A CUARENTA AÑOS DE EL PADRINO

Este año también cumplió cuarenta años de su estreno El padrino (1972), co-escrita y dirigida por el entonces joven director Francis Ford Coppola, uno de los puntales de la renovación del cine norteamericano en los años setenta.

Es historia conocida lo difícil que fue el proceso de pre-producción. Un joven realizador que no tenía demasiado poder en los grandes estudios de Hollywood se enfrasca en una película sobre la mafia y el crimen organizado, el de la familia Corleone. Decide para los protagónicos tener a Marlon Brando encarnando a don Vito Corleone, un actor que estaba “vetado” en los estudios por tener fama de conflictivo; y, en el otro papel de importancia, a un desconocido joven actor que daría mucho que hablar, Al Pacino, quien representó a Michael, el hijo y continuador de la dinastía.

Como cuenta el propio Coppola fue difícil convencer a los ejecutivos de la Paramount la inclusión de estos dos actores en el reparto principal. Parece que el modesto sueldo que percibieron fue el argumento contundente para que la productora los acepte. (Brando solo cobró cincuenta mil dólares por el papel, “un sencillo”; aunque lo salvó las regalías que obtuvo el filme a lo largo de los años).

Pero, “el gran valor añadido” de la cinta fue que no se trataba de “una película más” acerca del mundo de la Mafia, sino que Coppola la elevó sobre el común de los filmes del género al otorgarle un aliento trágico que envolvía el destino de los personajes. Existe “una predestimación de los dioses” más allá de la voluntad o el camino que decidan tomar. El caso más trágico es el del propio Michael Corleone, quien en un inicio se niega a tomar parte en los negocios de la familia y termina de jefe al morir su padre, ser asesinado su temperamental hermano mayor Sonny, y ante la debilidad de carácter de su hermano intermedio, Fredo.

En igual sentido, lo que se quiere proteger, termina siendo destruido. El caso más patente es el de la propia familia, la cual se busca proteger a toda costa (todo el esfuerzo de los Corleone se encamina a ello), siendo destruida o disgregada. Sonny asesinado, Fredo exiliado y luego ordenado asesinar por su propio hermano Michael, la familia de este último separada por los turbios negocios que no comparte su esposa Kay. (A la lista se debe añadir el asesinato de la primera y efímera esposa siciliana de Michael, el asesinato de su joven hija en la tercera parte de la saga, así como los intentos de asesinato de Vito y Michael Corleone).

Pero, también habla del poder y de los medios para consolidarse o llegar a él. Se percibe un aliento shakespiriano presente como en las célebres obras del bardo inglés. Esa consolidación en el poder es por medio de la violencia, pero usando sobretodo la inteligencia y la astucia. El más astuto o el más hábil es el que gana la partida, no el que tiene la fuerza bruta (las escenas violentas y de acción son escasas en el filme y se encuentran adecuadamente dosificadas). Las tres partes de El padrino se abren con un acontecimiento importante que congrega a la familia y “anuda” la trama, terminando con una serie de asesinatos que la resuelven.

Similar uso tienen las traiciones. El traidor casi siempre es del grupo íntimo de la familia, sea como el caso de Fredo por “ganarse unos dólares” por su cuenta o de los lugartenientes o parientes políticos de los Corleone. La traición, al ser descubierta, se paga con la vida. Se la considera como “el peor de los pecados”, al decir del Dante.

Fue interesante también el tratamiento de la Mafia. No fue presentada en su aspecto más violento u oscuro, sino que los jefes mafiosos son definidos como ciudadanos comunes y corrientes, “hombres de negocios” felizmente casados y con una familia de la cual se sienten responsables. Como ya se apuntó, tanto Vito como su hijo Michael, hacen lo que deben hacer por mantener a salvo a su familia. Desde ese punto de vista, existe una “justificación moral” de sus acciones, ganándose de esa manera la simpatía del público. (Se especula que este “lavado de cara” de la Mafia obedeció a las presiones que recibieron tanto Coppola como Puzo del crimen organizado, en vista que ambos son descendientes de italianos).

El padrino le otorgaría fama y fortuna temprana a Francis Ford Coppola. Y, a pesar que después “renegó” de su popular trilogía, lo cierto es que cimentó su carrera para proyectos futuros, uno de ellos la segunda parte (1974) que, excepción a la regla, sería mejor que la primera y catapultaría a otro joven y desconocido actor: Robert de Niro, encarnando al joven Vito Corleone. Años después se incorporó al díptico una irregular tercera parte (1990) que, según se dice, Coppola se animó a realizar más por cuestiones de dinero (sus proyectos anteriores no habían reportado la expectativa económica deseada) que por engrandecer su filmografía. Es opinión casi unánime que esa tercera parte es prescindible.

En cuanto a Brando, gracias a El padrino pudo relanzar su carrera en los años setenta en papeles memorables de filmes como El último tango en París, The Missouri Breaks o Apocalipsis ahora. Ni hablar del despegue que significó los roles para las carreras actorales de los jóvenes Al Pacino o Robert de Niro.

Asociado con la célebre melodía de Nino Rota, tarareada al infinito en todo el mundo, El padrino demostró una vez más que una obra concebida solo para ganar dinero (la Paramount buscaba desesperadamente un filme que la saque de la difícil situación económica en que se encontraba), trascurrido el tiempo puede ser apreciada tan fresca y vigente, como lo fue el día de su estreno, lo que sucede solo con los clásicos.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

EL AMANTE

Es cierto que el gran referente modélico para Io sono l’amore es Luchino Visconti y sus extraordinarios retratos de grandes familias en decadencia (bastante inspirados en la suya propia, los Visconti son de antiguo linaje en Italia). Pero lo que en Visconti le resulta bastante natural por extracción de clase, en Guadagnino peca de afectación y de manierismo (insoportable la escena final, que pudo tener una resolución más “natural”). Sino fuese por la gran actuación de Tilda Swinton y algunas escenas rescatables, así como ese clima se sensorialidad que se respira, la película se sumergía en el ridículo. Pudo ser mejor. Lástima.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

EL AMANTE [Io sono l'amore]
Dir: Luca Guadagnino
Guión: Barbara Alberti, Ivan Cotroneo, Walter Fasano, Luca Guadagnino
c/ Tilda Swinton (Emma Recchi), Flavio Parenti (Edoardo Recchi Junior), Edoardo Gabbriellini (Antonio Biscaglia)
Ita/2009/Melodrama**/Estrenos

LOS JUEGOS DEL HAMBRE

El reality show llevado a sus límites más brutales

Ambientada en una Norteamérica que como civilización ha involucionado, políticamente se encuentra dividida en distritos (suerte de provincias), con un capitolio que funge de sede del poder. A modo de “tributo” por una rebelión ocurrida en el pasado en los distritos, estos deben entregar todos los años dos jóvenes (mujer y hombre) a fin que luchen a muerte contra los contrincantes de los otros distritos. Solo habrá un ganador, acreedor de fama y fortuna.

Hasta allí parece que estamos ante una réplica futurista de las luchas de los gladiadores en el Coliseo romano; pero son los detalles de la parafernalia de los juegos del hambre (el título alude a las carencias materiales, rayanas con las necesidades más extremas, de los concursantes, satisfechas por quien resulte ganador) lo más interesante de la cinta.

Diseñado el torneo a modo de un reality show, vemos primero desfilar a los “concursantes” ante el presentador, bien acicalados y con una imagen “vendible” para los anunciantes. Habrá preferencias del público por uno u otro y auspiciadores de tal o cual. Los juegos no son solo una forma de dominación de la elite dominante, sino un gran negocio, haciendo del sufrimiento ajeno un divertimento, en vista que son trasmitidos por televisión de costa a costa.

Incluso pareciera que existe una crítica hacia la televisión como vehículo de alienación de las masas, sometiéndolas para que no se rebelen, manteniéndolas adormecidas (emparentándola con una gran película como El Truman show), pero toda crítica queda en un nivel epidérmico. La cinta gira hacia los intentos de sobrevivivencia de Katniss y su eterno enamorado Peeta, hasta el final. Si no fuese por la buena actuación de Jennifer Lawrence (a quien vimos en Lazos de sangre el año pasado) el filme se desplomaría. Su partner no ayuda mucho en intensidad dramática. Dirigida a un público marcadamente juvenil, la cinta abandona “el mensaje crítico”, centrándose en el romance entre ambos (por cierto, bastante casto y conservador) y un final aparentemente feliz (existe una continuación).

