UN OSCAR BASTANTE AUSTERO Y SIN MUCHAS SORPRESAS

Si bien la premiación de la industria del cine norteamericano no es la más importante en cuanto a nivel de calidad fílmica, sí lo es como espectáculo, como “show business”, sobretodo tratándose de una premiación conocidísima a nivel mundial por la predominancia del cine yanqui, concitando la atención de públicos de cultura y lengua disímiles. Valgan verdades, es la única premiación cinematográfica que concita ese interés planetario.

Por eso la premiación se ha convertido en un negocio de transmisión de los derechos de la ceremonia, convirtiéndose con el tiempo en un espectáculo de calidad y envergadura, con “sorpresas” incluidas, a fin de mantener entretenido al espectador por las más de tres horas de duración del evento. No es necesario ser cinéfilo o haber visto las películas nominadas para disfrutar del espectáculo propiamente. Sin embargo, este año se ha notado una austeridad franciscana en los números y premiaciones. No digamos que parecía el escenario de Trampolín a la fama del desaparecido Augusto Ferrando, pero que estaba austero, lo estaba. Por la crisis que ya golpea a EEUU, varios “sponsors” se habían retirado de la ceremonia, recortándose el presupuesto, lo que se ha traslucido en la ceremonia, donde un Hugh Jackman tuvo que fungir de maestro de ceremonias, bailarín y cantante a la vez, “todo por el mismo precio”.

Pasando a la premiación en si, la de Heath Ledger estaba descontada. El Oscar póstumo no solo obedeció a su repentino fallecimiento sino al extraordinario desempeño como el Guasón en El caballero de la noche; aunque Michael Shannon como “el loco” de Solo un sueño (Revolutionary Road) no se quedaba atrás, pero es muy difícil ganarle a un muerto.

Pero, la gran acaparadora de premios en la noche fue el filme Quisiera ser millonario, una película de bajo presupuesto que a pocas semanas de la premiación se metió “por los palos”, logrando sacar del juego a El curioso caso de Benjamin Button, película de presupuesto millonario, diseñada y pensada para el Oscar desde su inicio y que hasta hace muy poco parecía que iba a obtener buena cantidad de las nominaciones. Pero así son las cosas, nada está dicho.

También mereció su premio “la pe” como le dicen los españoles a Penélope Cruz. Está muy bien como la desequilibrada y ardiente española en Vicky Cristina Barcelona. Sobre Sean Penn, consolida una carrera como uno de los mejores actores contemporáneos y, dicho sea de paso, sin pelos en la lengua cuando se trató de criticar al gobierno de George Bush. De Kate Winslet, es el premio a una carrera en ascenso. De la chiquilla de hace doce años atrás en Titanic a la de ahora, tenemos una actriz con un amplio registro. Vean Titanic de nuevo y se darán cuenta. En animación, Wall-E mereció la estatuilla. Es un dibujo encantador y que rinde tributo al cine.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

EL HOMBRE QUE BURLÓ A LA MAFIA

Hace muchos años que no veía esta película, quizás más de veinticinco desde la última vez. Mi memoria guardaba la trama pero no los detalles. La historia de Charley Varrick, “el hombre que burló a la Mafia”, es la historia de un “perdedor” que desea salir de esa condición robando un banco cercano a la frontera, sin percatarse que está robando dinero blanqueado por el crimen organizado a través de empresas de fachada, y de cómo con inteligencia y astucia debe eludir a sus perseguidores. Eso es lo interesante de la película, la huída de Varrick de su perseguidor implacable encarnado por un actor que hacía roles secundarios muy bien: Joe Don Baker, hasta lograr burlarlos y escapar con el dinero. La escena final quemando su mameluco de trabajo que tiene inscrito el eslogan “el último de los independientes” es sintomático de su cambio de vida, de que deja de ser un “looser”, pero ya con otra identidad, distinto, a fin de poder disfrutar del dinero robado. Como dice el viejo adagio “ladrón que roba a ladrón…”.

Charley Varrick es un buen ejemplo de cómo se puede desarrollar un thirller sin caer en los excesos, combinando drama, comedia y acción.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

EL HOMBRE QUE BURLÓ A LA MAFIA [Charley Varrick]
Dir: Don Siegel
Guión: Dean Riesner y Howard Rodman, basados en la novela de John Reese
c/ Walter Matthau (Charley Varrick), Joe Don Baker (Molly), Felicia Farr (Sybil)
EEUU/1973/Thriller***/Películas del ayer

SOLO UN SUEÑO

Sam Mendes es bueno auscultando las miserias familiares que se esconden detrás de los mitos americanos: la familia perfecta es despedazada usando la ironía y el sarcasmo en American Beauty (1999) donde hizo pedazos a la típica familia americana, y ahora con Revolutionary Road (Solo un sueño en español, hay que reconocer que esta vez acertaron con un título que más o menos le haga) ratifica esa obsesión del realizador.

La historia se ambienta en el pasado, en los años cincuenta, en una Norteamérica próspera, de clase media emergente que para llegar a ese nivel debe sacrificar sus sueños personales a fin de “engancharse” con el sistema de vida que exige la sociedad de la opulencia. Precisamente se enfoca en la joven pareja de Frank (Leonardo DiCaprio) y April (Kate Winslet), ya con dos hijos a cuestas, que han sacrificado uno sus sueños de estudiar algo y no seguir los pasos del padre, y la otra sus anhelos de ser actriz, por lo que sienten un vacío existencial, decidiendo irse a radicar a París. Ese es el “disparador” de la historia que vendrá después hasta su trágico desenlace, en el medio, infidelidades e ingesta abundante de alcohol para no soportar la mediocre existencia que llevan (los amigos de trabajo de Frank son sintomáticos de esa especie de frustrados que van a la deriva en sus propias vidas).

Se ha especulado mucho acerca del “reencuentro” de Leonardo DiCaprio y Kate Winslet doce años después de Titanic, ambos ya con carreras consagradas. Es cierto que los dos han madurado mucho como actores desde aquella mítica cinta que catapultó sus carreras y se puede decir que están parejos en el filme bajo comentario, aunque en ciertos tramos la Winslet lo supera en performance. Pero, los secundarios no están a la saga, sobretodo Michael Shannon como el orate que tiene “patente de corso” (gracias a su locura) para decir ciertas verdades incómodas al matrimonio Wheeler, cumpliéndose el dicho que solo los niños y los locos dicen la verdad. El personaje que interpreta sirve de catalizador para “sacudir” a la pareja y que se vea descarnadamente, sin falsas verdades, ante el espejo de sus propias miserias. Tampoco se queda atrás la excelente Kathy Bates, verla en pantalla en cada oportunidad que se presenta es un placer donde uno nunca sale defraudado.

Excelente la escena final que por sí sola dice mucho más que los textos de los personajes en las dos horas de proyección: Howard, el esposo de Helen, baja el volumen de sus audífonos para no escuchar la larga cháchara sin sentido, banal y con cierto olor a rencor que expele su esposa al hablar mal del matrimonio Wheeler ahora que ya no están. Su esposo prefiere no escucharla formando una “muralla” de protección contra ese blablabla insulso. Parece decirnos el personaje solo con la mirada: Y pensar que uno se enamoró de esa persona que pensaba maravillosa algunos años atrás.

Solo un sueño es un buen filme, que si bien adolece de cierta puesta en escena de aire teatral, podemos aventurar que es hasta superior a American Beauty (más efectista y superficial). No apto para los que quieran contraer matrimonio porque esa es la tumba del amor.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

SOLO UN SUEÑO [Revolutionary Road]
Dir.: Sam Mendes
Guión: Justin Haythe, basado en la novela de Richard Yates
c/ Leonardo DiCaprio (Frank Wheeler), Kate Winslet (April Wheeler), Michael Shannon (John Givings), Kathy Bates (Mrs. Helen Givings), Richard Easton (Mr. Howard Givings),
EEUU, UK/2008/Drama***/Estrenos

LA NIÑA DE TUS OJOS

1938. Se ha producido la alianza entre el franquismo y las fuerzas del nazismo, producto de ello comienzan las coproducciones cinematográficas entre ambos países, una de ellas una película en la vertiente costumbrista, con canciones incluidas, que deberá ser rodada en Alemania, en dos versiones, una española, con actores de la península, y otra alemana, con director germano muy lejos de las costumbres andaluzas.

Lo mejor es la primera parte. Ese aire pueblerino que tiene el equipo de actores y técnicos que arriban a Berlin, con sus mezquindades, rivalidades, machismo y celos. Igual cuando se burlan del nazismo a través de un Goebbels que trata de compensar su deficiencia física demostrando que él tiene el poder o el actor alemán que resulta homosexual. Donde da un giro y se va al drama es en el desenlace, cuando la actriz principal se enamora de uno de los prisioneros y todo lo que sigue después. Si se hubiera conservado ese aire burlón hasta el final tendríamos una comedia lograda.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

LA NIÑA DE TUS OJOS
Dir: Fernando Trueba
Guión: Rafael Azcona, Miguel Ángel Egea, Carlos López, David Trueba
c/ Penélope Cruz (Macarena Granada), Antonio Resines (Blas Fontiveros), Rosa María Sardá, Neus Asensi, Jorge Sanz (Julián Torralba), Santiago Segura, Loles León, Jesús Bonilla, María Barranco, Juan Luis Galiardo.
España/1998/Comedia***/Dvd/Películas del ayer

YO SERVÍ AL REY DE INGLATERRA

Yo serví al rey de Inglaterra es una de esas deliciosas comedias que entran desapercibidas a la cartelera porque no se trata de un blockbuster, esa suerte de “fast food” del cine, con fórmulas pre-elaboradas y repetidas al infinito, que se vende como pop corn de caja gigante y gusto rancio.

Yo serví …. es un filme hecho con inteligencia y gracia, cosa ya rara en el cine último, una comedia que tiene implícita una sátira a la especie humana en su tendencia a la ambición y –literalmente- “tirarse al piso”, hasta los más ricos y encopetados, por unas cuantas monedas. Ambientada en la Praga de los 30 pre-nazis nos va describiendo el ascenso social de Díte, de simple mozo a dueño de un hotel. Inscrita en el género de la picaresca, el irresistible ascenso del personaje nos sirve para hacer un diagnóstico de las clases sociales de aquella época, así como de los usos y costumbres. La corrupción del ser humano trasvasa las fronteras sociales, más allá de esa epidermis de buenos modales en los últimos años de la “belle epoque” que terminaría liquidando el nazismo. La época de la ocupación también nos sirve para comprender como una nación pudo creer que era “la raza superior”, predestinada a grandes cosas. Y eso se ve con naturalidad gracias a la novia y futura esposa de Díte, teutona hasta la médula, así como a las humillantes pruebas a que se ve sometido el novio a fin de poder contraer matrimonio con una mujer aria. La noche de bodas en que tienen sexo, ella con los ojos fijos en una foto de Hitler, es elocuente del fanatismo que se vivió en aquellos años.

