LINTERNA VERDE

La DC Comics no se podía quedar atrás en esta vertiginosa carrera por llevar al cine a los héroes de los comics más populares y, mientras prepara el relanzamiento de Superman, nos trae a Linterna Verde. A diferencia del hombre de acero, los superpoderes no vienen con él, sino son a causa de un anillo y una linterna. Existe, subyacente, cierta ritualidad mágica de donde emana su poder, lo cual atrae nuestra parte más primitiva. Naturalmente sin el anillo es un mortal vulnerable como cualquier otro.

Esta primera entrega nos cuenta los inicios, actualizando la historia al tiempo presente. Se deja ver, busca solo entretener, no existe un lado oscuro o sombrío como en las últimas entregas de Batman, sino que va más a las raíces del comic original, por lo que “respira” cierta ingenuidad propia de otras épocas. Quizás por eso no ha tenido tanta aceptación de público (aparte de la fuerte competencia de blockbusters en el presente verano del hemisferio norte), lo que haría peligrar la continuación de la franquicia, pese a que una de las últimas escenas anticipa una continuación. En fin, esperemos que Linterna verde tenga un mejor futuro.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


LINTERNA VERDE [Green Lantern]
Dir.: Martin Campbell
Guión: Greg Berlanti y otros, basado en los caracteres de la historieta de DC Comics
c/ Ryan Reynolds (Hal Jordan/Green Lantern), Blake Lively (Carol Ferris), Peter Sarsgaard (Hector Hammond), Mark Strong (Sinestro), Tim Robbins (Hammond)
EEUU/2011/Fantasía***/Estrenos

TRISTE SAN VALENTÍN

Dean y Cindy son una joven pareja que contrae matrimonio por el embarazo de ella (aunque ella no está segura si es hijo de Dean o de otro novio con el cual tiene relaciones en paralelo). Ambos renuncian a sus sueños más preciados, ella ser médico (se “contenta” con ser enfermera) y él dedicarse a la música, para trabajar en algo que le permita ingresos. Más o menos son los datos que vamos conociendo de la pareja que sufre el inevitable fin del amor. Triste San Valentín o Blue Valentine narra la historia en dos tiempos: el presente, con el inevitable deterioro de la relación conyugal, hasta su triste final; y en montaje alterno, el pasado, aproximadamente seis años atrás, con la historia de “los inicios” de la relación, cómo se conocen, el enamoramiento y las razones que los llevan a contraer matrimonio.

La “lección” de esta sobria y magnífica película (se centra básicamente en las actuaciones) es que a contrapelo de las historias de amor que terminan con el clásico “y vivieron felices”; Blue Valentine nos dice que el amor se acaba, que no existen los amores eternos, que como dice la clásica canción “todo tiene su final”. La destreza del filme está en no cargar las tintas, ni irnos por el tobogán del melodrama, sino en mantenerse en ese equilibrio sobrio. Ni más ni menos.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yhoo.es

TRISTE SAN VALENTÍN [Blue Valentine]
Dir.: Derek Cianfrance
Guión: Derek Cianfrance, Cami Delavigne y Joey Curtis
c/ Ryan Gosling (Dean), Michelle Williams (Cindy), Faith Wladyka (Frankie)
EEUU/2010/Drama***+/Estrenos

CAPITÁN AMÉRICA: EL PRIMER VENGADOR

Este año la Marvel ha estrenado en el cine a sus mejores superhéroes, en una suerte de “bombardeo veraniego” (en el hemisferio norte) como preámbulo en el 2012 a Los vengadores, la reunión en una sola película de los superhéroes más mentados de la conocida casa editora de comics. El agasajo recién empieza. Esta vez le tocó el turno al Capitán América, el héroe por antonomasia de los valores de la cultura norteamericana. Su nombre lo dice todo.

Nacido ex profeso en el contexto de la II Guerra Mundial, en la lucha contra Adolfo Hitler y los nazis, la película ha captado muy bien el ambiente y la recreación de la época, quizás su mayor mérito. “Sentimos” ese ambiente de patrioterismo febril que se vivió en Norteamérica luego que los japoneses atacaron Pearl Harbor. El ánimo de enlistarse en el ejército que lleva al joven Steve Rogers a solicitar una y otra vez su admisión hasta que es aceptado. El poco caso que al inicio le hacen, las burlas que sufre al ser usado solo como vehículo de propaganda para recaudar fondos, hasta ganarse el respeto de los demás con la muestra de su valentía y coraje. Por cierto, las escenas de acción están muy bien logradas, sin tomarse muy en serio (y hasta con un “guiño” de burla), con un ritmo trepidante de serial, como lo concibieron Lucas y Spielberg para la saga de Indiana Jones.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

CAPITÁN AMÉRICA: EL PRIMER VENGADOR [Captain America: The First Avenger]
Dir: Joe Johnston
Guión: Christopher Markus, Stephen McFeely, basado en el comic de Joe Simon y Jack Kirby
c/ Chris Evans (Captain America / Steve Rogers), Hayley Atwell (Peggy Carter), Sebastian Stan (James Buchanan 'Bucky' Barnes), Tommy Lee Jones (Colonel Chester Phillips), Hugo Weaving (Johann Schmidt / Red Skull), Samuel L. Jackson (Nick Fury)
EEUU/2011/Aventuras***/Cine/Estrenos

CARS 2

La secuela de las aventuras del Rayo McQueen, esta vez recorriendo las pistas de Europa y Japón. La película, como todas las de Pixar, seduce por su buen acabado, una historia convincente y personajes creíbles (en vez de “humanizar” a los animales, esta vez se humanizó a los automóviles), incluso se nota que el despliegue técnico es mayor que en la primigenia Cars; sin embargo, la historia no nos atrapa, a pesar que la trama ha sido urdida como las películas de espías de los años 60, pero los recorridos en distintas ciudades europeas, las persecuciones y las carreras no nos llama tanto la atención como en la primera parte. Será que casi siempre las continuaciones no están a la altura de la versión primera, y a pesar también que contiene una “lección ecológica”. En fin, no es culpa del Rayo McQueen ni de sus compañeros de aventuras.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

CARS 2
Dir: John Lasseter, Brad Lewis
Guión: Ben Queen
Voces originales: Owen Wilson (Lightning McQueen), Larry the Cable Guy (Mater), Michael Caine (Finn McMissile)
EEUU/2011/Animación***/Estrenos

HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE: PARTE 2

El final de una saga que si bien ha recaudado cientos de millones en la taquilla, cinematográficamente no es gran cosa (salvo la adaptación de Alfonso Cuarón, HP y el prisionero de Azkabán). Por lo general han sido versiones chatas, carentes de imaginación, que se han limitado a ser lo más fiel posible a los libros. Hay que reconocer que la de Yates es la más negra, no apta para un público infantil, aunque con final feliz como era previsible y un “epílogo” 19 años después en la estación del tren, cerrándose la historia en el mismo lugar donde todo comenzó. Fin de un ciclo y el comienzo de otro: el de los hijos que se dirigen por primera vez a la Escuela de Magos.

Ojalá que en algunos años más alguien se anime a una adaptación que contenga más vuelo creativo; a no dudarlo tendremos HP todavía para rato.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE: PARTE 2 [Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2]
Dir: David Yates
Guión: Steve Kloves, basado en la novela de J.K. Rowling
c/ Daniel Radcliffe (Harry Potter), Rupert Grint (Ron Weasley), Emma Watson (Hermione Granger), Ralph Fiennes (Lord Voldemort), Alan Rickman (Professor Severus Snape)
UK, EEUU/2011/Fantasía***/Estrenos

EL VENGADOR

El encanto de Priest está en que, a diferencia de por ejemplo Transformers, no se toma en serio, sino modestamente como un entretenimiento que no busca “saturar” al espectador, sino que, respetando ciertas convenciones, “crea” lo que está visionando. Y, no menos importante, esa combinación de géneros que ha sabido llevar. No es solo horror, sino que, reactualizando el viejo tema de los vampiros, combina géneros: acción, pero sobretodo el género del oeste. La historia del secuestro de la hija de Priest por los vampiros bien puede ser la que sucedía con los indios que raptaban a la niña blanca en las clásicas películas de John Wayne. El tren donde van “los malos” es un elemento importante, como en las sagas del viejo oeste. El simple aspecto del convoy de fierros ya inspira temor. Ya no mencionemos la evidente similitud de facciones y vestimenta del “villano” con “el hombre sin nombre” que encarnó en los años sesenta Clint Eastwood. Y es tributaria de muchas películas, comenzando por Matrix (el uso del “bullet time” es más que evidente), pasando por Mad Max y toda la vertiente del cine apocalíptico (lo que tiende a conocerse como “distopías”).