Los juegos del hambre se quedó en buen intento. Lástima.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

LOS JUEGOS DEL HAMBRE [The Hunger Games]
Dir.: Gary Ross
Guión: Gary Ross, Suzanne Collins, Billy Ray, basado en la novela de Suzanne Collins
c/ Jennifer Lawrence (Katniss Everdeen), Josh Hutcherson (Peeta Mellark), Donald Sutherland (President Snow)
EEUU/2012/Thriller futurista***/Estreno

CABALLO DE GUERRA

Un canto de amistad entre un hombre y su caballo

Se ha criticado que la película es muy “edulcorada”, para “ver en familia” (bueno, como que se estrenó el 25 de Diciembre en Norteamérica), que Spielberg “no madura” pese a estar en base seis y sigue haciendo películas para niños. Matices más, matices menos, por allí ha ido “la crítica especializada”.

Los temas de un realizador y de un artista en general no obedecen a una regla general, ni a la edad de este. Los temas obedecen al “pathos” del realizador, es lo que “lo mueve”. Puede tener más de sesenta años y hacer películas para niños o tener veinte y realizar películas con “mensaje social”.

Lo que importa es el resultado, el producto. Y acá la regla sí es válida para cualquier artista. Puede impulsarlo el hacer una novela que “cambie el mundo” y el resultado ser un adefesio; o una película “solo para niños”, de mero divertimento, que sea una joya del cine.

Pese a que se trata de un mismo objeto de arte (una película, una novela, un poema, etc.); una cosa es el gusto o preferencia del crítico y otra muy distinta la opción del artista, que no necesariamente coincide con la del “crítico” (que es lo más recomendable, dicho sea de paso).

Caballo de guerra se centra en la relación entre un joven y su caballo, que lo entrena desde que es un pequeño animal. Existe una relación especial entre ambos. Sin embargo, no habría película si no existe el conflicto que la mueva. Estamos en vísperas de la I Guerra Mundial y el animalito en cuestión es vendido por el padre del muchacho a la caballería inglesa. (Recordemos que hasta la Gran Guerra se utilizó la caballería como parte de la ofensiva militar).

Pero no todo termina allí, Joey (así se llama el equino) cambiará de dueño conforme las vicisitudes de la guerra (toda la cinta gira en torno a sus andanzas por los campos de batalla). Muerto en acción el oficial inglés que lo compró, pasará a manos de los alemanes como bestia de carga, luego huirá a campo traviesa entre el fuego de ambos bandos en una de las más emocionantes y líricas escenas de la película. Realmente Spielberg “tiene mano” para narrar visualmente las “escenas fuertes”. No solo la huída de Joey entre dos fuegos; se encuentra también el fusilamiento de los chicos desertores del ejército alemán o la incursión de la caballería inglesa en un campamento alemán “sin el aviso previo de guerra” (recordemos también que hasta la I Guerra se debía notificar “por cortesía” al bando contrario del ataque que se iba a acometer).

Y, no podía terminar sino donde empezó. Luego de cuatro duros y penosos años de lucha, Joey y Albert se reencuentran de nuevo; pero como todo no es fácil en la vida, deberá recuperarlo a través de una subasta pública, así como lo hizo su padre años antes cuando lo compró. En esa escena hay otro giro rocambolesco, presentándose a la subasta el abuelo de una niña que quiere llevarse al caballito pagando una suma exorbitante para la época, manteniendo así en vilo al espectador hasta el final.

Spielberg sigue siendo un buen narrador, un buen contador de historias, sea para niños o para adultos, y en esta película se ha depurado, como que los elementos se encuentran más balanceados, acercándose en esa armonía a los clásicos del ayer que siempre han sido su inspiración.

Una escena que dice todo “el mensaje” que quiso dar en las cerca de dos horas y media de proyección: la cooperación entre los hombres cuando dejan de pensar en nacionalidades o intereses egoístas y se centran en el bien común. Ello a raíz del “rescate” que hacen de Joey, enredado entre las alambradas, saliendo de sus trincheras tanto un soldado inglés como uno alemán, simbolizando la unión en el estrechamiento de manos con el que se despiden para retornar cada uno a su trinchera. Es una de las escenas más conmovedoras que, por derecho propio, pasará a la galería del pacifismo y la amistad pura y desinteresada más allá de los mezquinos intereses propios, sea de las personas o de las naciones.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

CABALLO DE GUERRA [War Horse]
Dir: Steven Spielberg
Guión: Lee Hall y Richard Curtis, basado en la novela de Michael Morpurgo
c/ Jeremy Irvine (Albert Narracott), Peter Mullan (Ted Narracott), Emily Watson (Rose Narracott), Niels Arestrup (Grandfather), Tom Hiddleston (Captain Nicholls), Benedict Cumberbatch (Maj. Jamie Stewart), Celine Buckens (Emilie)
EEUU/2011/Drama***/Estrenos

EL ESPÍA QUE SABÍA DEMASIADO

George Smiley es un agente del servicio secreto británico. Pero no es un James Bond, ciento por ciento acción y rodeado de bellas mujeres. Todo lo contrario. Reposado, reflexivo, frío, se acerca más al temperamento de un jugador de ajedrez que al de un hombre de acción. Al otro lado del tablero se encuentra su eterno rival en el servicio secreto soviético, Karla, jugando ambos una apasionante partida de ajedrez.

Estamos ante un George Smiley viejo, con una vida familiar destrozada por su trabajo, una esposa que lo engaña con total impudicia, licenciado del servicio secreto por oscuras manipulaciones, pero vuelto a llamar ante las sospechas de un “topo”, un infiltrado que trasmite información a los rusos. Smiley desplegará sus cualidades y su “olfato de caza” para dar con el espía. Duelo de inteligencias y astucia más que de fuerza bruta. De allí que la cinta tenga un ritmo moroso, “aburrido” para aquellos acostumbrados al prototipo del 007.

Quizás la película no llame tanto la atención ahora. Ya no estamos en la época de la “guerra fría” entre Occidente y la desaparecida Unión Soviética, pero no por eso deja de inquietar este interesante filme. Con un Gary Oldman muy en caja para el papel principal. Vemos a un George Smiley un tanto melancólico, taciturno y desilusionado de la vida, aunque no exento de cumplir con su deber cuando lo llaman a servir de nuevo a su país.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

EL ESPÍA QUE SABÍA DEMASIADO [Tinker Tailor Soldier Spy]
Dir: Tomas Alfredson
Guión: Bridget O'Connor y Peter Straughan, basado en la novela de John le Carré
c/ Gary Oldman (George Smiley), Colin Firth (Bill Haydon), John Hurt (Control)
UK/2011/Thriller***/Estrenos

JOHN CARTER ENTRE DOS MUNDOS

Lograda adaptación de la clásica historia de Edgar Rice Burroughs

Lo bueno es que ha respetado la historia y la han sabido trasplantar adecuadamente al cine. Y algo primordial: no tomarse en serio. No han partido de un discurso grandilocuente o acartonado, sino que se la han tomado como lo que es: un divertimento. Ni más ni menos.

Por cierto, en este tipo de filmes no vamos a esperar grandes actuaciones, ni nada parecido. No estamos ante una película “intelectual” o “con mensaje”. Solo entretener. (Tampoco se vayan a tomar en serio que en Marte un ser humano puede respirar como en la Tierra).

Un divertimento estructurado como las viejas seriales: con trepidante acción, casi sin “puntos muertos”, desplegando una parafernalia de efectos especiales impresionante (ya vemos por qué costó doscientos cincuenta millones de dólares).

Una novedad ha sido la inclusión como personaje de Edgar Rice Burroughs, el autor de la historia original. No es la primera vez que se hace en el cine. En El hombre que sería rey (1975), de John Huston, se incluyó como personaje al propio Rudyard Kipling, el autor de la historia original.

Película que rinde tributo implícitamente a uno de los padres de la CF como lo fue Edgar Rice Burroughs (el creador de Tarzán) y que hace un siglo atrás desplegó un mundo de fantasía e imaginación que lo veríamos en el cine repetidas veces como, por ejemplo, en la saga de George Lucas. Ya conocemos de dónde proviene todo ese imaginario que nos deslumbraría en La guerra de las galaxias.

