott logra remontar con dificultades la historia con un final cínico y desolador.

Eduardo Jiménez J.

ejjlaw@yahoo.es

EL ABOGADO DEL CRIMEN [The Counselor]  

Dir: Ridley Scott

Guión: Cormac McCarthy

c/ Michael Fassbender (Counselor), Penélope Cruz (Laura), Cameron Diaz (Malkina), Javier Bardem (Reiner), Brad Pitt (Westray), Rubén Blades (Jefe)

EEUU,UK/2013/ Thriller***/Estreno

LOS JUEGOS DEL HAMBRE: EN LLAMAS

Continuación de la saga en una Norteamérica distópica

Esta vez Katniss se convierte en el símbolo de la rebelión de los oprimidos. La segunda entrega es una suerte de puente para el desenlace, el cual –a la manera de Harry Potter-constará de dos partes.

Como en la primera cinta, las críticas al sistema de dominación y sobretodo al “homo videns” quedan en un nivel bastante epidérmico. Igualmente, se salvan las actuaciones de Jennifer Lawrence y de Donald Sutherland como el maquiavélico presidente Snow; aunque esta vez se ha reforzado con Philip Seymour Hoffman como “el cerebro” de los juegos.

Eduardo Jiménez J.

ejjlaw@yahoo.es

LOS JUEGOS DEL HAMBRE: EN LLAMAS [The Hunger Games: Catching Fire]

Dir: Francis Lawrence

Guión: Simon Beaufoy y Michael Arndt, basado en la novela de Suzanne Collins

c/ Jennifer Lawrence (Katniss Everdeen),  Liam Hemsworth (Gale Hawthorne), Woody Harrelson (Haymitch Abernathy), Josh Hutcherson           (Peeta Mellark), Donald Sutherland (President Snow), Philip Seymour Hoffman         (Plutarch Heavensbee)

EEUU/2013/ Thriller futurista***/Estreno

GRAVEDAD

Alfonso Cuarón es uno de los pocos realizadores mexicanos “asimilados” a la gran industria de Hollywood (Harry Potter y el prisionero de Azkaban, la mejor película de la saga la firmó Cuarón). Puede hacer superproducciones sin ningún problema como sucede con Gravedad. Lo interesante del filme es que, a la manera de James Cameron, ha puesto los efectos especiales al servicio de una historia y no al revés; por lo que estos no lucen postizos o fuera de contexto. Por cierto una historia mínima, con pocos actores y que trata de un “naufragio” pero en el espacio. Qué pasaría si una lluvia de chatarra espacial a alta velocidad colisiona con una estación en pleno espacio. La situación de tensión, las tribulaciones por las que pasa el personaje de Sandra Bullock son creíbles, hipotéticamente pueden suceder.

La cinta también es un homenaje implícito a ese gran clásico de la ciencia ficción como es 2001: Odisea del espacio. Plasticidad visual, historia bien contada y creíble, efectos visuales usados inteligentemente. Cuarón se perfila como un contador clásico de viejas historias, vueltas a contar con nuevos recursos.

Eduardo Jiménez J.

ejjlaw@yahoo.es

GRAVEDAD [Gravity] 

Dir: Alfonso Cuarón

Guión: Alfonso Cuarón, Jonás Cuarón

c/ Sandra Bullock (Ryan Stone), George Clooney (Matt Kowalski), Ed Harris (Voice Mission Control)

EEUU/2013/Thriller***/Estrenos

ROCANROL 68

Un breve desembalse de filmes peruanos ha ocurrido en el presente año, algunos bastante interesantes como El evangelio de la carne, y otros atractivos como Rocanrol 68.

La inspiración de esta entretenida cinta son los filmes “retro”, aquellos que recrean una época pasada y si es con un amor en el medio, tanto mejor. Lo malo es que hacer ese tipo de películas requiere presupuesto, por la recreación del contexto (ropa, estilos de vida, artefactos de la época, vehículos, etc) por lo que casi siempre se ruedan en estudios cerrados donde “se recrea” el ambiente que sirve de fondo a la historia. Es evidente que en Rocanrol 68 falta presupuesto, por lo que se privilegia las tomas cerradas que “no traicionen” el viaje en el tiempo 45 años atrás.

No obstante lo franciscano de la producción, algunas actuaciones disparejas y debilidades en la puesta en escena, Rocanrol 68 se deja ver con atracción y nostalgia, y suscribir la frase que todo tiempo pasado fue mejor.

Eduardo Jiménez J.

ejjlaw@yahoo.es

ROCANROL 68 

Dir. y Guión: Gonzalo Benavente Secco

c/ Sergio Gjurinovic, Manuel Gold, Jesús Alzamora, Mariananda Schempp, Gisela Ponce de León, Pablo Saldarriaga, Leslie Shaw

Perú/2013/Comedia***/Estrenos

EL EVANGELIO DE LA CARNE

Luego de un par de cortos interesantes, Eduardo Mendoza comienza su carrera como realizador de largometrajes con una obra “comercial”, más encargo que proyecto personal y que lo hizo conocido inmediatamente: Mañana te cuento. Comedia de adolescentes con el tema del sexo en el centro, inspirado lejanamente en la saga de Porkys.