Desde ese punto de vista, Priest es un producto “post moderno”, que asimila géneros distintos, para crear algo nuevo. El intento, sin caer en lo solemne ni pesado, es interesante y entretenido. Solo busca eso y nada más, pero es suficiente.
Entre tanto “blockbuster”, Priest pasó desapercibido en la cartelera limeña, pero está disponible en dvd. No se lo pierdan.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

EL VENGADOR [Priest]
Dir: Scott Charles Stewart
Guión: Cory Goodman, basado en la novela gráfica "Priest" de Min-Woo Hyung
c/ Paul Bettany (Priest), Karl Urban (Black Hat), Maggie Q (Priestess), Christopher Plummer (Monsignor Orelas)
EEUU/2011/Acción, horror, CF***/Estrenos

TRANSFORMERS: EL LADO OSCURO DE LA LUNA

Tercera y –por el momento- final de la saga de los Autobots contra los Decepticons, esta vez centrada en la Luna. La película tiene una primera parte ágil, entretenida, como que no se toma ella misma muy en serio: el explicar “las razones” que llevaron al hombre a pisar por primera vez nuestro satélite, la –ironías de la vida- búsqueda de trabajo del héroe que salvó dos veces a la humanidad, las entrelíneas de su nueva relación sentimental con padres metiches de por medio y, de yapa, hasta jefe paranoico y compañeros de trabajo bastante estrafalarios. Es lo mejor. Pero, la segunda parte, la que se centra en “la guerra final” entre los Autobots y los Decepticons es tan pesada como un tanque o como Godzilla queriendo volar. Toda la parafernalia de efectos especiales, de “duelos a muerte” entre “buenos y malos”, ganando los malos, para en el último minuto “volterase el marcador” a favor de los buenos, es más de lo mismo. Se toma muy solemne, muy en serio, hasta en el metraje (dos horas y media como que es mucho), desperdiciando situaciones y personajes interesantes, como el paranoico jefe de Sam, encarnado por John Malkovich. Lo único grácil, liviano y encantador es la presencia de Rosie Huntington-Whiteley, a quien el director no tiene empacho en regocijarse paneando su trasero, escena con la cual comienza la película. Este chico tiene suerte.
No me extrañaría que de aquí a unos años, el –ya por entonces- adulto Sam Witwicky salve al mundo por cuarta vez. No es necesario ser adivino para suponerlo.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

TRANSFORMERS: EL LADO OSCURO DE LA LUNA [Transformers: Dark of the Moon]
Dir: Michael Bay
Guión: Ehren Kruger
c/ Shia LaBeouf (Sam Witwicky), Rosie Huntington-Whiteley (Carly), John Turturro (Simmons), John Malkovich (Bruce Brazos)
EEUU/2011/Fantasía, acción**/Estrenos

SPLICE: EXPERIMENTO MORTAL

Película inspirada lejanamente en la historia de Frankenstein. Es la apuesta de dos científicos por crear vida, pero esta vez cruzando ADN de distintas especies, incluyendo la humana; siendo el contexto donde se desarrolla la trama no un castillo gótico, sino los grandes laboratorios trasnacionales que producen transgénicos, así que existe un interés crematístico de por medio. Como sucede con el doctor Frankenstein, en la clásica novela de Mary Shelley, al final los dos científicos serán “castigados” por haber trasgredido las leyes naturales, aunque con un final sorprendente y algo cínico, acorde con los tiempos más “burgueses” que vivimos, reflejado en el “generoso” pago que recibe Elsa por llevar en su vientre al fruto de su creación.

Filme de terror atípico, sin los usuales golpes de impacto, se centra más en recrear atmósferas que en “asustar” al espectador.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

SPLICE: EXPERIMENTO MORTAL [Splice]
Dir.: Vincenzo Natali
Guión: Vincenzo Natali, Antoinette Terry Bryant, Doug Taylor
c/ Adrien Brody (Clive Nicoli), Sarah Polley (Elsa Kast), Delphine Chanéac (Dren)
Canadá/2009/Terror, suspenso***/Estrenos

LA MIRADA INVISIBLE

Abordar una época histórica trágica y complicada como la acaecida en los años de la última dictadura militar argentina (1976-83) trae sus riesgos como caer en el cliché, las burdas denuncias, o en la truculencia y en la exageración, lo que tornaría los hechos mostrados en poco convincentes.

La mirada invisible se centra en un colegio argentino de vieja prosapia, tan antiguo como la misma república, situando los hechos, previo al desastre de la invasión a las islas Las Malvinas (1982). Pero, no es necesario que se mencione la época en que trascurren, basta “respirar” la atmósfera de oprobio y opresión, vigilancia constante de lo que se dice y se hace en el colegio (suerte de microcosmos de la sociedad argentina de aquellos años) para tomar conciencia de donde nos encontramos. Los pasos militares que se escuchan, la rígida y marcial disciplina, la exaltación de los símbolos patrios, nos ponen en autos de lo que sucede. Y, como ocurre con todos los verdugos (encarnado en el personaje de Marita), muchas veces ven su trabajo como algo normal, natural, hasta que el mismo sistema los devora, simbolizado en la salvaje violación que sufre por parte del jefe de los preceptores, Biasutto, a quien admira e inconcientemente asocia como el padre sustituto que no tuvo. Precisamente, en los estados sin derecho para los ciudadanos, el “padre de la patria” (el estado) se trasforma en un déspota, un hombre que ejecuta a su arbitrio los castigos y se dispensa los placeres que quiere: se elimina toda norma moral o jurídica de convivencia y volvemos a la horda tribal, que es la degradación a la que nos somete la dictadura.

Otro mérito de la película es que no presenta personajes estereotipados. Ninguno es bueno o malo “químicamente puro”. La propia Marita quiere vivir como toda joven: ir a fiestas, tener una pareja, divertirse; pero su deseo de orden y el llevar las reglas al extremo (a tal punto que se refugia en los baños de los hombres para sorprenderlos “in fraganti” y a la vez masturbarse, excitada por la trasgresión de lo prohibido, por “la mirada invisible”), sin ninguna posibilidad de utilizar un criterio flexibilizador, la conducen hacia su fatal destino.