Filme con ingenio, narrado con pulso firme por el realizador de Wall•E y Buscando a Nemo, demostrando que no necesariamente los blockbusters deber ser acartonados y aburridos.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

JOHN CARTER ENTRE DOS MUNDOS [John Carter]
Dir.: Andrew Stanton
Guión: Andrew Stanton, Mark Andrews, Michael Chabon basado en la historia de Edgar Rice Burroughs, "A Princess of Mars"
c/ Taylor Kitsch (John Carter), Lynn Collins (Dejah Thoris), Samantha Morton (Sola), Willem Dafoe (Tars Tarkas), Daryl Sabara (Edgar Rice Burroughs)
EEUU/2012/Fantasía, acción***/Estrenos

LA COSA DE OTRO MUNDO

Tercera adaptación del célebre cuento de John W. Campbell Jr., Who Goes There?

La primera adaptación fue de 1951 y se estrenó con el título El enigma de otro mundo (The Thing from Another World) de Christian Nyby. La segunda data de 1982 y pertenece a John Carpenter con el directo y seco título de La cosa (The Thing). Esta tercera adaptación pretende ser una “precuela” (historia anterior a los hechos ocurridos en otro filme) de la recordada adaptación de Carpenter (la escena final de la película bajo comentario es el inicio de la que ocurre en el filme de 1982), rindiéndole de esa manera claro tributo a uno de los maestros contemporáneos del cine de terror.
A modo de estadística, diremos que entre adaptación y adaptación existe un promedio de treinta años.

La singularidad de la historia es que el alienígena o “la cosa” se puede mimetizar en cualquier ser viviente, humano o animal, ejecutando un perfecto duplicado que alberga al maligno ser de otro mundo. Por lo tanto, dentro del grupo humano atacado se desconfía de cualquiera, en vista que puede ser el extraterrestre, generando un clima de paranoia y de sospechas mutuas.

La historia era una precisa metáfora del irrespirable clima que se vivió en Norteamérica en la era de la llamada “caza de brujas” entre los años cuarenta y cincuenta del siglo pasado, promovida por el tristemente célebre senador Joseph McCarthy, siendo cualquiera sospechoso de comunismo o de propagar “ideas anti americanas”, clima del cual no estuvo exento el propio Hollywood.

Evidentemente que las adaptaciones de John Carpenter y de Matthijs van Heijningen Jr.
carecen de esa lectura, dado que se estrenan en tiempos distintos a la primera adaptación.

La adaptación carpenteriana era bastante claustrofóbica. Encerrados en una base científica de la Antártica se vivía ese clima de paranoia que envolvía a todos los miembros del grupo. Con personajes bien definidos, teniendo a Kurt Russell en el protagónico, supo sacar adelante el proyecto, con una escena final presagio de victoria pírrica de los humanos sobre el alienígena. (Los fanáticos de la CF y el terror deben buscarla en dvd, no van a salir defraudados).

Esta tercera adaptación es tributaria de la de Carpenter, no solo por la pretendida “precuela” (el año de ambientación, 1982, es el mismo de la fecha de estreno del filme de Carpenter), sino porque trata de nutrirse de los elementos de claustrofobia y conflicto en el grupo humano, como lo hizo el maestro treinta años atrás. No siempre lo logra, pero cumple. Igualmente es tributaria del Alien de Ridley Scott. No solo porque “la cosa” se parece un poco al del recordado filme de 1979, sino por la despiadada caza que perpetra el alienígena sobre el grupo, eliminándolos progresivamente; así como la protagonista principal, con un aire a lo teniente Ripley. Se nota una inspiración bastante evidente en esta otra ya clásica cinta del cine de terror.

Obra de cinéfilo apasionado, La cosa se deja ver y no va a defraudar a los fanáticos del terror y la ciencia ficción.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

LA COSA DE OTRO MUNDO [The Thing]
Dir.: Matthijs van Heijningen Jr.
Guión: Eric Heisserer, basado en el cuento "Who Goes There?" de John W. Campbell Jr.
c/ Mary Elizabeth Winstead (Kate Lloyd), Joel Edgerton (Sam Carter), Ulrich Thomsen (Dr. Sander Halvorson), Eric Christian Olsen (Adam Finch)
EEUU,Can/2011/Terror, CF***/Estrenos

A CUARENTA AÑOS DE LA NARANJA MECÁNICA

La película no estuvo exenta de escándalo en su estreno, hace cuarenta años. Para algunos una obra maestra, para otros un esperpento, un “bajón” en la trayectoria de Stanley Kubrick, ya consagrado “director de culto” gracias a 2001: Odisea del espacio.

El escándalo posibilitó que el filme estuviera en cartelera semana tras semana y originase largas colas para verla (algo inimaginable para una cinta el día de hoy). Pero, ¿qué es La naranja mecánica?

Inscrita dentro de lo que se conoce como “distopía” o antiútopía, describe un Londres futurista exacerbado por la violencia juvenil, imposible de frenar ni con las más sofisticadas terapias sicológicas, hasta que un grupo de médicos encuentran “la cura” en un procedimiento que inhibe los reflejos de violencia del ser humano, basado en la teoría de Iván Pavlov. El partido político en el gobierno, de tendencias conservadoras y autoritarias, lo auspicia a fin de asentarse y perpetuarse en el ejercicio del poder. Naturalmente que para ese procedimiento experimental se requiere de un voluntario, entrando a tallar el personaje de Alex.

Alex, el joven líder de una pandilla que asola la ciudad de noche, es lo que podríamos decir un ser salvaje natural. Vive en libertad absoluta de sus instintos por lo que obviamente va a “chocar” contra las leyes y convenciones de la sociedad. No ha internalizado la represión de sus instintos, como la mayoría de seres humanos lo hacemos, viviendo en “estado puro”. Por eso no nos cae tan mal pese a los latrocinios, violaciones y “ultraviolencia” que ejerce (personaje creíble gracias a la formidable actuación de Malcolm McDowell). Representa algo que nosotros anhelamos y que en sociedad hemos perdido: vivir en estado natural.

Naturalmente que esa etapa sin límites a los instintos se le va a terminar y la sociedad se impondrá, “castigándolo” por los desmanes cometidos. Allí está presente la sanción moral y jurídica. El castigo no es solamente “el peso de la ley”, sino también de la sociedad que, a modo de las novelas decimonónicas, las víctimas de Alex lo castigarán, una vez que este obtiene su libertad, tras someterse al método de inhibición de los reflejos de violencia.

Ese “castigo moral” es quizás más significativo que el jurídico, dado que las víctimas de Alex buscan sancionarlo con una pena similar a la causada por él: comenzando por los padres del personaje que le dan la espalda cuando sale de prisión, luego el mendigo golpeándolo cuando recuerda en sus facciones al muchacho que le propinó una dura paliza, sus ex camaradas de travesías nocturnas convertidos en policías también lo golpearán hasta casi matarlo, para completar con la inducción a la muerte que busca el intelectual cuya esposa murió por la salvaje violación de Alex y sus “drugos”. Se cumple “el ojo por ojo” bíblico.

Pero, la moraleja no queda allí. Precisamente sucede un escándalo a raíz del intento de homicidio contra Alex, por lo que el gobierno se ve en la necesidad de “rehabilitarlo”, devolverle “las facultades” de su anterior estado natural, exclamando el protagonista al final de la película “ahora sí estoy curado”, mientras visiona en su mente que viola a una muchacha y es aplaudido por unos espectadores con apariencia “burguesa”, metáfora que explica el reconocimiento o la tolerancia que se ve impelida la sociedad de aceptar a Alex “tal como es”. En cierta forma él ha ganado contra los convencionalismos. O, si se quiere, ha hecho un “acuerdo” con el gobierno de protección mutua. Aparentemente “se domestica a la fiera” para exhibirla públicamente.

El guión de Stanley Kubrick es bastante fiel a la novela de Anthony Burgess, que contiene mucho de corrosivo sarcasmo sobre la condición humana (la metáfora gira sobre la maldad innata del ser humano, a diferencia de los utopistas que creían en la bondad del hombre, solo que la sociedad lo corrompe), inscribiéndose en la rica corriente de las novelas que describen un futuro nada halagüeño para la humanidad.

