sábado, septiembre 01, 2007

LA VIDA DE LOS OTROS


La película se inscribe en la categoría de ficciones ambientadas en la extinta RDA, como Adios Lenin, película de tono satírico de aquella etapa histórica y estrenada comercialmente en nuestro medio. Esta vez se trata de un drama bien llevado y de cómo evoluciona la conciencia de un agente de la policía secreta bajo el régimen socialista.

La vida…se sitúa en la temible Stasi, policía secreta que se encarga de vigilar a los ciudadanos alemanes y por tanto violar sin pudor alguno la intimidad de todos a fin de averiguar si se dedican a actividades contra el régimen. Dentro de esa fría y eficiente maquinaria tenemos a un funcionario Wiesler (Ulrich Mühe), que cumple eficientemente su labor sin dudas ni murmuraciones hasta que le encomiendan el caso de averiguar si el intelectual Dreyman (Sebastian Koch) realiza actividades consideradas contrarias al estado. La pericia del realizador está en mostrar en paralelo la vida de ambos, vidas que se entrecruzan pero que jamás se llegan a tocar. Uno, intelectual de éxito no solo en la RDA sino en Occidente, tiene como amante a Christa Sieland (Martina Gedeck) actriz muy popular y querida por el público; el otro tiene una vida austera, casi espartana (en una escena entramos a su apartamento) y en solitario (desfoga sus necesidades sexuales con prostitutas), dedicado íntegramente a su trabajo con devoción y convicción hasta que le encargan la misión de investigar al intelectual mimado del régimen totalitario.

El proceso de cambio que sufre este policía es lo más rico en cuanto a registro expresivo. No es necesario que verbalice la insatisfacción que siente y el posible asco que le está dando su trabajo (el seguimiento de Dreyman se debe no a razones políticas sino a que es rival amoroso de un ministro que lo quiere sacar de la vida de su amante), basta los gestos, una mirada o una frase al azar como cuando dice -expresando que no almuerza en el lugar de los funcionarios sino junto a los subalternos- “en algún lugar debe empezar el socialismo”, aludiendo a la idea de igualdad y que el socialismo como sistema igualitario no existe más allá de los discursos y textos oficiales.

Es interesante cómo este policía va tomando conciencia de lo que significa el régimen, que los ideales están muy lejos de materializarse y que todo es una gran mascarada a fin de conservar el poder una burocracia privilegiada que vive gracias a ese poder. Es la conciencia de si y de su entorno lo que hace cambiar a Wiesler; como propugnaba Carlos Marx de tomar conciencia de si mismo el proletario y de su lugar en la maquinaria capitalista, solo que esta vez es en la maquinaria del supuesto paraíso socialista.

Otro aspecto importante es que la Stasi no es tratada como un ente malévolo y despiadado, sino más bien una fría y eficiente maquinaria (el color azul acero ayuda a esta percepción de frialdad) cuyo solo nombre inspira temor. Los métodos y la sistematización que han elaborado son sorprendentes, superando incluso a los nazis en sutileza y en obtener resultados. Basta ver los ojos de miedo de la vecina de Dreyman si revela el espionaje a su vecino para darse cuenta el temor que inspira; o cuando nos enteramos por boca del niño lo que su padre piensa de la policía secreta del régimen, sentir de los ciudadanos anónimos. El realizador no exagera, se limita a registrar las evidencias casi documentalmente.

Sin embargo hay fallos, como el final, demasiado largo y quizás innecesario. Lo que viene después está sobrando: la caída del muro de Berlín, el libro que Dreyman escribe sobre Wiesler y la adquisición de un ejemplar por parte de éste, era preferible obviarlo, se habría ganado en una mayor dimensión dramática de lo que significó para el ciudadano común y corriente vivir en un régimen policial supuestamente en aras de un mundo mejor. Sin embargo, a pesar de esos fallos, “La vida de los otros” merece verse y es uno de los títulos más interesantes del año.
Eduardo Jiménez J.
lagartocine@yahoo.es

lunes, agosto 20, 2007


LA DALIA NEGRA


Irregular filme de Brian De Palma en el estilo del cine policial negro, intentando “calcar” las convenciones del género. A ratos decae el suspenso y la historia se vuelve sosa y aburrida. Lo peor está en el desenlace, cuando el joven policía Bucky Bleichert descubre el misterioso asesinato. Lo que es el punto culminante, el clímax, se torna histérico y hasta risible con la intervención de la madre neurótica, que en una escena de mal gusto, se mata delante de todos.

Lo mejor: la escena de voyeurismo, cuando una cámara “mirona” penetra en el cuarto del motel donde están en los prolegómenos del amor Bucky y Madeleine, registrando la cámara los escarceos amorosos de la pareja desde la ventana del cuarto. Ese es el Brian De Palma inspirado, discípulo del viejo Hitchcock.

Por lo demás, las actuaciones son disparejas. Quien está mejor es Hilary Swank en su papel de “vampiresa”. Le sigue Scarlett Johansson como la rubia con un pasado inconfesable. Pero, quien es un “palo” es el actor Josh Hartnett como el policía bueno, resaltando su inexpresividad al ser el protagónico que cuenta la historia en primera persona.

Parece que a Brian De Palma le pasa lo mismo que a otros realizadores más o menos contemporáneos a él como Martin Scorsese, Peter Bogdanovich o George Lucas: sus mejores obras las han hecho en la juventud y ahora son repetitivos, hacen películas “con receta”, sin el vigor y la imaginación de antaño.

Ojalá Brian De Palma tenga su “canto del cisne”. Es un realizador que se lo merece.
lagartocine@yahoo.es

LA DALIA NEGRA [The Black Dahlia]
Dir.: Brian De Palma
Guión: Josh Friedman; basado en la novela de James Ellroy
c/ Josh Hartnett (Bucky Bleichert), Scarlett Johansson (Kay Lake), Aaron Eckhart (Lee Blanchard), Hilary Swank (Madeleine Linscott), Mia Kirshner (Elizabeth Short/La Dalia Negra), Mike Starr (Russ Millard), Fiona Shaw (Ramona Linscott), Patrick Fischler (Ellis Loew)
EEUU-Ale/2006/ Thriller***


jueves, agosto 09, 2007


LA GRAN SANGRE: LA PELÍCULA


El hacer cine comercial en el Perú es un reto. Verdad de Perogrullo, pero cierta para todos aquellos que apuestan al mercado nacional con un producto de entretenimiento.

Por cierto, no estoy en la posición de los que –en un posado intelectualismo- aspiran a que el cine peruano solo debe tener como misión trascendental la de reflejar nuestra realidad social y su problemática, creando identidad nacional; finalidad que a lo sumo puede ser secundaria y las más de las veces obtenida de manera involuntaria, pero no estéticamente la finalidad última del cine nacional.

Cuando los mensajes “sociales” son deliberados –es decir concientes- se cae en el pastiche, la propaganda política plana, la impostura (que es lo que le sucede a La gran sangre cuando manda sus mensajes “positivos” de afirmación de la nacionalidad y de lucha contra la corrupción) y otros esperpentos de triste olvido.

Por eso, los que apuestan por el mercado nacional y se proyectan al extranjero, tienen como objetivo primordial el box office, la taquilla, por lo que el producto ofrecido debe ser “vendible”; aunque, corren el riesgo de caer en productos de similares características, que apuestan sobreseguro y que cuentan con alto presupuesto, como sucede con infinidad de películas norteamericanas, por lo que se convierten en productos desechables en el corto plazo. Algo de eso le ocurre también a La gran sangre.

Tarde o temprano iban a pasar a la pantalla grande dada la gran sintonía de la serie de televisión, el asunto era cómo pasar, si haciendo una película original que rompa los parámetros de la serie de tv (ejemplo: el filme Misión Imposible de Brian de Palma) o una que sea secuela de la serie. Se apostó por lo segundo, debido a la identificación de los seguidores, que en nuestro país son legión, solo que –a diferencia de tantas películas norteamericanas- fue realizada con un presupuesto más modesto y actores locales que cobrarían también sumas más modestas.

Es así que La gran sangre tiene ese aire entre Kill Bill, las películas de Bruce Lee y la popular serie de tv de los años 80 Los magníficos (The A-Team), que es de donde toma la caracterización de sus personajes principales, adaptados a la idiosincracia peruana (no entro en la polémica de plagio difundida recientemente, en todo caso sería “un plagio del plagio” ya que la influencia de The A-Team es bastante evidente).

Pero, un problema inicial que se presenta a la película es la caracterización de los villanos, los que tienen tintes demasiado recargados. Es decir son tan malos tan malos que parecen estereotipos de villanos, parodia de malos. Es lo que pasa cuando las tintas se recargan demasiado, que se termina consiguiendo el efecto contrario al buscado. Igual pasa con la gratuidad de los flash backs (saltos temporales hacia el pasado), donde se da cuenta del gran afecto filial de Rocha hacia Marcos, lo que se verbaliza y se muestra en imágenes a la vez. Pasa lo mismo con el desacierto de “sacarse bajo la manga” a Althea como infiltrada en la banda de Rocha. No es muy creíble, ni tampoco en cómo salva a los supuestos “ajusticiados” por el narcotraficante. Aunque en honor a la verdad, ese dar un giro de 180º a un personaje contra toda lógica del relato es un recurso bastante manoseado actualmente por el peor cine norteamericano. Igual pasa con los chistes bastante socorridos que van “salpicando” la historia.

De repente faltó un mejor guión, mayor trabajo y preparación del mismo. Vemos muchas escenas que parecen gratuitas o que no trasmiten una secuencialidad narrativa lógica, esto último claro es más falta de un uso adecuado del lenguaje cinematográfico que de la estructura del guión propiamente.

Por lo demás, lo rescatable son las escenas de acción, muy bien llevadas, sobretodo la persecución en automóvil con que se abre la película. Igual de logrado es el uso del flash forward (salto temporal hacia el futuro) donde mientras el grupo de la Gran Sangre prepara el golpe contra Rocha, se da cuenta, en montaje sucesivo, de la acción que se detalla en ese plan. Se gana en agilidad y en tensión dramática.