Como no podía ser de otro modo al tratarse de una obra inscrita en la picaresca, Yo serví….termina siendo una lección moral o mejor dicho de reflexión del personaje central de aquellos años de su juventud y como sucede muchas veces cuando “se dobla la esquina” de arrepentimiento por la vanidad de la vida. Los espejos –símbolo de la vanidad y del voyeurismo del personaje central- son también el reflejo para verse en lo que fue y en lo que es. Melancólica y amarga reflexión.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

YO SERVÍ AL REY DE INGLATERRA [Obsluhoval jsem anglického krále]
Dir. y guión: Jirí Menzel, basado en la novela de Bohumil Hrabal
c/ Oldrich Kaiser (Jan Díte), Julia Jentsch (Líza),
Rep. Checa/2006/Comedia***/Estrenos

BUSCO MI DESTINO

Busco mi destino (Easy rider) es una película de culto. No es una gran película, pero sí un filme que reflejó toda una época: el período hippie en la Norteamérica de los años 60. Es testimonio de uno de los fenómenos sociológicos más interesantes del siglo XX, así como lo fue también el documental Woodstock (sobre el megaconcierto con el cual se cierra toda una era), coincidentemente ambos del mismo año de producción.

Easy rider trata del sentimiento de libertad reflejado en los amplios horizontes que van recorriendo los dos motociclistas. De la pradera como el edén perdido y recuperado (en eso es tributaria de los viejos westerns donde actuó “papá” Fonda) y de las ciudades como lugares de intolerancia hacia los “otros”, aquellos que no coinciden con el modelo WASP, hasta entonces el tolerado en los Estados Unidos pre-liberación sexual. Easy rider es también una protesta contra los valores tradicionales del “establishment” como el tiempo. El tiempo es oro en las sociedades capitalistas, y Peter Fonda antes de iniciar su largo recorrido en moto arroja su reloj pulsera. Pero también es reflexión sobre el camino que hasta ese momento se ha llevado. Peter –el reflexivo en la pareja que hace con Dennis Hopper- casi al finalizar la película y poco antes de su fatal muerte dice Nos hemos equivocado. Efectivamente, no era el camino, o mejor dicho, este se agotaba en la búsqueda de los placeres sensoriales, como sucedió algunos años después, cuando desaparecieron las últimas comunas hippies.

Easy rider es testimonio nostálgico de un período que ya no existe, reflejada esa tristeza en sus imágenes finales. Merece verse de nuevo ahora que cumple cuarenta años bien llevados.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

BUSCO MI DESTINO [Easy Rider]
Dir: Dennis Hopper
Guión: Peter Fonda y Dennis Hopper
c/ Peter Fonda (Wyatt), Dennis Hopper (Billy), Jack Nicholson (George)
EEUU/1969/Drama***/Dvd/Películas del ayer

LOS 300 ESPARTANOS

Película del género “peplum” o “de romanos” como se les llamaba, donde cuenta la resistencia heroica de los 300 espartanos que defendieron el paso de las Termópilas frente al enorme ejército de Jerjes (conocida también en español como Los 300 héroes). Tiene acción, drama y hasta romance en dosis bien repartidas y fue la inspiradora de la novela gráfica 300 y la posterior película del mismo título.

Comparándola con el original, me quedo con esta pese a los modestos recursos con que fue hecha y a lo “naif” de ciertas escenas. Se deja ver “de un tirón” sin aburrirse, lo cual no se puede decir de muchos blockbusters promocionados millonariamente y con escasa sustancia.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

LOS 300 ESPARTANOS [The 300 Spartans]
Dir: Rudolph Maté
Guión: George St. George
c/ Richard Egan (Rey Leonidas), Sir Ralph Richardson (Themistocles), Diane Baker (Ellas), Barry Coe (Phylon), David Farrar ( Xerxes), Anna Synodinou (Gorgo)
EEUU/1962/Aventuras históricas***/Dvd/Películas del ayer

EL CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON

Las películas que recorren épocas o los personajes de ficción que se codean con personajes históricos siempre tienen un atractivo o “jale” de estar donde ocurrieron los sucesos. Esta vez se trata de una persona que conforme va madurando se va convirtiendo en más joven hasta morir como un recién nacido. Ese es el “gancho” de la trama que irá jalonando las aventuras de este peculiar personaje a lo largo del siglo XX, trascurriendo etapas históricas trascendentales como el fin de la Gran Guerra, la depresión de 1929, la II Guerra Mundial, el fenómeno beat en los cincuenta y el hippie en los sesenta (no es casual que de los ochenta en adelante no se vislumbre nada relevante del protagonista como que los últimos 25 años fueron peculiarmente grises en grandes acontecimientos).
Este tratamiento histórico no es casual dado que cuenta con Eric Roth como el guionista responsable, el mismo de Forrest Gump, por lo que la cinta tiene “cierto aire de familiaridad” con esta. No es calco indudablemente, pero existe cierto parentesco “consanguíneo”.

Al ser la historia una secuencia episódica de lo que le sucede al protagonista principal, tiene que recurrir a ciertas “pinceladas” de ambientación histórica. Lo mejor es el tratamiento del lugar donde Benjamín se cría: un asilo de ancianos, como que disimula la peculiaridad de haber nacido viejo y, por razones evidentes, estar muy cercano a la muerte. La crianza del “niño viejo” por la madre adoptiva negra en la ciudad de Nueva Orleans es lo mejor. También son logrados los episodios que conciernen a su “ver mundo”, cuando decide surcar el río Mississippi en el remolcador y conoce al capitán Mike, que lo hará “debutar” en las lides del amor. Lo más débil y poco convincente son las pinceladas de los años 50 y 60, apenas brochazos que nos dan el contexto de época (da la impresión como que se debía cortar metraje por lo dilatado de este) y sobretodo la debilona historia de amor, muy almibarada y convencional cuando la pareja decide vivir junta (como toda historia de amor que se respete debe existir un amor que recorra la vida del personaje central, de esos amores que dejan huella profunda y “marcan” a las personas).

Pero al estar estructurada como una secuencia episódica de la dilatada vida de un personaje, forzosamente debe abreviar etapas por razones de metraje, por lo que a veces se percibe solo “pinceladas”, teniéndolo al personaje principal como una marioneta que va recorriendo distintas etapas, sin “enganchar” del todo al espectador. Esa es también la principal debilidad de la cinta (hay otra justificativa del nacimiento “al revés” del personaje: la del reloj que da marcha atrás, como que se quiso intentar una suerte de “realismo mágico”, pero que se abandonó después).

Es muy probable que Benjamin Button arrase con varios Oscar, tiene todos los ingredientes para ello (salvo que exista una “sorpresa” de último minuto). Sería irónico (aunque no extraño) que David Fincher se haga acreedor a la estatuilla por una obra menor en su filmografía.
Por cierto, Tilda Swinton está excelente en el rol secundario como la mujer que le enseña al “joven” Benjamín el acceso al amor carnal, con esos amores que dejan huella pero distinta y no tan idealizada como la de los amores platónicos, sino con más “suciedad”. Buena performance de la Swinton.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

EL CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON [The Curious Case of Benjamin Button]
Dir.: David Fincher
Guión: Eric Roth
c/ Brad Pitt (Benjamin Button), Cate Blanchett (Daisy), Tilda Swinton (Elizabeth),
Taraji P. Henson (Queenie)
EEUU/2008/Drama***/Estrenos

HAPPY TOGETHER

Del director de 2046 y Deseando amar, Happy together es un anticipo de lo que vendría después. Autor que vuelve sobre los mismos temas (amores imposibles o frustrados), esta vez se trata de la relación entre dos hombres en una remotísima Argentina (la explicación es que está basada en un relato del escritor Manuel Puig).
Amores contrariados con sus peleas y reconciliaciones, hasta que uno de los dos se da cuenta que la relación no da para más y es mejor terminar. Esa historia, contada con recursos mínimos (se nota que el presupuesto estuvo limitado), es manejada por el realizador con solvencia y calidez hacia los personajes, llegando a la inexorable conclusión, con un final que da cuenta de lo que hicieron después.
Fuimos felices juntos es lo que trasunta la película (adaptando una popular canción de los sesenta), pero es mejor cortar por lo sano para bien de todos.
Para entender las películas de Wong Kar-wai uno debe haber amado y sobretodo sufrido y apendido. Vale la pena.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

HAPPY TOGETHER
Dir. Y guión: Wong Kar-wai
c/ Tony Leung (Lai Yiu-fai), Leslie Cheung (Ho Po-Wing), Chang Chen
Hong Kong/1997/Drama***/Dvd/Películas del ayer

EL SUSTITUTO

Hay “directores de culto” como Clint Eastwood que cierta crítica de la prensa escrita adorna con adjetivos superlativos cada filme que ofrece el viejo director. Decir, como leí por ahí, que El sustituto es “una película imprescindible” (sic) es una exageración. Es una buena película, a no dudarlo, muy buena por cierto, pero de allí a calificarla de “imprescindible” creo que hay un buen trecho.

El filme tiene una buena primera parte. La desesperación de la madre por el hijo desaparecido y la frialdad para la búsqueda de la policía primero y las posteriores artimañas a fin de aparentar que “encontraron” al niño (a lo que alude el título), y lo que van a hacer para ocultar el hecho de ser una impostación, incluso hasta internar a la madre en un asilo mental por supuesta insanía de rechazar al hijo aparecido. Es lo mejor de la película. No solo por el ritmo in crescendo hasta llegar a la reclusión de Christine, sino por la denuncia que en la época donde trascurren los hechos los derechos civiles de las personas –incluyendo a blancos cien por ciento WASP- eran letra muerta en los propios Estados Unidos, cuyo comportamiento de las autoridades era poco menos que el de un dictador de república bananera. Resultan hasta cómicas “las explicaciones” de las autoridades policiales y médicas sobre los evidentes cambios del menor a fin de justificar que es el hijo “encontrado”.