También se respetó la jerga utilizada por Burgess, con palabras de origen eslavo. Según confesó el autor, la idea era hacer atemporal la novela y que pudiese ser leída por las generaciones futuras, sin que sientan el paso de los años. Y, sobre el título, si bien se han tejido múltiples explicaciones (La naranja mecánica se menciona en la novela como la obra que está preparando el escritor, cuya esposa es violada por Alex y sus drugos), de cierta manera alude al contrasentido que sería un hombre sin sus sentimientos e impulsos más innatos (“tan raro como una naranja mecánica”), coactando de esa manera su libre albedrío. La libre elección que, como ser humano, debe ejercer entre el bien y el mal; lo que se encuentra claramente expresado en el discurso del capellán de la prisión, cuando Alex es liberado.

Sobre el famoso capítulo final donde se produce un giro al sentido de lo narrado al vislumbrar una “regenación de Alex”, se dice que Kubrick no tuvo ocasión de leerlo en la edición que llegó a sus manos (siempre declaró que conoció la novela por ser obsequio de un amigo y quedó prendado del argumento), otros dicen que sí llegó a conocer el referido capítulo que no estaba en todas las ediciones en lengua inglesa. Personalmente me inclinó hacia la última tesis, dado que Kubrick era muy minucioso en todo, incluyendo sus fuentes de información, pero prefirió cortarlo en el momento que Alex es “curado” y llega a una componenda con el partido en el gobierno, así le daba más “fuerza” a la escena final. Lo cierto es que ese capítulo afectaba todo el sentido dramático de lo narrado anteriormente, en especial “la moraleja” (el hombre es malo por naturaleza), por lo que el realizador prefirió obviarlo en la adaptación cinematográfica; aunque el dichoso capítulo no parece tanto un “mensaje redentor” sobre la condición humana como algunos creen, sino una burla final de Burgess ante quienes sostienen que la cultura y sus instituciones pueden atenuar o hasta mejorar la naturaleza del hombre.

Lo cierto es que La naranja mecánica cimentaría la carrera de Stanley Kubrick, siendo una de sus mejores películas, junto a 2001 y Barry Lyndon, su siguiente trabajo; y, se mantiene tan fresca e inquietante como el día de su estreno, hace cuarenta años ya. Tan inquietante y tan rara como una naranja de relojería.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

EL ARTISTA

¿Porqué una película como El artista puede encandilar a millones de personas e incluso ganar numerosos premios incluyendo el Oscar del presente año, y otra infinitamente superior y compleja como Hugo apenas llevarse unos premios secundarios, si las dos tratan del cine?

Creo que “el encanto” de El artista está en el tratamiento en una época saturada por el sonido y el color, amen del 3D. Una “película muda” y en blanco y negro por añadidura, iba a llamar la atención. Y, para colmo, su tema sea “el cine dentro del cine”. Con el marketing adecuado no había pierde.

Ya en el 2011 se escuchaba de la conmoción que causaba en Europa una película francesa, con actores franceses en los protagónicos y que pudo competir en el Oscar como mejor película (y no como “película extranjera”) gracias a que los intertítulos son en inglés y trata de una época crucial para el desarrollo del cine en Norteamérica: el advenimiento del sonoro que dejará sin trabajo a muchos actores de la época silente como el protagonista, con un apellido que alude muy estrechamente al prototipo de galán de aquellos años, el mítico Rodolfo Valentino.

Pero el hecho ya había sido tratado en otra película hace exactamente sesenta años, Cantando bajo la lluvia (1952), musical que cuenta esas vicisitudes del tránsito de lo mudo al sonoro.

Tampoco El artista es novedosa en la idea de hacer una película muda en plena era del sonido. Mel Brooks lo intentó en 1976 con una comedia titulada precisamente Silent movie, bastante olvidada en los últimos años hasta por “la crítica especializada”. Comedia con hartos gags y sus infaltables compinches Marty Feldman y Dom DeLuise, que también era una historia del “cine dentro del cine”. Genial ocurrencia de Brooks. (Y me dicen que en 1999 Aki Kaurismaki hizo también una película muda, un drama pasional en blanco y negro titulado Juha, el cual no tuvo tanta trascendencia como El artista).

Pero todos esos antecedentes no explican el éxito de una cinta bastante sencilla y con un tema harto manoseado.

Creo que allí está la respuesta. El artista gusta por su sencillez en la trama, porque hay melodrama, comedia y música, y al final “ganan los buenos”. “Final feliz” como gusta a la gente. Son esos temas eternos del amor, la felicidad y la fortuna vueltos a contar una y otra vez. Hasta el expresivo perrito cumple su cometido (y de verdad que merecía un Oscar). En cambio, Hugo es más compleja, con más significantes que la epidérmica El artista. Hugo trae consigo una “arte poética” que la otra carece. Con cada visión de Hugo uno rescata más significantes; en cambio en El artista no sucede eso. Son sus grandes logros, pero también sus grandes límites.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

EL ARTISTA [The Artist]
Dir. y guión: Michel Hazanavicius
c/ Jean Dujardin (George Valentin), Bérénice Bejo (Peppy Miller), John Goodman (Al Zimmer), James Cromwell (Clifton), Penelope Ann Miller (Doris)
Fra/2011/Comedia, melodrama***/Estrenos

LA INVENCIÓN DE HUGO CABRET

Estamos en el Paris de inicios de los años 30. Un niño (Hugo Cabret) vive a hurtadillas en una estación del tren. Tendrá como vecino nada menos que al gran Georges Méliès, que rumia su decepción y amargura tras una tienda de juguetes. De cómplice a una niña, nieta del mago del cine, y un torpe y furibundo Inspector que acata literalmente “lo que la ley ordena”, enjaulando en sentido estricto a cuanto niño sin padres avista.

Esos son los ingredientes y los personajes centrales, algunos hechos y personajes son ciertos, otros inventados; pero más allá de ello, cuenta la forma en que Martin Scorsese lo aborda, abriendo su mente y corazón a las fantasías de Hugo, nos volvemos sus cómplices y por extensión de esa fantasía mayor que es el cine, al cual le rinde homenaje a través de una de sus figuras fundadoras, Georges Méliès.

Película con “arte poética” o “filosofía de principios” para ver y encantarse con “ojos de niño”, con la suficiente dosis de almíbar y drama para encandilar pero sin llegar a la exageración, dejando atrás nuestra lógica fría de los hechos y abriendo el corazón a la imaginación y la fantasía. Sencillamente notable.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

LA INVENCIÓN DE HUGO CABRET [Hugo]
Dir.: Martin Scorsese
Guión: John Logan, basado en el libro de Brian Selznick
c/ Ben Kingsley (Georges Méliès), Sacha Baron Cohen (Station Inspector), Asa Butterfield (Hugo Cabret), Chloë Grace Moretz (Isabelle), Christopher Lee(Monsieur Labisse), Helen McCrory (Mama Jeanne)
EEUU/2011/Fantasía***+/Estrenos

LA DAMA DE HIERRO

Han ingresado a cartelera casi simultáneamente dos biopic: J Edgar de Clint Eastwood y La dama de hierro de Phyllida Lloyd. Curiosamente las dos biopic abordan personajes polémicos y tienen la misma estructura: van del tiempo presente y regresionan al pasado vía los recuerdos de los personajes. En J Edgar al dictar sus memorias y acomodar los hechos para “quedar bien” con la Historia. En Margaret Thatcher, ya retirada de la políitica, nos muestra a una mujer que sufre el progresivo deterioro mental, pero manteniendo intacto su carácter independiente.

Hasta allí las coincidencias.

Las diferencias principalmente van por el tratamiento del personaje. J Edgar es un ser rico en contrastes, luces y sombras sobre el hombre que fundó el FBI, contradictorio y marcado por un madre autoritaria. El de Margaret Thatcher, pese a la genial interpretación de Meryl Streep, es unívoco. Tiene una apariencia acartonada, unidimensional. Como reza el título de la película, solo vemos a “la dama de hierro”, con un comportamiento duro y tenaz, teniendo que sobreponerse al mundo de la política manejado por los hombres. Su difícil comienzo, el conocer al que será el compañero de toda su vida, Denis Thatcher (cuya caracterización tiene más matices y es más rica que el del personaje principal), con el que, ya avanzado su deterioro mental, conversará hasta después de muerto.

La excepción está en el tratamiento inicial del personaje: vemos a una mujer senil, cuyas facultades van disminuyendo, eso le concede un rostro más “humano”.