Todo parece indicar que tendremos una continuación. Esperemos que sea mejor. No por ser solo un producto comercial se debe olvidar la calidad. Como todo mercado, el cinematográfico también tiene consumidores exigentes, salvo que se piense que por ser peruano el público acepta todo. Error que sería garrafal.
lagartocine@yahoo.es


LA GRAN SANGRE: LA PELÍCULA
Dir.: Jorge Carmona
Guión: Jorge Carmona, Aldo Miyashiro
c/ Carlos Alcántara (Dragón), Pietro Sibille (Mandril), Aldo Miyashiro (Tony Blades), Melania Urbina (Althea), José Alonso (El Rocha), Sergio Galliani (Santos), Jason Day (Marcos)
Perú/2007/Acción**/Estrenos

viernes, agosto 03, 2007


LOS SIMPSON: LA PELÍCULA


Con ansiosa espera para sus segidores llega a la pantalla grande, luego de veinte años, la popular serie de dibujos animados, considerados por algunos como la más popular desde Los Picapiedras.

Realmente tiene el estilo visual y la caracterización de los episodios de tv, solo que en una historia de hora y treinta, que la verdad se pasa sin sentir ya que desde el inicio se goza con las secuencias que iremos viendo.

Otra característica que la asemeja a la serie de tv es que no está hecha en digital, como muchas animaciones recientes, sino en 2D, lo cual contribuye a que los seguidores de la familia amarilla la asocien sin mayores complicaciones y la acojan con naturalidad.

Sin embargo, la discusión de la opción del 2D o el 3D deviene en bizantina de no contar con un buen guión como se aprecia en la película. No hay nada al azar o a la improvisación, sino una historia muy bien hilvanada de principio a fin, y como siempre burlándose de todas las instituciones sociales y políticas de Norteamérica, ahora hasta del Presidente, un Arnold Schwarzenegger que actúa mismo Terminator (“la gente ha votado por mí no para leer” le espeta a su asesor en asuntos ambientales cuando este le recomienda que lea las opciones posibles que se pueden tomar en Springfield).

Deliciosa e inteligente comedia, quien desee pasar un buen momento no se la pierda.
lagartocine@yahoo.es


LOS SIMPSON: LA PELÍCULA [The Simpsons movie]
Dir: David Silverman
Guión: James L. Brooks, Matt Groening, Mike Reiss, George Meyer, Ian Maxtone-Graham, John Swartzwelder, Matt Selman, David Mirkin, Al Jean, Mike Scully y Jon Vitti; basado en los personajes creados por Matt Groening
EEUU/2007/Animación***/Estrenos


lunes, julio 30, 2007


11 ENCUENTRO LATINOAMERICANO DE CINE


El festival de cine ya es una institución a nivel regional, y si bien es imposible ver todas las películas, por lo menos algunas de ellas. Para los cinéfilos que gusten del cine alternativo más allá de la pobre cartelera comercial va esta noticia de la página web del CC de la PUCP http://www.elcine.pucp.edu.pe/noticias_pucp/index.php?option=com_content&task=view&id=1827&Itemid=1


Tras una ingeniosa campaña de intriga en la que se preguntaba qué querían ser distintos personajes vinculados al cine cuando tenían 11 años, se develó el misterio. Este 19 de julio se llevó a cabo la conferencia de prensa del Festival de Lima, 11 Encuentro Latinoamericano de Cine, organizado por el Centro Cultural de la PUCP. Aquí se reunirán a 45 películas en competencia, entre ficciones, óperas primas y documentales; además de actores, guionistas, productores y directores de distintos países.En la presentación, Edgar Saba, director general del CCPUCP, señaló que esta segunda década significa una nueva etapa en el desarrollo del Festival. De esta manera, las películas serán exhibidas en más salas en Lima y Arequipa. Este año se rendirá homenaje a los actores Mercedes Sampietro y José Wilker, el productor Camilo Vives, así como al guionista y realizador Manuel Pérez Estremera. También se homenajeará póstumamente al poeta, guionista y director artístico José Watanabe y al poeta y cineasta Pablo Guevara.Otras de las novedades es el Cine Tour 2007, que presentará películas recientes del cine francés y una selección de seis películas del Festival de Toronto. Además, se llevará a cabo la Semana de la Crítica de Cannes. Otras interesantes actividades serán las muestras en digital, seminarios, la muestra de arte contemporáneo Godard, el concurso de cortometrajes nacionales Filmo-Corto (organizado por la Filmoteca PUCP) y una muestra de seis películas chilenas.Las entradas estarán a la venta desde el domingo 22 de julio de 9:00 a.m. a 9:00 p.m. en la boletería del CCPUCP (Camino Real 1075, San Isidro) y en la cadena Cineplanet.

viernes, julio 27, 2007


TRANSFORMERS


Lograda adaptación al cine del popular cómic japonés

Transformers gana en agilidad, vigor y tensión, en un relato que mantiene en vilo al espectador desde las primeras imágenes, pasando desapercibidas las poco más de dos horas de duración (algo que no se puede decir de muchos blockbusters).

Una cámara que no está tranquila en ningún momento, escenas donde siempre hay acción y una aplicación de máquinas y efectos especiales al servicio de la historia y no al revés.

Detrás de todo este esfuerzo se siente la mano de Steven Spielberg como productor ejecutivo, quien desde sus primeros filmes se valió de máquinas. El diablo sobre ruedas (Duel, 1971) era una historia donde un camión era el “asesino” (nunca veíamos al conductor), camión que cobraba vida propia al querer sacar de carretera al auto de Dennis Weaver. Ni que decir de los “animatronics” usados en Tiburón, Encuentros cercanos del tercer tipo o ET hasta los robots de Inteligencia Artificial, proyecto spielbergiano de madurez. Difícil suponer que de no estar SS al mando de la producción, el aburrido Michael Bay (Armageddon, Pearl Harbor) habría logrado hacer una historia interesante.

Pero la película no solo gana en agilidad y tensión a favor de una historia a la usanza de los viejos directores del Hollywood clásico (inspiradores de Spielberg), sino que sabe burlarse de si mismo. Hay “gags” desperdigados a lo largo del relato que lo hacen más llevadero. Desde el “guiño” a Kill Bill hasta la tomadura de pelo al agente del FBI (con ropa interior con el emblema en el pecho al estilo Superman de la enigmática Sección 7) o al mismo presidente de los Estados Unidos (de quien apenas vemos su mal gusto en usar medias rojas) quien en plena crisis solo atina a pedir unos dulces dentro del Air Force One. Esas burlas al sistema y a sus máximas autoridades haciéndolas aparecer como tontas, incapaces o patanes es un oasis de delicia que los viejos realizadores sabían explotar bien.

Logradas también las escenas de acción, así como la lucha final, y la caracterización de los personajes (por cierto el personaje central como adolescente de clase media de un pueblo de los EEUU es una marca de Spielberg).

Todo hace presagiar que de aquí a un tiempo tendremos una continuación. Ojalá esté al nivel o sea superior a la presente. Transformers sin ser pretenciosa cumple con ser un buen relato, y frente a tantos bodrios exhibidos como “la octava maravilla” es mérito más que suficiente.
lagartocine@yahoo.es


TRANSFORMERS
Dir: Michael Bay
Guión: Roberto Orci y Alex Kurtzman; a partir de una historia de Roberto Orci, Alex Kurtzman y John Rogers; basada en los muñecos Transformers de Hasbro
Producción ejecutiva: Steven Spielberg, Michael Bay, Brian Goldner y Mark Vahradian
c/ Shia LaBeouf (Sam Witwicky), Tyrese Gibson (sargento Epps), Josh Duhamel (capitán Lennox), Anthony Anderson (Glen Whitmann), Rachael Taylor (Maggie Madsen), Megan Fox (Mikaela Banes), John Turturro (agente Simmons), Jon Voight (John Keller), Kevin Dunn (Ron Witwicky), Michael O'Neill (Tom Banacheck), Julie White (Judy Witwicky)
EEUU/2007/Acción, CF***/Estreno


lunes, julio 23, 2007


HARRY POTTER Y LA ORDEN DEL FÉNIX

Las adaptaciones de sagas de libros muy famosos adolecen del peor pecado que se puede perpetuar en una adaptación cinematográfica: la literalidad. Es decir, deben basarse al pie de la letra en lo que el texto describa. Es lo que sucede con todas las adaptaciones de HP, por lo que sus versiones fílmicas no pasan de la medianía, con la notable excepción de la realizada por el mexicano internacionalizado Alfonso Cuarón.

La literalidad de las adaptaciones obedece a un dictum del mercado: los consumidores son mayormente jóvenes y adolescentes que han leído las novelas y quieren ver en la pantalla lo que la novela describe. Es un consumo masivo que debe ser satisfecho y explotado a partir de los textos literarios a fin de obtener la máxima rentabilidad económica posible, incluyendo toda la parafernalia lateral del merchaidaising como polos, juguetes, stickers, etcétera, etcétera.

La adaptación de HP y la orden del fénix no es la excepción. Tiene dos partes claramente diferenciadas: la primera es la más extensa e interesante, y trata sobre el agrupamiento de las fuerzas del mal para lo que será el regreso de Lord Voldemort. Como contrapartida se hace necesario aunar las fuerzas del bien bajo la batuta de Harry, con el agravante de un Ministerio de la Magia torpe y burocratizado y una inquisidora miope y parametrada en reglamentos que obstaculizan las labores de defensa de los muchachos.

La tensión entre la incuria burocrática y las fuerzas del bien bajo la batuta del buen Harry es lo mejor del filme; lo que le da vida y mueve a la acción, sobretodo por la magnífica actuación de Imelda Staunton como la inquisidora Dolores Umbridge, dándole ese toque entre farsesco, estereotipado y de cómic a su personaje (algunos dicen que ha sido una parodia de la ex primera ministra Margaret Thatcher, personalmente creo que está lejos de eso).

Y en medio de esa tormenta que se viene, por fin el primer beso entre Harry y Cho, que pasa desapercibido, como que los tiempos no están para romanticismos.

Dentro de los personajes secundarios nuevos la que resalta es Luna Lovegood, adolescente que pareciera estar siempre en otro mundo, suerte de Johnny Deep femenino. Los amigos de Harry esta vez quedan en un segundo plano y se extraña una mayor presencia de Hermione, quien realmente es la que descubre los enigmas que se plantean en la vida de Harry, aparte de las soluciones efectivas que propone, suerte de Atenea juvenil. Y pasan también desapercibidas las breves apariciones de actrices de quilates como Helen Bonham Carter y Emma Thompson, un tanto desperdiciadas la excelente dupla de actrices inglesas. La primera irreconocible en el papel de una peligrosa fugitiva de la prisión de Azkaban y la segunda como una tímida profesora de la Escuela de Hodgwarts.

No obstante, la película ha ganado en agilidad y acción, como que ha ido creciendo, así como Harry y sus amigos (la secuencia del duelo final está muy bien lograda), muy superior a las versiones sosas y aburridas de Chris Columbus.