Luego, el internamiento en el asilo solo reitera el coraje de la madre para soportar cualquier vejamen con tal de recuperar al hijo desaparecido, escenas de rebeldía que nos hacen acordar mucho a Atrapados sin salida (1975) de Milos Forman. De allí, “la liberación” de Christine con la ayuda del reverendo Gustav Briegleb (verdadero motor de la denuncia de las graves corruptelas del departamento policial) transita por la ruta del juicio a las malas autoridades y en paralelo el juicio al “serial killer” que se le imputa los asesinatos de varios menores, entre ellos el del hijo de Christine. Si bien “los malos” pagan sus culpas, la desaparición del hijo marcará toda la vida de la madre, creyendo encontrar alguna esperanza por remota que sea en el más leve indicio de que el hijo está vivo. El sustrato ideológico es evidente: en este mundo oscuro y con más dudas que certezas, debemos aferrarnos a algo en que creer como un salvavidas, por más remoto e ilusorio que pueda ser, y que se resume en la palabra final de la protagonista: esperanza.

Como se ve no es una película “imprescindible” ni nada por el estilo. Un buen drama sí, con una Angelina Jolie que deja sus roles estereotipados y está muy en caja en el papel principal, también. El viejo Clint no necesita de ditirambos ni elogios innecesarios, a estas alturas de su vida se encuentra más allá del bien y del mal.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

EL SUSTITUTO [Changeling]
Dir: Clint Eastwood
Guión: J. Michael Straczynski
c/ Angelina Jolie (Christine Collins), John Malkovich (Rev. Gustav Briegleb),Gattlin Griffith (Walter Collins), Michelle Martin (Sandy), Frank Wood (Ben Harris)
EEUU/2008/Drama***/Estrenos

LA ISLA DEL DOCTOR MOREAU

Adaptación de la clásica novela de Wells. No es lo mejor, pero tiene cierto interés y el mensaje es claro, aunque innecesariamente repetitivo con palabras al final: el hombre es un ser que pretende ser superior a las demás especies, pero que apenas escarbas un poco te das cuenta que es un animal que devora al frágil ser racional que, como un endeble barniz, tiene encima; y, que jugando a ser Dios va no al paraíso sino al propio infierno. Desgarradora verdad.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

LA ISLA DEL DOCTOR MOREAU [The Island of Dr. Moreau]
Dir.: John Frankenheimer
Guión: Richard Stanley y Ron Hutchinson, basado en la novela homónima de H.G. Wells
c/ Marlon Brando (Dr. Moureau), Val Kilmer (Montgomery), David Thewlis (Edward Douglas), Fairuza Balk (Aissa)
EEUU/1996/Fantástico***/Películas del ayer

MARCIANOS AL ATAQUE

Parodia de las viejas películas de ciencia ficción. No es casual la utilización de muñequitos que parecen de juguete, así como juguetes que resultan mortales, con ese humor negro característico de Tim Burton. Pero, detrás de esta inocente parodia, a la manera de Jonathan Swift, Burton nos muestra a la raza humana en toda la vanidad de su ego, que pronto se verá hecho trizas por unos seres más pequeñitos pero con una tecnología sofisticada. Como dice uno de los personajes “Quizás deberían destruir a todos. La raza humana no merece vivir”. Impresiona el reparto de actores y actrices de primer nivel, incluyendo al “gordito” Jack Black (cuando no era tan gordito) en un rol secundario. Marcianos al ataque se mantiene fresca como el día de su estreno y es una de sus mejores películas.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

MARCIANOS AL ATAQUE [Mars Attacks!]
Dir.: Tim Burton
Guión: Jonathan Gems
c/ Jack Nicholson (President James Dale / Art Land), Glenn Close (First Lady Marsha Dale), Annette Bening (Barbara Land), Pierce Brosnan (Professor Donald Kessler), Danny DeVito (Rude Gambler), Martin Short (Press Secretary Jerry Ross), Sarah Jessica Parker (Nathalie Lake), Michael J. Fox (Jason Stone), Rod Steiger (General Decker), Tom Jones (Himself), Jim Brown (Byron Williams), Natalie Portman (Taffy Dale), Pam Grier (Louise Williams), Jack Black (Billy Glenn Norris)
EEUU/1996/Parodia de CF***/Películas del ayer

PELIGRO EN BANGKOK

El “auto-remake” (una segunda versión realizada por el mismo director de la primera) si bien no es usual, se produce. A veces hay casos en que el director no estuvo del todo satisfecho con la cinta original y luego, consagrado y con más recursos, se anima a una segunda. En el presente caso, los hermanos Pang realizan una nueva para el mercado norteamericano de una película del mismo nombre hecha en 1999, pero ahora con una estrella reconocida internacionalmente como Nicolas Cage.
Esta versión no podemos descalificarla a priori solo por “ser norteamericana” y tener todos los rasgos de un blockbuster. Tiene sus méritos, el principal mantener al espectador en vilo de principio a fin con una trama llena de acción, con escenas de lucha “coreográfica” como es común en las propuestas orientales y sobretodo el diseño de un anti-héroe cansado del trabajo que hace (asesinar personas por encargo). Sin decirlo uno se da cuenta de lo hastiado que se encuentra de la vida (en cierta manera busca esa muerte con la que concluye su último contrato); y cuando cree que encuentra la felicidad con la chica de sus sueños, esta se desvanece de sus manos como una ilusión. También tiene un deseo de “dejar escuela”, de allí que entrene al joven Kong, y vaya a su rescate, suerte de expiación de sus culpas, ratificado en la escena final.
Precisamente lo más sugestivo de la cinta es ese punto de vista introspectivo del personaje, con un excelente rol interpretativo de Nicolas Cage, que sin decir demasiadas palabras nos trasmite lo que siente el personaje.

Peligro en Bangkok es un buen filme de acción, que merece verse. No busquen “cuestiones filosóficas”, porque no las hay. Obvio.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

PELIGRO EN BANGKOK [Bangkok Dangerous]
Dir.: Oxide Pang Chun y Danny Pang
Guión: Jason Richman
c/ Nicolas Cage (Joe), Shahkrit Yamnarm (Kong), Charlie Yeung (Fon), Panward Hemmanee (Aom), Nirattisai Kaljaruek (Surat), Dom Hetrakul (Aran)
EEUU/2008/Acción***/Estrenos

LA ÚLTIMA LUNA

Singular filme del cineasta chileno Miguel Littin (1942), rodado íntegramente en tierra Palestina.
Trata sobre la amistad entre un judío y un árabe durante la I Guerra Mundial y cómo los acontecimientos históricos van a sobrepasarlos y absorberlos, convirtiéndose esa amistad sincera y hermosa en odio de razas. Canto a la amistad (simbolizado en la casa de piedra que ambos protagonistas construyen juntos), Littin realiza un “ajuste de cuentas” con su pasado: socialista, presidente de Chile Films bajo el gobierno de Unidad Popular de Salvador Allende, exilado durante la dictadura de Pinochet ya que su nombre estaba en la “lista negra” de los “desaparecidos”; ahora con poco más de 60 años a cuestas toma una perspectiva histórica de tolerancia hacia el otro y como, pese a las diferencias, trabajando juntos podemos edificar un mundo mejor (simbolizado precisamente en la “Casa de la Amistad”).
La película tiene nervio, intensidad dramática, alegría, pena, vida y muerte, en fin de lo que está hecha la vida misma y personajes arquetípicos inolvidables como Solimán y Jacob, y una simpatía natural hacia el pueblo palestino en su lucha de resistencia (Littin tiene un abuelo paterno de origen palestino que emigró a inicios del siglo XX a la “América-Chile” como ellos decían, a ese país remoto ubicado hacia el final de la América del Sur, en busca de una segunda patria lejos de la guerra y el caos incubado en su terruño natal).
El Dvd contiene también un documental de cómo se hizo el filme y de la vida día a día del pueblo palestino y su tenaz resistencia para sobrevivir. Realmente una joya de película y que merece verse en estos tiempos tan dramáticos que se viven en el Medio Oriente.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

LA ÚLTIMA LUNA
Dir. y guión:Miguel Littin
c/ Aymann Abuloff (Solymann), Tamara Acosta (Matty), Alejandro Goic (Jacobeo),
Francisca Merino (Alinne)
Chile, Esp, Méx/2005/Drama histórico***/Dvd/Las que nunca se estrenaron

LOS PREMIOS Y LA PARTICIPACIÓN EN FESTIVALES DE LA ULTIMA LUNA:

Premio al mejor Director - XXXI Festival Iberoamericano de Cine de Huelva
Premio al mejor Director - IX Festival Internacional de Cine Latino de Los Angeles
Premio al mejor Director - Festival Iberoamericano de Sta Cruz, Bolivia
Premio Mejor Fotografia Festival Iberoamericano de Guadalajara, Mexico
Seleccion Oficial Festival Internacional de Moscu
Seleccion Oficial Festival Internacional de Seattle, USA.
Seleccion Oficial Festival Internacional Lima, Peru.
En todos ha tenido destacada participación tanto de público como prensa y critica.