Luego hace una segunda parte no muy interesante, emigra para hacer una película en Estados Unidos y cuando parece perdido para el cine más personal, donde pueda volcar realmente su talento y obsesiones, estrena Bolero de noche, no muy logrado, y le sigue El evangelio de la carne, donde “se saca el clavo” contando tres historias en simultáneo que se entrecruzan (el mexicano Alejandro González Iñárritu hizo conocido el modelo en los últimos años con Amores Perros) y en las que tiene como eje la expiación de las culpas, el pecado y la invencibilidad de un trágico destino que ronda a los personajes.

La puesta en escena con historias simultáneas parece fácil, pero no lo es, dado que necesita saber donde cortar exactamente y comenzar la otra historia; aparte que requiere manejar un crescendo propio para las tres historias y el momento en que deben entrecruzarse. Pero si Mendoza cuenta con un sólido guión que le sirve de brújula, teniendo como locaciones los barrios populares de una Lima dura y despiadada en un registro marcadamente naturalista, no menos cierto es que ha contado con sólidas y convincentes actuaciones, tanto en los protagónicos como en los secundarios. La historia más interesante es la de Félix, el personaje atormentado por el accidente que años atrás ocasionó la muerte de varios pasajeros del bus que manejaba, dedicado a la falsificación de billetes y que desea fervientemente ingresar a la hermandad del Señor de los Milagros. Es la historia más convincente y mejor desarrollada de las tres.

El evangelio de la carne revela a un realizador que ya sabe manejar sus medios con suficiencia y una de las mejores películas de los últimos años del cine peruano.

Eduardo Jiménez J.

ejjlaw@yahoo.es

EL EVANGELIO DE LA CARNE 

Dir.: Eduardo Mendoza de Echave

c/ Gianfranco Brero, Jimena Lindo, Aristóteles Picho, Giovanni Ciccia, Lucho Cáceres, Ismael Contreras, Sebastián Monteghirfo

Perú/2013/Drama***+/Estrenos

CARRIE

En 1976 un joven Brian de Palma llevó al cine Carrie, teniendo en el protagónico a la también por entonces joven Sissy Spacek, filme que se convertiría en obra de culto para los fanáticos del terror y que haría famoso al por entonces más o menos desconocido realizador.

La puesta en escena se basaba en una novela de Stephen King sobre joven con facultades telequinéticas (mover objetos con la mente), tímida y con una fuerte represión sexual ocasionada por madre fanática por la religión. Precisamente la película se iniciaba con las burlas de las compañeras de clase de Carrie, ante el desconocimiento de esta en su primera menstruación. Lo interesante es que Brian de Palma manejaba muy bien el suspenso, gracias a la evidente vampirización que hacía de las técnicas de Alfred Hitchcock en la primera etapa de su desarrollo artístico (quizás su mejor etapa). Es más, la película tenía un evidente aire a Psicosis, del cual es tributario y rendía de Palma más de un homenaje a su maestro.

Lamentablemente esta segunda adaptación de la novela de King deja mucho que desear, a pesar de la evidente cantidad de recursos con los que ha contado y a la facilidad que permite la digitalización de trucos en las escenas de movimiento de objetos. Pero no todo en el cine es técnica, cuenta mucho el arte, las actuaciones y la puesta en escena. En ese sentido esta versión es bastante pobre y poco convincente. Nos quedamos con la Carrie primigenia que, casi cuarenta años después y a pesar de los recursos modestos de producción con que se hizo, conserva toda su frescura.

Eduardo Jiménez J.

ejjlaw@yahoo.es

CARRIE

Dir.: Kimberly Peirce

Guión: Lawrence D. Cohen, Roberto Aguirre-Sacasa, basado en la novela de Stephen King

c/ Julianne Moore (Margaret White), Chloë Grace Moretz (Carrie White), Gabriella Wilde (Sue Snell)

EEUU/2013/Terror**/Estrenos

ANTES DEL ANOCHECER

Quizás la historia de Jesse y Céline sea una de las más célebres historias de amor llevadas al cine. Lo peculiar es que se ha ido haciendo en el tiempo, desde el encuentro fortuito 18 años atrás hasta el día de hoy en que la pareja, ya madura, atraviesa por una de esas crisis otoñales, donde el desgaste de la relación juega en contra. Ahora los vemos cuarentones, con hijos a cuestas, así como responsabilidades compartidas. Grecia y el Mediterráneo son los escenarios para la historia, así como la complicidad de viejos amigos en una reunión informal. Precisamente el título no es casual, el anochecer alude a ese declive de la relación, pero el anochecer también es el preludio de un nuevo amanecer y todo parece indicar que la pareja podrá superar la crisis, lo cual será resuelto probablemente de aquí a algunos años, cuando de repente veamos a Jesse y Céline más viejos, quizás abuelos, y más que amantes, amigos. Memorable película.

Eduardo Jiménez J.

ejjlaw@yahoo.es

ANTES DEL ANOCHECER [Before Midnight] 

Dir.: Richard Linklater

Guión: Richard Linklater, Julie Delpy , Ethan Hawke         

c/ Ethan Hawke  (Jesse Wallace),  Julie Delpy  (Céline Wallace)

EEUU/2013/Comedia dramática***+/Estrenos