Filme de secuela, deja el camino abonado para lo que vendrá en los dos últimos capítulos de la saga.
lagartocine@yahoo.es

HARRY POTTER Y LA ORDEN DEL FÉNIX [Harry Potter and the Order of the Phoenix]
Dir.: David Yates
Guión: Michael Goldenberg; basado en la novela de J.K. Rowling
c/ Daniel Radcliffe (Harry Potter), Rupert Grint (Ron Weasley), Emma Watson (Hermione Granger), Helena Bonham Carter (Bellatrix Lestrange), Michael Gambon (Albus Dumbledore), Ralph Fiennes (Lord Voldemort), Gary Oldman (Sirius Black), Alan Rickman (Severus Snape), Maggie Smith (Minerva McGonagall), Imelda Staunton (Dolores Umbridge), Emma Thompson (Sybil Trelawney), Evanna Lynch (Luna Lovegood).
UK-USA/2007/Acción, fantasía***


lunes, julio 16, 2007


EL PLANETA DE LOS SIMIOS


Cuando se realizó El planeta de los simios nunca se pensó la enorme repercusión que iba a tener, que a la larga produjo una secuela de cuatro películas más, una serie de dibujos animados y un remake de Tim Burton bastante inferior al original, a pesar de contar con sofisticados artilugios digitales, de lo que carecía la versión de 1968 que se debía contentar con trajes de látex y piedras de cartón.

Y, es que dentro de las distopías (la extinción de la civilización y posterior barbarie de la raza humana) tocaba un nervio muy sensitivo al ser humano, que por la tradición judeo cristiana se sentía el amo y señor del universo. Planteaba que el hombre podía regresar a etapas animalescas, perder todo vestigio de civilización y cultura, y ocupar su lugar una raza de simios que en evolución posterior consiguen hablar y crear un ambiente civilizatorio y urbano muy similar al que tuvo el hombre en otras épocas. Dejaba de lado la aparente invulnerabilidad y superioridad del hombre –de la cual siempre se ha sentido muy orgulloso- y planteaba la posibilidad de ocupar su lugar otros animales considerados en la “escala inferior”. Ese planteamiento remezaba la superioridad del ser humano sobre las demás especies, debido a que ya no eran alienígenas de otro planeta los que dominaban al hombre -que por añadidura poseían una tecnología más avanzada por lo que se comprendía la dominación-, sino animales que evolucionaban al dejar el hombre el vacío de su “superioridad” debido a la autodestrucción infligida en una guerra nuclear (era la época de la guerra fría entre los Estados Unidos y la Unión Soviética).

El final de la película era de un pesimismo bastante brutal. Taylor, el astronauta sobreviviente, escéptico sobre la raza humana (Charlton Heston le confiere una dimensión shakespeariana a su personaje, uno de los más memorables de su dilatada carrera actoral) se da cuenta –y por extensión los espectadores- que “el planeta de los simios” que él supone un planeta en otra galaxia, es la tierra misma, dos mil años después, destruida por el propio hombre en su afán de hegemonismo.

La segunda parte Regreso al planeta de los simios (Beneath the Planet of the Apes, 1970), confirmaba ese pesimismo, con la destrucción del planeta y el fin de todo vestigio de vida; aunque en la última parte de la saga, La batalla del planeta de los simios (Battle for the Planet of the Apes, 1973), ya al finalizar se insinuaba una leve esperanza de conviviencia y tolerancia entre simios y humanos, fruto de la era de paz y amor de la onda hippie de aquellos años. Sin embargo, ninguna de las secuelas alcanzó el nivel dramático de la primera parte, siendo más productos comerciales debido a la enorme aceptación que supuso la película inicial.
Vista ahora después de muchos años, gracias al DVD, El planeta de los simios conserva todo su vigencia y frescura inicial. Recuerdo que la primera vez que la visioné no pensaba que la humanidad estuviera tan desbocada como para autodestruirse y que al final el sentido común se iba a imponer. Era un joven soñador que creía que la evolución se producía a modo de una escalera ascensional y que no existían regresiones a etapas ya superadas. Ahora, treinta años después, con algunas canas de por medio, creo que el ser humano es capaz de todo, hasta de autodestruirse y regresionar a otros estadios. Al final Tanatos le está ganando la partida a Eros. En ese sentido, El planeta de los simios conserva toda su vigencia.
lagartocine@yahoo.es


EL PLANETA DE LOS SIMIOS [Planet of the apes]
Dir.: Franklin J. Schaffner
Guión: Micheal Wilson, basado en la novela de Pierre Boullec/ Charlton Heston (George Taylor), Roddy McDowall (Cornelio), Kim Hunter (Zira), Maurice Evans (Dr. Zaius), Linda Harrison (Nova)
EEUU/1968/Ciencia ficción+++/DVD


lunes, julio 09, 2007


2046


El amor trasformado en melancolía

2046 es en cierta forma la continuación de Deseando amar (o Con ánimo de amar, como es su otro título en español), siendo el nexo común entre ambas el personaje de Chow, algunos años después.

Quien haya visto Deseando amar (2000) podrá comprender mejor la trama de 2046, trama mucho más compleja y mezcla de realidad y sueños, de deseos frustrados e imaginación, donde el personaje principal es el amor imposible vuelto melancolía.

Todos los personajes que desfilan por 2046 han sufrido de un amor contrariado, un pasado pasional tormentoso, que no pueden ni quieren olvidar (la referencia a 2046 es de un espacio simbólico, sin tiempo definido, donde se desatan todas las pasiones contenidas).

Chow se ha vuelto cínico en el amor, como un mecanismo de defensa a fin que no lo vuelvan a herir, sin compromisos duraderos y sin ataduras, para así seguir viviendo su amor frustrado. Es un náufrago en la vida, vive de artículos mal pagados en periódicos y de novelitas pornográficas, encontrando en su camino a mujeres que sufren igual que él.

Refugio para el amor, como es la melancolía y los recuerdos del pasado (a lo que ayuda la luz azul –el color de la melancolía- que baña el rostro de los protagonistas), la película va desarrollándose en un clima de tristeza, con un aire lánguido como esos amores que no se consuman, y un sentimiento triste y melancólico como son los amores contrariados. Como dice el preámbulo de la película Todos los recuerdos son rastros de lágrimas.

Hermosa película, más para sentirla que para razonarla, involucrando al espectador, sobretodo aquel que alguna vez en su vida haya naufragado en una 2046.
lagartocine@yahoo.es


2046
Dirección y guión: Wong Kar-Wai.
c/ Tony Leung (Chow Mo Wan), Gong Li (Su Li Zhen), Takuya (Tak Kimura), Faye Wong (Wang Jing Wen), Zhang Ziyi (Bai Ling), Carina Lau (Lulu/Mimi), Chang Chen (CC 1966), Wang Sum (Sr. Wang/Jefe del tren), Siu Ping Lam (Ah Ping), Maggie Cheung (SLZ 1960), Dong Jie (Wang Jie Wen).
China/2004/Drama romántico***/DVD

jueves, julio 05, 2007


LOS 4 FANTÁSTICOS Y SILVER SURFER


Regular secuela

Como toda historieta de superhéroes que haya tenido cierto éxito en la taquilla, una secuela no iba a tardar. Esta vez se trata de enfrentar a un ser devorador de mundos venido del lejano espacio, cuyo heraldo es un tablista intergaláctico (Silver surfer).

Lo malo es que la historia es poco consistente. Diálogos pobres y poco ingeniosos, caracterizaciones de los personajes muy superficiales, chatos en el peor sentido de la palabra, situaciones trilladas y una trama que avanza a fuerza de efectos especiales, estancándose la película en ciertas partes; aunque comparándola con la predecesora está mejor, lo cual es decir bastante.

Pensada y diseñada para el consumo masivo de niños y adolescentes no muy exigentes que gozan de las vacaciones en el hemisferio septentrional, pasa sin pena ni gloria.
lagartocine@yahoo.es


LOS 4 FANTÁSTICOS Y SILVER SURFER [Fantastic Four: Rise of the Silver Surfer]

Dir: Tim Story

Guión: Don Payne; basado en un argumento de Mark Frost; sobre los personajes creados por Stan Lee y Jack Kirby

c/ Ioan Gruffud (Reed Richards/Mr. Fantástico), Jessica Alba (Susan Storm/La Mujer Invisible), Chris Evans (Johnny Storm/La Antorcha Humana), Michael Chiklis (Ben Grimm/La Cosa), Julian McMahon (Victor Von Doom/Dr. Muerte)

EEUU/2007/Acción, fantástico**

lunes, julio 02, 2007


CALÍGULA


Cuando se estrenó Calígula en 1980 causó revuelo por las escenas de sexo explícito que contenía. Fue considerada como el “porno histórico” por excelencia y el más caro en presupuesto (costó quince millones de dólares). Según cuenta la leyenda, luego del escándalo por el estreno muchos de los que participaron pidieron ser “borrados” de los créditos. El “roche” en esos años todavía era grande.

Aunque el filme se mantiene fresco, lozano como cuando fue su estreno, pero ahora se puede ver con cierta inocencia y hasta piedad, después de lo que vino en materia de sexo explícito en los medios audiovisuales. A pesar de ello, la verdad que Calígula pudo ser mejor. Pudo haber sido una película sobre el poder y como corrompe a los hombres, visto desde el lado del sexo. Sobre el autoritarismo de quien detenta el poder y cómo puede llegar a humillar a las personas hasta que cometan actos execrables a la naturaleza, a la manera del Saló de Pasolini.

Pero, las escenas que contiene son de sexo gratuito, sin ton ni son. Un emperador loco que tiene gustos sexuales bastante abyectos. Visto a la distancia de los años, las escenas que tanto escandalizaron no son nada ahora frente a todo lo que se ve hoy día en la televisión y el cine. Hasta Calígula parece solo un niño inocente, caprichoso y desorientado que no sabe como canalizar sus impulsos libidinosos. Ni las escenas de claro incesto con su hermana Drusilla llaman en estos días la atención.

El filme fue la cumbre del actor británico Malcolm McDowell que interpreta en su clásico estilo al degenerado emperador. Si bien La naranja mecánica de Stanley Kubrick lo hizo famoso y ya era conocido por algunas películas de Lindsay Anderson (If, Hospital Britannia), fue con Calígula que llegó a la cúspide. De allí en adelante iniciaría un lento declive hasta su eclipse.