Excelente película y de paso fugaz por la cartelera limeña (como todo lo bueno). Los que se la perdieron y les guste el buen cine, está disponible en dvd.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

LA MIRADA INVISIBLE
Dir.: Diego Lerman
Guión: Diego Lerman, María Meira, basado en la novela "Ciencias Morales" de Martín Kohan
c/ Julieta Zylberberg (Marita), Osmar Núñez (Biasutto), Marta Lubos (Adela), Gaby Ferrero (Elvira)
Argentina/2010/Thriller***+/Estrenos

MI NOMBRE ES JOHN LENNON

Tratar la vida de un icono como John Lennon es complicado de resolver. Sam Taylor-Wood lo resuelve tratándolo como un chico más (el título original es mucho más explícito de esa intencionalidad) con problemas propios de la adolescencia, acentuado por la ausencia de los progenitores y el difícil acercamiento a la madre, ya de joven; y, en el medio, los tíos George y Mimi, suerte de padres sustitutos del díscolo John. La película se centra en “la edad de piedra”, los años previos a la consagración, la formación de la banda, el encuentro con Paul y la rivalidad creadora que va a existir entre los dos al interior del grupo. Lo malo es que la realizadora no apuesta demasiado. Siempre se encuentra contenida, dispuesta a relatar los hechos por medio de una puesta en escena muy controlada y convencional, salvo contadas excepciones donde consigue picos dramáticos excelentes como en el velorio de Julia, donde el joven Lennon descarga toda su furia y pena, suerte de catarsis que lo disparará hacia alturas creativas. El resto ya es historia conocida.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

MI NOMBRE ES JOHN LENNON [Nowhere Boy]
Dir: Sam Taylor-Wood
Guión: Matt Greenhalgh
c/ Aaron Johnson (John), Kristin Scott Thomas (Mimi), David Threlfall (Uncle George), Anne-Marie Duff (Julia)
UK/2009/Biopic***/Estrenos

VIENE POR TI

El cine asiático es uno de los más creativos en el mundo. A las historias, técnicas y estilos del cine norteamericano y europeo les ha dado “una vuelta de tuerca”, confiriéndoles un nuevo sentido. Han asimilado muy bien el cine occidental y lo han recreado con un estilo propio. Es lo que sucede en Viene por ti. Un filme de terror convencional sobre fantasmas vengativos, sino fuese por las atmósferas en que nos va envolviendo. No es tanto el susto gratuito o la sangre (que la hay) sino ese ambiente enrarecido que se vive, “copiando” la realidad a la ficción. Y todo sucede no en un castillo gótico ni en una mansión embrujada, sino en una multisala de cine como de las tantas que existen en todos los países, “contagiando” con ese terror maligno a todo el mundo. Interesante propuesta.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

VIENE POR TI
Dir. y guión: Sopon Sukdapisit
c/ Chantavit Dhanasevi, Chantawit Tanasaewee, Sakulrath Thomas, Worrakarn Rotjanawatchra
Tailandia/2008/Terror***/Estrenos

CARANCHO

Pablo Trapero es un joven realizador argentino que asimila muy bien los recursos del cine norteamericano y los adapta a “historias porteñas” como Mundo Grúa, su interesante primer largo, o Leonera, vista hace un tiempo en Lima.

Esta vez toca el tema de las indemnizaciones por accidentes producidos por automóviles, lo que convierte no solo en un rico filón para las aseguradoras, sino también para los estudios de abogados que patrocinan a los accidentados a cambio de una “cuota litis” (un porcentaje de lo que se obtenga en el juicio), a quienes en la jerga bonaerense se les llama “caranchos” (en alusión a un ave carroñera propia de la Argentina); solo que el estudio donde trabaja Sosa, un abogado que ha perdido su matrícula y no puede ejercer por su cuenta, “fabrica” los accidentes, buscando sobretodo personas necesitadas de dinero que se contenten con una pequeña suma, forzando el pago de las indemnizaciones, de las que se queda con “la parte del león”, en contubernio con hospitales, policías y paramédicos. Allí es donde Sosa conocerá a Luján, joven médica encargada de atender a los heridos.

Lo más interesante de la trama se encuentra en la “fabricación de los accidentes”, con un estilo seco y duro, siendo de menor interés la historia romántica que se desarrolla entre Sosa y Luján (como diciendo el autor que en un mundo tan despiadado como el que presenta no hay espacio para sentimientos nobles), con abundante dosis de violencia y sangre (se nota la inspiración de Scorsese), y la liquidación de la pareja, irónicamente en un accidente de tránsito como uno de los tantos en que de una u otra manera se han visto involucrados.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

CARANCHO
Dir: Pablo Trapero
Guión: Alejandro Fadel, Martín Mauregui, Santiago Mitre, Pablo Trapero
c/ Ricardo Darín (Sosa), Martina Gusman (Luján)
Argentina/2010/Thriller***/Estrenos

RÍO

Detrás de la historia de animación (aparentemente trivial y "ecológicamente correcta") se esconde una “lección moral”: la madurez que debemos alcanzar. Blu se cría en un ambiente protegido, donde no le falta nada: tiene amor, cuidados, alimento; pero le falta “crecer” emocionalmente. Se ha quedado en el estado mental de un niño, de allí que no puede volar, no ha aprendido a usar sus propios recursos, hasta que la adversidad lo pone a prueba, consiguiendo volar, es decir, desarrollar sus potencialidades. La escena final en que se despide de su ama y emprende vuelo junto a su compañera es significativa que ha logrado madurar, “independizándose” y formando un hogar autónomo. La adultez, ni más ni menos.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

RÍO
Dir: Carlos Saldanha
Guión: Don Rhymer
Voces originales: Jesse Eisenberg (Blu), Anne Hathaway (Jewel), Leslie Mann (Linda), Wanda Sykes (Chloe)
EEUU/2011/Animación***/Estrenos

ÁGORA

Ágora pretende ser una alegoría entre la tolerancia y la intolerancia, entre la razón y el fanatismo, entre la cientificidad y la superchería; y cómo siempre ganan estos últimos. Para ello Amenábar se ha servido de un hecho histórico: el asesinato de Hypatia a manos de los cristianos en la Alejandría del siglo IV de nuestra era. Se describe en un primer momento la convivencia en tolerancia de los tres grupos representativos: los egipcios que conservan el legado de las astronomía tolemeica, los judíos y los cristianos, estos últimos que de secta ilegal pasa a ser formal con la conversión al cristianismo del emperador romano. Como vemos es un delicado equilibrio, que se verá roto cuando los cristianos sean mayoría y tengan el poder. Con su llegada al poder, primero se arrasará con los egipcios que creen en distintas deidades “paganas” y luego con los judíos, los “asesinos” de Cristo.

Amenábar ha compuesto su puesta en escena en oposiciones: los cristianos como intolerantes y fanáticos, mientras que los egipcios son los tolerantes y hombres de ciencia, teniendo a Hypatia (personaje histórico) como su emblema. Puede parecer maniqueo, pero para los fines de la alegoría planteada sirve. Para decirnos que intolerancia siempre ha habido y siempre habrá.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

ÁGORA
Dir: Alejandro Amenábar
Guión: Alejandro Amenábar, Mateo Gil
c/ Rachel Weisz (Hypatia), Max Minghella (Davus), Oscar Isaac (Orestes), Ashraf Barhom (Ammonius), Michael Lonsdale (Theon), Rupert Evans (Synesius), Richard Durden (Olympius)
España/2009/Drama histórico***/Estrenos

MÁS ALLÁ DE LA DUDA

Más de allá de la duda es remake de un filme del mismo nombre (Beyond a Reasonable Doubt) de 1956. La trama gira en torno a un fiscal corrupto que “fabrica” pruebas a fin de culpabilizar a los sospechosos de un crimen y así catapultarse políticamente para candidatear como gobernador del estado. Por el otro lado, tenemos también a otro hombre ambicioso: un joven periodista de investigación que sospecha que el fiscal inventa las pruebas y se ofrece como “señuelo”, autoinculpándose en un crimen, a fin de descubrir su retorcido juego. En el medio se encuentra la asistenta del fiscal, una joven abogada que sentimentalmente se une al periodista.

La trama de por si es interesante (aunque “las pistas” que deja el periodista son tan burdas que harían sospechar al más ingenuo que se trata de una trampa), solo que da más para el mundo jurídico y las películas “de juicios y tribunales”, y no tanto para una película con dosis de acción como la que pretendió Hyams, un viejo y hábil artesano de Hollywood que cuenta con mejores películas en su haber. De allí que tiene que crear persecuciones de carros, balaceras y giros de trama sorprendentes como la del final. Si bien ese giro final le da un toque inesperado a la película, como que resulta jalado de los cabellos.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

MÁS ALLÁ DE LA DUDA [Beyond a Reasonable Doubt]
Dir. y guión: Peter Hyams, basado en el de Douglas Morrow
c/ Jesse Metcalfe (C.J. Nicholas), Amber Tamblyn (Ella Crystal), Michael Douglas (Mark Hunter), Joel Moore (Corey Finley)
EEUU/2009/Thriller**/Estrenos

LA SEÑAL DEL TERROR

Película de terror inspirada en la saga de los zombies, se encuentra dividida en tres partes (cada segmento a cargo de un director distinto, pero manteniendo la unidad de la trama y el estilo). Nos da cuenta de una inexplicable señal trasmitida por televisión que vuelve asesina a la gente y cómo la búsqueda del amor hace que la pareja del inicio se encuentre luego de pasar mil peripecias.