BESANDO A JESSICA STEIN

Agradable e inqueta comedia sobre el amor lésbico. Una chica judía en la treintena sufre fracaso tras fracaso en sus relaciones con los hombres hasta que encuentra a Helen, mujer bisexual, desprejuiciada y liberal, que le hará cambiar la forma de ver el mundo en 180º. Centrada en la comunidad artística e intelectual de la ciudad de Nueva York, lo que le otorga un toque cosmopolita al amor gay, que por cierto jamás cae en lo chocante ni en lo vulgar. Hasta los besos entre las dos mujeres están en el contexto adecuado, así como el final, no un “happy end” (“y vivieron felices”), sino más realista. El amor se acaba, sea hétero u homosexual, y solo cabe guardar los bellos momentos o aprender de los fracasos. Buena comedia con final inconcluso como la vida misma.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

BESANDO A JESSICA STEIN [Kissing Jessica Stein]
Dir.: Charles Herman-Wurmfeld
Guión: Heather Juergensen y Jennifer Westfeldt
c/ Jennifer Westfeldt (Jessica Stein), Heather Juergensen (Helen Cooper), Scott Cohen (Josh Myers), Jackie Hoffman (Joan)
EEUU/2001/Comedia***/Las que nunca se estrenaron

THE HOST: MONSTRUO DEPREDADOR

Si bien las reglas de cada género están ya impuestas de antemano, lo creativo del realizador es “el giro de tuerca” que aporte, qué novedad propondrá en su puesta en escena. Alien (1979) de Ridley Scott proponía un “horror espacial” inspirado en las viejas películas de terror que sucedían en lugares remotos y exóticos, su aporte fue recrearlo en una nave carguera en un futuro donde el sistema capitalista ha impregnado todo el universo. Precisamente The host tiene ciertos rasgos “alienanos” tanto en el diseño del monstruo como en algunas escenas que son un tributo al ya clásico del género de terror; sin embargo, el director apunta hacia otro lado, en vista que existe un discurso político implícito contra la intervención norteamericana (el origen del monstruo se debe a la negligencia de un científico yanqui, el gas paralizante alude a las armas químicas, las protestas estudiantiles) y por otra parte la aplicación de toques de humor que bajan la tensión acumulada ante la devastación del monstruo. El humor y el terror son como el agua y el aceite, pero Joon-ho Bong ha sabido aplicarlo en dosis inteligentes, sin caer en lo chabacano.
Asimismo, el diseño de los personajes es excelente. No se trata de “tontos estudiantes” que caen ante el cuchillo de un serial killer o en las fauces de un animal salvaje, sino seres de carne y hueso, comunes y corrientes, que ante una situación límite sacan fuerzas y habilidades que ni ellos mismos sabían que tenían. Los actos heroicos o el sacrificio por un ser querido se imponen más allá de las limitaciones que adolezcan. A tal punto son los personajes los que “jalan la historia” que la presencia del monstruo queda en un segundo plano, teniendo participaciones esporádicas en función a estos y a la trama y no al revés, como sucede comúnmente, donde se privilegia la presencia del “monstruo” y el uso y abuso de los efectos especiales. Incluso el final no es propiamente un “happy end” con toda la familia reunida, feliz y contenta, sino un final más melancólico y de alerta ante lo que pueda suceder.
The host es una interesante propuesta de cine de terror que merece verse y apreciarse en toda su extensión.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

THE HOST: MONSTRUO DEPREDADOR [Gwoemul]
Dir.: Joon-ho Bong
Guión: Chul-hyun Baek, Joon-ho Bong, Won-jun Ha
c/ Kang-ho Song (Park Gang-Du), Hie-bong Byeon (Park Hie-bong), Hae-il Park (Park Nam-il), Du-na Bae (Park Nam-Joo), Ah-sung Ko (Park Hyun-seo)
Corea del Sur/2006/Terror***/Estrenos

INVASORES DE CUERPOS

Esta es la tercera versión de la novela "Los ladrones de cuerpos" de Jack Finney. Tiene un ambiente más bien claustrofóbico, de desconfianza de todo aquel que nos era familiar, limitando la acción a una base militar contaminada. El final resulta ambiguo ya que si bien logra fugar la pareja de jóvenes, es evidente que tarde o temprano serán capturados por los “aliens” y, vencidos por el sueño, trasformados en los otros. Cine más que de efectos, de trabajo de ambientes y de actores. Interesante versión, mejor que la posterior del año 2007 con Nicole Kidman.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

INVASORES DE CUERPOS [Body Snatchers]
Dir: Abel Ferrara
Guión: Stuart Gordon, basado en la novela de Jack Finney
c/ Gabrielle Anwar (Marti Malone), Terry Kinney (Steve Malone), Billy Wirth (Tim Young), Forest Whitaker (Major Collins)
EEUU/1993/Terror***/Películas del ayer

WALL STREET

Se dice que a veces la realidad copia al arte. Nada más cierto que en esta interesante película de Oliver Stone sobre los especuladores de la bolsa. Localizada en la década del ochenta, cuando el gobierno reaganita también desreguló el sistema financiero para que los ricos sean más ricos, nos describe el ambiente de ambición y falta de escrúpulos de aquellos que buscan enriquecerse fácilmente a costa de otros. Esta película, junto a The Bonfire of the Vanities (1990) de Brian de Palma, captaron muy bien ese ánimo especulativo y carente de escrúpulos que anidó en aquellos años y que se repitió en la presente década. Y eso que Madoff y compañía todavía no eran muy conocidos. Si bien WS lleva el mensaje moral que “el crimen no paga”, con el castigo de los “malos”, vemos que en la realidad no siempre es así, tal como ha sucedido en esta última crisis financiera en que ningún responsable está tras las rejas, sino más bien gozando de un mullido retiro.
Por cierto, se ha anunciado una segunda parte de Wall Street, aprovechando el momento que se vive.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

WALL STREET
Dir.:Oliver Stone
Guión: Stanley Weiser y Oliver Stone
c/ Charlie Sheen (Bud Fox), Michael Douglas (Gordon Gekko), Hal Holbrook (Lou Mannheim), Martin Sheen (Carl Fox), Daryl Hannah (Darien Taylor)
EEUU/1987/Drama***/Películas del ayer

AUSTRALIA

La conquista del oeste en versión australiana.

Baz Luhrmann es un buen asimilador de los géneros clásicos del cine norteamericano. Lo demostró con Moulin Rouge! (2001), su inmediato anterior largo, musical “post moderno” bastante heterodoxo. Luego de siete años por fin ve a luz un proyecto largamente acariciado: contar la historia de la gesta australiana como conjugación de dos razas y culturas (la aborigen y la inglesa). Por ello la historia está contada desde el lado de Nullah, el niño mestizo producto de esas dos razas y civilizaciones, que domina el inglés pero también practica los usos y costumbres de sus abuelos; para ello Baz Luhrmann utiliza los códigos y convenciones de un género norteamericano por excelencia: el western. La naturaleza domina el paisaje, la conducción del ganado a través de las grandes praderas, “los pistoleros” y “el salvaje oeste” donde impera la ley del más fuerte, y por supuesto el duelo final entre “el malo” y “el bueno”, donde obviamente debe morir el primero, con final feliz incluido. Esta vez “los indios” son también los buenos y en cierta forma se pone énfasis en su papel fundacional y en la segregación que sufrieron hasta hace pocos años (la historia se ambienta durante la segunda guerra mundial). De tonos épicos y líricos, quizás la escena más emocionante sea la del ganado desbocado próximo a caer al abismo, consiguiendo Nullah “pararlo en seco” con un truco de sus ancestros.
Es posible que para algunos les parezca un filme menor de Luhrmann, después “del coctel” de canciones de diferentes épocas a ritmo de videoclip que significó Moulin Rouge!; esta vez estamos ante una historia más convencional y de cierta manera más reposada, pero no le quita el interés que significa esta “vuelta de tuerca” a un género que parecía ya extinguido como el western.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

AUSTRALIA
Dir.: Baz Luhrmann
Guión: Baz Luhrmann, Stuart Beattie, Ronald Harwood, Richard Flanagan
c/ Nicole Kidman (Lady Sarah Ashley), Hugh Jackman (Drover), Bryan Brown (King Carney), David Wenham (Neil Fletcher), David Gulpilil (King George), Brandon Walters (Nullah), Jack Thompson (Kipling Flynn)
Australia,EEUU/2008/Drama épico***/Estrenos

EN EL VALLE DE LAS SOMBRAS

Un soldado norteamericano que ha regresado de Iraq se encuentra reportado como ausente sin permiso. Ese es el disparador de un drama sobre las desadaptaciones que sufren los soldados de vuelta casa. Tarde o temprano Hollywood iba a tocar el tema y si bien no es una gran película ni nada parecido, se deja ver y es destacable la magnífica actuación de Tommy Lee Jones como el padre que busca desesperanzadoramente a su hijo. Contenido, a punto de quebrase, pero manteniéndose por un esfuerzo de voluntad sobrehumano, urgará hasta descubrir la penosa verdad. Él sostiene la película de principio a fin. Charlize Theron cumple en el secundario, como la oficial de policía que lo ayuda en las investigaciones, pero no está a la altura de Tommy Lee Jones. Lástima que Susan Sarandon haya sido desperdiciada, una buena actriz que da vida a los personajes que encarna.
Drama que promete y no cae en los excesos (en el valle de Elah significa también los gigantes que se deben vencer en una lucha desigual, como la encarnada por el veterano Hank).
Por cierto, no se oculta que por la historia y el tratamiento, Paul Haggis –el oscarizado hace algunos años por Crash- busque tentar de nuevo la estatuilla con esta historia. Tiene todos los ingredientes como para conmover a la Academia.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

EN EL VALLE DE LAS SOMBRAS [In the Valley of Elah]
Dir. y guión: Paul Haggis
c/ Tommy Lee Jones (Hank Deerfield), Charlize Theron (Det. Emily Sanders), Jason Patric (Lt. Kirklander), Susan Sarandon (Joan Deerfield)
EEUU/2007/Drama***/Estrenos

BALANCE DEL CINE VISTO EL 2008

Se impone el balance de rigor. Si bien existió mayor variedad de títulos con respecto al año anterior, la estandarización de los blockbusters deja poco espacio para cintas con mayor interés que la taquilla. Sin embargo, se han estrenado películas interesantes. La relación que viene a continuación no tiene orden prioritario, sigue –más o menos- la secuencia de los estrenos en nuestra ciudad.
Con todo lo arbitrario que significa siempre una selección, nos quedamos con:

1. La lista negra
2. American ganster
3. Michael Clayton
4. Sin lugar para los débiles
5. Juno
6. Petróleo sangriento
7. Luz silenciosa
8. Promesas del este
9. Iron man
10. Batman, el caballero de la noche
11. Wall-E
12. 4 meses, 3 semanas y 2 días
13. 3:10 para Yuma
14. Dueños de la noche
15. Traición y lujuria
16. Buscando un amor
17. Relaciones peligrosas
18. Luces al atardecer
19. Paranoid park
20. Quémese después de leer

Y si reducimos a solo diez títulos, nos quedamos con:

1. La lista negra
2. Sin lugar para los débiles
3. Juno
4. Petróleo sangriento
5. Luz silenciosa
6. Promesas del este
7. 4 meses, 3 semanas y 2 días
8. Dueños de la noche
9. Relaciones peligrosas
10. Luces al atardecer


EL CINE NACIONAL

El 2008 fue un verdadero boom de estrenos nacionales, donde encontramos mayormente óperas primas de jóvenes realizadores, lo cual implica un “relevo generacional” con gustos, temas y obsesiones totalmente distintos a los de la generación que ahora frisa las cinco o seis décadas.
Lo bueno es que se hagan películas. Seamos claros: no importa tanto la calidad, no vamos a pedir que todas sean “obras maestras”, menos al tratarse de películas iniciales de jóvenes que tienen más ganas que dominio del oficio. Lo que importa es que se produzcan películas y que ese número vaya en aumento.