La película, por la cortedad del metraje (105 minutos), se centra en algunos episodios clave de su vida: su duro inicio en la política, el ascenso como primera ministra y sus luchas por imponer el modelo neoliberal en Inglaterra (fue la impulsora en Europa de la privatización del Estado), así como las luchas contra los sindicalistas que se oponían a las privatizaciones y recortes fiscales, y contra los terroristas de Irlanda del Norte que buscaban la secesión. Capítulo especial es la Guerrra de las Malvinas, donde se menciona a un presidente peruano, Fernando Belaunde, que propone un acuerdo de paz, en el cual –para variar y fiel a su temperamento- Margaret Thatcher se zurró.

Película con limitaciones, pero que se deja ver.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

LA DAMA DE HIERRO [The Iron Lady]
Dir: Phyllida Lloyd
Guión: Abi Morgan
c/ Meryl Streep (Margaret Thatcher), Jim Broadbent (Denis Thatcher)
UK/2011/Biopic***/Estrenos

J EDGAR

Inolvidable biopic del fundador del FBI

Pocas veces se consigue la exacta medida en un biopic, más tratándose de un hombre controversial como lo fue J. Edgar Hoover, el fundador del Federal Bureau Investigation, el FBI. Las luces y sombras del personaje, incluyendo su lado más íntimo: la homosexualidad, la relación intensa con su segundo Clyde Tolson, y el férreo dominio de la madre sobre el joven Edgar.

Para ello ha contribuido mucho la notable actuación de Leonardo DiCaprio, un actor que con este papel ha llegado a la madurez, dejando en el recuerdo su rol que lo catapultó a la fama en Titanic.

Narrada en forma de flash-backs, saltamos consecutivamente del presente, donde vemos a un Hoover otoñal dictando sus memorias a un joven agente y así justificarse ante la Historia por las acciones cometidas, y el pasado, que son los recuerdos bañados por un subjetivismo de quien los evoca, lo que no necesariamente guarda correspondencia con la verdad de los hechos.

Es cierto que el gran referente es El ciudadano Kane de Orson Welles, no solo por la trasformación del personaje, sino por el tratamiento que le da el realizador, abarcando en la historia un arco temporal bastante amplio.

J. Edgar es una película que no deja insatisfecho y Clint Eastwood, fiel a su estilo clásico, mantiene los elementos en armonía.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

J EDGAR [J. Edgar]
Dir: Clint Eastwood
Guión: Dustin Lance Black
c/ Leonardo DiCaprio (J. Edgar Hoover), Naomi Watts (Helen Gandy), Judi Dench (Anna Marie Hoover), Armie Hammer (Clyde Tolson)
EEUU/2011/Biopic****/Estrenos

LA CHICA DEL DRAGON TATUADO

La version norteamericana de la adaptación de la primera novela de la trilogía Millennium, de la mano de David Fincher (Seven, El club de la pelea, Red social).

Era bastante esperada la entrega, dado que Fincher no es un director anodino o que siga genuflexo las pautas de los grandes estudios de Hollywood. Esta espera tuvo su clímax cuando el director se negó a reducir el metraje de la cinta en contraposición a los productores que querían un formato más “comercial”. Al final, la película ha quedado en poco más de dos horas y media, más o menos similar a la duración de la versión sueca, Los hombres que no amaban a las mujeres (aunque esta última tiene una versión extendida de tres horas).

Tanta espera, polémica y metraje excesivo hubiera valido la pena si algo nuevo aportaba a lo ya visto en la versión primigenia (novela negra de misterio que mezcla corrupción, incesto, sexo, nazismo y asesinatos en serie); pero vemos más bien una aplicación bastante literal a lo que fue esta; a tal punto que, obviando cambios menores, a veces daría la impresión que más bien Fincher está rindiendo un tributo a la versión original. No se ve un aporte creativo del director ni de los guionistas, salvo la fascinante presentación inicial de los créditos y la recreación de atmósferas y el clima de opresión que se vive, en lo que el realizador es bueno. Más bien se han limitado a trasplantar situaciones y personajes literalmente, dando la impresión que han querido apostar a lo “seguro”.

Haciendo una comparación, forzosa en estos casos, nos quedamos con la adaptación original, por lo menos tenía el encanto de la novedad.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

CRISIS EN FAMILIA

¿Qué hubiera pasado si David hubiese continuado con su proyecto personal, desligándose de los negocios de la familia? ¿Hubiese sido feliz al lado de su esposa?

Son las preguntas que subyacen a lo largo de la película que, haciendo gala de una envidiable elipsis, en menos de dos horas reseña treinta años de la vida de un sujeto que, por añadidura, de niño presenció como se mataba su propia madre, suceso trágico y doloroso que lo va a marcar para siempre en sus relaciones con los demás, en especial con las mujeres.

Si bien el filme se ha basado en hechos reales y en cierta forma parece que fuera un documental, lo cierto es que la cuota de ficción y dramatización ayuda a comprender las relaciones de David con el sexo femenino, en especial su esposa y posible víctima, un padre autoritario, su comprensible negativa a tener hijos y el travestismo de la etapa final de su vida.

Filme oscuro, desgarrador, que hurga en la conciencia de un hombre atormentado, sin concesiones fáciles.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

CRISIS EN FAMILIA [All Good Things]
Dir.: Andrew Jarecki
Guión:Marcus Hinchey, Marc Smerling
c/ Ryan Gosling (David Marks), Kirsten Dunst (Katie Marks), Frank Langella (Sanford Marks)
EEUU/2010/Drama***+/Estrenos

UN PAPA EN APUROS

El Santo Padre ha muerto y es necesario nombrar a su sucesor, por lo que se produce el cónclave de cardenales, recayendo la designación en el menos pensado, quien tendrá sobre sus hombros la gran responsabilidad de conducir a la Iglesia. Hasta allí todo va encausado en los caminos protocolares; lo que no contará la jerarquía católica es que al Papa designado le devendrá una terrible angustia y crisis de pánico frente al papel que debe asumir. Como que la responsabilidad es muy grande y no se siente seguro de asumirla.

El planteamiento de Nanni Moretti es claro: qué pasaría si la persona sobre la que recae la designación de Papa, no se siente seguro de asumir tan serio papel. De aquí en adelante la película pudo devenir en una comedia; pero Moretti ha optado por un estilo más reflexivo, siguiendo al Papa en su deambular por Roma, recorriéndola anónimamente, mientras cavila sobre el encargo que sus pares cardenales le han otorgado.

La figura del sicoanalista descreído de las cuestiones religiosas (e interpretado por el propio Nanni Moretti) no ha servido de contrapunto con el Papa, sino apenas como el detonante para que inicie este proceso de reflexión, de “vía crucis”, cuyo desenlace no será positivo. Cuando el Santo Padre regresa al Vaticano y se dirige a sus fieles, apenas les trasmite el mensaje de que lo comprendan y tengan paciencia. No es el hombre seguro que conducirá con firmeza los destino de la Iglesia, cayendo los fieles en el natural desconcierto.

Película en tono menor, casi de confesión, con más preguntas que respuestas. Solo por el planteamiento que realiza, merece verse.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

UN PAPA EN APUROS [Habemus Papam]
Dir.: Nanni Moretti
Guión: Nanni Moretti, Francesco Piccolo, Federica Pontremoli
c/ Michel Piccoli (Il Papa), Jerzy Stuhr (Il portavoce), Nanni Moretti (Lo psicoanalista)
Italia/2011/Comedia dramática***+/Estrenos

HISTORIAS CRUZADAS

Conocida en español también como Criadas y señoras (título más preciso que Historias cruzadas), ambientada en el “deep south” de inicios de los años sesenta, narra la historia de contrastes entre las “empleadas del hogar” (como decimos por acá), “afroamericanas” para más señas, y las señoras o amas de casa, blancas sureñas. Ambas con una vida predeterminada. Las criadas negras nacidas para servir a las familias blancas y las mujeres blancas con un papel específico luego de egresar del college: deben ser lindas, “preciosas” para buscar marido, contraer matrimonio, y luego tener hijos, atender a su esposo y administrar su casa, ayudadas en estas labores por una criada negra que por lo general estará de por vida en el servicio familiar (incluso son “legadas” en los testamentos a las futuras generaciones). Es un mundo que parece inmutable. A los negros que se salen de el o que son “contestones o revoltosos”, se les “castiga” incluso con la muerte.