Tiene humor, abundante sangre y se caracteriza por no tomarse ella misma en serio.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

LA SEÑAL DEL TERROR [The Signal]
Dir y guión: David Bruckner, Dan Bush, Jacob Gentry
c/ Anessa Ramsey (Mya Denton), Sahr Ngaujah (Rod), AJ Bowen (Lewis Denton)
EEUU/2007/Terror***/Estrenos

EL PELEADOR

Las historias de los boxeadores son un atractivo e inagotable filón, siempre y cuando se sepan aprovechar. Esta vez toca la temática del eterno perdedor. Un boxeador “paquete” que sirve de relleno o como escalón para otros más afortunados, hasta que se encuentra con la mujer apropiada y toma la decisión correcta, con final feliz incluido.

La historia es bastante convencional, dirigida a asegurar no solo premios sino recaudación en la taquilla. Es una suerte de historia de superación personal, extraída de libro de autoayuda. La salva la actuación de Christian Bale, como el extrovertido y parlanchín medio hermano de Micky, que vive de glorias pasadas, pero que en el presente va hacia una pronunciada pendiente de decadencia profesional y moral. Christian Bale “se roba” la película y el merecido Óscar a la actuación secundaria.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

EL PELEADOR [The Fighter]
Dir: David O. Russell
Guión: Scott Silver, Paul Tamasy
c/ Mark Wahlberg (Micky Ward), Christian Bale (Dicky Eklund), Amy Adams (Charlene Fleming), Melissa Leo (Alice Ward)
EEUU/2010/Drama***/Estrenos

RANGO

Las técnicas de animación digital son cada vez más sofisticadas. La tecnología que manejan permite hacer cosas asombrosas. Pero nada de eso tendría valor si detrás no existiese una historia interesante y personajes creíbles. Esos dos elementos contiene Rango, notable tributo (aunque también parodia) a las viejas películas del oeste.

Rango es un camaleón que se aburre como mascota hasta que un fatal accidente lo lleva a un perdido pueblo del “salvaje oeste”, donde tendrá que imponer la ley y el orden. Como suele ocurrir, encontrará su destino y templará su carácter en las difíciles pruebas a las que se verá sometido.

Rango rinde homenaje a una serie de películas, no solo del oeste (en especial el “spaghetti western”), sino de otros géneros también (Chinatown, Apocalipsis ahora, 2001 odisea del espacio, etc, etc.); así como al personaje que por antonomasia representó a este género: “el hombre sin nombre” interpretado por el legendario Clint Eastwood. Vale la pena ver.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

RANGO
Dir: Gore Verbinski
Guión: John Logan
Voces originales: Johnny Depp (Rango), Isla Fisher (Beans), Ned Beatty (Mayor), Timothy Olyphant (Spirit of the West)
EEUU/2011/Animación***+/Estrenos

127 HORAS

Luego de su premiada Quisiera ser millonario (Slumdog Millionaire), Danny Boyle se ha mantenido fiel a un cine independiente, de bajo presupuesto, pero que le permite autonomía en la realización. Existe cierta similitud con Slumdog Millionaire en el manejo del tiempo. En la anterior película el tiempo era importante dado que se trataba de un programa concurso de preguntas y respuestas, aprovechando el autor el momento previo a la respuesta, “dilatándolo”, a fin de darnos información de la vida del protagonista a través de flash backs.

En 127 horas la supervivencia va en cuenta regresiva, en vista que a mayor tiempo que pase atrapado en esa gran roca, el peligro de muerte es mayor. Esta vez también habrá saltos al pasado que nos ilustran la vida del personaje, así como su imaginación o los delirios que va teniendo en su encierro forzoso, hasta la decisión drástica de la amputación del brazo que toma para liberarse.

Solo que en esta ocasión se trata prácticamente de un unipersonal, recayendo en James Franco toda la acción del filme, confirmando que es uno de los jóvenes valores a tener en cuenta en los próximos años: él solo hace la película.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

127 HORAS [127 Hours]
Dir: Danny Boyle
Guión: Danny Boyle, Simon Beaufoy, basado en el libro de Aron Ralston
c/ James Franco (Aron Ralston), Kate Mara (Kristi), Amber Tamblyn (Megan)
EEUU/2010/Thriller***/Estrenos

LAZOS DE SANGRE

La anécdota es bastante sencilla: una adolescente busca a su progenitor desaparecido, en vista que ha dado en fianza judicial la casa que habita con su madre y sus dos hermanos menores y, de no presentarse a juicio, perderán el inmueble; por lo que desesperadamente tendrá que encontrarlo o, por lo menos, el cadáver –en vista que el padre es “cocinero” de drogas sintéticas- a fin de acreditar su muerte.

Es así que inicia su búsqueda, indagando en los ramales de su vasta familia en la que, si bien la relación no es buena, no se olvidan los “lazos de sangre” con la chica y el padre. Su recorrido por distintos caminos, que muchas veces no la conducen a ningún sitio, le irá descubriendo una verdad soterrada pero terrible, así como los códigos del silencio que se aplican en ese inmenso clan.

Curiosamente las películas nominadas al Óscar en el presente año, Lazos de sangre y Temple de acero, cintas independientes, son filmes cuya temática gira sobre la madurez, el aprendizaje duro y difícil de las protagonistas, ambas adolescentes para mayor similitud. Lo que hagan o dejen de hacer las “marcará” de por vida. Una buscando al padre desaparecido y la otra la venganza del padre asesinado. Y en ambos filmes el peso gravitante recae sobre las jóvenes actrices, que están a la altura del papel que les corresponde. Jennifer Lawrence merecía con justicia el Óscar a mejor actuación femenina, aunque la simple nominación es todo un honor a su corta edad.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

LAZOS DE SANGRE [Winter's Bone]
Dir.: Debra Granik
Guión: Debra Granik y Anne Rosellini, basado en la novela de Daniel Woodrell
c/ Jennifer Lawrence (Ree), Garret Dillahunt (Sheriff Baskin), John Hawkes (Teardrop)
EEUU/2010/Drama***+/Estrenos

EL DISCURSO DEL REY

Estamos en la Inglaterra previa a la II Guerra Mundial, con un Rey que abdicará por amor, sucediéndolo en el trono el hermano menor, tartamudo para más señas, que deberá comunicar por las ondas radiales a todo el Imperio que la nación se encuentra en guerra y le esperan días difíciles. Es “el discurso del rey” que, por el grave momento, debe ser pronunciado con voz firme y segura, sin vacilaciones. Es por eso que contrata los servicios de un experto en lenguaje, Lionel Logue, a fin que lo entrene y capacite para emitir tan solemne anuncio.

Toda la cinta se sostiene en la actuación maciza y contundente de ambos actores. Colin Firth como el rey tartamudo (que le valió el Óscar) y Geoffrey Rush como el terapeuta que trata de extraer lo mejor de su alumno. Relación conflictiva, no fácil, entre ambos, socialmente dispar (el príncipe y el plebeyo) y no exenta de situaciones abruptas, aunque también del reconocimiento de la valía del otro, que se prolongará por muchos años.