También existe un prejuicio de la –digamos- “crítica especializada” hacia el cine nacional, o mejor dicho, un complejo de inferioridad de cierto sector de la crítica que ve como malo todo o casi todo el cine que se produce por estas tierras y que muchas veces confunde sus gustos y preferencias con el de los jóvenes realizadores, pretendiendo convertirse en una suerte de “guías iluminados” del “buen cine” (para ellos) que proponen como “solución salvadora” al dilema del cine peruano la intervención estatal en sus distintas modalidades y niveles (exoneraciones tributarias, financiamiento obligatorio de películas, cuotas de pantalla “forzosas”, salas exclusivas para filmes nacionales, entre otras lindezas). Modestamente dudanos que por allí vaya la solución.

Igualmente existe el problema de público. A diferencia de hace treinta años atrás, el público actual “no se engancha” con las producciones nacionales, asistiendo muy poco a un estreno local, salvo contadas excepciones. No creo sea exclusiva culpa de las producciones peruanas por “no haber sintonizado” con “su” público, como usualmente se les achaca, sino de distintas tendencias que actúan en contra, como la globalización de los blockbusters, estrenados en simultáneo en todo el mundo y con un aparato publicitario y cuotas de pantalla impresionantes, que deja poco espacio para las producciones locales, fenómeno que se repite también en otros países. Pero, no solo es el problema de la competencia desigual sino también de cierta estética y un gusto estandarizado que van generando estas superproducciones, sobretodo en el público joven. Es como si a una persona se le acostumbra solo a comer hamburguesas o pollo frito con gasesosa. Después será muy difícil que su paladar sienta el placer por el caviar y el champagne. Algo de eso pasa también. Se ha formado una “estética de blockbusters” bastante chata, pobre y muy estandarizada.

Lo malo. El cine de provincias no se visiona todavía en la capital, restringiendo su exhibición a la región donde se produjo. Salvo algunas salas no comerciales, no existe espacio para los cineastas del país y se desconoce mayormente su producción. Repito, no importa tanto la calidad, sino que se continúe con el esfuerzo, a pesar que en provincias no existen los elementos técnicos necesarios ni tampoco una “escuela de cine”, sin embargo las ganas y voluntad no faltan.

Podemos distinguir dos tendencias dentro del cine peruano estrenado comercialmente este año: una que va dirigida al “gran público” con historias fáciles y livianas como sería Mañana te cuento 2 o Valentino y el clan del can. Otra, que apuesta a un estilo propio, más de “cine de autor”, no concesivo de la platea, como es el caso de Dioses, Un cuerpo desnudo o El acuarelista. Un rasgo distintivo -como ya expresamos líneas arriba- es que la mayoría de las películas son de realizadores menores a los cuarenta años, vale decir es la “nueva generación” de directores nacionales, lo cual es bueno, pero requiere continuidad en los proyectos, que no queden en la primera película. En estos momentos el único director peruano que hace cine regularmente es Francisco Lombardi, cuya última propuesta, Un cuerpo desnudo, fue muy criticada, aunque también incomprendida. Y, si hablamos de películas con justificación ideológica está Vidas paralelas, fallida “lavada de cara” de los militares en la época del terrorismo (a lo cual, como expresamos en el momento de su estreno, en una sociedad democrática están en su pleno derecho de hacerlo).
De los estrenos nacionales, a lo lejos destacó Dioses, y le sigue Un cuerpo desnudo y El acuarelista. Josué Méndez ratificó la rigurosidad y universo propio que mostró en su primer filme, Lombardi presentó una obra menor pero no carente de interés, y Daniel Ró demostró el tanteo de un camino personal que deberá definir y pulir en sus siguientes largos.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

QUÉMESE DESPUÉS DE LEER

Siguiente largo de los hermanos Coen luego del oscarizado éxito de Sin lugar para los débiles (No Country for Old Men, 2007), esta vez trata sobre la paranoia que se vive en Estados Unidos luego del 11-S y la invasión a Iraq. Precisamente la cinta es tributaria de un clásico de la ciencia ficción a quien rinde homenaje en un par de escenas: La invasión de los usurpadores de cuerpos (The invasión of the body snatchers, 1956) de Don Siegel. El ambiente fóbico, paranoico, de saberse perseguido y vigilado por fuerzas extrañas y malignas, solo que esta vez no se trata de alienígenas sino de las agencias de inteligencia norteamericanas. La película está estructurada como una bola de nieve que se va agrandando conforme pasan los acontecimientos: un agente de la CIA es despedido (John Malkovich) por lo que su situación familiar se torna precaria, decidiendo la esposa divorciarse del marido desempleado (Tilda Swinton), mientras tiene un romance con un guardaespaldas jubilado (George Clooney). El asunto se complica cuando una cuarentona asistente de gimnasio (Frances McDormand) quiere mejorar la silueta con cirugías plásticas, por lo que no encuentra mejor forma que chantajeando al ex agente con una fuerte suma de dinero por un cd con información perdido, ayudado por su compañero de trabajo (Brad Pitt).

Gracias a la anécdota nos va diseccionando las miserias de estas personas, con traiciones mutuas y valores por los suelos. Nadie es héroe, todos tienen “rabo de paja”, buscando el beneficio propio aprovechando situaciones inesperadas, sin darse cuenta que “el gran hermano”, el ojo de la CIA los vigila atentamente para saber si se salen de los carriles de lo previsto.

Buena película de los hermanos Coen, que si bien no está a la altura de su anterior largo, ratifica su sentido independiente a pesar de los merecidos premios recibidos.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

QUÉMESE DESPUÉS DE LEER [Burn After Reading]
Dirs y guión: Ethan y Joel Coen
c/ George Clooney (Harry Pfarrer), Frances McDormand (Linda Litzke), John Malkovich (Osbourne Cox), Tilda Swinton (Katie Cox), Brad Pitt (Chad Feldheimer)
EEUU,UK/2008/Thriller***/Estrenos

EL DÍA QUE LA TIERRA SE DETUVO

El día que paralizaron la tierra (The Day the Earth Stood Still, 1951) era una película de ciencia ficción con alegato pacifista. Rodada en plena guerra fría, la amenaza nuclear era un peligro inminente, por lo que un “embajador” de una civilización mucho más avanzada que la nuestra nos advierte que debemos detener esa locura guerrera bajo apercibimiento de ser destruídos, dado que ponemos en peligro a todo el universo. Ese alegato, por supuesto, se produce en la sede de las Naciones Unidas, donde llega, no sin cierta resistencia, el representante interplanetario Klaatu.
La diferencia con el “remake” se centra no solo en los efectos especiales, obviamente más sofisticados, sino sobretodo en la presencia más amenazante de Klaatu, es una “presencia” que impone por si sola temor por los poderes que despliega, y, en que la “advertencia” es una amenaza real de destrucción, por lo que el papel de la doctora Helen Benson es más protagónico, tratando de convencer al alienígena que nos de una segunda oportunidad, que los humanos, después de todo, no somos tan miserables y tenemos cosas buenas también. Por cierto, el filme nos describe como animales más “salvajes”, donde la razón casi desaparecida de nuestra conciencia, ayudado con un ritmo de acción más trepidante que el original. Pero, si se trata de quedarnos con la versión original o el “remake”, nos quedamos con la primera, pese a los rudimentarios efectos especiales, tiene esa ingenuidad propia de las historias de aquella irrepetible época.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

EL DÍA QUE LA TIERRA SE DETUVO [The Day the Earth Stood Still]
Director: Scott Derrickson
Guión: David Scarpa, basado en el guión de Edmund H. North
c/ Keanu Reeves (Klaatu), Jennifer Connelly (Helen Benson), Kathy Bates (Regina Jackson), Jaden Smith (Jacob Benson)
EEUU/2008/CF***/Estrenos

MADAGASCAR 2: ESCAPE DE ÁFRICA

La animación digital se sostiene no tanto por los adelantos técnicos en si, sino más bien por contar buenas historias, por cierto, las mismas que nuestros abuelos leyeron, solo que “actualizadas” para las nuevas generaciones. Madagascar (2005) trataba sobre “dejar el nido” cuando hemos madurado para conocer el mundo. El lugar seguro que representa el zoológico, suerte de “útero materno” donde no falta nada, es dejado con los riesgos que ello implica. La segunda parte trata de encontrarse con las raíces, es decir, con uno mismo. El hábitat rechazado inicialmente (la jungla) es aceptado como el hogar, con el que se identifican nuestros personajes.
También tiene un mensaje implícito a la diferenciación, a que los opuestos se complementan como Melman, la jirafa, y su amor por Gloria, la hipopótamo, o del Pingüino hacia su “muñeca”, con la cual se “casa”. Por cierto, a pesar que esta segundo entrega no desluce, se deja extrañar un mayor protagonismo de los pingüinos. “Tú no has visto nada”.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

MADAGASCAR 2: ESCAPE DE ÁFRICA [Madagascar: Escape 2 Africa]
Dir: Eric Darnell y Tom McGrath
Guión: Etan Cohen y otros
Voces originales: Ben Stiller (Alex), Chris Rock (Marty / Additional Zebras), David Schwimmer (Melman), Jada Pinkett Smith (Gloria), Sacha Baron Cohen (Julien), Cedric the Entertainer (Maurice), Andy Richter (Mort)
EEUU/2008/Animación***/Estrenos

SUEÑOS Y DELITOS

Existe una vertiente en la obra de Woody Allen que tiene como temática la ambición (manifestada a través del poder o del dinero) y un crimen cometido por este móvil que generalmente queda impune. Sueños y delitos o El sueño de Casandra, como es su título original, trata sobre ese tema, solo que esta vez con una variante de remordimiento y expiación hacia el final.
Ian y Terry son dos jóvenes ambiciosos y soñadores con “hacerse millonarios” rápidamente y disfrutar de la vida. No desean trabajar “rompiéndose el lomo” como sus esforzados padres y su referencia es un tío que ha hecho fortuna con clínicas de belleza pero con un pasado oculto ilícito, origen de su actual posición social y económica. Si bien en un registro y tono distinto estamos ante una temática muy similar a la de Relaciones peligrosas (Before the Devil Knows you’re Dead) de Sidney Lumet, coincidentemente del mismo año (2007).
Son los sueños de ambición los que están sobre el tapete, encarnados en el bote que compran los hermanos más allá de sus posibilidades económicas (el mito de Casandra alude a las profecías que se ven pero no se creen). Es vivir al crédito, desaforadamente, obnubilados por un modo de vida sin valores éticos, y cuando la soga aprieta recurrir al crimen si es necesario. Solo que esta vez Allen no sale tan bien librado como en su anterior largo Match Point (2005). La trama es un poco reiterativa de las acciones de estos dos muchachos y cómo se van hundiendo más y más sin darse cuenta, y “la redención” de Terry no es tan convincente, en una mezcla de Crimen y castigo con los Hermanos Karamazov.
De todas maneras se deja ver y es mucho mejor que cualquier película promedio de las estrenadas últimamente.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