Y, si bien es exagerado tipificarlo como un “clásico”; es un placer ver a una joven Helen Mirren interpretando a la promiscua Caesonia. Solo por ella vale la pena ver de nuevo Calígula, que por cierto en esta versión de DVD (con material extra) llega con cerca de dos horas treinta, un poco más que en su duración original del estreno, aquel ya lejano 1980.
lagartocine@yahoo.es
CALÍGULA
Dir: Tinto Brass
Guión: Gore Vidal, Bob Guccione, Giancarlo Lui
c/ Malcolm McDowell (Calígula), Peter O'Toole (Tiberio), John Gielgud (Nerva), Helen Mirren (Caesonia), Teresa Ann Savoy (Drusilla), John Steiner (Longinus), Guido Mannari (Macro)
EEUU-Ita/1979/Porno histórico***/DVD


martes, junio 26, 2007


EL MAULLIDO DEL GATO
Interesante filme sobre el mundo de la farándula a través de un hecho acaecido en los años 20 entre personajes famosos: la muerte por error de un conocido productor de películas silentes por el magnate William Hearst en un paseo en yate, víctima de los celos por el enamoramiento que hacía Charles Chaplin sentía su amante Marion Davies.

Bogdanovich, cual entomólogo, comienza a auscultar a estos célebres personajes del pasado con una frialdad pero a su vez simpatía. Ni Hearst está pintado como un malo, ni Chaplin es un santo. En su justa dimensión, con sus errores y defectos, sus ambiciones y sus traiciones, los va describiendo “encerrados” en ese yate por varios días y las reacciones que se van produciendo entre ellos. Al final parece decirnos que el ser humano es pura vanidad y presunción y como la escena final, vemos a esos personajes bailando al borde del desenfreno porque si no se mueven, si no están en acción, si no hablan de ellos estarán irremediablemente perdidos.
Jamás se estrenó en nuestro país y podemos apreciar a Kirsten Dunst antes de su notoria celebridad en la saga del Hombre Araña. Para los cinéfilos está disponible en DVD.
lagartocine@yahoo.es

FICHA TÉCNICA:
EL MAULLIDO DEL GATO [The Cat's Meow]
Dir: Peter Bogdanovich
Guión: Steven Peros
c/ Kirsten Dunst (Marion Davies), Edward Herrmann (William Randolph Hearst), Eddie Izzard (Charlie Chaplin), Cary Elwes (Thomas H. Ince), Joanna Lumley (Elinor Glyn), Jennifer Tilly (Louella Parsons), Claudia Harrison (Margaret Livingston)
EEUU/2001/Drama***

jueves, junio 21, 2007


SHREK TERCERO

A Shrek tercero le pasa lo mismo que al resto de secuelas que agotan un personaje o una historia que resultan populares y por tanto son altamente rentables para los productores. En las secuelas ya no importa tanto la calidad u originalidad del producto, sino su efecto de arrastre en las taquillas y el merchandising de objetos con los personajes de la película.

Aunque hay que reconocer que la historia tiene mayor coherencia que la de Piratas en el caribe 3 y que los efectos digitales sorprenden cada vez más por su mayor verismo….sin embargo una película es más que la acumulación de efectos. Por eso, en el caso de Shrek, de la original “vuelta de tuerca” de la primera entrega ya no queda nada, prácticamente se había agotado allí mismo y tentar una segunda y peor una tercera parte era o repetir la fórmula inicial o crear situaciones inverosímiles donde los personajes deban actuar. Por eso esta última entrega del “producto Shrek” más se parece a una historieta típica de Disney (se dirige al público infantil sobretodo) que al público adulto que disfrutaba del humor negro de la primera parte.

Lo disfrutable son los “guiños” a otras películas como El señor de los anillos o Harry Potter y la banda sonora con piezas de rock clásico. En fin, dentro de poco tendremos la cuarta parte (el proyecto cubre cinco entregas) y de agregado la película en solitario de El gato con botas, delicioso personaje que en la voz con acento andaluz de Antonio Banderas le da un toque especial.
lagartocine@yahoo.es

FICHA TÉCNICA:
SHREK TERCERO [Shrek the Third]
Dir: Chris Miller
Guión: Chris Miller, Jeffrey Price, Peter S. Seaman y Aron Warner; basado en un argumento de Andrew Adamson; sobre el libro de William Steig
EEUU/2007/Animación digital**/Cine

lunes, junio 18, 2007


EXTERMINIO 2

Los zombies regresan asolando Londres de nuevo.

Es difícil hacer una segunda parte o continuación, sobretodo cuando la primera entrega –de Danny Boyle- fue interesante. Sin embargo, el español Juan Carlos Fresnadillo sale bien librado del encargo. Esta vez estamos 28 semanas después (título original del filme). Londres vuelve gradualmente a la normalidad, los residentes limpios del virus viven en una pequeña ciudadela y el control militar se ha encargado a las tropas norteamericanas. Toda marcha bien hasta que es descubierta una sobreviviente con el mortífero virus y la precaria normalidad es rota, expandiéndose el mal de nuevo en pocas horas.

Lo meritorio es que Fresnadillo no ha querido repetir los pasos de Boyle (quien está solo en la producción de la película), sino que en una primera parte nos presenta los intereses y conflictos de los distintos personajes, que son dibujados muy bien en pocas pinceladas (nos hizo recordar al John Carpenter de los primeros filmes), y solo en la parte final viene el ataque despiadado de los zombies (bastante ágiles y más voraces que las criaturas de George Romero), resolviendo el conflicto con un inquietante final que invita a una posible tercera entrega. La acción es bastante directa, montaje nervioso, rápido, imagen desenfocada y “fantasma” (doble), con cámara en mano a modo de un reportaje de tv, con planos “movidos”, y claroscuros que invitan al miedo, a “sentir” el horror antes que verlo (principalmente cuando los protagonistas están en el estadio), hacen que Exterminio 2 se vea con agrado para los fanáticos de las películas de terror.

En cuanto a la alegoría política (bastante evidente y algo que George Romero también hizo en su última entrega de zombies, La tierra de los muertos vivientes, 2005, filme con el que guarda ciertas similitudes a nivel argumental Exterminio 2), donde se nos presenta a las tropas norteamericanas haciéndose cargo del control, el filme parece decirnos que cuando los norteamericanos se “hacen cargo” de una situación, esta se torna peor, como lo sucedido en Irak. La imagen final muestra que el remedio resulta peor que la enfermedad.
lagartocine@yahoo.es

FICHA TÉCNICA:
EXTERMINIO 2 [28 weeks later]
Dir: Juan Carlos Fresnadillo
Guión: Juan Carlos Fresnadillo, Enrique López Lavigne, Rowan Joffe y Jesús Olmo
c/ Robert Carlyle (Don), Rose Byrne (Scarlet), Jeremy Renner (Doyle), Harold Perrineau (Flynn), Catherine McCormack (Alice), Imogen Poots (Tammy), Idris Elba (general Stone), Mackintosh Muggleton (Andy)
UK/2007/Terror***

jueves, junio 14, 2007


PIRATAS DEL CARIBE: EN EL FIN DEL MUNDO

Casi nunca las segundas –y menos las terceras partes- son buenas. Cuando una primera entrega es buena, es muy difícil remontar la calidad. Hay excepciones, pero son contadas. Piratas del caribe no está dentro de ellas.

Si la primera parte era una atractiva película de piratas, con un toque de humor y un pirata (Johnny Depp) bastante estrafalario, dándole ese toque “lunático” propio de Depp, esta tercera entrega es totalmente estrafalaria y llevada de los pelos. No existe un argumento coherente e interesante, y los productores han creído que la acumulación de gags, situaciones inverosímiles y efectos especiales hacen una película. De piratas ya no tiene nada, más estamos en el género fantástico, que pudo ser interesante de tener un tratamiento distinto y no la serie de sketchs deshilvanados y absurdos que se van sucediendo en la pantalla para llenar cerca de tres horas de proyección, con un metraje absolutamente innecesario. Es tan larga y tan pesada (“pecado” al tratarse de una película de aventuras) que la gente se retiraba a mitad de la función. La vimos en cine, a fin de “apreciar” los efectos especiales, y este Lagarto fue testigo de cómo los espectadores iban retirándose de la sala poco a poco hasta quedar al final más o menos la mitad de los que entramos.

No se si ya la estupidazación general se ha impuesto en Hollywood (en todas partes se cuecen habas) o creen que la gente tiene un coeficiente intelectual menor al de una ardilla (con el perdón de las ardillas). El hecho de explotar una franquicia hasta agotarla está propiciando que ya no importe en lo absoluto la calidad de una película, “llenándola” de efectos especiales hasta saturarla, sin importar la historia o el tratamiento que se le de, y menos el nivel actoral de los protagónicos (salvo Deep, Rush y algunos secundarios más, el resto es descartable, incluyendo al “galán” Orlando Bloom y a la heroína Keira Knightley, la pareja más sosa, insípida y aburrida que –hasta ahora- ha dado el cine norteamericano).

Piratas en el caribe sencillamente es una estafa, que no merecía un final así (aunque mientras dure el éxito de la franquicia, estamos seguros que perpetrarán una cuarta parte), donde el único que se salva de este desbarranque total es el monito, totalmente gracioso y natural. Merece el Oscar.
lagartocine@yahoo.es

FICHA TÉCNICA:
PIRATAS DEL CARIBE: EN EL FIN DEL MUNDO [Pirates of the Caribbean: At world's end]
Dir: Gore Verbinski
Guión: Ted Elliott y Terry Rossio; basado en los personajes creados por Ted Elliott, Terry Rossio, Stuart Beattie y Jay Wolpert
c/ Johnny Depp (capitán Jack Sparrow), Orlando Bloom (Will Turner), Keira Knightley (Elizabeth Swann), Geoffrey Rush (capitán Barbossa), Bill Nighy (Davy Jones), Chow Yun Fat (capitán Sao Feng), Stellan Skarsgård (Bill Turner), Jack Davenport (James Norrington), Naomie Harris (Tia Dalma), Tom Hollander (lord Cutler Beckett), Jonathan Pryce (gobernador Weatherby Swann)
EEUU/2007/Aventuras**

lunes, junio 11, 2007


ALERTA SOLAR


Gran homenaje a 2001 y al género de ciencia ficción

Alerta solar es un filme de CF en la vertiente apocalíptica: en un futuro no muy lejano la tierra se enfría debido a que el sol ya no calienta como antaño, viviendo los habitantes en un largo invierno polar. Una misión espacial debe descargar una bomba en el sol a fin de “reavivarlo” y que vuelva a calentar el planeta y, por tanto, no se extinga la vida. Algunos años atrás una primera misión se perdió misteriosamente en el espacio al querer cumplir el mismo objetivo.