Es un patrón de comportamiento social que no se discute, hasta que una joven blanca, Skeeter, egresada recientemente de la universidad, decide no seguirlo. Decide ser escritora y contar algo arriesgado: la historia de esas mujeres entregadas al servicio de una casa, destino del cual parece no pueden escapar en los racistas estados del sur, en un momento en que están por estallar las revueltas raciales por el reconocimiento de la igualdad en los derechos civiles.

Lo bueno que tiene la película es que no cae en el melodrama ni en las escenas truculentas, a pesar de la carga del tema que puede llevar a excesos; incluso se las ingenia para introducir elementos humorísticos como el del pastel con materia fecal literalmente devorado por la odiosa Hilly Holbrook y que será materia de sucesivas anécdotas hilarantes.

Tampoco las criadas negras son descritas con pasividad y sufrimiento, librándose así de los esquematismos. Más bien luchan, se desquitan, cada una a su manera. Como la irascible Minny Jackson o la más sensata Aibileen Clark.

Otro punto a favor es el buen desempeño actoral en el cual se sostiene la película, sin descuidar incluso a los secundarios, así como el tratamiento de época, bastante específico.

Filme “políticamente correcto”, es muy posible que “arrase” con varios Oscar. No sería raro.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

HISTORIAS CRUZADAS [The Help]
Dir. y guión: Tate Taylor, basado en la novela de Kathryn Stockett
c/ Emma Stone (Skeeter Phelan), Viola Davis (Aibileen Clark), Bryce Dallas Howard (Hilly Holbrook), Octavia Spencer (Minny Jackson), Jessica Chastain (Celia Foote), Sissy Spacek (Missus Walters)
EEUU/2011/Drama***/Estrenos

CONOCERÁS AL HOMBRE DE TUS SUEÑOS

Irónica propuesta del gran Woody Allen sobre algo muy común a la condición humana: el anhelo de encontrar a la pareja ideal y el amor de toda la vida, el cual, cuando se encuentra, se diluye tan fácilmente como los sueños. En una película coral (con múltiples personajes), representando parejas de distintas edades y condición, pero que guardan un nexo común: el buscar la ansiada felicidad fuera de casa. Vemos como avanzan (o retroceden) sus historias de amor, creyendo encontrar siempre lejos de la pareja de al lado la supuesta felicidad, y una vez hallada se dan cuenta que es una ilusión.

Como la cita de Shakespeare en la película: la vida es solo ruido y furia que al final no dice nada.

Película de “la tercera edad” de Woody, madura y con una visión más desencantada y escéptica de la vida. Vale la pena ver.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

CONOCERÁS AL HOMBRE DE TUS SUEÑOS [You Will Meet a Tall Dark Stranger]
Dir y guión: Woody Allen
c/ Gemma Jones (Helena Shebritch), Pauline Collins (Cristal), Anthony Hopkins (Alfie Shepridge), Naomi Watts (Sally Channing), Josh Brolin (Roy Channing), Freida Pinto (Dia), Antonio Banderas (Grez)
EEUU/2010/Comedia dramática***/Estrenos

MISIÓN IMPOSIBLE: PROTOCOLO FANTASMA

Cuarta entrega de la rentable franquicia inspirada en la serie de tv de los sesenta Misión imposible. La primera entrega, de la mano del maestro Brian de Palma, fue la mejor de las cuatro que hasta le fecha cuenta. Las últimas adolecen de estar al servicio de Tom Cruise que, como actor, es bastante limitado. Lo malo: es “el dueño de la pelota” o de la franquicia para ser más preciso, por lo que no sería raro que de aquí a unos años –dependiendo de cómo vaya la taquilla de esta entrega- tengamos MI5 y MI6 con variantes de historias más o menos rocambolescas.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

MISIÓN IMPOSIBLE: PROTOCOLO FANTASMA [Mission: Impossible - Ghost Protocol]
Dir: Brad Bird
Guión: Josh Appelbaum y André Nemec, basado en los caracteres creados por Bruce Geller
c/ Tom Cruise (Ethan Hunt), Jeremy Renner (Brandt), Paula Patton (Jane)
EEUU/2011/Acción***/Estrenos

BALANCE DE LA CARTELERA COMERCIAL 2011

La situación de la cartelera comercial limeña sigue igual o peor al año anterior: blockbusters y remakes de Hollywood sin mucho ingenio ni creatividad que copan las salas de exhibición comercial, casi nulo cine de otros países (no sabemos siquiera lo que hacen nuestros vecinos, menos en Europa o Asia, salvo contadísimas excepciones). En cuanto al cine nacional, muy por delante, el estreno de interés fue Las malas intenciones, filme de la debutante Rosario García-Montero.

Como sucede desde hace algunos años atrás, para el que le gusta el cine de calidad y es más o menos exigente, deberá recurrir a los circuitos alternativos o a los dvd y, gradualmente, conforme la oferta se incremente y abarate, a los blue ray.

Hablando de circuitos alternativos, ojalá se materialice y consolide la recientemente anunciada sala de cine del Ministerio de Cultura y sea un referente obligado en nuestro país del cine que no se ve comercialmente.

Curiosamente tuvimos a Woody Allen por partida doble, gracias al éxito en taquilla que le significó Medianoche en París (algo insólito para él), animándose los distribuidores locales a traer su anterior largo, Conocerás al hombre de tus sueños.

Algunos títulos que fueron interesantes en el año que termina fueron (se encuentran más o menos en el orden de su estreno en el país):

1. Más allá de la vida
2. El escritor oculto
3. En un rincón del corazón
4. Temple de acero
5. El cisne negro
6. El discurso del rey
7. Lazos de sangre
8. Rango
9. La señal del terror
10. Ágora
11. Carancho
12. Mi nombre es John Lennon
13. La mirada invisible
14. Splice: experimento mortal
15. Agentes del destino
16. Mundo surreal
17. Triste San Valentín
18. Un asesino dentro de mí
19. El planeta de los simios: Revolución
20. Malas enseñanzas
21. Medianoche en París
22. Paul
23. Damas en guerra
24. Las malas intenciones
25. Camino a la libertad
26. Un cuento chino
27. Millennium 2
28. Rito diabólico
29. Las aventuras de Tintín
30. Conocerás al hombre de tus sueños

Y si se trata de seleccionar solo doce, me quedaría con:

1. El escritor oculto
2. Temple de acero
3. El cisne negro
4. Lazos de sangre
5. Carancho
6. La mirada invisible
7. Agentes del destino
8. Triste San Valentín
9. Un asesino dentro de mí
10. Medianoche en París
11. Las malas intenciones
12. Conocerás al hombre de tus sueños

Y eso es todo.
Eduardo Jiménez J.
Ejjlaw@yahoo.es

LAS AVENTURAS DE TINTÍN: EL SECRETO DEL UNICORNIO

Proyecto largamente acariciado por Steven Spielberg, en asociación con Peter Jackson, nos entrega la primera de una trilogía sobre el popular adolescente periodista Tintín y su fiel perro Milou. Si bien en América Latina no es muy conocida la historieta, en Europa sí; de allí que haya sido estrenada primero allá que en el propio Estados Unidos.

Mediante la técnica de motion capture, para luego, digitalmente, darle el acabado, ha producido una semejanza asombrosa con el cómic. No solo respetando la época, sino las tonalidades de los colores, el vestuario y la propia historia. Pero, como sucede en las películas de Spielberg, la técnica se encuentra al servicio de la historia y los personajes, no al revés; por lo que vamos a estar “enganchados” a la acción consecutiva que sufre Tintín y el capitán Haddock en la hora cuarenta y cinco de duración.

Es cierto que existen muchas similitudes entre Tintín e Indiana Jones. El estilo trepidante que se le ha dado a las aventuras del joven periodista-detective es muy similar al del arqueólogo-aventurero, incluso podemos hasta “rastrear” parte de las locaciones (las persecuciones por lugares exóticos, la huída de un barco, el desierto), el humor entre las secuencias de acción, el estilo de serial y, obvio, la época.