SUEÑOS Y DELITOS [Cassandra's Dream]
Dir. y guión:Woody Allen
c/ Ewan McGregor (Ian), Colin Farrell (Terry), Tom Wilkinson (Howard)
EEUU, UK/2007/Drama***/Estrenos

TOMANDO TÉ CON MUSSOLINI

Ubicada geográficamente en Florencia durante el período de auge y fin del fascismo, con un arco temporal de poco más de diez años, se centra en un grupo de inglesas (llamadas “las scorpioni”) amantes del arte del renacimiento y que se niegan a abandonar por la inminente guerra la tierra que consideran su segunda patria. Es la relación entre estas damas de educación refinada y un muchacho, hijo ilegítimo de un comerciante, donde se centra el filme, narrando los diferentes sucesos y cómo sobreviven en plena guerra, así como la inclinación artística del que sería en el futuro Franco Zeffirelli. Si bien es una película marcadamente autobiográfica, le faltó más emoción, dramatismo a las historias contadas, convirtiéndose más bien en una sucesión de anécdotas.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

TOMANDO TÉ CON MUSSOLINI [Tea with Mussolini]
Dir.: Franco Zeffirelli
Guión: John Mortimer, Franco Zeffirelli, basado en la autobiografía de Franco Zeffirelli
c/ Cher, Maggie Smith, Judi Dench, Joan Plowright, Lily Tomlin, Claudio Spadaro
Ita/1999/Comedia dramática***/Películas del ayer

RED DE MENTIRAS

Ridley Scott se mueve bien en las películas que combinan la acción con el suspenso manteniendo al espectador en atención constante de lo que acontece de principio a fin. Es un buen contador de historias, ubicando sus thirllers en un contexto político determinado como fue La caída del halcón negro, y lo vuelve a ratificar en Red de mentiras. Esta vez el contexto lo otorga un tema de palpitante actualidad: la guerra en Iraq entre el ejército norteamericano y la resistencia fundamentalista musulmana. El enfoque es a través de los dos personajes principales: Ferris como agente de la CIA en el Medio Oriente que debe buscar y develar a las células terroristas que operan y Ed Hoffman como su jefe de operaciones a miles de kilómetros de distancia, desde Estados Unidos. La contraposición entre estos dos personajes, uno cuestionador de los métodos que el gobierno norteamericano efectúa para conseguir información (el “todo vale” se impone) mientras el otro los avala sin hacerse problemas de conciencia, viéndolo hacer cómoda y tranquilamente su vida de padre de familia mientras da instrucciones por celular a su agente. Precisamente “un personaje” adicional es la sofisticada tecnología con la que se libra esta guerra: internet, celulares, satélites, computadoras de última generación. No solo es la infiltración clásica en los grupos subversivos sino el uso de tecnología de punta que paradójicamente muchas veces no sirve frente a un enemigo que usa los métodos convencionales del “boca a boca” o el papelito. La sensación que se tiene es que esta guerra es global, que Occidente no la está ganando y como dice uno de los personajes donde no hay nadie inocente. Cada bando lucha por sus intereses. Por supuesto hay un discurso implícito que subyace en el filme y es el de “choque de culturas”, que Ridley Scott lo desarrolló ampliamente en un anterior filme “histórico”: Cruzada (Kingdom of Heaven, 2005), solo que esta vez se privilegia más la acción en aras del discurso ideológico que se encuentra implícito. Si bien la historia de amor de Ferris con Aisha suena medio impostada (un acercamiento de buena voluntad hacia el bando contrario) y el discurso patriotero y desafiante del agente de la CIA ante el jefe de los subversivos demasiado chauvinista, ello no resta los méritos del filme bajo comentario en lo que tiene en su haber: una historia bien contada, que estemos de acuerdo o no con su mensaje implícito es otra cosa; pero, la película se deja ver y tiene mejor factura que muchos blockbusters que circulan por allí.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

RED DE MENTIRAS [Body of Lies]
Dir.: Ridley Scott
Guión: William Monahan, basado en la novela de David Ignatius
c/ Leonardo DiCaprio (Roger Ferris), Russell Crowe (Ed Hoffman), Mark Strong (Hani), Golshifteh Farahani (Aisha), Oscar Isaac (Bassam), Ali Suliman (Omar Sadiki)
EEUU/2008/Thriller***/Estrenos

EL ACUARELISTA

Ópera prima del realizador nacional Daniel Rodríguez abordando una metáfora sobre la incomprensión del arte y el artista.

El antecedente, el germen de la idea, se encuentra en su corto El colchón. Allí está la base de El Acuarelista; pero, el resultado de su primer largo es irregular aunque no carente de interés. Inscrito dentro de la vertiente de la comedia del absurdo con personajes esperpénticos como “El presidente” o “La presidenta” (se nota la mano de Álvaro Velarde en los trazos) entramos a una historia que linda en lo absurdo: la imposibilidad de un artista de pintar su anhelada acuarela por múltiples motivos que confabulan en su contra. De ribetes kafkianos (basta una letra inicial para designar al protagonista), nos sumerginos en un mundo intemporal, con escenas oníricas de sueños y pesadillas que marcan su deseo y frustración, viéndose inserto en hechos que no le conciernen y no sabe exactamente qué son (se designa como “la obra” una remodelación del edificio que perjudica sus ansias de ser artista), pero que lo afectará hasta hacerlo desaparecer en el anonimato o en la muerte (el final ambiguo no dice exactamente cómo acaba el pobre T). Lo más interesante son los personajes secundarios y sus historias personales, así como esa creación de atmósferas particulares en que se ve surmergido por sus metiches vecinos. Descontando al “Presidente” (un siempre logrado Enrique Victoria), la historia de Claudia que quiere salvar su matrrimonio a través del retrato que deberá pintar T, o de Elvira que manda a clases de pintura a su travieso niño para retozar con su amante (la historia secundaria más lograda), para no mencionar los abusos de confianza de la “Presidenta” a fin que el personaje pinte un mural a la entrada del edificio o “la voz en off” que va dando cuenta de la trama. Posiblemente se diga que son “unidimensinales” (está de moda la palabreja), pero esa es la intención al momento de describirlos. Por cierto se nota también una influencia de El inquilino (1976) de Roman Polanski. Incluso hay dos escenas que homenajean directamente a la ya clásica cinta del realizador polaco, dándole un giro inesperado de lo cómico-absurdo a lo terrorífico (el grupo de inquilinos como una amenaza), lo cual hace que pierda unidad la cinta y un poco el interés hacia el final.

Metáfora sobre la incomprensión del arte y el artista, El acuarelista es una primera cinta interesante, con algunos “baches” naturales en una ópera prima, pasando el realizador la prueba. Estaremos a la espera de su siguiente trabajo, Home office, anunciado el rodaje para el próximo año.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

EL ACUARELISTA
Dir.: Daniel Ró
Guión: Daniel Ró, Álvaro Velarde, Eduardo Mendoza
c/ Miguel Iza (T), Sol Alba (Leticia), Ana Cecilia Natteri (La presidenta), Enrique Victoria (El presidente), Patricia Pereyra (Claudia), Salvador del Solar (Ernesto), Sofía Rocha (Elvira)
Perú/2008/Comedia***/Estrenos

QUANTUM OF SOLACE

El agente 007 tuvo éxito en los años 60, en el contexto de la guerra fría, cuando la moda de los espías se impuso. Sean Connery de lejos sigue siendo el que mejor encarnó al encantador y sibarita agente. Roger Moore le dio un giro paródijo al personaje que revitalizó la saga, Pierce Brosnan cumplió cuando ya el muro de Berlín había sido derrumbado, la guerra fría sonaba a historia pasada y la franquicia parecía que llegaba a su fin (no cuento a dos actores que pasaron sin pena ni gloria por el 007), y ahora Daniel Craig toma la posta dándole un toque más violento que seductor al personaje. Viéndolo parece que estamos ante el Jack Bauer británico y que tiene apenas 24 horas para salvar al mundo. El “todo vale” se impone. No hay ética ni reglas, ayudado por la tecnología de punta al servicio de Mr. Bond. Nadie es inocente, ni siquiera los países de occidente luchan por la democracia sino por sus intereses. El cinismo se impone como forma de vida (salvando las distancias un filme de estreno simultáneo, Red de mentiras, tiene el mismo mensaje implícito, aunque mucho mejor elaborado).

La estructura de las películas de James Bond es similar: comienza con una secuencia de acción en que se encuentra en apuros el agente secreto y con ingenio y habilidad logra safarse del peligro. Es el preludio que nos abre a la historia que se contará (esta vez, según los productores, sucede “una hora después” de terminada Casino Royale, la anterior película de la saga), donde por lo general hay un villano que quiere dominar el mundo. Como no podía ser de otro modo, ahora se trata de los recursos energéticos, el agua, y la historia se sitúa por primera vez en un país sudaméricano: Bolivia. Una Bolivia corrupta con gobiernos títeres al servicio de las trasnacionales. El contexto político actual es evidente. No vamos a entrar en que si la Bolivia que se describe es la real o no, que en todo caso tocará desentrañar a los hermanos del altiplano. El punto es que estamos ante una película de ficción donde no falta tampoco la acompañante ocasional de 007, esta vez una guapa rusa que hace de boliviana (?), cosas del casting internacional. El final, como no puede ser de otro modo, significa que el agente secreto salvará una vez más al mundo no sin antes matar al villano y destruir el escenario de la lucha final (otra característica común de la serie). Esta vez en cambio no se “pachamanquerá” con la ocasional compañera, hay un dolor implícito en el agente que le marca un duelo y que hace alusión al título original un poco difícil de traducir al español, pero que alude a ese dolor irreparable que lleva por dentro el 007. Total, como cualquier ser humano, también tiene su corazoncito. Para pasar el rato no está mal.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

QUANTUM OF SOLACE
Dir.: Marc Forster
Guión: Paul Haggis y otros
c/ Daniel Craig (James Bond), Olga Kurylenko (Camille), Mathieu Amalric (Dominic Greene), Judi Dench (M), Giancarlo Giannini (Mathis), Gemma Arterton (Strawberry Fields)
UK, EEUU/2008/Acción***/Estrenos

JUNO

¿Porqué Juno gustó tanto donde ha sido exhibida? Quizás se deba a la temática, al tratamiento y a la puesta en escena para realizar el abordaje de un tema delicado: la entrega –por distintas causas- de un recién nacido a una familia que está dispuesta a criarlo.