Un mérito del filme es que escapa al acartonamiento propio de las producciones “de época”, fluyendo, como la vida, naturalmente.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

EL DISCURSO DEL REY [The King's Speech]
Dir: Tom Hooper
Guión: David Seidler
c/ Colin Firth (King George VI), Geoffrey Rush (Lionel Logue), Helena Bonham Carter (Queen Elizabeth)
UK/2010/Drama histórico***/Estrenos

EL CISNE NEGRO

El cisne negro se inscribe dentro de la larga tradición de películas que han explorado los límites y el costo que puede acarrear la genialidad, el talento y el esfuerzo en el arte. La fragilidad humana en querer llegar a ser Dios en la perfección de las cosas, que es la apuesta de todo artista que se considere serio.

En este caso estamos ante una bailarina de ballet a la que se le presenta el papel protagónico en El lago de los cisnes para lo cual deberá poner su máximo esfuerzo y talento, dado que debe interpretar no solo al “cisne blanco” sino también al “cisne negro”, por lo que será necesario extraer de si los elementos que configuren la sensualidad y maldad humana; aparte que se encuentra entre la exigencia despiadada del director del ballet y la de una madre autoritaria que anhela que su hija ocupe el protagónico que ella, de joven, nunca tuvo. Es allí, en ese esfuerzo y los conflictos interpersonales, donde se produce una grieta emocional en la protagonista que se irá profundizando hasta desembocar en el trágico final donde consigue la perfección a costa de su propia vida. La pregunta es si vale la pena tanto sacrificio. La respuesta se encontrará dependiendo el lugar donde uno se encuentre.

Si bien El cisne negro a veces apuesta a un efectismo barato, no cabe duda que se sostiene gracias a la magnífica actuación de Natalie Portman, cuyo complicado equilibrio entre una mujer frágil y exigente como es Nina lleva a su personaje a niveles admirables.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

EL CISNE NEGRO [Black Swan]
Dir.: Darren Aronofsky
Guión: Mark Heyman, Andres Heinz
c/ Natalie Portman (Nina Sayers), Mila Kunis (Lily), Vincent Cassel (Thomas Leroy), Barbara Hershey (Erica Sayers), Winona Ryder (Beth Macintyre)
EEUU/2010/Drama***/Estrenos

TEMPLE DE ACERO

Puesta al día de la versión que cuarenta años atrás interpretó John Wayne y le valió un Oscar. Esta vez de la mano de los hermanos Coen que nos ofrecen un “choque de caracteres” entre el Marshall Rooster Cogburn y la pequeña, cuyo padre ha sido asesinado, Mattie Ross, y en el medio el texas ranger LaBoeuf. La brillantez y solidez de las actuaciones que giran en torno al viejo tema de la venganza son de primer nivel. La venganza, pero también el aprendizaje mutuo de los personajes. Jeff Bridges interpreta a un alguacil en decadencia, consumido por el alcohol y la dureza del oeste que sin embargo despertará un sentimiento paternal hacia la pequeña huérfana. Esta es bastante madura y segura de si para la edad que tiene. Estamos ante una “niña vieja” que discute de tú a tú con los adultos. En el medio Matt Damon como el texas ranger que va en busca de la recompensa que se ofrece por el asaltante y asesino Tom Chaney, un tipo sicópata que mata por el simple placer.

Es esa caracterización, apoyado por un buen guión, lo que hace interesante la película y deja que la historia de la niña nos vaya seduciendo, finalizando con un epílogo 25 años después que nos dice qué fue de estos personajes y cómo los marcó los breves días que estuvieron juntos. Final triste, taciturno, pero más apegado a la realidad.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

TEMPLE DE ACERO [True Grit]
Dir. y guión: Ethan y Joel Coen, basado en la novela de Charles Portis
c/ Jeff Bridges (Rooster Cogburn), Matt Damon (LaBoeuf), Josh Brolin (Tom Chaney), Hailee Steinfeld (Mattie Ross)
EEUU/2010/Oeste***+/Estrenos

EL AVISPÓN VERDE

Si bien el personaje tiene cerca de ochenta años de creado y desde la radio ha pasado ha distintos medios, la última versión del personaje rinde tributo y se emparenta con la popular serie de tv de los años sesenta, de la cual ha conservado el blindado vehículo bautizado como Black Beauty. El avispón, como Batman, es un héroe que carece de poderes especiales. Es su ingenio y destreza para luchar contra el crimen sus únicas armas y, a semejanza del hombre murciélago, tendrá también un ayudante, Kato, especialista en artes marciales y que en la serie de los sesenta fue encarnado por el mítico Bruce Lee.

Sin embargo la presente versión ha tomado sus distancias, sobretodo en el tratamiento y la caracterización de los personajes. No estamos ante una mera película de acción, sino que se burla del personaje principal. Nos encontramos ante un tipo inseguro, ególatra, neurótico, niño mimado por la fortuna con padre autoritario, que para contradecirlo acomete cuanto disparate se le presenta, frívolo y poco perspicaz por añadidura. Encargándose el destino de cambiar su rumbo cuando muere el progenitor y se inicia una lenta metamorfosis que culmina con la reconciliación post mortem con el padre (dicho sea de paso, la muerte del progenitor también es el detonante del nacimiento de Batman, cuya identidad real es también cómoda y bastante frívola). Kato, en cambio, es más seguro de si, hábil, diestro en el diseño de cosas, desde cafeteras hasta automóviles y bombas, un genio silencioso, introvertido, que resuelve los problemas en que se mete su jefe, distinto del simple chófer lacónico de la serie sesentera.

Ese es el gran mérito de la cinta, nada pretenciosa por cierto. El mostrarnos un avispón verde torpe, suerte de descendiente directo del Inspector Clouseau, cuyas “metidas de pata” son los gags centrales. No en vano el papel principal lo tiene un comediante, Seth Rogen. Y, ese es también el límite de la película, dado que se agota en sus propias ocurrencias, y en los personajes esperpénticos como el villano Chudnofsky / Bloodnofsky, digno adversario del actual Avispón Verde.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

EL AVISPÓN VERDE [The Green Hornet]
Dir.: Michel Gondry
Guión: Seth Rogen, Evan Goldberg
c/ Seth Rogen (Britt Reid / The Green Hornet), Jay Chou (Kato), Cameron Diaz (Lenore Case), Christoph Waltz (Chudnofsky / Bloodnofsky)
EEUU/2011/Acción, comedia***/Estrenos

EN UN RINCÓN DEL CORAZÓN

Sofia Coppola se ha mantenido fiel a su estilo en los cuatro filmes que lleva hasta el presente: un estilo minimalista, centrado generalmente en personajes que “se aburren” pese a la fama o el dinero que pueden tener, desdramatización y anticlímax. Un cine totalmente distinto al de su padre, el gran Francis Ford Coppola. Y la línea que ha mantenido Sofia es la del cine independiente, un cine de bajo presupuesto pero que le permite plasmar en la pantalla los proyectos que más le interesan, liberándose de las pautas draconianas que impone la industria de Hollywood. Si hablamos de influencias, se notan más las de realizadores europeos que la de norteamericanos propiamente.

Su cuarto largo se centra en los pormenores de la industria del cine. No es necesario ser muy agudo para darse cuenta que las vicisitudes que pasa Cleo, la niña de once años con padre famoso, las pasó la propia Sofia Coppola con un padre errante y ausente muchas veces, filmando aquí o allá, absorbido por sus grandes proyectos de los años 70 y 80.

La historia es bastante sencilla: una niña (Cleo) pasará algunos días con su padre, un artista de cine famoso (Johnny) que se aburre mortalmente en los tiempos muertos entre rodaje y rodaje de películas. Nada lo entusiasma, como vemos en la escena inicial dando vueltas sobre si mismo en su potente Ferrari, ni tampoco las conejitas que contrata para que le hagan un número especial, amén del sexo ocasional con alguna admiradora, que es moneda corriente en el medio en que se desenvuelve Johnny.

Pero esos días con su hija cambiarán su vida. Sentirá una completitud en esa compañía y un vacío al momento de la despedida. La escena final viéndolo bajar de su Ferrari parece decirnos de un cambio de actitud frente a la vida. “Parece”. En el cine de Sofia Coppola no hay certezas absolutas, apenas sospechas.