De allí que podemos decir que se trata de un Indiana Jones digital, tributo al personaje que tantas satisfacciones le ha deparado a Spielberg (pero también tributo a uno de los inspiradores del héroe del sombrero y el látigo, como lo fue Tintín). Ese es el encanto de la cinta y su principal límite, aunque no por eso se deja de disfrutar.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

LAS AVENTURAS DE TINTÍN: EL SECRETO DEL UNICORNIO [The Adventures of Tintin]
Dir: Steven Spielberg
Guión: Steven Moffat, Edgar Wright, basado en las historietas de Hergé
c/ Jamie Bell (Tintin), Andy Serkis (Captain Haddock / Sir Francis Haddock), Daniel Craig (Rackham / Sakharine)
EEUU/2011/Aventuras***/Estrenos

RITO DIABÓLICO

Aunque el título puesto acá (Rito diabólico) no le hace justicia ni remotamente; el otro que circula en español es más apropiado (Sed de sangre).

El padre Sang-hyeon se presta como voluntario para experimentar en su cuerpo una droga que libraría del dolor y el sufrimiento a muchas personas. Como sucede en estos casos, el experimento sale mal y el padre se convierte en vampiro, necesitando alimentarse de sangre para sobrevivir.

Hasta allí coincide con otras películas del género que tratan el tema del experimento fallido y la conversión subsecuente en monstruo del personaje central. La novedad radica en el tratamiento del tema y la inspiración, bastante libre, en la novela de Zola, completando el hecho con un triángulo amoroso entre el padre Sang-hyeon, la joven Tae-ju y su esposo, a quien el padre, por medio de las oraciones, acaba de curar del cáncer, para, posteriormente, asesinarlo y quedarse con su esposa.

Es en ese triángulo amoroso donde la película va cobrando interés hasta el desenlace en el remordimiento que siente el padre Sang-hyeon por los pecados cometidos y su decisión de quitarse la vida, junto a su amante, exponiéndose al sol del amanecer.

Por otra parte, en el tratamiento de lo “vampiresco” se ha eliminado toda truculencia y alusión al terror que suscitan los vampiros, aunque se conserva la fuerza descomunal que poseen, así como su insaciabilidad sexual.

Si bien la película se mueve a un ritmo lento que nos va narrando la génesis del vampirismo del padre Sang-hyeon y sus luchas internas contra si mismo, con vericuetos en la narración que la tornan barroca, y un metraje que parece excesivo (sobrepasa las dos horas), no por ello deja de tener interés por el tratamiento novedoso de un tema que ha sido abordado en el cine infinidad de veces.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

RITO DIABÓLICO [Bakjwi]
Dir y Guión: Chan-wook Park, inspirado libremente en la novela "Thérèse Raquin" de Émile Zola
c/ Kang-ho Song (Priest Sang-hyeon), Ok-bin Kim (Tae-ju), Hae-sook Kim (Lady Ra)
Corea del Sur/2009/Thriller de terror***/Estrenos

MILLENNIUM 2

Continuación de la saga iniciada con Los hombres que no amaban a las mujeres. Esta vez se centra en Lisbeth, cuyo pasado tormentoso la asalta, acusándola de crímenes que no ha cometido y desentrañándonos sus secretos en flash-backs que nos dan idea del comportamiento del personaje.

Ahora será Mikael quien debe ir en ayuda de Lisbeth; y, si bien no se trata de un argumento tan sórdido como el de la primera entrega donde coexistía la degeneración moral de una gran familia, el neonazismo y el incesto, no por ello deja de inquietarnos la historia de la hacker Lisbeth Salander.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

MILLENNIUM 2 [Flickan som lekte med elden]
Dir: Daniel Alfredson
Guión: Jonas Frykberg, basado en la novela de Stieg Larsson
c/ Michael Nyqvist (Mikael Blomkvist), Noomi Rapace (Lisbeth Salander)
Suecia/2009/Thriller***/Dvd/Estrenos

UN CUENTO CHINO

Centrado en lo que es la relación contradictoria de una “pareja dispareja”, Roberto (Ricardo Darín), un tipo misántropo, que trata de minimizar cualquier contacto humano, y Jun (Ignacio Huang) el oriental perdido en el gran Buenos Aires. Con idiomas, costumbres y forma de ver el mundo totalmente distintos, poco a poco, irán acercándose y cambiando su carácter y estilo de vida, como lo refleja la escena final, donde Roberto da “el gran salto” para visitar a Mari y, quien sabe, comenzar la aventura emocionante de una relación sentimental.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

UN CUENTO CHINO
Dir y guión: Sebastián Borensztein
c/ Ricardo Darín (Roberto), Muriel Santa Ana (Mari), Ignacio Huang (Jun)
Arg/2011/Comedia***/Estrenos

CAMINO A LA LIBERTAD

Peter Weir perteneció a “la nueva ola del cine australiano” que entre las décadas del 70 y 80 aportó algunos títulos interesantes a la filmografía. De Weir recordamos Picnic en Hanging Rock, La última ola, El fontanero o Gallipoli. Luego, como muchos de sus compatriotas, emigró a Hollywood, donde –también como muchos de sus connacionales- no pudo mantener la independencia de antaño frente a las grandes industrias fílmicas.

Sin embargo, Weir se las ha ingeniado para seleccionar los proyectos que le parecen atractivos como fueron La sociedad de los poetas muertos o The Truman show; aunque a condición de filmar cada cinco años como le ha sucedido en los últimos tiempos.

Camino a la libertad es quizás su proyecto menos importante; aunque tiene el nervio suficiente para contar una historia de supervivencia: 1941, Hitler ha invadido Polonia y la Unión Soviética mantiene un pacto de no agresión, que le permite ampliar su frontera y, de paso, liquidar a los enemigos del régimen. Un grupo variopinto se encuentra en “un campo de reeducación” en Siberia y frente a la disyuntiva de morir tarde o temprano, decide fugar en una aventura arriesgada, donde se juegan el todo por el todo.

Lo más interesante se encuentra en esa lucha de supervivencia frente a una naturaleza agreste (que pasa a ser un personaje más), en la diversidad de reacciones que se presentan al interior del grupo, en las necesarias bajas y deserciones, hasta quedar apenas tres sobrevivientes que llegarán a la India cruzando el Himalaya. Narrada con un estilo seco, lacónico, y final de sesenta años después, con caída del muro de Berlín incluida; ese final es lo más débil del filme, muy panfletario e innecesario. No obstante, vale la pena ver Camino a la libertad.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

CAMINO A LA LIBERTAD [The Way Back]
Dir.: Peter Weir
Guión: Keith R. Clarke, Peter Weir, basado en la novela "The Long Walk: The True Story of a Trek to Freedom" de Slavomir Rawicz
c/ Dragos Bucur (Zoran), Colin Farrell (Valka), Ed Harris (Mr. Smith), Saoirse Ronan (Irena), Jim Sturgess (Janusz)
EEUU/2010/Drama***/Estrenos

LAS MALAS INTENCIONES

En el cine nacional es inusual encontrar películas intimistas, que enfoquen el ángulo subjetivo del personaje, más tratándose de una niña. Casi todo nuestro cine se encamina por las vertientes realista o costumbrista. Las malas intenciones va por un camino poco explorado: la mirada subjetiva al mundo familiar y social de una niña de clase media alta en plena época del terrorismo (el filme trascurre entre 1982-83), el que va a servir de marco referente a la acción (notable la ambientación de época), mundo familiar y social que entra en crisis como la propia protagonista, enfrentada al nacimiento de un hermanito, así como al segundo matrimonio de su madre, volcándose a un mundo de fantasías teñido por los héroes de la patria (existe una interesante segunda lectura de la película referente a este tema y la promesa inconclusa de patria por parte de la clase a la que pertenece la protagonista).

Sólida ópera prima de Rosario García-Montero (aspecto insólito en primeros autores) que nos hace recordar filmes como Cría Cuervos de Carlos Saura.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

LAS MALAS INTENCIONES
Dir y Guión: Rosario Garcia-Montero
c/ Fatima Buntinx (Cayetana), Katerina D'Onofrio (Inés), Paul Vega, Pietro Sibille, Jean Paul Strauss
Perú/2011/Drama***+/Estrenos

DAMAS EN GUERRA

Las promociones la han catalogado como “la versión femenina” de Qué pasó ayer (The hangover); pero en realidad no es una comedia de humor grueso, ni tiende al chiste primario, sino que, respetando el género de la comedia, hurga en el mundo femenino como pocas películas lo han hecho.

La trama gira en torno a un grupo de damas de honor (el título original) que serán partícipes del matrimonio de una querida amiga, lo que da oportunidad al realizador para adentrarse en las rivalidades existentes dentro del grupo, encarnadas en Annie, la vieja amiga de la escuela, y Hellen, “la nueva amiga”, fruto de la actual posición social de la novia, rivalidades a veces soterradas y otras claramente desenfadadas (lograda la escena del avión, recreando hábilmente el clima de paranoia post 11-S).