Sin caer en el melodrama, y más bien con un tono ligero y desenfado, nos va contando la historia de esta adolescente que decide tener relaciones sexuales con el chico que le gusta (quien toma la iniciativa es ella) y dar a luz al niño fruto de esas relaciones. Esas peripecias es lo que hacen la delicia del filme, a lo cual se acompaña la interacción con la familia que decide adoptar al futuro recién nacido. Vemos como la aparente solidez de ese matrimonio que parece feliz en la foto, no lo es tanto en la vida real; mientras Juno va “creciendo” emocionalmente y volviéndose más perspicaz (en cierta forma es una Mafalda teenager). Y comenzará a apreciar al amigo que usó solo para tener sexo, valorando sus cualidades. El final –la entrega o no del bebé- es más realista y sin caer en los “happy end” trillados.

Juno es el ejemplo que se puede hacer un cine inteligente y creativo, sin caer en las fórmulas consabidas o los refritos, y sin contar tampoco con un “cast” impresionante.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

JUNO
Dir: Jason Reitman
Guión: Diablo Cody
c/ Ellen Page (Juno), Michael Cera (Bleeker), Jennifer Garner (Vanessa Loring), Jason Bateman (Mark Loring), Allison Janney (Bren)
EEUU/2007/ Comedia dramática***/Estreno

UN CUERPO DESNUDO

Si la cuenta no nos falla, catorceavo largo de Pancho Lombardi, de lejos nuestro principal cineasta contemporáneo.
Desde su primer largometraje, Muerte al amanecer (1977), la narrativa de Lombardi se centra en la temática urbana y sobretodo en explotar las situaciones límite al interior de un grupo humano, casi siempre encerrado claustrofóbicamente, sometidos a un punto de quiebre en su resistencia. También un leit motiv recurrente es la muerte, “personaje” que de una u otra manera aparece en casi todos sus filmes. Un cuerpo desnudo no podía ser la excepción.

Concentrada la acción en pocas horas, gira en torno a un grupo de amigos que todos los meses juega al póker y bebe pisco en grandes cantidades, “comandados” por el “Capitán Burdeles” (encarnado por Gustavo Bueno, actor cómplice de Lombardi). La rutina usual se verá trastocada por un homicidio accidental, la amante de uno de los amigos, muerta en un hostal. Como sucede en este tipo de películas con un cadáver en el centro de la trama, las acciones y reacciones del grupo es lo que cuenta. Como reaccionan frente al cadáver, las ideas que se les viene a la cabeza, el estar sometidos a la situación límite de la muerte y “la solución” que les impone deshacerse del cuerpo, todo aderezado con toques de humor negro. (Un buen ejemplo de lo que acontece en torno a un cadáver es La soga -1948- de Alfred Hitchcock, verdadera “pequeña joya” de este tipo de filmes).

Es allí donde a veces la historia flaquea, con lugares comunes y socorridos, uso de una jerga y costumbres limeñas más setenteras que contemporáneas (basta ver “la guayabera” del “Capitán Burdeles” para darnos cuenta que estamos ante tipos que viven en cierta forma en un pasado, lo cual se ve reforzado por la casa antigua y las viejas muñecas), y como no podía ser de otro modo, salen a flote las historias amorosas, ora dramáticas, ora cómicas, de los protagonistas. (¿Quién no se ha “enchuchado” con una mujer?).

Película menor en la filmografía de Lombardi (incluso parece que ha sido concebida de esa manera), de bajo presupuesto, aunque no desdeñable. Como siempre, el manejo de actores se impone, bastante cuidadoso, donde aparte de Gustavo Bueno, destaca Gonzalo Torres, el popular “Gonzalete”, ex pataclaun, que debuta como actor dramático. Encaja en el personaje. Por lo demás, de Carla Vallenas podemos decir que “como muerta” hace un buen papel.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

UN CUERPO DESNUDO
Dir.: José F. Lombardi
Guión: Joanna Lombardi y José F. Lombardi
c/ Gustavo Bueno (Capitán Burdeles), Gonzalo Torres (Doctore), José Miguel Arbulú (Coraza), Haysen Percovich (El Negro), Carla Vallenas (La víctima)
Perú/2008/Drama***/Estrenos

LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES

George Romero pensó esta película como una de “serie B” con actores poco conocidos, presupuesto bajo y para circular en lo que vendría a ser “cines de barrio”. No tenía demasiadas pretensiones, ni pertenecía tampoco al “star system” que le permita acceder a presupuestos elevados y estrellas conocidas, así que sin pena ni gloria se estrenó. Lo de “filme de culto” vino después, gracias sobretodo a los cinéfilos que les pareció sugestiva esta historia de zombies. Por cierto, no era la primera vez que el cine trataba el tema de los “muertos vivientes”, pero digamos que con Romero se popularizó e inspiró a otros realizadores a tratar de una u otra manera el tema. Todas las historias de zombies de Romero se centran en la misma estructura: un grupo humano es asediado por los muertos vivientes debiendo sobrevivir a toda costa, ello no quita que dentro del grupo de sobrevivientes existan conflictos que deban ser resueltos en forma crucial. La caracterización de los personajes es esencial para ser creíble la historia, así como los momentos en que “salta” el horror. La película tiene atmósfera, se “siente” el horror y nos deja en vilo de lo que vendrá después.
La noche de los muertos vivientes ha cumplido cuarenta años y si bien es posible que sus zombies parezcan muy lentos a las nuevas generaciones (incluso el ritmo de la película es un poco lento), ello no obsta en que se haya convertido en un referente obligado del cine de terror y de visión obligada para cualquier cinéfilo.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES [Night of the Living Dead]
Dir.: George A. Romero
Guión: John A. Russo y George A. Romero
c/ Duane Jones (Ben), Judith O'Dea (Barbra), Keith Wayne (Tom), Judith Ridley (Judy), Karl Hardman (Harry Cooper)
EEUU/1968/Terror***/Películas del ayer

CRIMEN OCULTO

Continuación del ciclo del realizador sobre el mundo adolescente y la muerte, suerte de parábola sobre la Norteamérica actual, muy lejos del “american dream”, cuya obra más lograda es Elephant. Esta vez aborda el mundo de los jóvenes que practican el skateboard, suerte de cofradía con rasgos comunes: adolescentes varones que hacen amistades de complicidades mutuas, siendo el deporte que practican una forma de desfogue de los problemas familiares. Lo más notable es esa fotografía morosa, que se soloza en los cuerpos adolescentes deslizándose en el monopatín, suerte de útero materno donde no hay tiempo ni problemas, mundo en el cual los adultos no pintan, o en todo caso son presentados en forma distante.
La cámara se regodea con esos cuerpos flexibles, plásticos, en una visión hedonista, totalmente desprejuiciada y atrevida. La anécdota (la muerte de un vigilante nocturno) es el pretexto para mostrarnos esos cuerpos púberes y flexibles al son del skate. Recordemos que Van Sant es homosexual confeso, por lo que en sus películas exhibe mucho los cuerpos masculinos, relegando a la mujer a roles secundarios como satisfadora sexual del hombre (el caso de Jennifer) o de amiga confidente (el caso de Macy), mientras que los hombres practican una amistad, digamos, “griega”. Con una estructura concéntrica, volvemos del pasado al presente, explicando cosas que se mantenían ocultas. Solo apta para cinéfilos.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

CRIMEN OCULTO [Paranoid Park]
Dir. y guión:Gus Van Sant, basado en la novela de Blake Nelson
c/ Gabe Nevins (Alex), Daniel Liu (Detective Richard Lu), Taylor Momsen (Jennifer),
Jake Miller (Jared), Lauren McKinney (Macy)
EEUU/2007/Drama***/Estrenos

BARRY LYNDON

Stanley Kubrick (1928-1999) fue uno de los pocos realizadores que impuso un sello especial a sus filmes y que navegó, con bastante fluidez, en distintos géneros: la ciencia ficción (“2001”), el erótico-pasional (“Lolita”, “Ojos bien cerrados”), el bélico (“La patrulla infernal”, “Nacido para matar”), el histórico (“Espartaco”), el terror (“El resplandor”), la violencia futurista (“La naranja mecánica”), la parodia bélica (“Dr. Insólito”), o el drama histórico (“Barry Lyndon”). A cada uno le puso ese toque especial que tenía: distanciamiento con lo que narra, antihéroes que no llegan a alcanzar lo que tanto anhelan, encontrando la muerte o la destrucción personal al querer alcanzar sus deseos, y, como buen ajedrecista, la disposición “geométrica” de los cuadros escénicos, haciendo también uso bastante frecuente con la cámara de “travellings” (fue uno de los pioneros con la “steadycam”); así como un cada vez más cuidadoso diseño de la producción (él mismo era el productor de sus filmes) que lo llevaba a demorar en sus últimos proyectos años antes de plasmarse en la pantalla; prácticamente era el “hombre orquesta” detrás de la cámara. Era muy minucioso, muy cuidadoso en sus filmes, repetía la toma de una escena decenas de veces, nunca quedaba satisfecho con el trabajo final y sus rodajes duraban muchos meses (“Barry Lyndon” duró, sólo el rodaje, nueve meses). Tampoco era un tipo al cual le gustase la publicidad, de allí que no era mucho de declarar ante los periodistas, como hacen otros directores, y vivía apartado en su mansión de Inglaterra, donde radicó desde los años 60 (Estados Unidos, su país de origen, no le gustaba mucho). Murió en pleno proceso de edición de su obra póstuma “Ojos bien cerrados” cuando no había llegado todavía a los 72 años.