Como vemos, el argumento es del típico de las películas de CF, con misterio incluido, y posibles alienígenas. Boyle debe haber visto muchas y variadas películas del género, tanto de las antiguas como de las modernas. Pero, sobretodo es un gran homenaje al clásico filme 2001, considerada “la catedral” de la ciencia ficción. No solo tiene elementos de la película de Stanley Kubrick en el guión, sino que escenas y planos directamente inspirados en el citado filme. La misión, una nave que vaga por el espacio hacia un trágico destino, la computadora que se malogra, la conversión en “superhombre” de uno de los tripulantes que ha estado expuesto al sol. Pero, en menor medida también tiene elementos y escenas de otro clásico filme de horror espacial, Alien: el octavo pasajero, de Ridley Scott. Esta vez no hay un alienígena que devorará a cada uno de los integrantes de la tripulación, pero sí una tripulación que irá desapareciendo por distintos accidentes, muchos causados adrede, así como esa sensación de “suciedad” en el espacio, dentro de una nave destartalada, y por supuesto la señal de auxilio recibida que será la perdición del Icaro II al acudir en ayuda.

Pero, no se crea que Alerta solar es una copia “al carbón” de aquellos dos clásicos filmes. Han servido de base, de inspiración directa, lo que es legítimo, para crear una obra tensa, sólida, interesante y sustentada en buenas actuaciones más que en efectos especiales (que los hay), y que mantiene en vilo al espectador de principio a fin. Es una grata presencia en la cartelera entre tanto blockbuster deleznable.
lagartocine@yahoo.es


FICHA TÉCNICA:
ALERTA SOLAR [SUNSHINE]
Dir: Danny Boyle
Guión: Alex Garland
c/ Rose Byrne (Cassie), Cliff Curtis (Searle), Chris Evans (Mace), Troy Garity (Harvey), Cillian Murphy (Capa), Hiroyuki Sanada (Kaneda), Benedict Wong (Trey), Michelle Yeoh (Corazón), Mark Strong (Pinbacker), Paloma Baeza (hermana de Capa)
UK/2007/CF, thriller***

martes, junio 05, 2007


LA MALDICIÓN DE LA FLOR DORADA

Zhang Yimou es no solamente el cineasta más conocido afuera de China continental, sino que puede trabajar bajo los parámetros permitidos por el PC Chino (que elogió su anterior filme Héroe), convirtiéndose en el cantor oficial de las gestas nacionales que permitieron consolidarse como un gran imperio a la China milenaria. Y, es que todo país que cobra una importancia en el contexto mundial necesita de artistas que canten las gestas de antaño justificatorias de la importancia actual que tiene ese país. Está relacionado con un orgullo nacional que motive al pueblo a sentirse identificado con su país y el destino manifiesto que le depara, así como de la cúpula dirigencial sabia en llevar adelante el destino de ese pueblo; es decir, de su “misión” en este mundo. Es una combinación de nacionalismo y proyección más allá de las fronteras. En el contexto ideológico justificativo, el artista debe de encumbrar la gloriosidad del país.

No se crea que este proceso sea mecánico, ni que vaya digitado por la cúpula dirigencial en el poder en una relación causa-efecto. Generalmente los resultados artísticos hechos así son bastante pobres, como el del “realismo socialista” estaliniano. El artista puede verse imbuido de ese orgullo nacional y realizar sus obras inspiradas gracias a él. Es un elan, un espíritu que penetra al artista a fin de darle una tónica especial a su obra.

Es probable que ese sea el caso de Zhang Yimou, quien en sus tres últimos filmes ha tocado temas históricos de la China milenaria. Héroe era el cantar de gesta de la necesidad de formar una nación, visto no a través de los ojos idílicos, sino de la brutalidad de ejercer el poder imponiéndose el más fuerte y astuto. El fin justifica los medios como diría Maquiavelo y antes que las rencillas entre los caudillos estaba la consolidación de la futura nación China. La casa de las dagas voladoras es la justificación de la rebelión cuando impera la injusticia. Es decir cuando el rey no le da al pueblo justicia, el pueblo tiene todo el derecho de rebelarse, en vista que el soberano cae en la ilegitimidad. La maldición de la flor dorada trata sobre las luchas intestinas en la cúpula del poder. Esta vez entre el emperador y la emperatriz, uno lo quiere eliminar al otro, y en el medio los hijos de ambos que también luchan a matar por el poder, una historia de incesto y un pasado oscuro que sale a flote. Las razones de estado se imponen a los sentimientos de familia. O, mejor dicho, las ambiciones desmesuradas de poder que van a quebrar a la familia real.

La maldición… estilísticamente no supera a Héroe. Aunque está bien cuidada visualmente, con una historia de aliento shakesperiano, contando como siempre con la insuperable actriz china Gong Li; sin embargo, la trama se complica innecesariamente con personajes secundarios que entran y salen sin mayor aporte a la historia central, como el de la esposa del médico imperial o la historia del incesto entre la hija de esta y uno de los herederos del trono. No sabemos si la razón es por recorte del metraje original o por problemas estructurales del guión. Lo más notable son los combates, verdaderas piezas de arte coreográfico, y esa combinación de historia con minúscula y con mayúscula. Como que la historia privada de los soberanos es la historia pública de la nación y no se puede ocultar ni lo más íntimo. Si bien al final el soberano sale bien librado del golpe de estado de su propia familia, el costo es alto. El gesto final de la emperatriz Fénix rechazando el medicamento venenoso, que va apagando su vida poco a poco, es el gesto de rebelión impotente contra la tiranía de un emperador que no mide las consecuencias de sus actos y que en cierta forma está cavando su propia tumba. Probablemente es la más pesimista de las tres obras mencionadas que, sin ser exactamente así, forman una trilogía sobre el glorioso pasado imperial chino.

Quizás ahora Zhang Yimou mire preocupado las luchas intestinas al interior de la clase dirigente china (con casos de corrupción que han llegado a las más altas esferas del poder) y manda este mensaje. Las ambiciones desmesuradas (encarnadas en el color rojo del palacio imperial) pueden llevar a la frustración del proyecto nacional chino, y, es mejor la prudencia y el autocontrol, que la ambición ilimitada, porque las ambiciones sin frenos ni control destruyen toda esperanza (encarnado en los crisantemos amarillos) en un mundo mejor.

Una reflexión final sobre el preciosismo visual de Zhang Yimou. Cabría preguntarse hasta donde puede llegar. Ese preciosismo que ya linda con un manierismo exagerado hace que La maldición… sea un filme formalmente intachable pero con un contenido irregular. Es un peligro del preciosismo caro a todo director que busca un contenido visual estilizado pero carente de sustento. Esperemos no sea la suerte final de Zhang Yimou, un realizador que apreciamos mucho en lo personal y que hay que seguir muy de cerca su carrera.
lagartocine@yahoo.es
FICHA TÉCNICA:
LA MALDICIÓN DE LA FLOR DORADA [Man cheng jin dai huang jin jia]

Dir: Zhang Yimou
Guión: Zhang Yimou, Wu Nan y Bian Zhihong; a partir de la obra de Cao Yu
c/ Chow Yun Fat (emperador Ping), Gong Li (emperatriz Fénix), Jay Chou (príncipe Jai), Liu Ye (príncipe Wan), Chen Jin (mujer del médico imperial), Ni Dahong (médico imperial), Li Man (Chan), Qin Junjie (príncipe Yu)
China/2006/Drama histórico***

sábado, junio 02, 2007


EL SUICIDA [Wilbur begår selvmord]
Dir.: Lone Scherfig
Guión: Lone Scherfig y Anders Thomas Jensen
c/ Jamie Sives (Wilbur), Adrian Rawlins (Harbour), Shirley Henderson (Alice), Lisa McKinlay (Mary), Mads Mikkelsen (Dr. Horst), Julia Davis (Moira), Susan Vidler (Sophie), Robert McIntosh (Taylor), Lorraine McIntosh (Ruby), Gordon Browm (Wayne)
Dinamarca, Reino Unido, Suecia y Francia/ 2002 /Comedia dramática***

De la misma realizadora de Italiano para principiantes, esta vez nos trae una comedia dramática sobre la temática del suicidio.

El suicida (o Wilbur se quiere suicidar como sería su traducción literal), trata el tema del suicidio no desde la perspectiva de la libertad que debe existir para todo ciudadano de terminar su vida si es su voluntad, visión que está relacionada más bien con el derecho al libre albedrío y libertad personal, y que le daría una carga dramática solemne al filme; sino que más allá del enfoque individualista, lo trata desde un enfoque social, es decir las responsabilidades del potencial suicida con su familia y su entorno social, tratando el tema del suicidio desde una perspectiva cómica y a veces hasta irónica, quitándole de esa manera la gravedad al tema (produce sonrisas los intentos frustrados de Wilbur de acabar con su vida como cuando quiere inhalar el gas de la cocina y no puede porque se acabó el consumo; o cuando quiere ahorcarse en la librería y lo interrumpe un cliente insistente).

Wilbur es un suicida en potencia que varias veces ha querido acabar sin éxito con su vida. No le importa nada ni nadie. Conforme trascurre la historia sabremos el motivo que tiene para acabar su existencia (un trauma infantil). Sin embargo, cuando a su hermano Harbour se le descubre una enfermedad terminal, toda la responsabilidad por la familia de su hermano recae sobre él, relegando los intentos de acabar con su vida a un segundo plano.

La película, como Italiano para principiantes, en el fondo trata sobre el tema de la soledad; al igual que los personajes de su anterior filme, los presentes tienen también un sentimiento de soledad que los marca. Wilbur con su obsesión suicida, Harbour administrando el negocio familiar de libros usados que dejó su padre, Alice buscando un compañero y un padre para su hija Mary; así como los demás secundarios, el Dr. Horst, Moira, Sophie. Cada uno con su soledad y en busca de una compañía que la haga más llevadera, como ese grupo de escandinavos de su anterior filme que por buscar compañía se matriculaban en un curso de italiano en el ayuntamiento municipal.