Es cierto que la trama guarda una gran similitud con la de Perdidos en Tokio y que Lost in translation sigue siendo su obra más interesante; pero ello no le quita el mérito de haber retratado una visión amarga y despiadada del mundo del cine visto por alguien que lo conoce muy bien por dentro.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

EN UN RINCÓN DEL CORAZÓN [Somewhere]
Dir y guión: Sofia Coppola
c/ Stephen Dorff (Johnny Marco), Elle Fanning (Cleo), Chris Pontius (Sammy)
EEUU/2010/Drama***/Estrenos

EL ESCRITOR OCULTO

Luego que el director Roman Polanski deambulara en los últimos años con proyectos poco convincentes que daban la sensación de un “agotamiento creativo”, vuelve con este notable thriller con estilo y argumento muy a lo Hitchcock, actualizado a los tiempos que vivimos.

Un “escritor fantasma” (aquel que escribe obras por encargo de terceros sin aparecer en los créditos) es contratado por una gran editorial a fin que mejore y consiguientemente haga más vendibles las memorias que un ex primer ministro británico viene preparando. Este ex primer ministro que radica en los Estados Unidos (Pierce Brosnan es una notable actuación) es acusado de violación de los derechos humanos en su servil colaboración a la política exterior norteamericana, la cual ha seguido fielmente como furgón de cola en las últimas incursiones en Irak y el Medio Oriente. Demás está decir que el parecido con el ex primer ministro británico Tony Blair es obvio.

Sin embargo, acá terminan las coincidencias y comienza la ficción, construida en base a un juego de máscaras que revelan otra identidad, verdad que irá saliendo a flote gradualmente no sin riesgo para “el fantasma” (jamás se dice su nombre, lo que remarca su anonimato). Juego de identidades o del gato y el ratón dentro de una casa que parece un castillo por lo segura e inmarcesible desde dentro o fuera. Esos ambientes claustrofóbicos Polanski los aprovecha al máximo creando una tensión entre los personajes y curiosidad por alguna otra verdad revelada en la trama. Como buen discípulo del gran Hitchcock no desaprovecha tampoco las pistas falsas hasta la revelación final y el desenlace realmente magistral.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

EL ESCRITOR OCULTO [The Ghost Writer]
Dir: Roman Polanski
Guión: Robert Harris, Roman Polanski, basado en la novela The Ghost de Robert Harris
c/ Ewan McGregor (The Ghost), Pierce Brosnan (Adam Lang), Olivia Williams (Ruth Lang), Kim Cattrall (Amelia Bly)
Fra,Ale,UK/2010/Thriller****/Estrenos

MÁS ALLÁ DE LA VIDA

Es muy probable, ahora que Clint Eastwood es un respetado octogenario, las preguntas sobre un “más allá” ronden en su mente más que cuando era joven. Es natural. La vejez nos pone en cercanía con la muerte, hasta que se convierte en una buena amiga. Da que pensar si después existirá otra vida o todo queda en este valle de lágrimas.

En fin, son disquisiciones filosóficas que han dado pie al último largo del gran Clint, aunque con resultados irregulares.

La estructura es la de tres historias que “corren” por separado para recién al final tener un encuentro los personajes de estas. Babel (2006) de Alejandro González Iñárritu lo había utilizado con resultados más óptimos. Pero “el truco” está en mantener el interés del espectador en todas las historias simultáneas y en el caso de Hereafter, la historia de la periodista francesa es la menos convincente. Si bien comienza con ella y la impresionante escena del maremoto, luego su historia como que flojea. No convence demasiado esa labor explicativa, racional que acomete para comprender la experiencia límite que vivió. Muy distinta a la de George, el psíquico que maldice su don de ver a los muertos y prefiere llevar una vida común. Realmente su historia atrapa gracias a la magnífica actuación de Matt Damon que se compenetra en el personaje. Le sigue en interés la historia de los gemelos, muy identificados entre ellos a tal punto que pueden intercambiar roles.

Sin embargo, pese al pesimismo usual en las cintas de Eastwood, la escena final nos deja un leve optimismo asentado en esas cosas simples de la vida y a la vez maravillosas como es el amor. Solo por esa escena final vale la pena soportar las más de dos horas de proyección.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

MÁS ALLÁ DE LA VIDA [Hereafter]
Dir: Clint Eastwood
Guión: Peter Morgan
c/ Matt Damon (George Lonegan), Cécile De France (Marie LeLay), Frankie McLaren (Marcus / Jason), George McLaren (Marcus / Jason)
EEUU/2010/Drama***/Estrenos

LOS VIAJES DE GULLIVER

Versión bastante libre del clásico de Jonathan Swift, aunque contiene un atisbo del original en la burla hacia la vanidad de los liliputienses, proyección de las pequeñeces de la vanidad humana. Recordemos que el sarcástico Swift pretendió burlarse de la humanidad, tomándole el pelo con un aparente libro de aventuras para niños. Si bien el argumento se queda en la sit com o comedia de situaciones, es rescatable la presencia del “gordito” Jack Black, que últimamente se repite mucho a si mismo, con su típico repertorio de muecas, frases y poses narcisistas.
Como para pasar el rato sin ser muy exigente.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

LOS VIAJES DE GULLIVER [Gulliver's Travels]
Dir.: Rob Letterman
Guión: Joe Stillman, Nicholas Stoller
c/ Jack Black (Lemuel Gulliver), Jason Segel (Horatio), Emily Blunt (Princess Mary), Amanda Peet (Darcy Silverman)
EEUU/2010/Comedia**+/Estrenos

TRON: EL LEGADO

Tron (1983) fue una película de vanguardia en su tiempo por los sorprendes efectos especiales por computadora desplegados. Y si bien el acabado visual fue maravilloso, la recepción del público fue fría, poco comprendida, y, la taquilla bastante pobre. Debieron pasar los años para que, poco a poco, conforme una nueva generación se aficionaba a los juegos por computadora, Tron se convierta en película de culto, admirada por un número cada vez mayor de cinéfilos que la apreciaron en formato digital. Solo por ello, 27 años después los productores se animaron a una continuación y, por el tiempo trascurrido, imagino que no con pocas reticencias.

La segunda parte aborda el tema del padre desaparecido y el amor filial del hijo que se resiste a creer en la muerte del progenitor. Desde ese punto de vista tiene un aire a la Odisea, aunque en la historia la codicia no se produce en torno a la mujer abandonada y pretendida, sino a la industria legada en “el mundo real” por el desaparecido Kevin Flynn (aunque en el filme se pone énfasis más bien en el legado del mundo virtual del profesor). La parte del inicio y el conflicto que suscita en el joven Sam Flynn la ausencia del padre es lo más interesante. La segunda parte, donde pasa a un mundo digital paralelo, se asemeja mucho a los videojuegos, lo que ahora ya no es novedad sino moneda corriente, con destrezas y competencias por niveles contra “los malos”, moraleja que demuestra que no existe “mundo perfecto” más allá de las utopías imaginadas, ni siquiera en los mundos digitales.