“Barry Lyndon” (1975), es una obra hermosa, quizás la que tenga la más acabada fotografía de sus filmes (Stanley Kubrick venía del mundo de la fotografía, de allí que cuidase mucho ese aspecto), basada en la novela homónima de William Makepeace Thackeray (autor poco conocido en la actualidad, pero que –me parece- es mejor que Dickens, de quien fue coetáneo), narra el ascenso y caída de un oportunista en la Europa del siglo XVIII. Narrada a modo de la novela picaresca, vemos al personaje recorrer distintos escenarios, países, conocer diversidad de gentes de todos los estratos sociales, viendo a través de los ojos de Redmond Barry su irresistible ascenso, conforme le van sucediendo las aventuras. Veremos en esa Europa donde era un desafío el ascenso a otra clase social (la movilidad social prácticamente no existía) como éste individuo osado y con un olfato para coger “al vuelo” las oportunidades que la vida le presenta ascender hasta la nobleza británica y posteriormente caer en la desgracia, víctima de su ambición.
Es cierto que vista treinta años después, a “Barry Lyndon” se le nota un academicismo (de allí que haya sido la única película de Kubrick que la Academia de Hollywood premió generosamente, aunque nunca sin conseguir el Oscar a la mejor película o el mejor director) y un acartonamiento relativo en su escenificación, con un manierismo fotográfico excesivo que resiente el conjunto de la obra; pero no se puede negar que sigue maravillando esa hermosa fotografía que fue la delicia en su época (Kubrick quiso utilizar sólo luz de velas para las escenas de interiores, pero era imposible desde el punto de vista técnico, así que se le tuvo que agregar bujías a las velas a fin de conseguir esa iluminación cálida) y una reflexión filosófica subyacente, que se torna evidente en el cartel del epílogo: al final la muerte es la gran niveladora de las personas, ricos o pobres, feos o bonitos, mujeres u hombres, a todos nos iguala y lo que hagamos o dejemos de hacer (y lo que acumulemos en éste mundo) al final queda acá, nada nos llevamos. Ese escepticismo del realizador –que se puede apreciar en otras de sus películas- es más evidente en “Barry Lyndon”: al final nos afanamos por conseguir dinero, fama, fortuna o poder y la muerte nos lo arrebata de un zarpazo.
“Barry Lyndon” merece verse y rendirle ese tributo a un cineasta que fue un gran profesional en su oficio y que comprendió y supo usar como pocos ese lenguaje totalmente distinto al escrito como es el lenguaje cinematográfico.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

BARRY LYNDON
Adaptada para el cine y dirigida: Stanley Kubrick
c/ Ryan O’Neal (Barry Lyndon), Marisa Berenson (Lady Lyndon)
UK/1975/Drama histórico***/Dvd/Películas del ayer

DIOSES

Son pocas las realizaciones nacionales que se atreven a enfocar el mundo de los de arriba. Uno de los problemas es la falta de experiencias personales de los jóvenes realizadores al pertenecer más bien a los sectores medios. El destino no tiene favoritos fue una excepción, pero en tono de farsa. Dioses es la mirada desencantada y hedonista de ese mundo visto desde arriba.

La trama enfoca las relaciones entre Elisa, una joven arribista, y Agustín, un próspero empresario cincuentón que decide traerla a la casa familiar la que pudo ser solamente una amante. Pero, también está la relación incestuosa de Diego hacia su hermana Andrea, el embarazo no deseado de esta, y los personajes comparsa de ese mundillo de chismes, frivolidades y cosas con las que pasar el tiempo (dibujados bastante esquemáticamente y donde el tono farsesco se nota más). En contraposición, está el mundo de las empleadas domésticas, que brindan afecto a Diego y que son el sostén de la casa. Hasta allí todo bien. Todos son bellos, todos son “darlings” (lograda escena en la cual Elisa posa junto a la empleada mirando una casa a lo lejos, por los rasgos étnicos parecen madre e hija) y como dicen las empleadas en su lengua materna, refiriéndose a sus patrones, “solo chupan, bailan y duermen”, que son las escenas en que los vemos recurrentemente.

Sin embargo, eso que funciona muy bien por separado, se nota como algo muy aséptico, muy limpio, una trama que avanza sin que se note una naturalidad en el discurrir de lo narrado. Todo es como un mecanismo de relojería, perfecto, con un guión muy trabajado, pero impostado, artifical. A las perlas les faltó el collar que las una. La decadencia de ese mundo está allí, de eso no cabe duda, pero más allá de lo visto no suscita mayores emociones, le falta algo de “suciedad”, que solo se refleja cuando Diego camina por las calles de El Agustino, y que “lo sacudirá” para decidirse qué hacer con su vida (por lo visto será “un caviar”, con ONG propia terminados sus estudios de sociales); o cuando Elisa (el personaje mejor elaborado) visita a los suyos, orgullosa de haberse insertado en ese mundo, regresando triunfante a las raíces, ya convertida en una “diosa”, anunciando el inminente matrimonio con Agustín. En esas pocas escenas se nota “más vida” que en el mundo climatizado y limpio de los dioses (por cierto, la trayectoria de Elisa abre la película con la fiesta de “la presentación en sociedad” hasta su consolidación dentro de ese mundo en la escena del bautizo, convertida ya “en señora” de Agustín).

Dioses ha superado las fallas de su primer largo, pero a costa de un relato frío, sin vida y que a veces parece impostado. Por lo demás, Josué Méndez destaca como un buen realizador, con universo y estilo propio, buen manejo de actores y cuya continuidad merece seguirse.
En cuanto a actuaciones, excelentes las de Maricielo Effio y Edgar Saba, y en cuanto a los secundarios cabe destacar el breve rol de Pilar Brescia, ya “tía”, y actriz bastante desaprovechada últimamente en las producciones nacionales.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

DIOSES
Dir. y guión: Josue Mendez
c/ Maricielo Effio (Elisa), Anahí de Cárdenas (Andrea), Sergio Gjurinovic (Diego), Edgar Saba (Agustin), Pilar Brescia (Pilar)
Perú/2008/Drama***/Estrenos

LOS ÚLTIMOS DÍAS

Basada libremente en los últimos días de la vida del vocalista de “Nirvana”, Kurt Cobain, Gust Van Sant así como en “Elephant” propone un retrato de atmósferas más que de acción propiamente, de sentimientos muy arraigados internamente y a nivel sociológico un retrato de la juventud norteamericana sin horizonte y a la deriva (igual que en “Elephant” los protagonistas son marginales, “outsiders”, perdedores que el sistema ha desechado). Con “Last days”, Gus Van Sant filmó el tercer largo donde aborda la muerte y el mundo adolescente, y que comenzó con “Gerry” (2002), le siguió “Elephant” (2003), “Last days” (2005), y ha cerrado con “Paranoid Park” (2007), de reciente estreno entre nosotros.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

LOS ÚLTIMOS DÍAS [Last days]
Dir.: Gus Van Sant
c/ Michael Pitt (Blake)
EEUU/2005/Drama***/Las que nunca se estrenaron

EL SECRETO DE LOS INCAS

Una de las viejas películas en que se inspiró el personaje de Indiana Jones fue El secreto de los incas. Al igual que el célebre arqueólogo, el aventurero Harry Steele (interpretado por un joven Charlton Heston) busca los tesoros escondidos de los incas en un imaginario Cuzco. Arrogante, autosuficiente, hábil con los puños y las mujeres e inteligencia despierta, el personaje de Heston tiene la indumentaria que haría famoso al Dr. Jones: la casaca, el clásico sombrero, solo faltó el látigo.
La película es entretenida, está llena de aventuras, pero no es apta para quienes busquen la “fidelidad histórica” de nuestro país, aunque es divertida en esa ingenuidad con que nos dibuja.
A propósito, aparece en rol secundario una también joven Yma Sumac, luciendo con sus cánticos que la hicieron famosa en el hemisferio norte. Oportunidad para apreciarla en todo su esplendor.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

EL SECRETO DE LOS INCAS [Secret of the Incas]
Dir.: Jerry Hopper
Guión: Ranald MacDougall y Sydney Boehm
c/ Charlton Heston (Harry Steele), Robert Young (Stanley Moorehead), Nicole Maurey (Elena Antonescu), Thomas Mitchell (Ed Morgan), Michael Pate (Pachacutec), Yma Sumac (Kori-Tica)
EEUU/1954/Aventuras***/Dvd/Películas del ayer

UNA GUERRA DE PELÍCULA

Las parodias son un sub género dentro de la comedia norteamericana que tiene logros notables como “Doctor Stangelove” (1964) de Stanley Kubrick que parodiaba las provocaciones belicistas en plena guerra fría. Precisamente, Ben Stiller incursionó detrás de las cámaras con Zoolander, una comedia que parodiaba el mundo de la moda y a los modelos. El balance fue bueno, aunque en ocasiones había excesos. Esta vez arremete contra las estrellas de Hollywood y el mundillo del glamour y los mitos de las “super stars”, parodiando un género yanqui por excelencia: el bélico. Los “guiños” a filmes de guerra ya clásicos como Apocalipsis ahora o Pelotón son evidentes, amén de contar con “un duro” del género en el reparto como el ya veterano Nick Nolte. Asimismo, como en Zoolander, Stiller le impone un toque de humor negro a la comedia, aunque esta vez lo trata de “estirar” lo más que puede con la explosión por una mina que mata al director de la película. Humor negro y cruel.

Un actor que se compenetra con su personaje a tal punto de obsesión que se aplica pigmentación bajo la piel a fin de parecer negro; otro que solo es “cara bonita” y cuya estrella va en descenso, un tercero que es drogadicto dependiente y no puede vivir sin la cocaína, y para remate un héroe falso en cuyas memorias se inspira el filme que se está rodando y que nunca luchó en Vietnam. Nos pinta un mundillo nada bonito, destrozando los mitos de las estrellas, así como quién manda realmente dentro de una película. No es el director como se supone, sino el productor, el que maneja los hilos, el quen tiene “la sartén por el mango”, amo de vidas y destinos, encarnado en un irreconocible Tom Cruise como el productor prepotente, arrogante y arbitrario, que se zurra en todo.

Si bien no es una gran película (a Stiller todavía lo domina el gag fácil, la vulgaridad y hasta lo chocante, amén de un narcisismo evidente al ser el protagónico), pero está mejor equilibrada que su primer largo, y se pasa un rato agradable.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

UNA GUERRA DE PELÍCULA [Tropic Thunder]
Dir.: Ben Stiller
Guión: Ben Stiller y Justin Theroux
c/ Ben Stiller (Tugg Speedman), Robert Downey Jr. (Kirk Lazarus), Jack Black (Jeff Portnoy), Nick Nolte (Four Leaf Tayback), Tom Cruise (Les Grossman), Matthew McConaughey (Rick Peck)
EEUU/2008/Comedia***/Estrenos