No revelaremos el final, pero se ajusta a la lógica de la película. Filme minimalista, con buenas actuaciones, El suicida vale la pena ver, y aunque en nuestro país fue exhibido de mala gana y solo para llenar “huecos” entre blockbuster y blockbuster, para los verdaderos cinéfilos está disponible en DVD.
lagartocine@yahoo.es

sábado, mayo 26, 2007


TODOS LOS HOMBRES DEL REY [All the king's men]
Dir. y guión: Steven Zaillian (basado en la novela de Robert Penn Warren)
c/ Sean Penn (Willie Stark), Jude Law (Jack Burden), Kate Winslet (Anne Stanton), James Gandolfini (Tiny Duffy), Mark Ruffalo (Adam Stanton), Patricia Clarkson (Sadie Burke), Anthony Hopkins (Juez Irwin)
USA-Ale/2006/Drama+++

Hacia 1949 se estrenó una película titulada Todos los hombres del rey (All the king's men) que suscitó mucho interés por el tema tratado: cómo el ejercicio del poder puede corromper, incluso hasta a los más limpios de espíritu y que ingresan al mundo de la política con la mejor buena intención. El filme trataba del meteórico ascenso de un hombre de buenas intenciones que quiere ayudar a su pueblo, víctima de las corruptelas de los políticos locales, llegando a la cúspide del poder como gobernador de un estado; y, cómo una vez en el poder se convertirá en uno más de los que tanto había denostado.
Otro aspecto interesante era la excepcional actuación de Broderick Crawford, que le valió el Oscar de aquel año, realmente se había “metido” en el personaje y era tan convincente que uno lo seguía viendo una vez terminada la función (quien escribe esta nota no había nacido en esa época, la vimos por televisión hace algún tiempo).

Todos los hombres del rey era una película que uno no olvida y se mantiene tan fresca como cuando fue estrenada, lo cual sucede solo con los clásicos.
Por eso nos llamó mucho la atención el DVD que contiene el “remake” o segunda versión del clásico filme de Robert Rossen (el remake nunca se ha estrenado en nuestro país y solo con suerte se exhibirá alguna vez), esta vez con Sean Penn como el idealista Willie Stark, y Jude Law como el periodista Jack Burden que, como testigo de lo que pasó, nos da cuenta de la historia del hombre idealista hasta su trágico final.

En principio, que la primera versión de la novela tenía un ritmo ágil y muchas veces velozmente endiablado de seguir, más o menos como es la vida de un político, siguiéndolo en su incesante discurrir de un lado a otro, por lo que había que estar muy atentos a todo lo que pasaba y era muy difícil perder la atención, por lo que fácilmente la historia era contada en menos de dos horas. En el “remake”, el ritmo es más lento, con un tono evocativo entre nostálgico y melancólico, sujeto a varios flashbacks muchas veces innecesarios, lo cual está resaltado con una música que enfatiza las escenas hasta el cansancio, llenando el espacio de una innecesaria solemnidad, lo que hace decaer el interés del espectador, aburriéndolo por momentos. A ello, hay que sumar la muy afectada actuación de Penn, en contraposición a la más sobria de Law, por lo que gana en interés el personaje secundario y no el principal; aparte que ese pasado evocativo tiene que ver con la niñez y juventud del periodista interpretado por Law, lo que, desde el punto de vista de la historia principal –el ascenso y trágico fin de Stark- es irrelevante, produciendo un metraje dilatado de más de dos horas, bastante innecesario y que hace “inacabable” la película.

Haciendo el balance de los pro y los contras, al final de cuentas nos quedamos con la versión original, es mucho mejor, está mejor interpretada y supo captar el espíritu de la obra: no importa porqué causa o motivo se ingresa a la política, sino que puedes acabar como lo que tanto desprecias. Ejemplos hay en cantidad, aquí y allá.
lagartocine@yahoo.es

sábado, mayo 19, 2007


EL BUEN PASTOR [The good shepherd]
Dir: Robert De Niro
Guión: Eric Roth
c/ Matt Damon (Edward Wilson), Angelina Jolie (Margaret 'Clover'), Alec Baldwin (Sam Murach), Tammy Blanchard (Laura), Billy Crudup (Arch Cummings), Robert De Niro (Bill Sullivan), John Turturro (Ray Brocco), William Hurt (Philip Allen), Michael Gambon (Dr. Fredericks), Gabriel Macht (John Russell), Keir Dullea (senador Russell), Martina Gedeck (Hanna), Timothy Hutton (Thomas Wilson)
USA/2006/Thriller

La vida monótona de un espía

Es que El buen pastor es el anti-Bond por antonomasia. El espía que interpreta Matt Damonn es aburrido, apático, un “nerd” en toda la extensión de la palabra, a lo cual ayuda bastante el rostro del propio Damon de chico “sano”. La película marcha a un ritmo lento, pausado, como la vida de Ed Wilson (por eso dura cerca de tres horas) y marcada por un secretismo que será su sello. Desde la Universidad, donde ingresa a una sociedad secreta y donde conocerá los contactos necesarios para ingresar a lo que sería la futura CIA, hasta su ingreso a la central de espionaje más famosa del mundo, a la cual dedicará su vida con esa mística del burócrata que cree en lo que hace (tipología muy weberiana), descuidando su familia (una Angelina Jolie compone a una esposa histérica y que se siente abandonada por el marido), renunciando a muchos sueños juveniles, así como al verdadero amor de su vida.

Así vemos transcurrir la vida de este burócrata, espiando primero en Inglaterra las actividades pro nazis durante la segunda guerra mundial y luego participando en la fracasada intervención de Bahía de Cochinos en 1961, lo que marca el punto de inflexión de la trama.

Pero, el secretismo también se refiere a las vidas de estos personajes. Nada es lo que aparenta ser y todos tienen una vida oculta o trabajan como dobles agentes para la Unión Soviética; debiendo sacrificar incluso a amigos que se pasaron al bando contrario. Ese extremo de la trama hace recordar a la saga de El padrino, a la que es tributaria en cierta manera (así como el catolicismo militante de los personajes centrales que forman una subcultura al interior de los WASP), donde el personaje central debe moverse en un mundo de traiciones y de dobleces con sangre fría y cálculo premeditado si quiere salir bien librado de las maquinaciones urdidas.

El buen pastor es una película formalmente lograda, cuenta con sólidas actuaciones, pero deja un sabor en el paladar de ser un filme muy “rígido” y a “ras del suelo”, notándose la falta del vuelo creativo de un Coppola, por ejemplo. También nos queda la impresión que el metraje pudo ser menor y habría quedado de repente mucho mejor el acabado final (da la impresión que se quiso contar muchas cosas).

Esta segunda cinta del actor Robert de Niro (la primera se titula Una historia del Bronx, 1993, y por las críticas de fuera parece que tampoco era gran cosa) pasa con nota aprobatoria pero no excelente; es que una cosa es ser actor y otra muy distinta estar detrás de las cámaras. Sin embargo, se deja ver, aunque si usted es impaciente por ver acción o por los metrajes excesivos, mejor se abstiene o se aburrirá durante la proyección.
lagartocine@yahoo.es




sábado, mayo 12, 2007


HOMBRE ARAÑA 3 [SPIDER-MAN 3]
Dir: Sam Raimi
Guión: Sam Raimi, Ivan Raimi y Alvin Sargent; basado en un argumento de Sam Raimi e Ivan Raimi; sobre el cómic de Marvel de Stan Lee y Steve Ditko
c/ Tobey Maguire (Peter Parker/Spider-Man), Kirsten Dunst (Mary Jane Watson), James Franco (Harry Osborn), Thomas Haden Church (Flint Marko/Hombre de Arena), Topher Grace (Eddie Brock/Venom), Bryce Dallas Howard (Gwen Stacy), James Cromwell (capitán George Stacy), Rosemary Harris (tía May), J.K. Simmons (J. Jonah Jameson)
USA/2007/Acción, CF**

Secuela sosa y aburrida del popular héroe de la Marvel

Es que hacer una tercera parte que no pierda el interés de las dos primeras es extremadamente difícil y, en el caso del Hombre Araña, solo se justifica por el alto rendimiento económico de las dos primeras entregas, que –a no dudarlo- de sonreírle el box office a esta tercera parte, tendremos en unos pocos años la cuarta.

Veamos los fallos.

Falla en cuanto a contar una historia interesante y que mantenga en vilo al espectador desde el primer momento, cayendo en el aburrimiento, lo cual es gravísimo si se trata de una película de acción. Falla en cuanto a la caracterización de los villanos, donde no basta que se exhiban sus superpoderes sino una consistencia como personajes. Falla en la misma dualidad que aqueja al Hombre Araña una vez que es posesionado por el simbionte extraterrestre. Unas veces es tratada en forma cómica, casi de parodia, y en otras en un forzado dramatismo, a lo cual no ayuda mucho el actor que lo encarna, Tobey Maguire. Falla en cuanto a la relación sentimental entre Peter Parker y Mary Jane (que, por cierto, Kirsten Dunst es más actriz que el protagónico). No en cuanto a que es una relación asexuada como algunos han criticado, lo cual es completamente válido en filmes para públicos masivos (apta para todos), sino en los conflictos que maneja la pareja, los que no son bien manejados. Falla en la entrada en escena de los villanos (aparecen y desaparecen sin explicación). Falla en el exagerado metraje (cerca de dos horas y media), sin que se justifique esa necesidad. Falla en escenas que no vienen al caso y que parecen netamente decorativas como para “llenar” el tiempo como el twist que bailan Mary Jane y Harry.

En lo único que se salva es en los extraordinarios efectos especiales, cada vez más sofisticados y de un verismo sorprendente (para apreciarlos bien es recomendable una pantalla de cine, no tanto una de TV), así como en la caracterización de los personajes secundarios, para los cuales se ha contado con sólidos actores.

Filme que naufraga entre la intención de darle un toque siniestro, oscuro al personaje principal, como fue el Batman de Tim Burton, y el infantilismo e inocencia propio del cómic original.