Pero, también es la trayectoria vital de Annie, quien ha tocado fondo con una pareja que la usa solo como objeto sexual, un trabajo que detesta y del cual será despedida pronto, el desalojo del departamento que alquila y la irremediable pérdida de su mejor amiga. Hechos que la obligarán a reaccionar.

Merece destacarse en rol secundario a la desaparecida Jill Clayburgh, como la mamá de la protagonista, en uno de sus últimos roles y de grata recordación en películas como Una mujer descasada y La luna. Su “época de oro” en el cine fue en los años setenta.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

DAMAS EN GUERRA [Bridesmaids]
Dir: Paul Feig
Guión: Kristen Wiig, Annie Mumolo
c/ Kristen Wiig (Annie), Maya Rudolph (Lillian), Jessica St. Clair (Whitney), Jill Clayburgh (Annie's Mom)
EEUU/2011/Comedia/Estrenos

PAUL

Tomadura de pelo a las películas y series de ciencia ficción a través de dos nerds fanáticos de las aventuras de Sci-Fi que deciden “hacer la ruta” de sus héroes, encontrándose con un extraterrestre de verdad.

Filmada a modo de una “road movie”, el contrapunto entre los nerds (bastante ingenuos) y “el achorado” alienígena causa la detonación de la hilaridad. Gags verbales sobretodo, tiene buenas secuencias. Sin lograr redondear una irreverencia total contra el género, Paul se deja ver. Los fanáticos de la ciencia-ficción notarán “guiños” a muchas de estas películas.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

PAUL
Dir: Greg Mottola
Guión: Nick Frost, Simon Pegg
c/ Simon Pegg (Graeme Willy), Nick Frost (Clive Gollings), Seth Rogen (Voz de Paul)
EEUU/2011/Comedia***/Estrenos

MEDIANOCHE EN PARÍS

En la “etapa europea” de Woody Allen, esta vez le tocó a París ser el escenario y, si es París, recordar los años 20 en que “era una fiesta”. Gil (Owen Wilson) vive una crisis existencial, debiendo escoger entre dos caminos: el continuar como un cotizado guionista con un próximo matrimonio convencional con Inez, o sumergirse de lleno en su verdadera vocación de novelista. Aparentemente las cartas las tiene en contra, hasta que “por arte de magia” se ve trasportado al París de los años 20 y conoce a los íconos de aquella época por los que tanta devoción profesa: Ernest Hemingway, Fitzgerald, Cole Porter, Picasso, Dalí, Buñuel, toda una pléyade de artistas que confirmarán su verdadera vocación. Y como no puede suceder de otro modo en “la ciudad del amor”, comenzará un nuevo romance, más auténtico que el anterior.

Estamos de nuevo ante la comedia del absurdo (los “saltos en el tiempo”), cosa que Woody ya había hecho antes (La rosa púrpura del Cairo, con la que guarda cierta relación), solo que más ambiciosa y elaborada, manteniéndose con un pie en la comedia romántica. Lo verosímil es la puesta en escena que permite que la película “no se caiga”, lo que Allen como viejo artesano trabaja con gran habilidad. También la actuación de Owen Wilson, muy en caja en el rol del escritor ante un dilema existencial, encarnando a una suerte de alter ego del director. Y, como sucede a cierta altura de la vida, el mensaje del filme es que “todo tiempo pasado fue mejor”.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

MEDIANOCHE EN PARÍS [Midnight in Paris]
Dir y guión: Woody Allen
c/ Owen Wilson (Gil), Rachel McAdams (Inez)
EEUU/2011/Comedia***/Estrenos

MALAS ENSEÑANZAS

Bad teacher toca una denuncia real que ocurre en las escuelas norteamericanas: los profesores dan las claves de los exámenes estatales a sus alumnos a fin de ganar un bono de obtener estos altas calificaciones.

Naturalmente que en clave de comedia como todas las situaciones que le van ocurriendo a la protagonista (como “los incentivos” que Elizabeth pide no tan disimuladamente a los padres de familia a fin de “esmerarse mejor” en la educación de sus retoños). Por lo demás la historia ya fue vista en el cine innumerables veces: la del personaje que no vive su profesión o la vive a desgano, hasta que “descubre su vocación” y el ser auténtico que tiene dentro de si, más allá de los convencionalismos o la sociedad de consumo. En el caso de Elizabeth solo busca “atrapar” un novio con fortuna, hasta que los sinsabores de la vida le descubren su verdadero yo, dejando de lado las apariencias (como la implantación de siliconas en los senos para verse más sensual).

Existe otro detalle que ha sido tratado muy bien en la película: las “puñaladas por la espalda” entre colegas y la hipocresía que se vive al interior de los centros laborales, donde todo es sonrisa de los labios afuera y por dentro anidan verdaderos monstruos.

Interesante, aunque irregular comedia. Tiene buenos momentos, pero no apostó por la irreverencia sino por lo “políticamente correcto”, con mensaje ejemplificador al final, tocando solo oblicuamente los males de la educación en Norteamérica (la verdad están peor que la educación del Sutep). Sobre Cameron Diaz, conforme pasan los años, como el vino, cada vez está mejor.

Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


MALAS ENSEÑANZAS [Bad Teacher]

Dir: Jake Kasdan

Guión: Gene Stupnitsky, Lee Eisenberg

c/ Cameron Diaz (Elizabeth Halsey), Lucy Punch (Amy Squirrel), Jason Segel (Russell Gettis), Justin Timberlake (Scott Delacorte)

EEUU/2011/Comedia***/Estrenos

LA DOBLE VIDA DE WALTER

Lo asombroso de esta película, con la que Jodie Foster regresa a la dirección después de largos años, es que pese a “combinar” géneros y atmósferas, “no se cae”. Para el espectador resulta verosímil lo que ve. Porque a veces la situación es dramática, otras trágica, y gran parte del tiempo linda con la comedia del absurdo. Con la historia del hombre maduro (Mel Gibson en extraordinaria performance) sumido en una profunda depresión que lo aísla de los demás miembros de su familia y trabajadores de su empresa, que logra romper el cerco de incomunicación a través de una marioneta en forma de castor (de allí el título original), realizando una vida aparentemente normal mientras tiene a la marioneta en la mano y “habla por él”, volviéndose a tal punto adicto que ni siquiera puede tener relaciones sexuales sin ella en el brazo.

Es cierto que la historia de The beaver tiene un aire bastante parecido al primer largo como director de Robert Redford, Gente como uno (Ordinary people, 1980). La historia del miembro de la familia que intenta suicidarse, sumido también en una profunda depresión, la disfuncionalidad y tensión que produce el hecho en el seno del hogar y el “final feliz” del drama. Pero, más allá de esas cuestiones, lo cierto es que Jodie Foster quiso tratar en The beaver un problema bastante común en Estados Unidos: el de las personas que sufren profunda depresión, impidiéndoles ejercer una “vida normal” en la familia, los estudios, los negocios o el trabajo.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

LA DOBLE VIDA DE WALTER [The Beaver]
Dir: Jodie Foster
Guión: Kyle Killen
c/ Mel Gibson (Walter Black), Jodie Foster (Meredith Black), Anton Yelchin (Porter Black)
EEUU/2011/Drama***/Estrenos

SUPER 8

Super 8 tiene el encanto de esas películas spielbergnianas de hace treinta años atrás. Es más, parece que Steven Spielberg la hubiese rodado. Los “guiños” a Encuentros cercanos…, Los goonies, ET o hasta Tiburón son más que evidentes.

Pero, J.J. Abrams creo es lo bastante inteligente como para “copiar” viejas películas exitosas. Más parece un homenaje al gran realizador que una vulgar copia. Homenaje a ese cine que ponía los efectos especiales al servicio de la historia y los personajes, y no al revés como es frecuente en estos tiempos de arte digital.

Como un “deja vu” Super 8 es atractiva. Como un recuerdo de épocas mejores del cine norteamericano.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

SUPER 8
Dir y guión.: J.J. Abrams
c/ Joel Courtney (Joe Lamb), Kyle Chandler (Jackson Lamb), Elle Fanning (Alice Dainard)
EEUU/2011/CF, misterio/Estrenos