Tron: el legado quizás pierde en originalidad, no obstante los, ahora sí, impactantes efectos especiales en 3D, con tecnología de punta, inimaginables 27 años atrás. No obstante es grato apreciar siquiera en corto papel a Jeff Bridges, actor que con apenas un gesto delinea a su personaje, un cansado y escéptico doctor Flynn.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

TRON: EL LEGADO [Tron: Legacy]
Dir.: Joseph Kosinski
Guión: Edward Kitsis y Adam Horowitz
c/ Jeff Bridges (Kevin Flynn / Clu), Garrett Hedlund (Sam Flynn), Olivia Wilde (Quorra), Bruce Boxleitner (Alan Bradley / Tron)
EEUU/2010/Fantástico***/Estrenos

BALANCE DE LA CARTELERA COMERCIAL 2010

El 2010 se agudizó la tendencia del “copamiento” de las salas por los “blockbusters”, con una cartelera comercial bastante mediocre. Para colmo, las dos asociaciones que reúnen a los que hacen cine en el Perú (ni que fueran tantos¡) se pelearon y luego se reconciliaron en torno a un proyecto de ley aprobado en el Congreso que omitía ciertos incentivos para el cine nacional. Con proyecto o sin proyecto, el hecho es que el “cine nacional” es apenas un puñado de títulos al año, algunos bastante buenos, dicho sea de paso, y que revelan un necesario recambio generacional.
Algunos títulos interesantes del año que terminó fueron:

1. Amor sin escalas
2. El imaginario del doctor Parnassus
3. Hace mucho que te quiero
4. Zona de miedo
5. Los abrazos rotos
6. Enseñanza de vida
7. La isla siniestra
8. Criatura de la noche
9. Silencio en el lago
10. Robin Hood
11. Los amantes
12. La hermandad
13. La ciudad de las tormentas
14. Toy story 3
15. La felicidad de vivir
16. Kick-Ass
17. Contracorriente
18. Enemigo interno
19. Octubre
20. La vigilia
21. La carretera
22. La red social
23. Los hombres que no amaban a las mujeres
24. Celda 211
25. La cinta blanca

Y si se trata de seleccionar solo doce, me quedaría con:

1. Zona de miedo
2. Los abrazos rotos
3. La isla siniestra
4. Criatura de la noche
5. Los amantes
6. Toy story 3
7. Contracorriente
8. Enemigo interno
9. Octubre
10. La vigilia
11. La carretera
12. La cinta blanca

Y eso es todo.

Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

LA CINTA BLANCA

Con cierto retraso y a pesar de ser finalista en la última entrega del Oscar, nos llega la última cinta de Michael Haneke, La cinta blanca.

Haneke busca inquietar al espectador, “sacudirlo” a fin de sacarlo de su letargo. Se dirige sobretodo al espectador europeo de clase media, vida mullida, como es el personaje de Escondido (Caché), uno de sus últimos filmes. Esta vez lo consigue con una historia situada a inicios de siglo, en un pueblito de Alemania donde suceden cosas extrañas, pero también hechos familiares escabrosos. Como ya se ha dicho es “el huevo de la serpiente” en alusión a la película de Bergman, los inicios del mal relacionado con el nazismo, tema con vigencia en la Europa contemporánea; aunque en la película de Haneke tiene un halo más bien metafísico, de maldad pura, que va más allá de contextos históricos.

Película interesante, aunque lo más probable poco comprendida por el gran público.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

LA CINTA BLANCA [Das weisse Band]
Dir. y guión: Michael Haneke
c/ Ernst Jacobi (The School Teacher as an Old Man –voice-), Leonie Benesch (Eva), Ulrich Tukur (The Baron), Burghart Klaußner ( The Pastor)
Ale/2009/Drama***/Dvd/Estrenos

CELDA 211

Thriller de acción que nos vino de la península ibérica. Más allá de la trama usual (motín en una cárcel por injusticias en el trato), lo interesante es que desarrolla muy bien a sus personajes, sin caer en los estereotipos de bueno o malo. Muchas veces los que tienen principios se encontrarán del otro lado de las rejas, mientras “los guardianes de la ley” usarán todos los subterfugios para no cumplir con las demandas de los prisioneros. El final bastante trágico se ajusta más a la realidad, que los falsos finales felices. Si bien tuvo una corta estadía en nuestra cartelera, se encuentra disponible en dvd.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

CELDA 211
Dir.:Daniel Monzón
Guión: Jorge Guerricaechevarría y Daniel Monzón, basado en la novela de Francisco Pérez Gandul
c/ Luis Tosar (Malamadre), Alberto Ammann (Juan Oliver), Marta Etura (Elena)
España/2009/Thriller***/Estrenos

LOS HOMBRES QUE NO AMABAN A LAS MUJERES

La primera película de la saga Millennium, una popular trilogía de corrupción, misterio y dosis de sexo del escritor sueco Stieg Larsson, reviviendo la novela negra policial.

Mikael Blomkvist es un periodista de investigación, co director de una revista independiente llamada Millennium. Víctima de una trampa, es enjuiciado por difamación con prisión efectiva y una reparación civil. Ante esa situación no le cae mal un trabajo, contratado por el patriarca de un conocido consorcio sueco, Los Vanger, debiendo indagar sobre la extraña desaparición de una joven cuarenta años atrás. Apoyado por la hacker Lisbeth Salander, y usando tecnología de punta, consigue desentrañar una serie de secretos del clan Vanger: pasado nazi de varios de sus miembros; crímenes, violaciones e incestos; ambiciones de poder.

La novedad de Millennium radica en que se desarrolla en la aséptica Suecia, donde nadie podría sospechar que existen funcionarios corruptos, como el tutor de Lisbeth, que abusa sexualmente de la chica, o el clan Vanger con oscuro pasado. Allí radica la novedad de la saga, cuya puesta en escena refleja fielmente la trama original.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

LOS HOMBRES QUE NO AMABAN A LAS MUJERES (Män som hatar kvinnor)
Dir.: Niels Arden Oplev
Guión: Nikolaj Arcel y Rasmus Heisterberg, basado en la novela de Stieg Larsson
c/ Michael Nyqvist (Mikael Blomkvist), Noomi Rapace (Lisbeth Salander)
Suecia/2009/Thriller***/Estrenos

WALL STREET: EL DINERO NUNCA DUERME

Veinte años después y a propósito de la crisis financiera del 2008, Oliver Stone se animó a una segunda parte de su célebre película Wall Street, una de las más emblemáticas de aquella época.

W.S. planteaba la lucha entre el capitalismo productivo, generador de riqueza, y el capitalismo especulativo que “timbea” en las bolsas de valores, sin producir nada. El filme tenía un sabor a lección moral, al estilo de las viejas películas de Frank Capra, con el “castigo” al “malo”, al especulador Gordon Gekko, suerte de Mefistófeles de Wall Street.

W.S. 2 comienza con la salida de prisión de Gekko. El viejo tahúr de las bolsas ha madurado, los años de cárcel le han permitido reflexionar. No creo que ese aspecto sea el punto débil del filme. Todos cambiamos, hasta el frío especulador de otros tiempos. El punto débil de la película quizás está en las distintas sub-tramas que se entremezclan, sumergiendo al personaje central interpretado por Michael Douglas en un rol secundario; perdiendo la perspectiva en torno al villano, el verdadero eje de ambas partes de Wall Street. Oliver Stone se ahoga en su propio barroquismo, debilidad a la cual es bastante propenso dada su incontinencia narrativa.
Quizás dentro de todas estas abigarradas escenas, una sea bastante representativa de los nuevos tiempos que corren: la del encuentro de Gordon con Bud Fox en una cena de gala. El otrora joven idealista siguió los pasos de su antiguo maestro, especulando con la empresa que otrora defendió con uñas y dientes de la ambición de Gekko. Así es, todos cambiamos.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

WALL STREET: EL DINERO NUNCA DUERME [Wall Street: Money Never Sleeps]
Dir: Oliver Stone
Guión: Allan Loeb, Stephen Schiff
c/ Michael Douglas (Gordon Gekko), Shia LaBeouf (Jake Moore), Carey Mulligan (Winnie Gekko), Frank Langella (Louis Zabel), Charlie Sheen (Bud Fox)
EEUU/2010/Drama***/Dvd/Estrenos

OCTUBRE

Lo primero que se asocia con Octubre son las películas de Aki Kaurismaki: personajes solitarios, casi autistas, incomunicación con el prójimo, cámara frontal, fija y “fría”.