Esperemos que la próxima entrega sea mucho mejor, porque a no dudarlo explotarán la franquicia hasta agotarla, tal como sucedió con la saga del hombre murciélago o de Superman.
lagartocine@yahoo.es

lunes, mayo 07, 2007
















REBELDES CON CAUSA [Wild hogs]
Dir.: Walt Becker
Guión: Brad Copeland
c/ Tim Allen (Doug Madsen), John Travolta (Woody Stevens), Martin Lawrence (Bobby Davis), William H. Macy (Dudley Frank), Ray Liotta (Jack), Marisa Tomei (Maggie)
EEUU/2007/Comedia**

Aunque cuenta con un buen reparto, Rebeldes con causa (Cerdos salvajes en su título original) naufraga en lo más trivial y soso. Se pudo haber sacado mejor provecho no solo del reparto, sino de la trama, el querer volver a vivir los años jóvenes un grupo de cincuentones, recorriendo las carreteras en motocicletas. Habría sido el “Easy rider” otoñal. Lástima que faltó talento e imaginación al realizador y a los productores.
lagartocine@yahoo.es

LAS VACACIONES DE MR. BEAN [Mr. Bean's holiday]
Dir: Steve Bendelack
Guión: Robin Driscoll y Hamish McColl; basado en un argumento de Simon McBurney
c/ Rowan Atkinson (Mr. Bean), Willem Dafoe (Carson Clay)
UK/2007/Comedia***

Mr. Bean vuelve a las andadas, esta vez en Francia. Hay que reconocer que Rowan Atkinson es genial en las muecas que hace (su performance es netamente gestual) y una tomadura de pelo al cine seudo intelectual y realizadores que se creen gurús filosóficos, encarnado esta vez en Willem Dafoe. A los aficionados a Mr. Bean les va a encantar.
lagartocine@yahoo.es

jueves, mayo 03, 2007


LA REINA [THE QUEEN]
Dir: Stephen Frears
Guión: Peter Morgan
c/ Helen Mirren (reina Isabel II), Michael Sheen (Tony Blair), James Cromwell (príncipe Felipe), Sylvia Syms (la reina madre), Alex Jennings (príncipe Carlos), Helen McCrory (Cherie Blair)
UK-Fra- Ita/2006/Drama***

El acercamiento a personajes célebres es bastante delicado porque se puede caer en la complacencia o un acercamiento maniqueo; lo cual se complica si el personaje y los hechos están tan cerca en el tiempo y por añadidura los actores reales del drama siguen vivos y en cargos públicos. Es lo que pasa con La reina. No es propiamente una biopic, sino una crónica dramatizada de los días que sucedieron a la muerte de Diana, “la princesa del pueblo”, y la minicrisis que ocasionó su deceso en la política británica, primera prueba a la que se tuvo que enfrentar el entrante primer ministro británico Tony Blair. Diana de Gales al ser una persona muy carismática y querida por el pueblo británico, se acusó de frialdad y causante del accidente a la familia real, incluyendo a la Reina Madre.

El abordaje de Frears al personaje de la reina Isabel II es cálido, no justificativo pero si entendiéndolo en su dimensión mayestática, sobreviviente a una segunda guerra mundial y cuajada en la dureza de los tiempos. Quizás la falta de afecto –nos parece decir Frears- viene de allí, tuvo que hacer “de tripas corazón” desde muy joven y enfrentar responsabilidades que la endurecieron (aunque en privado pueda derramar lágrimas hasta por un animal muerto). También se centra en la relación desconfiada al inicio entre la Reina Isabel y su estrenado primer ministro, un joven pero astuto político Tony Blair que sabrá ganarse la confianza de la reina aportando consejos de estado en los momentos más difíciles. Esa relación marcada por la desconfianza de la soberana primero, se volverá más entrañable conforme este le va dando “salidas” a la crisis suscitada por la muerte de la princesa Diana a fin que el pueblo inglés no la perciba demasiado fría y distante con el asunto. Es así que el socialista Blair, teóricamente antimonárquico, por razones de estado se convertirá en el salvavidas de la Reina, conociendo los intrincados entretelones de la familia real y reconociendo que si bien la institución de la monarquía puede ser anacrónica es un símbolo nacional difícil de desterrar de la conciencia inglesa, lo cual se ve reflejado cuando la Reina sale del Palacio de Buckingham y es saludada con una reverencia por sus súbditos.

La reina no es el mejor trabajo de Frears (mejor son Mrs. Henderson Presenta o Alta Fidelidad), pero se deja ver. Lo más destacado es la actuación de Helen Mirren, le da ese toque especial a su personaje. Sencillamente está magnífica.
lagartocine@yahoo.es

lunes, abril 23, 2007


SOPHIE SCHOLL: LOS ÚLTIMOS DÍAS [Sophie Scholl: Die letzten tage]
Dir.: Marc Rothemund
Guión: Fred Breinersdorfer
c/ Julia Jentsch (Sophie Scholl), Alexander Held (Robert Mohr), Fabian Hinrichs (Hans Scholl), Florian Stetter (Christoph Probst)
Alemania/2005/Drama***

Canto a la libertad y a la resistencia contra la dictadura en la Alemania nazi.

Sophie Scholl llama la atención por una puesta en escena absolutamente desdramatizada, muy al estilo de Bertolt Brecht. Si bien hay una simpatía por el personaje central, no es menos cierto que existe un distanciamiento con el tema tratado. A manera de una crónica se va describiendo los últimos días y horas de la protagonista (una activista de la organización de resistencia llamada la Rosa Blanca, que se dedicaban a mandar cartas a los ciudadanos alemanes sobre la verdadera condición en el frente de guerra y la imposibilidad de ganarla), desde su captura hasta su ejecución.

Es así que la cámara va siguiendo a la protagonista desde el momento en que imprime las hojas de lucha en un mimeógrafo, pasando por su captura cuando las distribuye y el interrogatorio por la Gestapo. Incluso los policías no son tratados como tipos pérfidos y sádicos torturadores de sus víctimas, sino como fríos burócratas que cumplen con su función. El interrogatorio es la parte central de la trama, basándose en la dicotomía de interrogado e interrogador. La primera una joven idealista de 21 años que lucha por la libertad y se atiene a las consecuencias de sus acciones. Y, el segundo, el policía, que como miles de alemanes de aquella época, cree que el nacionalsocialismo traerá la grandeza y prosperidad de Alemania. El juego dialéctico de ambos es lo más rico de la película. El juicio es apenas una fachada de legalidad, de una sentencia que ya se sabe de antemano. Un presidente de corte que no busca saber la verdad de los hechos, sino que está imbuido del fanatismo hitleriano. La sentencia condenatoria es el necesario epílogo al drama.

Sophie Scholl es una película aparentemente mínima, con austeridad de escenografías y sustentada en sólidas actuaciones, empezando por la actriz que encarna a la protagonista principal; y, es también un canto a la libertad, y que donde exista el autoritarismo y la dictadura, siempre habrá un puñado de resistentes. La historia de aquí y de allá ha comprobado reiteradamente que mientas existan Sophie Scholl, la libertad estará asegurada como uno de los bienes más preciados del ser humano y su muerte no será en vano.
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jueves, abril 19, 2007


ESCÁNDALO [Notes on a scandal]
Dir: Richard Eyre
Guión: Patrick Marber; basado en la novela de Zoë Heller
c/ Judi Dench (Barbara Covett), Cate Blanchett (Sheba Hart), Bill Nighy (Richard Hart), Andrew Simpson (Steven Connolly)
UK/2006/Drama***

Escándalo (o Diario de un escándalo) se sustenta en dos sólidas y buenas actuaciones: Judi Dench interpretando a una profesora de escuela pública de carácter y personalidad fuerte, sola y soltera, que tiene como único refugio frente a lo que le rodea su diario personal donde fielmente va anotando las principales cosas que le ocurren. Cate Blanchett personifica a la frágil profesora de arte, recién ingresada y que lleva a cuestas un matrimonio que ha entrado en crisis, una hija adolescente a quien guiar y un menor con retraso mental. Andrew Simpson es el joven alumno de quien se enamora, un adolescente de quince años, que será una válvula de escape a sus frustraciones personales. Richard Hart (Bill) es el marido burlado, un hombre que le duplica la edad a su esposa. Es un “triángulo amoroso” que lo descubriremos en el transcurrir de la trama, percatándonos que los sentimientos de Barbara hacia Sheba son de naturaleza lésbica, sintiendo celos de los encuentros de su amiga con el joven Steven, ordenándole cortar inmediatamente esa relación al tenerla en sus manos por el descubrimiento casual de los encuentros furtivos. Sin embargo, Barbara tiene un amor posesivo, absorbente, dominante, con antecedente en otras profesoras que tuvieran que “escapar” de ella. Por eso, al ser un personaje bastante rico y complejo, es que la película es contada desde el punto de vista de ella o mejor dicho de su diario.

La película sortea bien el delicado escollo de tratar el lesbianismo de Barbara, así como el de la relación entre Sheba y Steven. Es bastante pudoroso el realizador, quizás demasiado. Apenas una frase suelta por ahí, un deseo reprimido de tocar el objeto del deseo, un aparente juego inocente de rozar la piel. También ha sabido sortear el asunto del juicio, no incidiendo en el proceso judicial y enterándonos apenas por el titular de un periódico de la sentencia contra Sheba. La prensa amarilla inglesa, por cierto, no sale bien librada del tratamiento chismográfico y sensacionalista que se le inflige.

Escándalo sin ser una gran película se deja ver. Quizás en la resolución final se nota cierto apresuramiento, pero así y todo es una cinta interesante y que solo por el placer de ver las actuaciones de Judi Dench y Cate Blanchett merece verse.
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martes, abril 17, 2007


APOCALYPTO
Dir: Mel Gibson.
Guión: Mel Gibson y Farhad Safinia
c/ Rudy Youngblood (Jaguar Paw), Dalia Hernandez (Seven), Jonathan Brewer (Blunted), Raoul Trujillo (Zero Wolf), Gerardo Taracena (Middle Eye), Rodolfo Palacios (Snake Ink), Fernando Hernandez Perez (sumo sacerdote), Maria Isidra Hoil (oráculo).
USA./2006/Acción y aventura***

Apocalypto no tiene las pretensiones de querer contar algo “importante” como sucedía con La pasión de Cristo, donde hasta Dios lloraba por el sufrimiento infligido al Hijo. Esta vez estamos ante una historia más sencilla: el camino de supervivencia que debe recorrer un hombre precolombino sorteando mil peligros para poder salvar a su familia. Desde ese punto de vista Apocalypto es una película de acción y aventuras que funciona bien. El interés no decae, estamos en vilo por lo que le sucederá al personaje, cómo sorteará el siguiente escollo, sazonado todo en un contexto histórico determinado: la inminente conquista española en el siglo XVI. En ese aspecto el filme tiene un ritmo que se mantiene de principio a fin.

La película no pretende ser fielmente histórica. Lo es tanto como podrían ser cientos de películas de Hollywood sobre lugares exóticos que los trata por igual, así sea Egipto, Persia, China o el antiguo México. Pero, la película tiene también una “trampita”: el mensaje ideológico subyacente. En las más de dos horas de proyección presenciamos a un grupo de salvajes que sacrifican seres humanos para sus rituales, venden como esclavos a los prisioneros que sobran y donde no existe la persona sino el grupo o la manada que responde a instintos básicos (la excepción es Jaguar Paw). Este mundo sangriento se verá “redimido” en la escena final, cuando a la distancia se divisa a los primeros españoles que llegan al otrora poderoso imperio Maya trayendo la cruz y por tanto la civilización. Para un católico conservador como Mel Gibson la idea es obvia: la cristiandad y la civilización occidental que descansa en gran parte en el legado de Cristo “redimirá” a estos salvajes que son poco más que animales. Más allá no hay civilización posible. Y es en ese discurso ideológico donde la película es discutible (como lo es también 300 en el mismo plano), no en las incoherencias históricas que pudieran existir, debido a que pertenece al ámbito de la ficción y no del documental.