Clemente es un prestamista de barrio (excelente Bruno Odar) cuya relación con los demás se basa solo en lo estrictamente comercial. Vive solo, tiene una rutina y la parte afectiva ha sido desterrada de su vida (el desfogue sexual lo realiza exclusivamente con prostitutas, con las que tiene sexo a cambio de dinero y punto), hasta que un hecho cambia su vida: le dejan una niña recién nacida producto de su relación esporádica con una prostituta a la que ha frecuentado constantemente. Toda la hora y media del relato va a tratar sobre la búsqueda de la madre para “devolverle” el encargo dejado. Pero, es el interín de la historia lo interesante. La puesta en escena a través de pocos personajes, contrapuestos al de Clemente. Como el de Sofía, una vecina que es contratada para que cuide a la niña y que cree encontrar en la pequeña y el prestamista la familia que le falta; o el de don Fico que busca “el amor” en una mujer paralítica pero que llena su soledad. Todos son personajes solitarios en busca de una “otredad” que los complemente, hasta Clemente que su vida no será igual luego de la experiencia vivida.

Interesante propuesta la de los hermanos Vega y merecidos los premios cosechados.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es


OCTUBRE
Dir. y guión: Daniel y Diego Vega Vidal
c/ Bruno Odar (Clemente), Gabriela Velásquez (Sofía), Carlos Gassols (Don Fico)
Perú/2010/Drama***/Cine/Estrenos

EL SECRETO DE SUS OJOS

Cuando Juan José Campanella, realizador y guionista de El secreto de sus ojos, declaró que no sabía por qué le habían dado el Óscar a mejor película extranjera, no era falsa modestia, sino que estaba siendo sincero. La verdad que la película no es gran cosa. Es efectista, pone el énfasis en una música chirriante y excesiva, y toca un tema harto manoseado: el de los desaparecidos.

La película pretende ser una metáfora sobre el rescate del olvido de los desaparecidos en la Argentina de los 70. Esa obsesión que tiene el personaje principal (como siempre un correcto Ricardo Darín) de desenterrar el caso de una joven violada y asesinada 25 años atrás y que, ya jubilado, quiere trasformar en novela, en ficción, a fin de liberarse del recuerdo de una época turbulenta que le tocó vivir cuando era secretario de juzgado. Tiene de thriller, de novela de misterio, acentuado por la fotografía opaca, que le da ese aire de filme de suspenso no exento de toques románticos y con final feliz para los protagonistas (ya nos imaginamos por qué ganó el Óscar), donde destaca la actuación de Guillermo Francella en rol dramático, muy distinto a los papeles que habitualmente interpreta.

Por cierto, la película tiene muchos puntos de contacto con una anterior del realizador, El mismo amor la misma lluvia (1999), con los propios protagónicos, pero mucho más sencilla y menos pretenciosa.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

EL SECRETO DE SUS OJOS
Dir. y guión: Juan José Campanella, basado en la novela de Eduardo Sacheri
c/ Ricardo Darín (Benjamín Esposito), Soledad Villamil (Irene Menéndez Hastings),
Pablo Rago (Ricardo Morales), Javier Godino (Isidoro Gómez), Guillermo Francella (Pablo Sandoval)
Argentina/2009/Drama***/Estrenos

UN DÍA MUY ESPECIAL

Logrado melodrama sobre la relación en un solo día entre una ama de casa tradicional y un homosexual, en pleno auge del fascismo. Aunque los diálogos ni las situaciones son muy convincentes, a veces se nota lo “forzado” de estos a fin de continuar con la trama y llegar al clímax de la relación sexual entre ambos. No convence ese desenlace. De todas maneras es un trabajo interesante de Scola y con magníficas actuaciones del dueto Loren y Mastroianni que tenían “buena química”, lo que se notaba en la pantalla.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

UN DÍA MUY ESPECIAL [Una Giornata particolare]
Dir:Ettore Scola
Guión: Maurizio Costanzo, Ruggero Maccari
c/ Sophia Loren (Antonietta), Marcello Mastroianni (Gabriele), John Vernon (Emanuele)
Ita/1977/Melodrama***/Dvd/Películas del ayer

ENEMIGO INTERNO

Werner Herzog es uno de los realizadores contemporáneos más prestigiosos y sobretodo creativos, con una amplia carrera fílmica, afincado actualmente en los Estados Unidos como muchos compatriotas suyos. No es casual que haya elaborado una versión muy personal del filme de Abel Ferrara, dándole un giro radical.

Estamos dentro del género policial, en especial del policía corrupto. Al recientemente promovido teniente Terence McDonagh le encargan un caso de asesinato por ajuste de cuentas, gracias a lo cual vamos a presenciar sus métodos poco ortodoxos y los chantajes que realiza para obtener droga en el mundo del crimen, dado que es un cocainómano adicto. Ello en el marco del Nueva Orleáns devastado por el huracán Katrina, lo que da a la ciudad un ambiente de descomposición y podredumbre, relacionado con la corrupción policial.

No es el policial típico. No prima la acción, sino las situaciones siempre al borde de los nervios del oficial McDonagh, casi a punto de estallar, y las alucinaciones que, producto de las drogas, son cada vez más frecuentes. Para ello, Herzog ha contado con la magnífica actuación de Nicolas Cage, que ofrece una interpretación magistral del corrupto policía. El final “reivindicativo” no convence demasiado, pero no desmerece una muy buena película.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

ENEMIGO INTERNO [The Bad Lieutenant: Port of Call - New Orleans]
Dir.: Werner Herzog
Guión: William M. Finkelstein, basado en el film "Bad Lieutenant"
c/ Nicolas Cage (Terence McDonagh), Eva Mendes (Frankie Donnenfeld), Val Kilmer (Stevie Pruit)
EEUU/2009/Policial***/Estrenos

KICK-ASS

Kick-Ass es un tanto inclasificable: es parodia, drama, comedia, humor negro, videojuego, historieta, acción. Eso y más. Se inscribe dentro de lo que se ha venido a denominar “post modernidad”: toma elementos de distintos géneros, los mezcla (allí radica el arte) y se obtiene un producto distinto. No interesa la apariencia de “realidad”, todo lo contrario, apuesta deliberadamente por lo falso, por lo “irreal”.

No es la típica historia del superhéroe bueno e ingenuo, sino que toma los elementos de este: identidad secreta, vida privada gris, lucha contra el mal; pero sin ningún superpoder. Es más, en la vida diaria el personaje es un “nerd”, un “perdedor” conforme lo entiende la cultura norteamericana.

Todos los superhéroes que participan (no sólo está Kick-Ass, también están Red Mist, Big daddy y sobretodo Hit Girl) adolecen de lo mismo que le sucedió a El Quijote. Mientras a este último el seso se le calentó de tanto leer libros de caballería, a los superhéroes “post modernos” fue debido a consumir tantas historietas que compensan su vida anodina. Y como superhéroes primerizos recibirán palizas al inicio del oficio e incomprensión de los socorridos. Quizás por ese lado hubiesen explotado mejor la vena satírica, habría salido una película más redonda. Por cierto, magnífica la escena tributaria del “snuff movie” en la cual trasmiten por internet la tortura en vivo de los superhéroes.

Tributaria también de una inmensa cinefilia (escenas enteras son deudoras del Kill Bill de Tarantino), Kick-Ass es una película (y al parecer el cómic también) dirigido al público adolescente en adelante; pero que de repente no ha sido comprendida del todo por su público objetivo, aunque se deja abierto el final para una continuación.
Eduardo Jiménez J.
ejjlaw@yahoo.es

KICK-ASS
Dir.: Matthew Vaughn
Guión: Jane Goldman y Matthew Vaughn, basado en el cómic de Mark Millar y John Romita Jr.
c/ Aaron Johnson (Dave Lizewski / Kick-Ass), Christopher Mintz-Plasse (Chris D'Amico / Red Mist), Mark Strong (Frank D'Amico), Nicolas Cage (Damon Macready / Big Daddy), Chloe Moretz (Mindy Macready / Hit-Girl), Omari Hardwick (Sergeant Marcus Williams), Xander Berkeley (Detective Gigante)
EEUU/2010/Comedia, acción***/Estrenos