Apocalypto es mucho mejor que La pasión de Cristo y parece que allí, contando aventuras en un contexto histórico determinado como sucedió con Corazón valiente, y sin pretender nada extraordinario, es donde mejor se desenvuelve el ahora realizador Mel Gibson.
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martes, abril 10, 2007


PEQUEÑA MISS SUNSHINE [Little Miss Sunshine]
Dir: Jonathan Dayton y Valerie Faris
Guión: Michael Arndt.
c/ Greg Kinnear (Richard), Toni Collette (Sheryl), Steve Carell (Frank), Paul Dano (Dwayne), Abigail Breslin (Olive), Alan Arkin (abuelo).
EEUU/2006/Comedia dramática***

Parece que el cine independiente norteamericano está tratando de manera distinta a la tradicional a la típica familia norteamericana. Así, Transamérica trataba sobre un padre que quiere convertirse en mujer, y un hijo cuya máxima ambición es hacer películas porno. Pequeña Miss Sunshine, también coincidentemente una ópera prima –primera obra- de los realizadores, rodada con presupuesto bajo y estructurada igualmente como una road movie, trata ya no el tema de la tolerancia que debe surgir entre padre e hijo “anormales”, sino la disfuncionalidad de una familia en el marco del competitivo mundo norteamericano.

La presentación de la familia no puede ser más disfuncional: un abuelo heroinómano y agresivo, un padre fracasado que da cursos sobre el éxito, una madre que no puede lidiar con su familia, un tío homosexual que intentó suicidarse por un desplante amoroso, un joven que ha hecho voto de silencio contra el sistema y una niña regordeta que quiere ser reina de belleza infantil (de allí el título de la cinta).

Al estar estructurada como una road movie, el viaje hasta el lugar del concurso es apenas un pretexto para que los miembros de esa disfuncional familia vayan conociéndose en sus propias contradicciones, todos juntos viajando en una destartalada furgoneta, símbolo de su precariedad económica y de sentido en la vida.

Porque al final no importa que gane o no el concurso la pequeña Olive, sino que esa familia que sigue el “american way life” se va conociendo un poco más y encontrando un sentido para sus vidas. Como dice el tío homosexual Frank, en la escala de valores actual del éxito, Proust –el gran novelista francés- sería un fracasado; dándose cuenta esta singular familia que es una locura estar insertado en ese esquizofrénico e insensato mundo de la competencia, muy bien reflejado en la escena del concurso, donde niñas de siete años deben parodiar los estándares comunes de la belleza para ganar en el concurso infantil.

Pequeña Miss Sunshine es una interesante película de ese cine independiente norteamericano que por acá arriba con un poco de suerte.
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jueves, abril 05, 2007

CLÁSICOS DE AYER Y HOY
JESUCRISTO SUPERSTAR [Jesus Christ Superstar]
Dir.: Norman Jewison
c/ Ted Neeley (Jesucristo), Carl Anderson (Judas), Yvonne Elliman (María Magdalena), Bob Bingham (Caifas), Barry Dennen (Poncio Pilato)
USA/1973/Musical+++/DVD

La popular y clásica ópera rock de los setenta. La obra se estructura en torno a la dicotomía de los personajes de Cristo y Judas, con un contrapunto de voces entre Ted Nelly (timbre agudo, casi chillón) y Carl Anderson (timbre más bien grave), y en el medio de ambos, el personaje de María Magdalena, interpretado por la actriz hawaiana Yvonne Elliman.

El personaje de Judas es más rico en matices que el de Cristo. Es más complejo y es visto no como un traidor sino como un cuestionador del endiosamiento de Jesús, una suerte de “mosca en la oreja” del Mesías, a fin que no se crea el cuento de su origen divino. Para Judas la liberación del pueblo hebreo está más en este mundo que en el otro, más en la lucha concreta contra los romanos que en el amar al enemigo, lo que va en consonancia con el sesgo nacionalista que se ha querido interpretar alternativamente a la imagen del “traidor” clásico.

Por cierto, quizás en estos tiempos de lo “políticamente correcto” no se vería bien que Judas (que simboliza todavía la traición) sea interpretado por un actor negro, mientras que Cristo (que simboliza el bien, la bondad) sea un actor rubio y de ojos azules, muy en consonancia con los íconos occidentales y europeos; aunque al final de la obra, por el arrepentimiento demostrado por Judas antes de morir, ya como espíritu se gane un lugar en el cielo (lleva ya no un traje rojo, de tono luciferino, sino blanco con flequitos, muy a la moda setentera), aunque siga con la “lata” de la discusión con Cristo hasta en el más allá, lo que demuestra que el personaje de Judas estuvo dibujado más que como un villano como un tipo inconforme con el sistema, muy a lo “hippie” de aquellos años.

Otro de los aspectos interesantes que contiene el filme es que hace del personaje de Cristo un ser más de carne y hueso que divino, un hombre que duda, que está cansado de la misión encomendada y que quisiera ser un mortal más y no tanto “el hijo de Dios”. Acerca a Jesucristo a lo humano, con las flaquezas propias de nuestra especie, usando elementos de la cultura pop insertados en la época de los hechos, lo que paradójicamente le ha permitido mantener su frescura original, conservando su vigencia treinta años después de estrenada.

Hay un estribillo de la letra que el coro repite como un leit motiv: ¿Valió la pena tanto sacrificio? Dos mil años después de los sucesos históricos la respuesta es escéptica: quizás no, quizás no valió la pena tanto sacrificio.
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Premios:
Año
Resultado
Galardón
Festival
Categoria
Persona
1974
Nominada
Oscar
Academy Awards, USA
Best Music, Scoring Original Song Score and/or Adaptation
Andrew Lloyd Webber, André Previn y Herbert W. Spencer
1974
Ganadora
BAFTA Film Award
British Academy Awards
Best Sound Track
Keith Grant, Gordon K. McCallum y Les Wiggins
1974
Nominada
BAFTA Film Award
British Academy Awards
Best Cinematography
Douglas Slocombe
1974
Nominada
BAFTA Film Award
British Academy Awards
Best Costume Design
Yvonne Blake
1974
Nominada
UN Award
British Academy Awards
Best Youth Actress Co-Starring in a Motion Picture Drama

1973
Ganadora
Best Cinematography Award
British Society of Cinematographers
Worst Remake or Sequel
Douglas Slocombe
1974
Ganadora
David
David di Donatello Awards
Best Foreign Film

1974
Nominada
Golden Globe
Golden Globes, USA
Best Motion Picture - Musical/Comedy

1974
Nominada
Golden Globe
Golden Globes, USA
Best Motion Picture Actor - Musical/Comedy
Carl Anderson y Ted Neeley
1974
Nominada
Golden Globe
Golden Globes, USA
Best Motion Picture Actress - Musical/Comedy
Yvonne Elliman
1974
Nominada
Golden Globe
Golden Globes, USA
Most Promising Newcomer - Male
Carl Anderson y Ted Neeley

martes, abril 03, 2007


EL DESCANSO [THE HOLIDAY]
Dirección y guión: Nancy Meyers.
c/ Cameron Diaz (Amanda Woods), Kate Winslet (Iris Simpkins), Jude Law (Graham), Jack Black (Miles), Eli Wallach (Arthur), Edward Burns (Ethan)
USA/2006/Comedia romántica***

Convencional, pero agradable comedia romántica.

El descanso (Vacaciones en el otro título en español) es superior a Alguien tiene que ceder, otra comedia romanticona anterior de la realizadora Nancy Meyers (parece que es su “especialidad”), donde se describía la relación sentimental madura entre unos más que otoñales Jack Nicholson y Diane Keaton.
Esta vez se trata de dos mujeres independientes y jóvenes que tratan de olvidar sendos amores contrariados. Con personalidades contrapuestas (una llora fácilmente de todo, la otra es fría como un témpano de hielo), va a un ritmo pausado (lo que origina una duración de más de dos horas), se regodea con las situaciones que les sucede a los dos personajes (más con el de Cameron Diaz). Naturalmente al final –como sucede en las comedias de este género- las parejas que se formaron al azar terminarán felices comiendo perdices. Para los fans de El graduado hay un “cameo” - aparición breve y no estelarizada de un actor, director o personaje muy conocido del mundo del cine- de Dustin Hoffman y una crítica abierta –aunque un poco machacona- a la forma actual de hacer películas en Hollywood, donde el box office (la taquilla) determina si una película es buena o no. De allí que vemos últimamente tantos bodrios que provienen de allá, aunque El descanso felizmente se salva.
lagartocine@yahoo.es

lunes, abril 02, 2007


300
Dir: Zack Snyder
Guión: Zack Snyder, Kurt Johnstad y Michael B. Gordon; basado en la novela gráfica de Frank Miller y Lynn Varley.
c/ Gerard Butler (rey Leónidas), Lena Headey (reina Gorgo), Rodrigo Santoro (Rey Jerjes)
USA/2006/Acción***

Otra nueva adaptación de una novela gráfica de Frank Miller, esta vez la versión libre de la batalla de las Termópilas, donde 300 espartanos (la verdad fueron un poco más, contaron con la ayuda de pueblos vecinos) contra la invasión de Jerjes a la antigua Grecia, en lo que se conoce como la Segunda Guerra Médica.

Lo que más destaca en la cinta es la concepción visual bastante estilizada, con predominancia de colores sepias y uso constante de los efectos por computadora, así como esa fisonomía andrógina del rey Jerjes y la abundancia de torsos desnudos, lo que invita a una lectura más “moderna” de aquellos valientes soldados de la antigüedad (Jerjes en un momento determinado le agarra los hombros a Leónidas, estando este último de espaldas, y le promete todo el poder y oro del mundo si se le somete); sin embargo los personajes no tienen hondura, son bastante primarios, no existe una riqueza y complejidad como los habidos en Sin City, la otra novela gráfica de Miller que se adaptó hace un par de años. Lo que cuenta en 300 es la acción y la abundancia de sangre (hasta los créditos finales están salpicados del líquido rojo), son los mejores momentos de la película. A los amantes del género y para pasar el rato está bien.
lagartocine@yahoo.es